ACHTUNG, ACHTUNG: Scream sind zurück! Bitte mal alle fest anschnallen: Anarcho-Schockwellen türmen sich auf, am Horizont der totglobalisierten Welt, brennt ein Inferno aus markerschütterndem Hardcore Punk! Die Absurdität der ganzen gottverdammten Anpassung wird einem Generalangriff unterzogen. So wie das einst bei der Entstehung vom Punk-Rock war, als The Clash und die Sex Pistols die Welt revolutionierten, oder dieses zumindest versuchten.

Nein, Punk hat die Menschheit nicht von der Anbetung des Mammon befreit. Aber die großen alten Punk-Rocker von Scream (berühmt geworden durch das Independent Label Dischord Records) wollen das nicht hinnehmen und versuchen es einfach weiter, versuchen es wieder und das nach fast 20 Jahren. Die neue Scheibe (nur auf Vinyl erhältlich) Complete Control Sessions war nach der unerwarteten Reunion eine erfreuliche Überraschung. Mit dem differenzierten, teils ganz neuen und doch brachial punkigen Sound überzeugt die Scheibe und begeistert die Fans. Die alten Platten sind im Zuge der Neuveröffentlichung praktisch ausverkauft. Das nenne ich eine Wiederauferstehung!

Nun gehen die Brüder Pete (Vocals) und Franz (Lead-Guitar) Stahl mit Bassist Skeeter Thompson und Drummer Kent Stax (also in der Gründungsformation) auf große Europa-Tournee. Heute machen sie in Stuttgart im Schocken Station. Mit an Bord, ein Neuer: Gitarren Virtuose Clint Walsh (der den zeitweiligen Gittaristen Robert Lee Davidson ersetzt).

Manche Fans werden Dave Grohl von den Foo Fighters vermissen. Grohl war bei Scream am Schlagzeug (als sich Stax eine Auszeit nahm) und hatte die Band stark beeinflusst. Aber ein bisschen scheint sein Geist Scream weiter zu begleiten, das neue Album wurde in seinem Studio 606 aufgenommen. Irgendwie scheint die Band mit der Vergangenheit ihren Frieden gemacht zu haben.

Und wenn eine Band ihrem Namen alle Ehre macht, dann Scream. So schreit sich Pete gleich zu Beginn die Seele aus dem Leib und ist nach zwei Songs schweißgebadet. Die Geräuschlawine aus verzerrten Gitarren und ohrenbetäubendem Schlagzeug-Gedonner zieht einen in ihren Bann. Bei Scream wird Anarchie musikalisch durch-dekliniert. „Keep the spirit up!“ wird ins Publikum gegrölt und die Menge antwortet mit kollektivem Head-Banging. Pete geht dabei ganz direkt auf die Leute zu, springt von der Bühne, schreit einem ins Gesicht und treibt mit rudernden Armbewegungen die Menge näher an die Bühne. Entkommen? Zu spät! Aus der Erfahrung nicht!

This side up! (vom zweiten, gleichnamigen Album der Band) gibt einem das Gefühl, dass das Schocken gleich abhebt, weil für all die extremen Emotionen einfach nicht genug Raum zu sein scheint. Pete verbiegt seinen Leib, seine Halsschlagadern pochen. Sich festklammernd am Gerüstbalken, hört er nicht auf himmelwärts zu schreien: What can we do? Begleitet von Gitarrensoli der Verzweiflung. Neue Nummern wie Stopwatch gehen durch Mark und Bein. No Money – Feel like that lässt die Band mit den Fans verschmelzen.

Zwischen Wut und Hass kommt immer wieder ein trauriges Wehklagen zum tragen. Reggae und Blues schimmern da deutlich hervor. Besonders bei dem Song für den am gestrigen Tage verstorbenen Don Cornelius (einer US-Musiklegende, die vielen farbigen Musikern zum Durchbruch verhalf). Cornelius hat den Freitod gewählt. Scream verbeugt sich mit einem Song. Pete: “For the guy who is now somewhere out there.” Punk ist halt immer auch hart am Tod gebaut.

Da wird dann Hardcore plötzlich zur tiefschürfenden Suche nach dem Sinn des Seins. Gerade weil so einfach brutal und gnadenlos laut. Scream schreit einem die Ursuche nach dem eigenen Weg, dem Streben nach einem besseren Sein, jenseits der vorgezeichneten Bahnen, erbarmungslos grausam ins Bewusstsein zurück. Die Vergänglichkeit und Sinnlosigkeit eines marktkonform herunter gelebten Lebens, wird da mit Akkord-Trommelfeuern offen gelegt. Was bleibt, ist der Kampf dagegen. Was bleibt, ist der nie enden wollende Schrei.

Das Stuttgarter Kammerorchester ist das älteste Kammerorchester der Welt und seit 1945 musikalischer Botschafter der Landshauptstadt in der ganzen Welt. Im Rahmen einer Langzeitreportage begleitete ich die 17 Streicher auch auf ihrer Tour nach Norwegen und Indien.

Früh am Morgen begann die Reise am Stuttgarter Hauptbahnhof mit der gemeinsamen Fahrt zum Frankfurter Flughafen und von da per Flugzeug direkt nach Oslo. Warum Norwegen trotz seiner unschlagbaren Naturschönheiten als Urlaubsort eher schwierig ist, verstand ich nach einem durchaus überschaubaren Mittagessen. Ein Burger mit ein paar sogenannten Kartoffelecken und einem Glas Bier machten zusammen die atemberaubende Summe von 43 Euro.

Etwas betäubt von diesem Ereignis traf ich die Musiker bei der Einspielprobe wieder. Diese meist etwa 30-minütige Probe ist für mich immer die beste Zeit ,um meine Fotos zu machen, da ich mich da frei bewegen kann und mir auch das Klicken der Kamera meist verziehen wird. Während der Konzerte ist es meist unmöglich, gut zu fotografieren, deshalb nutze ich diese Zeit dann oft, um mit der Kamera um die Häuser zu ziehen, denn ein Teil meiner Reportage ist auch die Vielfalt der Auftrittsorte zu zeigen. Allein im letzten Jahr waren das Amsterdam, Wien, Zürich, Basel, Barcelona, La Coruna, Vigo, um nur einige zu nennen.

Am nächsten Tag fuhren wir dann für ein weiteres Konzert nach Sandefjord in den südlichsten Teil Norwegens. Die letzte Nacht in Norwegen verbrachten wir in einem Flughafenhotel in Oslo, denn es sollte eine extrem kurze Nacht werden. In aller Frühe starteten wir nach London und von da direkt weiter nach Mumbai. Die Ankunft in der indischen Metropole war kurz nach Mitternacht und als wir schließlich alle die Einreise erfolgreich hinter uns brachten, empfing uns vor dem Flughafen brodelndes Leben und tropische Wärme mit erdrückender Luftfeuchtigkeit. Bei Ankunft im Hotel „Taj Mahal Palace“, einem der geschichtsträchtigsten und imposantesten Hotels der Welt, war es dann schon kurz vor 3 Uhr.

Der nächste Tag war für alle frei und jeder konnte sich in kleineren und größeren Gruppen sein Bild der Stadt machen. Der unmittelbare Eindruck von Armut ist ständiger Begleiter, wenn man die Stadt entdecken möchte. Schon 50 Meter vor dem Luxushotel liegen vierköpfige Familien auf dem Gehweg zur gemeinsamen Nachtruhe. Aber genau so allgegenwärtig sind die intensiven Farben und Gerüche und die Freundlichkeit der Menschen. Am längsten in Erinnerung wird mir wohl die Luftfeuchtigkeit bleiben. Ich sah den ganzen Tag aus, als ob ich mit Klamotten direkt der Badewanne entstiegen wäre.

An den nächsten beiden Abenden  fanden dann zwei Konzerte im National Centre of The Performing Arts in Mumbai statt. Der erste Abend wurde vom Kammerorchester alleine gestaltet. Beim zweiten Konzert kamen noch einige indische Musiker dazu, die auch die komplette restliche Tour mitmachten.

Nach 3 Tagen Mumbai flogen wir dann weiter ins IT-Center Indiens, nach Bangalore. Hier blieb leider keine Zeit viel von der Stadt zu sehen, es war eher ein klassischer Tourtag: Aufstehen, Frühstück, Fahrt zum Flughafen, Flug, Fahrt ins Hotel, kurzer Aufenthalt, Fahrt in die Halle, Probe, kurzes Warten, Konzert, Fahrt ins Hotel, Abendessen. Und am nächsten Tag dann gleich weiter nach Chennai, besser bekannt unter dem früheren Namen Madras, wo das letzte Konzert der Stadt stattfand. Und hier hatten wir nach dem Konzert nicht mal mehr Gelegenheit ins Bett zu gehen, denn mitten in der Nacht war unser Rückflug Chennai-London-Frankfurt angesetzt.

Wieder zuhause angelangt, hatte ich das Gefühl von einer dreiwöchigen Reise heimgekehrt zu sein, so vielfältig waren die Eindrücke und Erlebnisse in diesen acht Tagen. Dies war jetzt die Kurzfassung der Reise. Wer Lust hat mehr zu erfahren, kann gerne im Blog des Kammerorchesters die Reise Tag für Tag nachlesen, denn gemeinsam mit den Bloggern Max B. Wagner und Uli B. Forner stellte ich jeden Tag Fotos und Gedanken ins Netz.

Hinterher bleiben mehr Fragen als Antworten: Meint er das ernst? Wenn nicht, wieso macht er das dann schon so lange? Wenn doch, was will er uns damit sagen? Egal, unterhaltsam ist das allemal, was der, und das glaube ich nun sicher sagen zu können, wahnsinnige Andreas Dorau mit der quäkenden Mickey-Mouse-Stimme und seine beiden nicht minder, aber anders verballerten Musiker Matthias Strzoda (Schlagzeug und, äh, Gesang?) und Tim Lorenz (Laptops und, äh, Gesang) da am Samstagabend produzieren.

Inkonsequent, so auch der Titel des ersten Songs, sind sie jedenfalls nicht: Hart an der zu ertragenden Schiefheits- und Lautstärkegrenze intonieren Dorau und Co. äußerst konsequent und mit viel Körpereinsatz viele neue Hits vom aktuellen Album Todesmelodien, aber zum Beispiel auch die pralle Eurodance-Nummer Girls in Love von anno dazumal.

Vielleicht ist das das Dorau-Rezept: Er orientiert sich immer an den aktuellen Poptrends, so gab’s in den 80er den New Wave-Hit Fred vom Jupiter, in den 90ern die Girls in Love, und jetzt clevere, zeitgemäße Elektro-Beats. Diese Trends reproduziert er aber nicht einfach, sondern dreht sie durch seine sektgetränken Synthies und textet dazu Strophen und Refrains, bei denen man sich fragt (wieder eine ungeklärte Frage), ob die jetzt entweder total profan oder doch verschmitzt philosophisch sein sollen.

Zum Beispiel die witzige Shuffle-Nummer Stimmen in der Nacht, hier der komplette Text, der dann endlos wiederholt wird:

Ein halbdunkles Zimmer, braunes Gebälk,
an der Wand die Tapete, die dir so gefällt.
Die Lichter der Straße stolpern herein
Ich hör deine Stimme, das kann doch nicht sein.
Stimmen in der Nacht, ich bin aufgewacht
Stimmen in der Nacht, haben mir was mitgebracht

„Der Sänger ist nicht alles“, erklärt er zwischendurch mal seinem Schlagzeuger. Da könnte man denken, dass er sich selber nicht so ganz ernst nimmt, aber in der Vehemenz, mit der er seine Texte schmettert und die Bühne im Griff hat, erkennt man eher große Ernsthaftigkeit und Überzeugung als spaßigen Ulk. Das spiegelt sich bei ihrer scheinbaren Profanität auch in den Texten wieder, Todesmelodien heißt das Album ja auch nicht umsonst. Irre übrigens, dass diese Stimme auch live tatsächlich so klingt wie auf Platte, der singt einfach so wie ein zehnjähriger Junge und sieht auch ein bisschen so aus, zumindest sehr jung für seine 48 Jahre.

Probiertipp: Nach den schweißtreibenden Performances, etwa vom Opener Größenwahn vom aktuellen Album, erfrischt sich Dorau mit einer durchaus inspirierende Getränkeauswahl, Sekt aus dem Weizenglas mit Eiswürfeln, dazu ab und an einen Underberg. Kann man mal ausprobieren. Das prima kuratierte Pop Freaks Festival im Merlin erlebt jedenfalls hier seinen Freak-Peak, verschrobener wird’s nicht mehr.

Zurück zu den ganzen Anfangsfragen: Was das alles bedeuten soll? Immer noch keine rechte Ahnung, aber das ist so eigen, dass das ziemlich Kunst ist. Und bevor man anfängt zu arg zu grübeln, kann man zu Dorau auch prima wippen, einen Underberg stürzen und an nichts denken.

Wenn Dich von den Wänden Deiner Stadt eine schöne Frau mit kaputtem Brillenglas  traurig-melancholisch-entfernt anschaut, macht man sich als Hornbrillenträger einfach Sorgen und muss der Sache auf den Grund gehen. Als mir auf dem Schulhof der Rohracker Grundschule bei einem gewagten Experiment, für welches ein Skateboard eine richtig schiefe Ebene und ein gleichaltriger waghalsiger Mitschüler nötig waren, mal so richtig die Sehhilfe zu Bruch ging, habe ich folgendes gelernt: Beton ist ganz schön hart, ein Skateboard mit zwei Jungs fährt richtig schnell, die Zeit heilt alle Wunden und durch so eine Splitterbrille sieht die Welt ganz interessant aus. Was ist wohl ASA passiert? Denn diese Dame schaute mich von ihren Konzertplakaten durch ein halbdemoliertes Nasenfahrrad an. Was hat sie wohl gelernt? Werden wir heute Abend davon hören?

Bilderzauberer Andi hat den digitalen Film eingelegt, mein Bleistift ist spitz, der gelbe Blitz hatte keinen Kolbenfresser, es kann also losgehen. Als Vorgruppe spielt Y’akoto aus Hamburg. Vier Jungs umspielen gekonnt ihre singende Frontfrau im lustigen kleinen gelben Lampenschirmkleidchen, die beim Publikum gleich von Anfang an punktet, weil sie den Herrn an der Lichtregie charmant bittet, das Saallicht etwas aufzudrehen, da sie uns sehen möchte. Sie singt irgendwo zwischen Skye Edwards und Macy Gray und die starke halbe Stunde macht Lust auf mehr. Im März kommt das Album.

Als nach einer Viertelstunde dann Asa die Bühne betritt, bin ich natürlich erst mal erfreut, dass die Brille wieder ganz ist und sie ein Malcom X-Gestell mit unzerbrochenen Gläsern auf der Nase hat. Dann wird’s überraschend. Beim Vorhören hatte ich manchmal ein bisschen befürchtet, dass das Konzert eine glatte Neosoulangelegenheit mit afrikanischen Klangtupfern für Gepakaffeetrinker und Gesinnungsleinentaschenträgerinnen werden könnte. Mit geschlossenen Augen wähnt man sich jedoch eher bei Melissa Etheridge oder einer anderen klanglich verwandten Rockröhre. Die beiden Gitarristen legen ordentlich los und wissen sogar, dass man beim saitenquälenden Zwischensolo immer in die Knie zu gehen hat. Der Schlagzeuger haut ganz ordentlich auf seine furztrocken aufgezogenen Fell und treibt das Ganze gewaltig voran. Das Publikum ist aus dem Häuschen und Asa kann den Hit „Why can’t we“ vom neuen Album, den schon ziemlich viele kennen, früh und schnell verfeuern, denn die Chefin hat den Laden hier und heute im Griff. Was wir dann zu hören bekommen, ist eine Musikmischung, wenn mir das jemand vorhergesagt hätte, wäre ich überzeugt gewesen, dass das nie funktionieren kann. Reggaeelemente, Afrorock, eine Ballade in Youruba und fiese Diskokeyboardklänge fusioniert die Dame im Ballettrock zu einem sehr fröhlichen Abend. Als sie die Bühne zwischendurch den Herren der Band überlässt und die sich in ganz gewagte Pink Floydartige Gitarrenduelle versteigen, ist das immer noch gut. Asa kommt mit einer Babytrompete zurück, steigt mit ein und der Mischer legt noch mehr Hall drauf, als bei Jan Gabarek in der Tübinger Stiftskirche. Ich sag’s verwundert: Das hat funktioniert und Spaß gemacht.

Ganz klar ist, dass es heute heftiger zugehen soll, als auf der Platte. Die ist ausschließlich für daheim und den Sessel. Life und in Farbe wird gerockt, dass es kracht. Wenn es mal ruhiger zugeht klingt Asas Stimme brüchig wie Billie Holiday, was mir bei den ruhigeren und melancholischen Momenten sehr gut gefällt. Mir fällt keine andere Sängerin ein, der ich so schnell verziehen habe, dass sie auf der Bühne die Schuhe auszog und wie ein bekiffter Waldorfschüler ihre Liedtexte tanzte. Irgendwann verschwindet sie hinter der Bühne, kommt mit Fußglöckchen zurück und führt einen Ausdrucksstampftanz auf bei dem Joaquin Cortes und Michael Flatley neidisch werden könnten. Bei der zweiten Zugabe hat es Asa dann geschafft, dass der komplette Saal steht und sie lautstark beim improvisierten Kuss-Song unterstützt. Dazu und zur gewagten Musikmischung kann man der charismatischen großen kleinen Dame aus Nigeria nur gratulieren. Ich hab noch nie gehört, wie jemand so gekonnt Musiken gemischt hat und auf so schmalem Kitschgrat wanderte, ohne abzustürzen oder dass jemand mit schmerzverzerrter Miene „Crossover-Alarm“ geschrien hätte. Chapeau! (Ob’s wohl an der neuen Hornbrille lag…?)

Auf vier der Veröffentlichungen von Nine Inch Nails ließ Trend Reznor Remix-Alben folgen. In den 1990ern hatte er es sich dabei zur Angewohnheit gemacht, dem Remix-Album einen Titel zu geben, der sich auf den Originaltitel zurückbezieht. So folgte 1992 auf „Broken“ „Fixed“, was – seltsam genug – noch einen Übergang zum Positiven bedeutet. Das Gegenteil war dann bei „Things Falling Apart“ (2000) der Fall, seiner Antwort auf „The Fragile“ aus dem Vorjahr. Erscheint ja auch folgerichtig. Vom Weg alles Irdischen geht da schon das geflügelte Wort. Wenn Bands, welche das besingen – wie eben auch NIN – häufig ziemlich kaputt klingen, erscheint das abermals folgerichtig.

Daran, dass ich überhaupt auf solche Musik stehe, haben zwei schlecht gelaunte Bands aus Brooklyn, NY, Mitschuld, deren erste ich im Sommer 1992 entdeckte. In beiden saß Sal Abruscato am Schlagzeug: Type O Negative (R. I. P.) und Live of Agony (R. I. P.?). Am Sonntag spielte der Depri-Rocker dann auf der Beerdigung der Stuttgarter Röhre (R. I. P.) – mit seiner neuen Band, die passenderweise A Pale Horse Named Death heißt.

Es ist schon eine ziemlich kaputte Angelegenheit, dem Schwanengesang auf eine Konzerthalle beizuwohnen. Dementsprechend ist die Röhre auch der Gegenstand der meisten Unterhaltungen, die man aus dem Publikum aufschnappt. Die Stimmung ist zwiegespalten zwischen Bedrücktheit und Vorfreude auf das Konzert. Es fühlt sich schmutzig an. Ein Niedergang. Das Ende einer Ära. Kaputt eben. Und völlig kaputt ist auch Sals Stimme, wie nach den ersten Tönen des Eröffnungsstücks „To Die in Your Arms“ klar wird. Ein heiserer Schwanengesang wird das. Es klingt wie Verfall. Es könnte nicht besser passen. „I’m a little bit fucked with my voice“, entschuldigt er sich. Langsam kommt der vierte Reiter der Apokalypse (Offenbarung 6, 8.) daher, schwer, wie Sals ältere Bands düster, aber melancholischer, tiefer. Teilweise langsam und klebrig wie eine Fliegenfalle.

Wie schon die leidlich gute Vorband Blood Runs Deep, die schweizerischen Doom-Metaller, von denen eigentlich nur Gitarrist Stefan Vida heraussticht, betont auch Sal, wie geehrt er ist, das Abschlusskonzert in der Röhre spielen zu dürfen. Einen „full circle“ bilde es, dass er hier 1991 schon mit Type O Negative auf deren erster Deutschland-Tour gespielt hat. Bei „Heroin Train“ klingt er derweil wie Jim Morrison auf dem Boden einer Whisky-Flasche. Gut für die Stimme kann das nicht sein. Als Hilfsmittel ordert er von Publikum Jack Daniels: „If I can’t sing, I might as well get drunk.“ Das klappt. Er bekommt einige Gläschen, deren erstes er mit dem Worten „Happy deathday“ runter kippt und dann an die Wand wirft. Man wird es ohnehin nicht mehr brauchen. Aber man wird eine Menge Alkohol brauchen, um zu verkraften, dass das „Die Röhre / für immer / kein S21“-Plakat, das von der nachmittäglichen Demonstration draußen hängen geblieben ist, einen unerfüllbaren Wunsch darstellt. „As Black As My Heart“ ist der richtige Soundtrack zur Katerstimmung. Da hilft nur Konterbier.

In eine ähnliche Richtung schlägt dann aber noch eine Ansage, die er an einen ihm bekannten Fan im Publikum richtet: „No Life of Agony for you, Jens. Somebody had to become a girl.“ Das klingt tatsächlich als stürbe der Musikszene noch etwas Wichtiges weg, zumal er hinzufügt: „I was sick of playing the drums anyway.“ Das Aus also auch für Life of Agony? Erst vor zwei Jahren starb ja Type O zusammen mit ihrem Sänger Peter Steele, dem „You always die alone“ gewidmet wird. „I’m gonna play another shitty version of one of my songs“, hatte Sal vorhin mal gesagt. Jetzt ist die Stimme so weit kaputt, dass jemand aus dem Publikum auf die Bühne springt und sich das Backing Vocals-Mikrophon schnappt, um dem Angeschlagenen zur Seite zu stehen. Der Band gefällt das. „Who the fuck is this?“, fragt Sal. Ja, man stirbt allein, allerdings nicht immer, nicht hier, nicht heute.

Langsam geht alles dahin. Das Konzert neigt sich dem Ende. „… that you are falling apart“ singt Sal im einzigen Zugaben-Song. Unterdessen ist er im Zuge des allgemeinen Verfalls und dank der vielen Medizin aus Tennessee so betrunken, dass er sich an der Gitarre völlig verspielt, einen Lachkrampf bekommt und sich folglich darauf beschränkt seiner Stimme das Letzte abzuverlangen. Von Profis erwartet man Anderes. Und unter anderen Umständen wäre das auch ätzend. Aber heute will man ihm verzeihen. Er hat es vergeigt. Aber haben wir das nicht alle? Es ist aus. Vorbei. Die Herren Sal Abruscato, Johnny Kelly und Konsorten verlassen die Bühne. Das letzte Publikum fließt aus der Röhre.

Man kann noch ein letztes Bier trinken. Noch ein letztes Mal hier aufs Klo gehen, wo schon mit dem Abriss angefangen wurde. Letzte Woche waren es noch zwei Waschbecken. Ein letztes Mal beim Pogen zu Boden gegangen bin ich schon letzte Woche. Das kann ich mir also sparen. Die Musik ist aus. Langsam geht das Licht an. Man kann noch ein allerletztes Bier trinken. Aber dann? Dann geht plötzlich nochmal das Licht aus. Jemand steigt auf die DJ-Kanzel hoch und spielt einen einzigen Song. Es ist „Hurt“, das alte Nine Inch Nails-Stück, in der Version von Johnny Cash. Wahrscheinlich der beste Song, der jemals geschrieben wurde. Schmerzhaft, kaputt. „And you could have it all“, heißt es da, „my empire of dirt.“

Das Neonlicht gibt das Zeichen zum Gehen. Eine Zeile aus „Hurt“ schwingt mir noch im Ohr: „I am still right here“ …

Jene Besucher, welche am Donnerstag bei der Premierenvorstellung von „Marke Mensch // Das Bildnis des Dorian Gray“ des freien Ensembles SpielZeugen ein ganz gewöhnliches Theaterstück erwartet hatten, dürften ziemlich überrascht gewesen sein. Allen Anwesenden war die Vorstellung der sehr freien Interpretation des Romans von Oscar Wilde sicherlich ein Denkanstoß.

„Jugend! Jugend! Es gibt nichts auf der Welt als Jugend!“ ist der Leitspruch, um den sich das Stück dreht. Infrage gestellt wird er in Regisseurin Sabrina Glas‘ schonungsloser Analyse des heutigen Jugendwahns. Dorian Gray, der Mann, dessen Porträt an seiner Stelle altert, ist der schon sprichwörtlich gewordene perfekte Ausdruck dafür. Gray kann in Übermaß, Exzess und Zynismus leben und sieht dennoch jung und frisch aus.

Die drei Schauspielerinnen stellen alle in einzelnen Szenen Dorian Gray dar und spielen weitere wechselnde Rollen: So ist Katharina Wanivenhaus Dorians Porträt, Katrin Röhlig ist Lord Henry Wotton und der gealterte Dorian und Susanne Heigl ist Basil Hollward und Sibyl Vane. Zu Beginn des Stückes beschwören sie das „Lustprinzip“, die Lebensgier und die Jugend.

Im nächsten Moment verwandelt sich Susanne Heigl vor unseren Augen dank einer Bienenkorb-Perücke in Amy Winehouse, deren Doppelgängerin plötzlich „Recall!“ kreischt und darum bittet, sie zum ersten Wechsel des Spielortes zu begleiten.

Nach einem Raumwechsel sieht man Amy, die nun mit Dorians erster Liebe Sibyl Vane verschmilzt, auf der Bühne „Will You Still Love Me Tomorrow“ performen, während der alte Dorian und sein Abbild sie aus der Ferne bewundern, bis sie schließlich merken, dass auch der geliebte Star nicht perfekt ist. Dass sie die einst Geliebte verstoßen, führt zu den ersten Veränderungen auf dem einst perfekten Porträt. Dorian ist auf der Suche nach Perfektion. Während er sich besonders kunstvoll selbst inszeniert, indem er seine Stärken aufzählt und sich nebenher Massen an goldenem Glitzer ins Gesicht reibt, sieht man zugleich, wie er sich selbst kaputt macht, indem die vorher mühevoll aufgebaute Selbstinszenierung komplett zerstören. Man sieht Dorian sich in Wollust, Völlerei und Trägheit ergehen, bis schließlich Basis Hollward auftritt und nach Dorians Seele fragt. So wird der Besucher schließlich zusammen mit dem Maler aufgefordert, Dorian zu dem Porträt zu folgen, das all die Spuren von Dorians Lebenswandel trägt. Wir werden durch einen Raum geführt, der über und über von Plakaten mit Aufschriften wie „Like me“ oder „Love me“ behangen ist.

In der letzten Szene, gelangt Dorian schließlich zu der Einsicht: „Hässlichkeit macht die Dinge wirklich“, und kann Spuren des Alters zeigen.

Erschreckend realistisch wird den Zuschauern vor Augen geführt, wie oberflächlich und materialistisch sich unsere Gesellschaft verhält. So legt uns beispielsweise der junge Dorian (hier: Susanne Heigl) auf sehr ironische Weise die Schönheitsmerkmale von Mann und Frau dar, es werden Fernsehshows parodiert, Deutschland sucht den Superstar, Germany’s Next Topmodel, die Sucht nach Selbstbestätigung, ein Aufritt von Amy Winehouse. Einige Zuschauer lachen, so lange, bis ihnen durch den Kopf schießt: „Moment mal! Das ist nicht lustig! Das ist traurige Realität in unserer oberflächlichen Gesellschaft.“

Auch müssen der ältere Dorian (hier: Katrin Röhlig) und sein Abbild (Katharina Wanivenhaus) die schmerzliche Erfahrung machen, dass auch ihre hochstilisierten Stars nicht perfekt sind, nicht perfekt sein können.

Jeder Schritt der Perfektionssucht Dorians wird von den drei Darstellerinnen und dem Musiker Steven Walter, welcher dem Stück mit surrealen Cello-Klängen den nötigen Nachdruck verleiht, unglaublich gut gespielt. Man nimmt ihnen die Rollen vollkommen ab, man ist gefangen genommen von ihrer Spielweise. Eine große Rolle spielen hier sicherlich die Kostüme sowie das Bühnenbild, welche von Katrin Wetzel konzipiert wurden. Sehr einnehmend ist zudem der wiederholte Spielraumwechsel, man läuft durch die ganze Galerie, um zur nächsten Szene zu gelangen. Dies und die Tatsache, dass die Spieler auf keiner Bühne stehen, sondern auf derselben Ebene wie die Zuschauer, verleiht dem Theaterstück eine ganz persönliche Atmosphäre, man lässt sich deshalb vollkommen darauf ein.

Vielleicht wäre die ganze Inszenierung „nur“ ein gutes Theaterstück, würde es nicht so schonungslos unsere – bedauernswerte – Denkweise offenlegen. So sind beispielsweise die „Schönheitsmerkmale einer Frau“ sowie auch jene des Mannes beinahe wortwörtliche Zitate, welche im Internet zu finden sind. Zunächst sinnlos erscheinende Worthülsen des alternden Dorian stellt sich bei Recherche als leicht verkürztes Zitat aus einer tatsächlich gehaltene Rede des Vorstandsvorsitzenden der Deutschen Bank AG, Josef Ackermann, heraus: „Die […] Krise […] ist das Epizentrum der aktuellen Erschütterungen“, heißt es da. Und natürlich ist Altern auch finanziell etwas Unschönes …

Persönlichkeit hat keine Bedeutung mehr in unserer Gesellschaft, was zählt, ist das Aussehen. Die Inszenierung lässt uns über diese Attitüde nachdenken, über das, was wir alle mittlerweile als selbstverständlich verinnerlicht haben. Aber: Den perfekten Menschen gibt es nicht. Wir alle müssen umdenken. Um es mit den Worten Dorians zu sagen: „Hässlichkeit macht die Dinge wirklich.“

Hat man anfangs noch das Gefühl gehabt, der Abend würde eine verstörende Psycho-Nummer werden, merkt man bald: Der Abend hat tatsächlich etwas Verstörendes. Allerdings ist es keine Psycho-Nummer. Nein, viel schlimmer: Er zeigt die Realität.

Weitere Aufführungen:
18.12. und 19.12.: galerie ak1, Stuttgart, Firnhaberstraße 1;
30.12. und 31.12.: Galerie 13, Esslingen, Weberstraße 13.

Dominique Dillon de Byington staunt. Mit charmanter, mädchenhafter Schüchternheit steht sie im Halbdunkel der Bühne und staunt mit großen Kulleraugen in die Runde. Vermutlich wundert sie sich. Wie kann es sein, dass derart viele Menschen sie sehen wollen, an diesem nasskalten Dezemberabend im komplett ausverkauften Rocker 33? Genau wie die Tage davor in Frankfurt, Köln, Hamburg.

Haben alle ihr hochgelobtes Debütalbum “This Silence Kills” im Schrank? Liegt es daran, dass alle erleben wollen, wie ein kommender Star zum letzten Mal in kleinen Clubs spielt? Jetzt, wo sich die Musikkritiker angesichts ihres Albums darin überbieten, sie mit berühmten und noch berühmteren Kolleginnen zu vergleichen, wo die Versuche, ihre Musik zu kategorisieren, zu erstaunlichen Wortschöpfungen wie “Indie-Operette” führen?

Oder liegt es nur daran, dass alle ein letztes Mal einem der besten Stuttgarter Clubs ihre Aufwartung machen wollen, bevor er dank Stuttgart 21 geschlossen wird. Da wäre ein düster-melancholisches Konzert doch die ideale Einstimmung auf den kommenden Abriss.

Bereits um Dreiviertelacht ist die Eingangshalle jedenfalls rammelvoll. Im gnadenlosen Neonlicht kann man das Publikum studieren: relativ jung ist es, schick, urban, hohe Hornbrillen-Dichte. Es dauert geschlagene eineinhalb Stunden, bis die Rocker-Crew den Andrang bewältigt und viele nach Hause geschickt hat. Und als dann auch die Konzertbeobachter der großen Stuttgarter Tageszeitungen eingelassen sind, kann der Abend beginnen.

Ganz unprätentiös beginnt das Konzert. Ein wenig Nebel, ganz wenig blaues Licht und eine Bühne, die in der Mitte leer ist. Am rechten Rand steht Dillon mit Ihrem Piano, am linken ihr musikalischer Begleiter mit zwei MacBooks und weiterem elektronischen Equipment. Mit wummernden Elektrobeats wird eröffnet, zwei Titel später kommt leise Begeisterung im Publikum auf, als sie ihren Hit “Thirteen Thirtyfive” anstimmt. Aber auch bei diesem Konzert gehen große Teile der musikalischen Darbietung im lautstarken Getratsche derer unter, denen es zwar wichtig war, bei diesem Hipster-Event dabei zu sein, sich aber herzlich wenig für die Musik interessieren.

Und diese Musik ist, mit Verlaub, lange nicht so einzigartig, wie uns die Lobhudeleien glauben machen wollen. Das ist bestenfalls eine zeitgemäße Mischung aus Triphop, ein wenig zuviel Elektronik und zugegebenermaßen griffigen Melodien. Nichts jedenfalls, was den Hype um diese Musikerin erklären könnte. Es ist Dillons Gesang, die Stimme, die zwischen Kleinmädchen-Gesang und großer Geste changiert, das kaum wahrnehmbare, aber sehr sympathische Lispeln. Nur leider kann sich an diesem Abend nicht der Zauber entfalten, den dies auf der Platte hat. Und das liegt nicht nur an den Labertaschen, die jegliche Atmosphäre totquatschen sondern auch an den allzu lauten und irgendwie deplatzierten Elektronik-Effekten. Die Leere auf der Bühne findet sich auch in der Musik wieder, Dillon und ihr Piano und die Loops und Samples vom linken Bühnenrand finden einfach nicht zusammen.

Höhepunkt des Konzerts ist “Tip Tapping”. Dillon wagt sich ins Scheinwerferlicht am Bühnenrand und animiert die “Ladies und Gentlemen” zum Singen des Refrains, während sie die Melodie darüber singt.

Manche halten es dann auch für einen schlechten Scherz, als Dillon nach einer knappen Dreiviertelstunde erklärt, dass dies nun alles gewesen sei, sie nun von der Bühne gehen und diese wieder betreten könne und stattdessen nun gleich die Zugabe spiele. Drei Songs später ist auch diese vorbei und das kürzeste Konzert des Jahres endet so plötzlich wie es begonnen hat. Das ist frech. Die bis hierhin lautstark labernden Gäste im hinteren Teil des Saals vermissen die Geräuschkulisse, haben den kleinen Scherz wohl verpasst, und verlangen nach einer Zugabe. Zu spät.

Ich stelle mir vor, wie dieses Konzert wohl gewesen wäre, wenn es ohne all den Szene-Stress nur mit Dillon und ihrem Piano im kleinen, persönlichen Rahmen, z.B. im Café Galao, stattgefunden hätte. Ich glaube, es wäre zum Heulen schön gewesen. Und vielleicht irgendwann, wenn sich die ganze Aufregung wieder gelegt hat, wird es ein solches Konzert auch wirklich mal geben. Ich freu mich drauf.

Bei Kvelertak kann man sich auch mal anbrüllen. Bei William Fitzsimmons wird nicht geredet. Und nicht genießt. (Nicht mit genossen oder gar Genossen verwechseln). Meine Konzertnachbarn blicken das nicht. Die reden. Waren wohl noch nie bei Fitzsimmons. Ich zwar auch nicht, mag aber seine Musik. Auch das aktuelle Album „Gold In The Shadow“. Außerdem: Blinde Eltern – studierter Psychotherapeut – Multiinstrumentalist – noch nicht lang von seiner Frau geschieden. Paar Fakten schaden nie. Der Bart sitzt.

Das LKA ist nicht zum Bersten gefüllt, etwa 700 Besucher sind hier. Warm ist es trotzdem. Männer halten ihre Frauen-, Männer Ihre Männer- und Frauen ihre Frauen im Arm, während Fitzsimmons mit rotem Holzfällerhemd, langem Bart und Brille die Bühne betritt. Präsent ist er. Als die ersten Töne seiner Gitarre durchs LKA klingen, kann man die Gänsehautwellen spüren. Alle sind still. Bis auf meine Nachbarn. Er sei heute hier, um Musik zu machen, sagt Fitzsimmons. Und das macht er. Sein „The Tide Pulls from her Moon“ scheint magisch. Sogar mit redenden Nachbarn und geschwollenen Füßen. In der Schweiz hat ein Konzertbesucher einem Bandmitglied ‘nen Hut ins Gesicht geworfen. Kann nicht verstehen, warum. Der Bart sitzt.

In seinen Songs geht es um den Verlust von geliebten Menschen. Die Scheidung seiner Eltern und seine eigene wird thematisiert. Harter Tobak, der von Fitzsimmons glücklicherweise immer wieder aufgelockert wird, sogar auf Deutsch. Er sagt „vielen Dank“, „Prost“ und „ein William Fitzsimmons- Lied kann tödlich sein“. Vielen Dank. Das wäre sonst alles viel zu „fucking depressing“. Je leiser er spielt, desto leiser ist das Publikum. Bis auf meine Nachbarn. Einer pfeift. Der Bart sitzt.

Die Bandmitglieder sind auch alle Multiinstrumentalisten. Mindestens zwei beherrscht jeder. Sei es auch nur das „big and small piano“. Trotzdem sauber. Sie begleiten Fitzsimmons bei den meisten Liedern und erzeugen einen schönen Sound. Getanzt und gesprungen wird hier zwar nicht, aber wenn dann mal ein nicht vollkommen depressiver Song wie „The Winter from her Leaving“ gespielt wird, lassen die Techniker sogar die Bühnenbeleuchtung aufblitzen. Der Bart sitzt.

In der Psychiatrie, in der er arbeitete, sei es „awesome“ gewesen. Vielleicht fast so awesome wie dieses Konzert. Man muss sich einlassen auf ihn und seine Songs. Sonst wird es langweilig und ermüdend. „Beautiful Girl“ und „Ever Could“ folgen. Bei einem der letzten Songs stellt sich die Band im Halbkreis auf und begleitet Fitzsimmons beim Refrain. Nur mit Gitarre und Banjo. Ganz großes Kino. Der Bart sitzt.

„Pretty fucking sad“ seien seine Songs, sagt Fitzsimmons. Das sind sie. Aber eben auch wunderschön. Let’s get sad again.

1996 hatten wir in der Orkus-Redaktion eine Kontroverse bezüglich der Bilder für einen Rammstein-Artikel. Es ging um ein Live-Photo von Till Lindemann, auf welchem ihm ein riesiger Penis aus der Hose ragte, mit dem er sich selbst ins Gesicht ejakulierte – oder ob der Flüssigkeitsmenge wohl eher pisste (weshalb mancher Redakteur das Bild intern liebevoll ironisch „Till Pisser“ nannte). Die Frage war: Würde jemand auf die Idee kommen, dass es sich dabei um das echte erigierte Körperteil handelt, und würden wir infolgedessen Probleme wegen des Abdrucks bekommen? Natürlich bekamen wir keinen Ärger, und auch die Band bekam keinen. Aber nur ein paar Jahrzehnte zuvor noch hatte Jim Morrison in Miami noch die Erfahrung gemacht, dass man auch mit obszönen Aussage und angedeuteter Masturbation eine Gefängnisstrafe von sechs Monaten riskierte.

Heute wie in den 90ern kann Till Lindemann unter den Augen der natürlich anwesenden Polizei auf der Bühne mit seinem Dildo herumspielen, Selbstbefriedigung vortäuschen und literweise ins Publikum spritzen wie Gwar. Es stört keinen und interessiert nur diejenigen, die es unten in der Menge als gute Show bejubeln wollen.

Überhaupt muss man Rammstein ja nicht lieben. „This is not a love song“, heißt es ja in Anlehnung an den PiL-Klassiker schon in Rammsteins „Amerika“. Man kann argumentieren, dass sie in obszöner Weise um Aufmerksamkeit buhlen, wie sie es selbst in „Ich will“ besingen. Und dann diese Gier bei den Eintrittspreisen! Da muss es auch vielen eingefleischten Fans vergangen sein, auch wenn die Schleyerhalle ausverkauft ist. Wehe, wenn dafür nicht ein einigermaßen angemessener Gegenwert geboten wird. Etwas zum Meckern wird sich leicht finden lassen.

Der Jubel, mit dem das Publikum auf das verlöschende Licht reagiert, geht unter in Zischen und metallischem Greinen, als sich eine etwa 25 Meter lange Brücke Funken sprühend und Dampf ausstoßend von der Hallendecke herunter senkt, um die Bühne mit einem vielleicht fünf mal sieben Meter großen Podest in der Hallenmitte zu verbinden. Die Security bahnt einen Pfad diagonal durch den hinteren Teil des Publikums. Nacheinander ziehen die Berliner – eine Fackel sowie die Baden-Württembergische und die Rammstein-Fahne tragend – in die Halle ein und ersteigen dieses Podest, das langsam abhebt. Gemessen schreiten die Musiker über die Brücke zur riesigen Bühne mit ihren seitlich erhöhten Plattformen und dem Drumriser in voller Breite. Hier beziehen Schlagzeuger Christoph Schneider, Keyboarder Flake Lorenz und Bassist Oliver Riedel Platz, während sich Sänger Till und die Gitarristen Richard Kruspe und Paul Landers vorne platzieren. Die Brücke verschwindet wieder an der Decke. Es kann losgehen.

Und dann beginnt tatsächlich ein Konzert, das Rammstein vom Verdacht der Hybris zunehmend rein wäscht und ihnen das Sigel beeindruckender Gigantomanie aufdrückt.

Zuerst mal das Kleinklein: Der Trick, mit einem Schlauchboot über das Publikum zu fahren, ist ja schon recht alt – tatsächlich habe ich Ähnliches 1995 schon mit Surfboard bei Dog Eat Dog gesehen –, und es gehörte ursprünglich zu dem Stück „Seemann“, das allerdings nicht gespielt wird. Heute macht Flake zu „Haifisch“ (achtes Stück) eine Rundfahrt durch die vordere Hallenhälfte. Während das noch beinahe jede Band nachmachen könnte, und man in der Regel auch mit Beleuchtung rechnen kann, sind die frei beweglichen runden und kreuzförmigen Scheinwerferblöcke über der Bühne schon etwas dicker aufgetragen. Diese werden schon beim ersten Stück „Sonne“ eifrig in Gruppen mal hoch, mal runter gezogen und gekippt. Bei „Links 2 3 4“ (zehntes Stück) kommen nochmal vier Scheinwerferquadrate an der Bühnen Rückseite dazu.

Neben den Scheinwerfern und der Brücke hat Rammstein noch ein weiteres bewegliches Teil in petto, nämlich einen großen Ventilator, der – sechs Meter im Durchmesser – zu „Mein Herz brennt“ (16. Stück und erstes der Zugabe) unvermittelt von der Decke klappt. Er bläst Nebel von oben auf die Bühne und passt mit seinen beleuchteten Rotorblättern und seiner rostigen Großindustrie-Optik gut ins Gesamtbild der Bühne. Backdrops dagegen sind nichts, was man nicht schon gesehen hätte, auch wurden sie schon von anderen Bands wie Machine Head als Projektionsfläche verwendet. Origineller ist es allerdings, wenn in jener gelegentlich projizierten Stadtkulisse im Stile eines expressionistischen Stummfilmes plötzlich Licht aus einzelnen Fenstern strahlt wie ebenfalls zu „Links 2 3 4“ oder wenn Lichtbänder von hinten durch das Backdrop scheinen wie bei „Du hast“ (elftes Stück).

Und dann das Konfetti: Auch Stone Sour haben sich ja damit probiert – beim Stuttgarter Auftritt gar als der große Knalleffekt am Ende der Show. Rammstein dagegen ballern allein bei „Amerika“ (17. Stück) fünf Mal so viel ins Publikum. Weniger geht nicht. Auch sind es keine weißen Fetzen, sondern rot Glitzerndes. Man produziert Dampfwolken zu „Asche zu Asche“ (fünftes Stück) oder nutzt Rauchwerfer während „Keine Lust“ (drittes Stück).

Dann aber wird es brenzlig: Ein bisschen Funkenregen über der Bühne zu „Mutter“ (siebtes Stück) und deutlich mehr zu „Ich will“ (18. Stück); ein paar Raketen, die aufsteigen zu „Wollt ihr das Bett in Flammen sehen“ (zweites Stück) oder – effektvoller noch –, die zu „Du hast“ quer durch die Halle fliegen und in einen Kasten einschlagen, von wo aus sofort neue zurück zur Bühne schnellen. Es rumst und brennt: So steht bei „Sehnsucht“ (viertes Stück) der Bühnenrand in grünen Flammen, bei „Asche zu Asche“ die Mikrophonständer und bei „Du riechst so gut“ (neuntes Stück) die Gitarren, die anschließend in Richtung Publikum entsorgt werden. Das bengalische Feuer, das Till bei „Mein Herz brennt“ in der Hand hält, nimmt sich dagegen nachgerade putzig aus.

Wer schon mal In Flames live gesehen hat, weiß, dass auch die gerne zündeln und ihrem Namen alle Ehre machen – wenn es auch nicht immer klappt. Aber Rammstein hat sich eben schon früh einen Namen mit ihrer Pyromanie gemacht, deren Meisterschaft sie sich von den Schweden nicht streitig machen lassen. Zwar steht Till nie in Flammen, aber er sprüht schon mal Funken aus den Armen und steht in einem Kreis aus Feuerstößen wie bei „Wollt ihr das Bett in Flammen sehen“, hat riesige stählerne Engelsflügel, an deren Enden Flammenwerfer speien und die schließlich ganz von aberdutzenden kleiner Explosionen überzogen werden bei „Engel“ (19. Stück und erstes der zweiten Zugabe) oder schnallt sich und den Gitarristen Flammenwerfer vor die Gesichter, mit denen sie dann die Bühne einheizen („Feuer frei!“, sechstes Stück). So nah trauen sich andere Bands nicht ans Feuer dran.

Glorreiches Highlight ist es dann, als Till eine riesige Gulaschkanone auf die Bühne schiebt, um eine Alice Cooper-artige Mordszene zu inszenieren, zu welcher er ein riesiges Messer bei sich trägt, dessen Griff zugleich Mikrophon ist. Gut geeignet für „Mein Teil“ (achtes Stück). In der Feldküche brutzelt, wie sich herausstellt, Flake. Und nachdem dieser vom Topf aus erst noch munter auf einem Keyboard mitgespielt hat, heizt ihm Till mit einem Flammenwerfer ordentlich ein. Doch das nützt nichts: Der Widerporst will nicht sterben, weshalb ein deutlich größerer Flammenwerfer herhalten muss, dessen Stoß nicht nur die linke Bühnenhälfte entzündet, sondern auch mit mehreren Explosionen gepaart wird. Die Hitze ist noch durch die halbe Halle deutlich zu spüren.

Abgesehen von diesen gibt es noch andere Feuerfontänen en masse, am dringlichsten beim Opener „Sonne“, wo man natürlich noch um die Sympathien des Publikums wirbt. Da wechseln sich vorne acht und hinten vier Flammenwerfer in kürzer werdendem Wechsel ab. Dick aufgetragen, muss man sagen. Rammstein lassen alles anbrennen. Gut, natürlich können sie mit dem Budget nicht mithalten, das eine Band wie Metallica allein für das Intro von „One“ verfeuert – beispielsweise in Gelsenkirchen. Aber die machen das eben (in der Regel) nur bei dem einen Song.

Nach dem ganzen Feuerwerk und der Technik bildet es den richtigen Kehraus, wenn Till zum 20. und letzten Stück „Reise Reise“ das Publikum vorne noch mit einer Schaumkanone einseift.

In der Summe gibt es nur sehr wenige Bands, die bei diesem Technikaufgebot mithalten können, für das immerhin elf Sattelzüge vonnöten sind. Rush fällt einem da ein, mit ihrer gigantischen Lightshow, ihren einspielten Kurzfilmen und den ganzen Projektionen des Bühnengeschehens. Aber mal ehrlich und bei allen Sympathien: Rammstein machen da schon mehr. Und auch wenn Metallica auf originell geformten Bühnensonderanfertigungen gespielt und auch die Fantastischen Vier sich mitten ins Publikum vorgewagt haben, ist an dem Trick mit der Brücke und der kleinen Plattform doch etwas mehr dran: Beim Intro zu „Bück dich“ (13. Stück) treibt Christoph Schneider in Kittelschürze und mit Perücke den Rest der Band auf allen Vieren hinüber, wo sie dann – nach Entfernen der Brücke wie in einem Club auf einer Minibühne – außer diesem Stück noch „Ohne dich“ spielen. Hier kann Till dann auch wieder seinen Plastikpenis auspacken und ins Publikum spritzen. Ob Morrison da neidisch würde? Obszönitäten hin oder her: Der Abend hat sich gelohnt. In der Summe also fällt mir nur eine Band ein, die ich live oder im Live-Mitschnitt gesehen habe, die Rammstein was Showeffekte angeht ohne Probleme in die Tasche stecken kann: Und das ist natürlich Pink Floyd.

Und die Musik? Die wird heute zur Nebensache, zum schmückenden Beiwerk. Wenn sonst die Liveshow mit Licht und Effekten inszeniert wird, damit die Musik gut ankommt, ist sie hier nur noch der Soundtrack zwischen all dem unterhaltsamen Augenzucker. Sie ist nur noch Taktgeber für die begeistert mitgesungenen Texte. Wozu braucht Rammstein auch einen Sänger? Sie haben 13.000. Keinen von denen wird jetzt noch der Kartenpreis reuen. Am Ende erscheint es dann ganz richtig, dass heute eine Textzeile bei „Amerika“ weggelassen wurde: „This is not a love song.“ Für die Leute da draußen ist es genau das.