Und ich sag noch: “Leute, geht zu Dear Reader ins Speakeasy. Das wird sicher ein tolles Konzert.” Wollte wieder mal keiner hören. Habt ihr Pech gehabt. Denn dieser Abend war ein Hochgenuss! Und er hat meine hoch gesteckten Erwartungen noch weit übertroffen.

Erstmal kann ich nicht genug loben, dass die Leute vom Speakeasy die Reihe “Petit Sejour” aus der Taufe gehoben haben. Wer’s noch nicht kennt: jeden Dienstagabend gibt es im “kleinen Wohnzimmer” musikalische oder literarische Kleinode für schmalen Eintritt. Dazu wird der Club mit Sofas, Sesseln und Perserteppichen umgestaltet. An diesem Abend ist der Eintritt – angesichts des Bekanntheitsgrades der Band – mit elf Euro allerdings etwas höher bemessen. Trotzdem versteh ich nicht, warum manche da an der Tür rummaulen. Soviel zahlt man doch auch ohne zu Zögern für einen 3D-Movie – und hier gibt’s dafür echte, lebendige, sogar ziemlich bekannte Musiker, Live-Atmosphäre und große Gefühle!

Das Wohnzimmer ist gut gefüllt, geschätzte 150 Zuschauer dürften sich eingefunden haben. Das Vorprogramm bestreitet Amy Schmidt, Singer-Songwriterin aus Nebraska mit einigen Titeln ihres aktuellen Albums “Restless Things“. Zu ihrer Western-Gitarre singt sie über kleine Episoden aus ihrem Leben. Und warum sie überhaupt Musik macht, erzählt sie auch: Sie wollte die “endless cornfields and dirt roads” ihrer Heimat mal hinter sich lassen und die Welt sehen. “Good to be in Stuttgart tonight”. Wenn das mal keine Motivation ist. Jedenfalls liefert sie eine schöne Einstimmung – genau das, was das Konzept des Petit Sejour verspricht: kleine, feine Bands in akustischer Besetzung.

Umso überraschender, dass Dear Reader mit kompletter Band und einer beachtlichen musikalischen Ausstattung angereist sind. Dass ihre kleinen Sets, wie sie eines zum Beispiel bei TV Noir gespielt haben, wunderbar sind, davon habe mich bei zur Konzerteinstimmung schon via Youtube überzeugt. Da ihr aktuelles Album aber stellenweise recht opulent instrumentiert ist, bin ich sehr gespannt, wie sie diesen Sound mit nur vier Musikern live realisieren.

Dear Reader, also zumindest die Frontfrau Cherilyn MacNeil, kommen ursprünglich aus Südafrika, leben aber aktuell in Berlin und haben mit ihrem aktuellen Konzept-Album “Idealistic Animals” ein Meisterwerk abgeliefert. Das sage nicht nur ich. Da sind sich die einschlägigen Musik-Postillen einig. Beim Versuch, ihren Stil zu beschreiben, stößt man dabei auf Genres wie Elektro-Folk, Folk-Rock, Indie-Pop, Folk-Pop oder auch Art-Pop. Also Elektro-Indie-Folk-Art-Rock-Pop.

Auf der Bühne ist Dear Reader zu allererst Cherilyn MacNeil. Die Sängerin ist derart präsent und versprüht soviel Charme und Witz, dass die Band zuerst mal in den Hintergrund tritt. Und diese Stimme! Klar, ausdrucksstark und variantenreich, manchmal fast zu schön. Dazu spielt sie Klavier, Akkordeon und Gitarre und ist dabei nur eine der Multinstrumentalisten bei Dear Reader. Die Background-Sängerin betätigt ebenfalls Keyboards, spielt dazu aber noch Bass, Gitarre und – ganz wichtig – eine Bratsche. Und davon manchmal sogar mehreres gleichzeitig. Der Bassist steuert noch die Trompete bei. Das ist also das Geheimnis des opulenten Dear-Reader-Sounds.

Dies ist auch genau die Besetzung, in der das Album eingespielt wurde. Und es gelingt dank perfekten Zusammenspiels, die dichte, manchmal düstere Atmosphäre der Studio-Aufnahme auf die Bühne zu bringen. Zumindest fast. Wäre da nicht ein hartnäckiges Brummen auf den Boxen, das der Techniker leider erst zur Zugabe beseitigen kann. Aber dieses Hindernis nimmt Cherilyn MacNeil mit Bravour: langanhaltende, monotone Geräusche wie einen Wasserfall oder ein Brummen würde unser Hirn ohnehin irgendwann rausfiltern, erklärt sie in ihrem “beschissenen deutsch” und macht weiter im Programm.

Das Set beginnt mit “WHALE (Boohoo)”. Wie alle Titel von “Idealistic Animals” hat er ein Tier und ein großes menschliches Gefühl, ein hehres Ideal oder eine Sehnsucht zum Thema. So locker die Melodien klingen, die Texte sind durchaus melancholisch, manchmal richtig traurig. In jeder Hinsicht: dieses Konzert berührt, Gänsehaut-Stimmung macht sich breit. Es sind die schönsten Momente, wenn die Viola sparsam, aber wirkungsvoll spielt. Aber bevor sich hier Trübsinn ausbreitet, erzählt Cherylin lustige Geschichten. Wie zum Beispiel ihr Song “MOLE (Mole)” durch ein Übersetzungs-Missverständnis zu einem Lied über schwule Maulwürfe wurde. “Quatsch is my speciality, you know”

Und so höre ich im Laufe des Abends anrührende, zutiefst menschliche Geschichten über Affen, Kamele, Giraffen, Regenwürmer, Bären und Menschen. Mit “FOX (Take Your Chances)” endet der Abend.

Und natürlich greife ich am Merchandise zu: das Album – bisher nur als Spotify-Playlist in meiner Heavy Rotation – steht nun als Oldschool-Compact-Disc im Schrank. (Zur reinen Archivierung hätte ich eigentlich auch eine noch altertümlichere Vinyl-Version nehmen können). Gehört wird weiterhin via Online-Stream. So verdient die Band zweimal… wenn auch nur sehr wenig. Wenn ihr den Gig also verpasst habt, könnt ihr euch und der Band etwas Gutes tun: erweitert eure Platten-Sammlung um ein Dear-Reader-Album. Ihr werdet’s nicht bereuen.

Amy Schmidt

Dear Reader

Ach, man muss die Scorpions verteidigen: Gegen Kritiker. Gegen Skeptiker. Und seltsamerweise muss man sogar die Fans der Band manchmal ein wenig anspornen. Zunächst einmal ist es schon interessant, dass zwar keiner einen Metal-Fan ungläubig befragt, wenn er auf ein Anna Calvi-, Deine Lakaien- oder Bon Iver-Konzert geht, wohl aber bei den Scorpions. Man könnte meinen, dass die Leute irgendwie denken, da ginge sowieso keiner hin. Seltsam, dass die Schleyerhalle dann ausverkauft ist.

Ich bin kein Scorpions-Fan, war nie einer und hatte nie eine Platte. Was ich kenne, kenne ich aus dem Radio (und Radio höre ich seit 1993 nicht mehr). Trotzdem fühle ich mich betrachtet wie ein Exemplar einer aussterbenden Art, wenn mich die Gäste einer nach dem Konzert aufgesuchten Party zum Auftritt der über 100 Millionen Platten schweren deutschen Band befragen. Unterstellen wir mal, sie seien neugierig – wie ich es auch war –, unterstellen wir mal, sie überlegen sich, ob sie da etwas verpasst haben: Das haben sie – anders als ich und einige tausend andere – tatsächlich. Zu einem Fan macht mich das jetzt nicht, und – anders als einige Millionen – werde ich mir die Scorpions auch in Zukunft nicht zuhause anhören.

Wer nicht da war, hat eine Band verpasst, die mit viel Bühnenpräsenz und Spielfreude ihre Musik präsentiert. Nach den 47 Dienstjahren merkt man den Scorpions keinerlei Müdigkeit an, sondern lediglich Erfahrung darin, wie man eine gute Show macht: Die riesige Bühne mit ihrem Steg ins Publikum wirkt mit den fünf Musikern in keinem Moment leer. Beständig hetzen sie hin und her. Rennt der eine nach links, so der andere nach rechts. Und mal treffen sie sich alle vorne auf dem Steg, mal links oder rechts am Rand. Gepaart mit den Aufforderungen zum Mitsingen, Arme heben, Jubeln, wird jeder Teil der Halle angesprochen.

Vergleicht man das mal mit der Judas Priest-Abschiedstour, die ich letzte Woche gesehen habe, bringen die Deutschen hier wesentlich mehr Leben auf die Bühne. Mehr noch: Wurde Judas Priest für ihren unzeitgemäßen Einsatz aktueller Bühnentechnik kritisiert, kann man das den Scorpions bestimmt nicht vorwerfen. In feiner Abstimmung mit der fantastischen Lightshow zeigen riesige G-Lecs Filme zu den Stücken und größtenteils ästhetisch verfremdete und in die Filme eingeblendete Live-Aufnahmen der Musiker. Auch hier werden – während James Kattak sein Solo mit Werbung für sein aktuelles Album „Attack“ verbindet – unter großem Jubel die Alben-Cover präsentiert. Eingebettet sind sie aber in scheinbar speziell hergestellten Clips: Schauspieler und Bandmitglieder spielen Szenen, aus denen sich immer wieder die Cover-Motive ergeben. Im Ganzen ergibt sich ein stimmiges Show-Konzept ohne Aussetzer, das offensichtlich von dem Willen getragen wird, den Fans wirklich etwas zu bieten.

Um also nochmal auf den Judas Priest-Vergleich zurück zu kommen: War dort die Show gut, war sie hier beeindruckend. Eigentlich haben die Scorpions die Nase stets vorn – nur musikalisch hatten Judas Priest musikstilbedingt mehr Druck (aber das heißt Äpfel mit Birnen vergleichen, sprich Rock mit Metal). Druck machen bei den Scorpions nur einige der Stadion Rock- (oder Adult Oriented Rock)-Nummern wie „Big City Nights“ oder „Rock You Like A Hurricane“, die auch am begeistertsten aufgenommen werden. Eine große Zahl der anderen rockigen Midtempo-Stücke – zum Beispiel „Raised on Rock“, „Tease Me, Please Me“ oder „Hit Between The Eye“ – wollen, wie engagiert sie von Rudolf Schenker und Matthias Jabs auch vorgetragen werden, nicht richtig zünden. Ich weiß nicht, ob es daran liegt, dass diese weniger hymnenartige Refrains haben, oder ob die Songstrukturen zu gleichförmig sind. Auf jeden Fall habe ich den Eindruck, diese Stücke zögen sich. Und vielleicht geht es nicht nur mir so: Viele im – nicht ganz vorne stehenden – Publikum bleiben seltsam verhalten. Ist es völlig in die Musik versunken oder nur schwäbisch zurückhaltend (“Net gschombfa isch Lob gnuag.”)? Hier hätte ich auf jeden Fall mehr von den Fans erwartet – muss ja nicht gleich ins Extrem umschlagen. An den Live-Bemühungen der Band liegt es jedenfalls nicht – wenn dann am Song-Material. Und das ist ja nun zugegebenermaßen auch der Einwand gegen die Scorpions, den man immer wieder zu hören bekommt.

Es zeigt sich aber, dass es den Fans offensichtlich zu einem guten Teil um etwas anderes geht. Gemessen an der Reaktion in der Halle liegt die eigentliche Stärke der Band nämlich in ihren Balladen, bei denen nicht nur die Stimme von Klaus Meine vollends zur Geltung kommt: Bei „Send Me An Angel“ oder „Holiday“ und natürlich „Still Loving You“ singt auch das Publikum am vielstimmigsten mit. Und während die einen die Feuerzeuge aufflammen lassen, haben die anderen ihren Moment: Es sagt doch alles, wenn der Besucher vor mir seine Freundin bei „Loving You Sunday Morning“ ganz dicht an sich drückt. So haben alle, die da sind, eine sehr gute Show, die Fans ihre Musik und einige noch ein bisschen mehr.

Mein erster Gedanke: Boah ist das voll hier. Der zweite: Ganz schön viele Hipster, so auf den ersten Blick. Der nächste: Wo verstecken sich eigentlich all diese Hipster sonst? So groß ist Stuttgart doch gar nicht… aber bei Hipsterbands wie The Whitest Boy Alive stehen sie dann immer dichtgedrängt, Röhrenjeans, Karohemden, große Brillen und der ein oder andere ironische Schnauzer.

Es ist bereits 21 Uhr und die Schlange vor dem Eingang enorm groß. Ich denke: Komisch, aber ist wohl noch nicht offen. Dann schlängle ich mich durch und stelle fest, dass drinnen schon fast voll ist. Komische Organisation, ich höre von einer halben Stunde Wartezeit in der Schlange trotz Karte. Immerhin ist das Konzert seit März ausverkauft, und das sieht man.

In der Halle läuft elektronische Musik aus den Boxen, es ist immerhin schon 21.30 Uhr als die Vorband anfängt, die sich als It’s A Musical vorstellt. Ich höre nur das erste Lied und verziehe mich wieder in den Vorraum, wo es einfach zu viele Leute zu treffen gibt… halb Stuttgart scheint da zu sein, das Cottan macht gar einen Betriebsausflug hier hin.

Nach der Vorband läuft wieder Musik vom Band und man bemerkt eine leichte Unruhe in der Menge, und als gegen 22.30 Uhr The Whitest Boy Alive endlich anfangen, bekommt man das im Vorraum kaum mit. Überraschenderweise ist drinnen noch genug Platz und in der Nähe einer der offenen Türen ist sogar die Luft erträglich.

Die Geschichte von The Whitest Boy Alive ist eigentlich schnell erzählt: 2003 in Berlin als zunächst rein elektronisches Projekt gegründet, mit Sänger und Frontmann Erlend Øye, der wiederum eine Hälfte der Kings of Convenience ist. Erstes Album 2006, zweites Album 2009, aktuell kein Album, trotzdem Massenandrang in den Wagenhallen.

Solche Bands gibt es gerade ja viele, die so bisschen elektronische Musik mit bisschen Gesang und der ein oder anderen Gitarre machen. Aber bei The Whitest Boy Alive hört sich das besonders gut an – und funktioniert live überraschend gut. Das Konzert ist – nicht unbedingt eine originelle Feststellung – mehr wie ein DJ-Set aufgebaut als ein klassisches Live-Set, Sequenzer-Wabern und elektronische Beats vermengen sich problemlos mit Gitarre, Bass und Schlagzeug und ein Song geht nahtlos in den anderen über.

Dass das Ganze dann aber nicht eintönig wird wie ein DJ, der einen ganzen Abend lang Musik nur eines Technoproduzenten spielt, oder wie ein Frickel-Laptop-Live-Act, dafür sorgt die Präsenz von Erlend Øye. Er begrüßt artig das Stuttgarter Publikum, bewegt sich fast hippiesk im Rhythmus der Musik und breitet nicht nur einmal jesusmäßig die Arme aus, eher vor Verzückung als vor Selbstverliebtheit.

Seine Stimme ist überraschend klar und sicher, auf Platte hört sie sich manchmal etwas brüchig an, live klingt er manchmal wie Damon Albarn. Ansonsten wirken die Jungs für eine Berliner Band überraschend unhip, hier sehen Schnauzer, Karohemd und Lockenkopf wirklich echt und nicht ironisch aus.

Das Publikum ist durchaus begeistert, alle bewegen sich irgendwie mit, bejubeln die bekannteren Songs und singen bei den Hits mit. Und verzeihen sogar einen arg bemühten Song, den Øye als Mischung aus traditioneller mexikanischer und afrikanischer Musik bezeichnet.

Auch wenn es andere Stimmen gibt: Ein sehr gutes Konzert insgesamt, wer mehr erwartet hat, lag wahrscheinlich falsch. Lediglich warum die Band nach einer satten Stunde Spielzeit die vom Publikum geforderte Zugabe nicht spielt, bleibt das größte Rätsel des Abends.

It’s a Musical

The Whitest Boy Alive

Und dann kommt er, der Joseph Aloisius Ratzinger, a.k.a. Benedikt XVI., im offenen Papamobil und winkt seinen Fans, a.k.a. Gläubige, zu. Er ist 45 Minuten zu spät.

Ich bin beruflich in Rom, habe ungeplant zwei Tage Zeit und möchte mir Bauwerke des großartigsten italienischen Bauingenieurs des 20. Jahrhunderts, Pier Luigi Nervi, anschauen – was soll man sonst auch tun in der ewigen Stadt. Bei meinen Recherchen stoße ich auf den Sala Nervi, die päpstliche Audienzhalle – und lese, dass dort jeden Mittwoch eine Audienz stattfindet. Super, es ist Mittwoch, also kann ich mir das Bauwerk anschauen, und den Papst dazu. Allerdings, so lese ich weiter, muss man sich mindestens zwei Wochen vorher anmelden, es sei denn, das Wetter ist gut, dann steigt das Event open air. Anmeldung habe ich nicht, Wetter ist aber gut: also zum Papst, ohne Sala Nervi. Um 10 Uhr soll es losgehen.

Der Petersplatz ist rundherum abgesperrt, alle Audienzbesucher müssen sich einem Sicherheitscheck unterziehen wie am Flughaben mit Tasche durchs Durchleuchtungsgerät, an dessen Kontrollbildschirm allerdings niemand sitzt. Es wird konservativ abgetastet, progressive Nacktscanner kommen selbstverständlich nicht zum Einsatz.

Die Piazza San Pietro ist bestuhlt, man kennt das aus dem Fernsehen. Nun sitze ich mitten drin, um mich herum Italiener aus allen Regionen, Schweizer, bayrische Landsleute und natürlich Chinesen, die die klischeebehafteten japanischen Besuchergruppen in ihrer Auffälligkeit bei weitem abgehängt haben, nicht zuletzt deshalb, weil sie sich – gelinde gesagt – wesentlich expressiver verhalten (siehe Fotos). Es werden vereinzelt Fahnen geschwenkt, Handyfotos gemacht, es herrscht eine gespannte Atmosphäre. Zwischen den bestuhlten Blöcken sind breite, abgeschrankte Fluchtwege eingerichtet. Vor dem Petersdom ist ein Baldachin aufgebaut. Rechts davon sitzen Kardinäle, links Nonnen aus allen Herren Ländern.

10.00 Uhr. Nichts passiert. Geschätzte 3000 Leute warten. Die Veranstaltung wird auf Großleinwänden übertragen, Personenschützer mit Knopf im Ohr tauchen hoch oben zwischen Berninis Heiligenstatuen auf den Kolonnaden auf. Schweizer Gardisten halten Schwätzchen mit italienischen Polizisten.

10.30 Uhr. Immer noch nichts. Die Chinesen packen Sonnenschirme und Mützen aus, sie wollen verhindern, braun zu werden. Energische Franzosen zwingen sie, die Schirme wieder einzupacken weil sichtbehindert.

10.40 Uhr. Von Shockrocker Marilyn Manson würde ich nichts anderes erwarten als zu spät zum Konzert zu kommen, aber dass nach 40 Minuten Pralle-Sonne-Sitzens nicht eine Durchsage kommt, wie lange es noch dauert, finde ich kein gutes Veranstaltungsmanagement.

Endlich: Nach einem akademischen Dreiviertelstündchen kommt Bewegung in die Menge, irgendetwas geht vor sich. Und da biegt das weiße Papamobil (seit 2007 ein Mercedes-Benz G 500 in Perlmutt) um die Ecke, die Leute stehen auf, jubeln. Papst Benedikt XVI. fährt stehend, winkend, lächelnd und segnend auf den Fluchtwegen durch die Menge, eine Runde, noch eine Runde, kreuz und quer wie auf einem Fahrgeschäft, gesäumt von begeisterten Gläubigen, fotografierenden Touristen und gestresstem Sicherheitspersonal. Die anwesenden Jugendgruppen, ausgestattet mit gelben Gasluftballons, geben ihr typisches Benedetto… klatschklatsch-klatschklatschklatschklatsch von sich. Der Ride endet vor den Treppen zu seinem Baldachin, der Fahrer schaltet runter in den ersten Gang und rauf geht´s die Stufen mit dem holy SUV zum heiligen Stuhl – was für ein Auftritt.

Benedikt XVI. spricht ein paar Worte auf Italienisch und setzt sich. Die Audienzteilnehmer setzen sich ebenfalls. Sieben Geistliche zitieren anschließend in sieben Sprachen die Bibelstelle, um die es heute gehen wird: dem Sinn nach erscheint Petrus (der in Haft ist) ein Engel, der ihm die Fesseln löst. Petrus soll aber so tun, als wäre er immer noch in Handschellen und so weiter. Vielleicht habe ich da auch was falsch verstanden und überlagere die Bibelstory mit den typischen Gefängisbefreiungsaktionen in Italowestern. Die darauf folgende Predigt, die den eigentlichen Kern der Audienz darstellt, könnte diese Zweifel auflösen, allerdings wird sie vom Papst natürlich auch auf Italienisch gehalten. Und weil ich das nicht so gut kann, überlege ich mir nach einer halben Stunde, einen Motorroller zu mieten, um damit durch Rom zu brausen. Ciao Joseph, es war ein Erlebnis.

Irgendwann Ende der Achtziger Jahre war als ich das letzte Mal im Komma. Eine lokale Punkrock-Band lockte mich in den Laden und so reiste ich nach Esslingen. Fast eine Expedition, schafften wir es damals doch selten viel weiter als in unsere Stammkneipen, das Casino und das Exil. Doch im Komma mit seinem Hinterhof-Flair konnte ich mich auch gleich wohlfühlen. Nach dem Konzert brachte dann die Band für einen Heiermann ihre selbstkopierten Musik-Kassetten unters Volk.

(Kleiner Einschub für die jüngeren Leser: Kassetten sind kleine Plastikboxen mit einem Magnetband auf zwei Spulen. Nutzte man damals, um in stundenlanger Kleinarbeit seiner Angebeteten Mixtapes zusammenzukopieren oder einfach nur die Musikindustrie zu töten. Früher oder später verwandelte sich dann jede Cassette in so genannten Bandsalat)

Fünfundzwanzig Jahre später bin ich nun zum zweiten Mal im Komma. Agent Side Grinder, das selbst ernannte Elektro-Monster aus Schweden steht – im Rahmen des fünfundzwanzigjährigen Komma-Jubiläums – auf dem Programm. Casino und Exil gibt’s schon lange nicht mehr. Umso schöner ist es hier: ein lauschiger Fabrik-Innenhof, verblichene Punkparolen an den Wänden, graubärtige Altrocker von Kuhle Wampe und günstiges Flaschenbier lassen wehmütige Erinnerungen an die Achtziger aufkommen. Und was sehe ich auf dem Merchandising-Tisch? Musik-Kassetten!

Ja, Agent Side Grinder nehmen es genau mit ihrer Retro-Attitüde. Nicht nur historische Datenträger bieten Sie an, auch auf der Bühne sammelt sich (zuerst noch unter dunklen Tüchern versteckt) eine imposante Menge altertümlicher Musik-Elektronik. Doch dazu später.

Auf einem Stuhl vor der Bühne sitzt nämlich bereits Dustin Wong, der Support-Act. In einem exakten Halbkreis hat er vor sich eine Menge kleiner Loop-Sampler und Effektgeräte aufgereiht. Mit Hilfe dieser Geräte und seiner Gitarre macht er das, was viele Ein-Mann-Bands tun. Er spielt ein kleines Riff, zeichnet es auf, lässt es als Loop ablaufen und spielt die nächste Melodie dazu. Diese bildet den nächsten Loop und so weiter. Schicht um Schicht baut er so rhythmisch komplexe Klanggebilde auf – quasi ein musikalischer Baumkuchen. Und dies tut er wirklich virtuos. Die Sphärenklänge entwickeln eine geradezu hypnotische Wirkung. Der Musiker jedenfalls versinkt in sich und scheint das Publikum kaum wahrzunehmen. Diese Musik steht – ich übertreibe nicht – in bester Tradition der großen Minimalmusiker Steve Reich oder Philip Glass. Ein wunderbarer Einstieg in den Abend, was auch von den Schweden entsprechend gewürdigt werden wird. Nach einer guten halben Stunde packt er sein Equipment, seine Schuhe und seinen Rucksack, verabschiedet sich schüchtern und verlässt auf Socken den Saal.

Auf der Bühne sind die Gerätschaften inzwischen ausgepackt. Altmodische Keyboards, Band-Maschinen und Sequenzer stehen im Halbkreis um das Gesangsmikro, von der Decke baumelt eine imposante Stahlfeder, am linken und rechten Bühnenrand stehen Leuchtschilder. “Agent Side Grinder” und “Hardware” verkünden sie. “Hardware” ist der Titel der aktuellen CD, äh, der Musikkassette. Wie der Titel zustande kam, muss nicht länger erklärt werden.

Schick sind sie, die Schweden, allen voran natürlich Sänger Kristoffer Grip mit seiner schlaksigen Statur, im eleganten Anzug, hohlwangig, mit pomadisiertem Haar und finster-durchdringendem Blick. Der Rest der Kapelle trägt vornehmlich schwarze Overalls und Springerstiefel und guckt böse. Mit “Look Within” dem Opener ihrer aktuellen CD beginnen sie – und, was soll ich sagen, das ist wahrlich eine musikalische Zeitreise. So hätten die Bands in den Achtzigern gerne geklungen: breitschultrig, mit bös knarzenden Tiefbass-Synthesizern, fluffigem Keyboard-Sound und einem hart gespielten Bass (das einzige konventionelle Instrument übrigens). Sehr erfreulich: anders als befürchtet wird das ganze in einer vernünftigen Lautstärke zum Besten gegeben. Dem Sound tut’s gut.

Die Band scheut sich nicht, ihren Stil durch den Vergleich mit anderen Musikern zu beschreiben, so sei es auch mir erlaubt: Joy Division, Depeche Mode und Kraftwerk nennen Sie als Einflüsse. Ich glaube noch, Spuren von Front 242, Red Lorry Yellow Lorry und Human League zu erkennen. Kurzum: Wir befinden uns mittendrin im Spannungsfeld zwischen New Wave, Industrial, EBM, Elektro und auch ein wenig Dark Wave.

Grip gibt den Star. Große Gesten, dramatische Posen und ekstatische Tanzeinlagen – für ein großes Publikum und große Hallen geeignet. Das Komma ist zwar nicht ganz so groß und das Publikum überschaubar. Aber, was soll’s: das passt zur Musik, ein wenig Pathos ist da erlaubt. Ein musikalisches Kabinettstückchen sind übrigens die Loops oder Echos, die mittels einer Uralt-Bandmaschine und einzeln eingeführten Magnetbandschlaufen erzeugt werden. Die bereits erwähnte Stahlfeder hat einen Tonabnehmer und dient – Einstürzende Neubauten lassen grüßen – als Rhythmus-Instrument.

Rechtzeitig zum Ende des Sets wird auch das Publikum langsam warm, und ASG lassen sich nicht lange bitten: zwei feine Zugaben gibt’s noch. Grip hat sich wirklich verausgabt, Jackett und Oberhemd abgelegt, Frisur zerstört, Wangen gerötet  und verabschiedet sich im Feinripp.

Näher betrachtet sind’s eigentlich ganz nette Jungs. Jedenfalls könnte ich mir vorstellen, dass sie die großen Bühnen, für die sie doch schon so gut präpariert sind, noch erklimmen werden.

Dustin Wong

Agent Side Grinder

Wenn es darum geht, ein Best-of der Kultureinrichtungen Baden-Württembergs zusammenzustellen, wird es nicht viele geben, die es wagen könnten, dem ZKM das Wasser zu reichen.

Schon die Eröffnung im Herbst 1997 war ein kultureller Paukenschlag. Kraftwerk gaben eines ihrer damals mehr als raren Konzerte. Das Zentrum für Kunst-und Medientechnolgie machte sofort deutlich, dass es sich als die neue Speerspitze von Innovationen versteht.

Ich habe über die Jahre einige der Wechselausstellungen besucht. Ich möchte nicht behaupten, dass ich alle verstanden habe, schließlich kenne ich die Grenzen meines Intellekts, und wir haben uns beide sehr gut arrangiert. Aber eines war ich nach jedem Besuch in Karlsruhe: inspiriert. Die Veranstaltungen und Ausstellungen sind immer ein „kick in the ass“ seine eigenen Arbeiten voranzutreiben.

Vor einigen Wochen starteten wir mal wieder einen klassischen Sonntagsausflug mit den Kindern ins ZKM und das erste, das mir beim Gang auf die Eingangstüre auffiel, war die Ankündigung einer Ausstellung über das Werk von Dieter Meier. Ja, der Dieter Meier von Yello, den ich mit 15 in mein Teenagerherz schloss und stolz im damaligen Musik-Markt im Bietigheimer Aurain alles auf Vinyl kaufte, was es von den Schweizern gab.

„Claro que si“ und natürlich  „You gotta say yes to another excess“, das waren meine  Liebligs-Yello-Alben und als sie dann für einige Jahre richtig groß und berühmt waren, habe ich sie nicht mehr ganz so intensiv verfolgt. Doch jeder hat ja so ein paar Musiker, die in der ganz privaten Champions League spielen. Bei mir sind das Künstler wie David Sylvian, Holger Czukay, Ryuichi Sakamoto, David Byrne oder Mark Hollis, aber eben auch Dieter Meier. Denn sie waren und sind immer bestrebt ihre Musik als einen Teil des großen Ganzen zu sehen und Grenzen zu anderen Kunstformen zu überschreiten oder gar neu zu definieren.

Und als ich  nun  eher zufällig davon erfuhr, dass noch bis August das Lebenswerk von Meier in Karlsruhe gezeigt wird, fiel mir auf, dass er einer der ganz wenigen meiner Lieblingskünstler ist, die ich nie live gesehen habe.

Mittlerweile stand ich direkt vor dem Ausstellungsplakat und traute meinen Augen nicht, denn da stand die Ankündigung eines Konzertes von ihm mit der Band „Out of Chaos“ am 5. Mai. Ich weiß zwar zu gut was Chaos ist, aber mit „Out of Chaos“ hatte ich bisher nichts zu tun. Ich ging stechenden Schrittes auf die Infotheke im ZKM zu und fragte, beinahe schüchtern, nach Eintrittskarten für das sehr exklusive Konzert, denn ich war mir sicher, dafür kann es keine Tickets mehr geben. Doch es gab noch Karten und auf meine Frage nach dem Preis sagte die freundliche Dame “Au, die sin deuer…” Dass es bestimmt dreistellig werden würde, damit hatte ich mich schon abgefunden und gedanklich bereits die Kreditkarte gezückt. Und  die Dame wiederholte “Die sin richdig deuer. 25 Euro!” Mein Erstaunen über dieses Schnäppchen konnte die Dame nicht nachvollziehen, musste sie auch nicht. Ich war im Besitz von 2 Karten, nur das zählte!

Einige Wochen später stand ich also tatsächlich mit 350 anderen Besuchern im Konzertsaal des ZKM und man spürte bei ganz vielen das Prickeln “endlich mal Dieter Meier zu sehen” und ich glaube, dass außer meinem alten Bekannten Marko, der sich nach dem Konzert nicht sicher war, ob jetzt zuviel oder zuwenig von Yello gespielt wurde, sich alle einig waren, Zeuge eines besonderen Abends geworden zu sein. Es war so großartig, dass man sich vielleicht noch etwas kritischer überlegen sollte, zu welchen Veranstaltungen man geht, denn irgend etwas Spannendes gibt es fast jeden Tag.

Ich möchte aus einem Konzert mit einem Lächeln im Gesicht heim gehen, weil es der Band wichtig war, ihrem Publikum etwas mit auf den Weg zu geben, und nicht wie etwa bei den Kings of Leon beim Southside 2009. Die hatten überhaupt keinen Bock zu spielen, ignorierten ihr Publikum, und seither habe ich mit der Band weitestgehend abgeschlossen. Mittelstürmer müssen Tore schießen wollen und Künstler müssen mich begeistern oder bewegen wollen. Sonst kann ich auch zuhause bleiben.

Und genau das gelang Dieter Meier mit seinen fünf hochkarätigen Musikern. Meier, mittlerweile 67 Jahre alt, ist ein ganz großer Erzähler. Und so war der Abend voller Anekdoten seines Werdegangs. Von seiner frühen Karriere als Pokerspieler, über den Kauf seiner ersten Gitarre und der Bekanntschaft mit Boris Blank, dem musikalischen Kopf bei Yello.

Und dazwischen gab es Musik, handgemachte Musik, mit viel Herz und Zwischentönen aus Piano, Schlagzeug, Kontrabass, Gitarre und Geige. Ich kannte bis auf die wenigen Yello-Stücke nichts davon, aber da war sofort so eine Vertrautheit mit den Rhythmen und der Musik da, dass man sich einfach fallen lassen konnte, ein bisschen bewegen und schwelgen. Und textlich ging es, wie Meier es formulierte, um die Dinge, die in der griechischen Mythologie bereits ausgiebig erzählt wurden und seither immer wieder wiederholt werden. “I know she is dangerous, I know I should stay away…”

Da der Tag nicht nur aus einem bezaubernden Konzert am Abend bestand, sondern bereits mit einem anderen Highlight begann, hier das Geschehen des 5.Mai 2012 in seiner Gesamtheit. Am Morgen hatte ich ein Fußballturnier in meiner alten Schule. Jährlich treffen sich ehemalige Abijahrgänge und spielen, als ob es um das letzte EM-Ticket mit Jogis Jungs ginge. Mein Jahrgang bereitet sich momentan mental auf das 25-jährige Abitreffen vor und wir sind mit Abstand die Rentner bei diesem Turnier. Gleich das erste Spiel war gegen den Abijahrgang 2003, immerhin 16 Jahre jünger und mehrmaliger Turniersieger. Erst in der letzten Sekunde mussten wir den 3:3 Ausgleich hinnehmen, dann noch mal ein Unentschieden und 2 knappe Niederlagen. Aber wir hatten uns wacker geschlagen, dabei sein ist alles.

Weiter ging es, dass ich um 17.00 Uhr meinen Bruder und meine Schwägerin abholte, die beide erst vor kurzem ihren 50. Geburtstag feierten. Das Geschenk meiner Familie war ein Überraschungsabend für die beiden. Denn, gig-blog sei dank, war ich mittlerweile akkreditiert und konnte frei über die beiden gekauften Tickets verfügen. Also fuhren wir einfach mal los.

Ich hatte mich Tage vorher verplappert und sie wussten, dass wir zu einem Konzert fahren würden. In Stuttgart gab es an dem Abend NKOTBSB, Bushido und Zaz, und bei allen Dreien waren sie skeptisch, ob ich sie dahin entführen würde. Bei jeder Autobahnausfahrt bis Karlsruhe brodelte im Auto die Gerüchteküche. Ten Years After in Heimsheim? Golden Earring in Neuenbürg? Ich fuhr einfach unbeeindruckt bis Karlsruhe-Durlach weiter.

Als wir dann nach Karlsruhe einbogen und dem ZKM immer näher kamen, ahnten sie zwar die Endstation, aber immer noch nicht, wer sie da erwarten würde, und als ich schliesslich das Geheimnis lüftete, sah ich ein ehrliches, überraschten Lächeln in ihrem Gesicht und war glücklich. Den Geschenkkorb und die Stützstrümpfe gibt es dann zum 60. Geburtstag.

Ein befreundeter Journalist lässt in seine Texte gerne Zitate einfliessen, und würde er mich zwingen, dies auch zu tun, so würde ich mit Lou Reed enden wollen „ Oh, it´s such a perfect day…“

Das Konzert in einem Satz zusammengefasst, für alle mit wenig Zeit: zwei Boybands, die abwechselnd Lieder singen, sich viel umziehen, synchron tanzen und genau choreografierte Publikums-Interaktion betreiben, Fans in Summe sehr laut.

Ausführlicher, damit man die ganzen Konzertbilder besser drum rum arrangieren kann:

Eigentlich hatte ich mir vorgenommen, den Abend zu hassen. Backstreet Boys (BSB) und New Kids on the Block (NKOTB). Äh, hallo? Geht’s noch, Gig Blog? Ich hatte wegen dem Bushido-Konzert angefragt. Und selbst da wollte ich nur ironisch hingehen. Stattdessen zwei gealterte Boybands, die ich nie mochte und eine Horde verrückter, weiblicher Fans, die ich nie verstanden habe. Hoffentlich sieht mich keiner. Und dann auch noch Schleyerhalle. Da mag ich doch das Essen nicht so. Und was schreib ich da um Himmelswillen? Hoffentlich liest mich keiner.

Das Konzert war dann irgendwie überraschenderweise gar nicht so schlimm wie befürchtet. Die alte Boyband (NKOTB) und die junge Boyband (BSB) veranstalteten so etwas wie einen Bandbattle. Oder Charthit-Ping Pong. Sie trugen auf jeden Fall ihre Hits abwechselnd und an unterschiedlichen Orten in der Halle vor. Für mich als Frontalmusikfan (also Band steht auf Bühne, macht Musik und bewegt sich wenig, wenn Bewegung, geht irgendetwas kaputt. Im Regelfall der Frontmann) war das ganz schön verwirrend. Teilweise habe ich das halbe Lied über die Bandmitglieder auf all diesen Hauptbühnen, Nebenbühnen, Podesten, Stegen und Co. gesucht. Und darüber fast das Mitsingen, Mitkreischen und Mitschreiben vergessen.

Stimmlich klang vieles nicht so ganz wie auf Antenne 1. Aber da bin ich nicht kleinlich. Wäre bei Bushido wahrscheinlich auch nicht anders gewesen. Wunderbar war die Stelle, an der die Boys vier Fans auf die Bühne geholt, auf Barhocker gesetzt und romantisch umtanzt haben. So etwas habe ich mir immer von Blur gewünscht. Damon und ich. Und dazu „End of a Century“. Aber nee. Dafür waren sich die Herren Britpopper immer zu indie. Hätten es ja ironisch tun können. Ich hätte auch ironisch geschmachtet.

Was mich wirklich verwundert hat, war, dass ich fast alle Songs mitsingen konnte. Also nicht nur die der Boys. Auch die alten Kids-Lieder. Die Kids mochte ich fast mehr. Was wahrscheinlich auch daran gelegen hat, dass die viel besser in Schuss waren. Also so Bizeps, Trizeps und Sixpack-Technisch. Und dass Donnie Wahlberg bei „Band of Brothers“ mitgemacht hat. Und Marky Marks Bruder ist. Der wiederum einer der besten Freunde von Joaquin Phoenix ist. Welchen ich spitze finde. Da können die Boys mit ihrem Nick Carter, der einmal mit Paris Hilton zusammen war und jetzt ein klitzekleines Bäuchle hat, einfach gossiptechnisch nicht mithalten.

Die Fans selbst fand ich großartig. So viel geballtes „Yeah! Party“-Gefühl hat selten ein Publikum ausgestrahlt. Böse Zungen behaupten, das lag am Prosecco vor Konzertstart. Ich glaube, das lag daran, dass 10.000 ehemalige Mädchen für 2,5 Stunden keine Mütter, Ehefrauen, Kollegen und Steuerzahler spielen mussten, sondern nochmal 13-Jährige Teenager sein konnten. Der Trick hat aber leider nur bei echten Fans funktioniert. Ich habe sehr laut mitgesungen, blieb aber trotzdem 32 Jahre alt. Mist.

Dieses Konzert als Nicht-Fan zu besuchen, war sowieso ein bisschen, wie sich an einem kalten Wintertag von draußen die Nase an der Fensterscheibe plattdrücken, während drinnen der Prototyp der heilen Familie zusammen Weihnachtsgeschenke auspackt. Man ist ganz nah dran, aber darf nicht dabei sein.

Und ich gebe es zu: ich habe die Mädels ziemlich beneidet um ihrem Abend – und ein bisschen auch um ihr supereuphorisches Fansein damals. Muss toll gewesen sein, so ganz ohne Ironie und falscher Coolness.

Habe mir übrigens nach dem Konzert ganz unironisch „Step by Step“ und „Tonight“ bei iTunes heruntergeladen. Fliege ich jetzt aus der Subkultur-Gewerkschaft?

Man hat den Song-Titel schon gewispert, während das Publikum auf die Zugabe wartete: „Living After Midnight“, und ja, er wird kommen, als letzter Song des Abends. Noch aber spielen Judas Priest ultragefrickelte Soli zu dem geradlinig stampfenden Beat von „You’ve Got Another Thing Coming“. Lang ausgespielt wird der Song, heiß gepeitscht ist das Publikum. Es ist ein Tanz auf dem Vulkan: Die Show hat ihren Höhepunkt erreicht, es fehlt nur noch der Donnerschlag zum Ende. Die Leute spüren es und wollen es doch nicht wahr haben. Sie sind euphorisiert und machen sie alle mit, die Ruf-und-Antwort-Spielchen: „Three more metal maniac calls“, werden da gefordert, die Pyros lassen es nochmal richtig krachen, „two more“, „one more“. Rob Halford setzt mit seinem infernalischen Kreischen ein, bevor der Song im zweiten Grande Finale des Abends gipfelt: Double Bass, Lasernebel, sich steigernde Gitarren. Der Lichtmischer gibt nochmal alles, während die Stimmung im Publikum ihrerseits Funken zu schlagen scheint. Abschiedsgesten nach zweieinviertel Stunden, Winken, verteilen von Plektren, Glenn Tipton tauscht vielsagende Blicke mit der ersten Reihe. „Make a shit load of noise“ wird gefordert, bevor Scott Travis zum letzten Song anheizt.

„Living After Midnight“ also. Halford singt nur das erste Wort jeder Zeile, den Rest übernimmt die ganze Halle. Von der Decke fällt ein neues Backdrop herunter, auf dem „Judas Priest United“ steht. Das schmissige Riff des Songs vom 1980er Album „British Steel“ lässt die Menge ausflippen, bevor es ganz aussetzt und das Publikum den vierten Refrain allein und nur von Drums begleitet singt. „Eins, zwei, drei, vier, Living …“ setzt Halford schließlich nochmal ein, dann steigert sich das Stück zum Schluss.

Das ist der Höhe- und Endpunkt. Nichts gibt es mehr zu wollen nach knapp zweieinhalb Stunden der britischen Heavy Metal-Band: Zu „Hell Bent For Leather“ kam Halford wie immer mit seiner Harley auf die Bühne gerollt – krasser Sound, wenn der Motor bei voll aufgezogenem Regler durch die P.A. knattert. Gleich muss man an Steppenwolfs Metapher für diesen Sound denken:

I like smoke and lightning
Heavy metal thunder
Racin’ with the wind

Davor gab es schon einen ersten Höhepunkt, als Judas Priest ihre beiden Hits „Breaking The Law“ und „Painkiller“ nur durch ein Drum-Solo getrennt aufeinander folgen ließ. Im Schein von Flammenfontänen schreien 5.000 Leute im Chor „Breaking The Law“. Welch eine Vorstellung, dass sich nur 500 Meter weiter eine andere Menschenmasse im Dirndl über das Frühlingsfest schiebt. Dann lieber „Painkiller“:

He’s half man and half machine
Rides the Metal Monster
Breathing smoke and fire

Gleich muss man nochmal an Steppenwolf denken. Wie passend, dass er auf dem Cover des gleichnamigen Albums (1990) auf einem Motorrad mit Kreissägeblättern als Rädern zu sehen ist. Live dann: Feuer, Nebel, Lasershow.

Im Ganzen präsentiert sich Judas Priest als konsequente Steigerung, die auf diese bekanntesten Songs hingearbeitet hat, die dann geballt kommen. Die Spannung hat sich über die fünf Songs seit dem Kickstarter „Turbo Lover“ kräftig ausgeweitet, das augenzwinkernd durch die Backdrop-Projektion eines Dampfhammers illustriert wurde. Man merkt der Band schon an, dass sie genau weiß, wie man die Dramatik eines solchen Konzertes aufbaut. Leider zeigt nur der Neuzugang Richie Faulkner wirkliche Bühnenpräsenz. Das fängt schon damit an, dass er sich als einziger konsequent vorne auf der Bühne aufhält und am meisten bewegt. Sympathisch schrullig ist dagegen der Zeigefinger von Tipton, mit dem er andauernd jemandem signalisiert, dass er gerade ihn ansieht, während er durch wilde Mimik irgendetwas zum Ausdruck zu bringen versucht. Etwas deplatziert wirkt dagegen Ian Hill, der zwar deutlich mit der Musik mitgeht, aber scheinbar an eine der Ketten gelegt wurde, mit denen die Bühne dekoriert ist. Halford dagegen schreitet über die Bühne, was mal an die Erhabenheit eines Priesters erinnert, mal an die Schwerfälligkeit des Golem. Schade, das war nicht immer so, wie die Aufnahmen aus Memphis 1982 zeigen. Gut, ist 30 Jahre her. Kein Wunder vielleicht, dass die „Epitaph World Tour“ die letzte Welttournee sein soll, ohne dass sich die Band deswegen gleich auflösen wird.

Ist Halford bei seinen Bewegungen auch zurückhaltend, ist er doch stimmlich in Hochform und führt seine reichhaltige Garderobe vor – von der Leder-Nieten-Jacke über die Jeans-Nieten-Jacke zum silbernen Cape beim begeistert aufgenommenen „Prophecy“ und dem ebenso silbernen Gehrock zum Lametta-Mantel. So gibt es zusätzlich zur Lightshow und den hinten projizierten Plattencovern immer was zu sehen und obendrein klaren schneidend scharfen Sound – bei den ruhigen Passagen in Joan Beaz’ „Diamonds & Rust“, dem klassischen Cover, bis zu den schnellen beim Opener „Rapid Fire“. Da zeigen sie auch gleich, dass sie in Vergleich zu ihrer brillanten Vorband Thin Lizzy mit wesentlich mehr Wumms daher kommen.

Die Iren indes haben auch wirklich viel zu bieten: Unter einem schlichten in verschiedenen Farben glitzernden Logo zeigen sie so viel Spielfreude, dass nachher manch einer sagt, dass sie Judas Priest an die Wand gespielt haben. Aber schon in den belauschten Diskussionen gab es zu dieser These deutlichen Widerspruch. Wie dem auch sei: Lockere Songs wie „Boys Are Back in Town“, „Black Rose“ oder das natürlich unvermeidliche „Whiskey In A Jar“ machen immens viel Spaß. Mit großer Geste werden die Fäuste und Gitarren in die Höhe gereckt oder bei „Rosalie“ von Ricky Warwick und Scott Gorham ein Mikro geteilt. Wie Judas Priest weiß die Band, wie man mit dem Publikum umgehen muss, wie Judas Priest sind sie völlig routiniert und doch begeistert von dem, was sie da tun. Und das Publikum ist es ebenso. Schade nur, dass Thin Lizzy nicht länger spielen konnten. Aber das bleibt das einzige Manko an diesem Abend, vom ersten Ton bis „Living After Midnight“.

Nach Mitternacht allerdings fährt man mit der U-Bahn auch die 500 Meter weiter und begegnet somit den Besuchern des Frühlingsfestes. Da kommt es den Priest-Fans dann zu pass, dass sie schon so gut eingesungen sind: Während eine Gruppe offensichtlich auswärtiger Volksfestbesucher sich darin versucht, weiterhin „Paul muss kacken“ zu singen, wird sie durch ein nachhaltig intoniertes „Breaking The Law“ einfach niedergesungen.

Joy Division 2.0: Agent Side Grinder am 08.05. im Komma in Esslingen.

1. What was the most wonderful gig you ever played?
Kristoffer Grip: The student festival in Caen, France. 6000 people dressed up as Tintin, The Reaper and Marsipulami!

2. Where would you absolutely love to play?
Kristoffer: Barcelona.

3. Please describe your worst studio experience.
Kristoffer: When the cables are burning.

4. What would your music sound like if Elvis had never existed?
Kristoffer: Like early Tommy Steele.

5. The title of the book that touched you most is…
Kristoffer: Songs of Faith and Experience – William Blake.

6. Which ringtone do you use?
Kristoffer: Sounds like an old phone.

7. The most beautiful love song ever is called…
Kristoffer: Blue Velvet – Bobby Vinton.

8. Which song (except your own songs) do you know by heart?
Kristoffer: In dreams – Roy Orbison

9. Which Beatles song deserves a decent cover (by you)?
Kristoffer: A Day in the Life.

11. Which TV show is essential?
Kristoffer: The news.

12. Please tell us your favourite joke.
Kristoffer: Market competition.

13. Describe the perfect stage outfit.
Kristoffer: Suit and leather.

14. Your favourite candy?
Kristoffer: Grapes.

15. What would you be today if you had not become a musician?
Kristoffer: A musician.

16. In which band would you like to play (except your own)?
Kristoffer: The 80ies russian band Kino.

17. What’s your favourite instrument?
Kristoffer: Saw.

18. The greatest musical genius (dead or alive)?
Kristoffer: Brian Eno.

20. How would you spend an unexpected gift of 1000 Euro (you’re not allowed to invest in alcohol, cigarettes, drugs, holidays or prostitution)?
Kristoffer: Charcoal and paper.

21. Have you ever been to Stuttgart?
Kristoffer: Never, so we are very much looking forward to experience it!

Rainer Hartmann kommt aus dem Allgäu, nennt sich Rainer von Vielen und spielt Bastard-Pop. Manche finden das lustig, andere wohl nicht.

“Mit den deutschen Bands, die wir gut finden, hat das wenig gemeinsam.”
- Spex, Martin Hossbach

“Ich finde das furchtbar, mit dieser Musik möchte ich nichts zu tun haben.”
- Visions, Jan Schwarzkamp

“Ich hasse diese Band.”
- Dieter Bohlen

Genüsslich zitiert Rainer von Vielen seine Kritiker auf der Band-Website. Er weiß: Er hat sich im Laufe der Jahre eine treue Fan-Gemeinde erspielt, die seinen Humor und seine Musik schätzen und vor allem seine fulminanten Live-Auftritte lieben. Da können ihm die miesepetrigen Urteile der Spaß-Verächter herzlich egal sein. Vermutlich hat auch keiner von denen jemals ihn und seine Band live gesehen.

In den Wagenhallen haben sich jedenfalls einige hundert Fans versammelt, die genau wissen, was sie heute erwartet. Ein besonderes Highlight auf seinem immer gut gefüllten Tourplan sind nämlich die gemeinsamen Konzerte mit der Kemptener Ethno-Trance-Elektro-Combo Orange. Und wer ein Konzert in dieser Kombination schonmal gesehen hat, weiß, dass dies eine lange, schweißtreibende Nacht werden wird.

Eröffnet wird der Abend von Rainer von Vielen und seiner Band Kauz. Und sofort geht es heftig zu Sache: “Der Abstand”, “Neu definieren” und “Tanz deine Revolution” – allesamt “Hits”, die die meisten lautstark mitsingen können – werden mit Mitsch Okos schneidender Metal-Gitarre zu echten Anheizern. Es ist eine krude Mischung, die den Besuchern in der Folge um die Ohren gehauen wird: tibetischer Kehlkopfgesang, Polka, Hip-Hop, Techno, Metal, Reggae, Schunkel-Akkordeon, Synthie-Gefiepse und Gejodel. Das ist wahrlich Bastard-Pop! Der Alptraum eines jeden Schubladen-Denkers und Musikpuristen.

“Von vielen Stilen so viele / es gibt den Kopf um die Ärsche zu bewegen / Doch eines gibt es glücklicherweise nicht: es gibt kein zurück!”

Höhepunkt der Gemütlichkeit ist natürlich der Sido-Klassiker “Mein Block” (Video), den Rainer von Vielen als Ländler mit Jodel-Einlage zum besten gibt und “Alles verloren”, der Dub-Reggae, den er für Binder & Krieglstein komponiert hat. Eineinhalb Stunden später endet die erste Hälfte des Abends mit “Teknoskat”, einem furiosen Kabinettstückchen aus Obertongesang in Scat-Technik und Technobeats.

Das Publikum jedenfalls ist glücklich und verschwitzt und ist eigentlich schon längst auf seine Kosten gekommen. Aber dies war ja erst der Geschichte erster Teil. Wer sich beim Tanzen allzu sehr verausgabt hat, dürfte mit der zweiten Hälfte des Konzerts noch seine liebe Mühe bekommen.

Denn nun betreten die sechs Mannsbilder von Orange die Bühne. Das Setting ist ein gänzlich anderes: drei Percussion-Sets, Drums, ein Didgeridoo und Rainer von Vielen an einem Korg MS-20. Ganz klar: jetzt wird’s rhythmisch. Und wie! Orange spielen eine Art Ethmo-Trance oder Ur-Techno, bei dem mit Didgeridoo und Synthesizer sphärische Klänge über einen dichten Teppich der üppigen Rhythmus-Sektion legen. Das entfaltet nach einiger Zeit eine geradezu hypnotische Wirkung und bringt den ganzen Laden wieder in Bewegung.

Beeindruckend ist, dass Drummer Niko Lay in beiden Bands trommelt und so in der Summe ein Programm von fast vier Stunden spielt. Chapeau!

Mit dem Titel “Chuwenga” schließt sich dann der Kreis: “Leben den Lebenden”, das drei Stunden früher bereits mit Kauz gespielt wurde, findet sich in einer anderen Interpretation in diesem Titel wieder.

Rainer von Vielen:

Orange: