I have sailed the World, beheld its wonders,
From the Dardanelles,
To the mountains of Peru,
But there´s no place like London!
(Sweeney Todd)

Es ist Freitagabend. Ein süßlicher, verruchter Duft liegt über der Camden High Street und dringt durch die Eiseskälte in unsere Nasen. Wir sind nicht in einem der Nobel-Viertels in London. Nein, wir befinden uns in Camden. Hier herrscht der Rock´n Roll. An allen Ecken sieht man junge und alternde Punks, Jungs in engen, zerrissenen Jeans mit verschmiertem Make-up und auftoupierten Haaren; Mädchen, die weniger Stoff an sich haben als die Queen an ihren Händen. Sie wäre sicherlich „not amused“. Hier stört das Niemanden. Man freut sich gemeinsam mit Bier, Weed und schmutzigen Witzen auf ein tolles Konzert.

Wednesday 13, der schon Anfang des Jahres mit Joey Jordison und den Murderdolls London unsicher gemacht hat, lädt zum Abschluss seiner „Something wicked this way comes“ UK-Tour in den berühmt berüchtigten Electric Ballroom ein. Mit im Gepäck hat er niemand geringeren, als die finnische Sleaze und Glam-Ikone Michael Monroe. Bekannt als Frontmann Hanoi Rocks´, begibt dieser sich nun nach deren Auflösung solo auf die Jagd. Mütter schließt eure Töchter ein, die Teufel sind in der Stadt.

Überpünktlich betreten Crashdiet aus Schweden die komplett in Nebel getauchte Bühne, um die beinahe erfrorene Masse im ausverkauften Ballroom auf Temperatur zu bringen. Mit ihrem neuen Sänger Simon Cruz, der den leider schon jungen tragisch verstorbenen Dave Lepard ersetzt, starten sie ihr Set mit dem Adept-Cover „Riot in Everyone“. Sowohl musikalisch als auch optisch passen sie perfekt in das heutige Line-up und erhalten verdienter Maßen auch eine überaus positive Resonanz. Schmutzige Punk-Riffs treffen hier auf den typisch schwedisch melodie-lastigen Metal-Sound, der es mit KISS in einem Hinterhof treibt.
Nur 30 Minuten dürfen die Skandinavier die Menge bearbeiten, nutzen diese aber mehr als genug um mit Songs wie „Generation Wild“ oder „Breaking the Chainz“ die sehr an Faster Pussycat und Mötley Crüe erinnern, sicherlich mehr als nur einen neuen Fan heute Abend für sich zu gewinnen. Ja, Glam-Rock ist wieder am kommen. Ass tight!

Hat man nun in Deutschland die Gelegenheit sich in der Umbaupause ein Bier zu holen, so arbeitet man hier in London wohl etwas schneller. Binnen 10 Minuten wurde das eine Set ab – und das nächste aufgebaut. Kein Bier. Sehnsüchtig wird Michael Monroe erwartet. In der Menge tauchen mehr und mehr blond auftoupierte Jungen und Mädchen auf, man kann im abgedunkelten Licht nicht mehr erkennen, wer nun welchem Geschlecht angehört. Die 80er lassen grüssen.

Pünktlich wie die morgendliche Wachablösung am Buckingham Palace gehen die Lichter wieder aus. Mr Monroe betritt die Bühne. Mehr Kajal und Haarspray hat sicherlich auch Nikki Sixx in seiner Blütezeit nicht auflegen können. Das wird was Großes!
Los legen die Finnen mit ihrem Opener „Trick of the Wrist“. Die Menge ist nicht mehr zu halten und so lässt es sich Monroe auch nicht nehmen, ein ordentliches Bad darin zu nehmen und lässt jeden in der ersten Reihe mal ins Mikro grölen. Zwischendurch greift er immer wieder zum Saxophon, sehr abwechslungsreich und unterhaltsam das Ganze. Mehr und mehr kristallisiert sich für mich heraus, Monroe ist das Musterbeispiel eines Frontmanns. Keine Sekunde verliert er die Aufmerksamkeit des Publikums. Natürlich lässt er sich mehr feiern als eigentlich nötig, aber bei so einer Show ist das ja auch mit inbegriffen. Jetzt spielt er auch noch Mundharmonika! „Modern Day Miracle“, “Nothin´s allright”, “Back to Mystery City”, die Fans kennen alles, sie lieben es. Mittlerweile stellt sich mir die Frage ob nicht doch mehr Leute Monroes’ wegen hier sind. Ein wirklich total sympathischer, authentischer Kerl, der sich auf der Bühne für nichts zu schade ist, was auch für den Rest der Band gilt.
Als die letzten Töne von “Malibu Beach Nightmare” verklingen, fordert die Menge lautstark nach mehr. Die Roadies sind bereits am abbauen, da betritt die Band nochmals, mit Sicherheit spontan, da schon 3 Becken am Schlagzeug fehlen, die Bühne, um die Gier mit ihrem Hit „ Dead, Jail or Rock´n Roll“ zu stillen. Danach ist dann wirklich Schluss. Man kann jetzt schon sagen, das wird schwer für Wednesday 13, diesen Auftritt noch zu toppen.

Es wird Zeit für die Gruselstunde. Solange darf Wednesday 13 auf der Bühne sein Unwesen treiben und über seine liebsten Horrorfilme und Kindheits-Erinnerungen zu singen.

Es braucht nicht viel, um die Stimmung weiter aufzuheizen. Man sollte einfach sein Gehirn an der Garderobe abgeben, nicht allzu hohe Ansprüche an Text und Songstruktur stellen und schon kann es losgehen. Die Lichter erlöschen und das Intro „Blood Fades to Black“ vom neuen Album „ Calling all Corpses“ erklingt. Bereits als die Band die Bühne betritt, stellt man fest, dass Wednesday das trashige redneck Auftreten abgelegt hat. Zerissene Hosen und Shirts mit Zombie-Aufdrucken, oder sogar kitschige Oma-Kleidchen zu Zeiten seiner Jugendband, den „Frankenstein Drag Queens from Planet 13“, mussten sauberen schwarzen Jeans und Hemden weichen. Man wird eben doch irgendwann erwachsen. Nichtsdestotrotz rocken die 5 Ghouls aus Kalifornien mit dem Album gleichen Songtitel „Calling all Corpses“ nach vorne. Camden tanzt. Bei „ I walked with a Zombie“ besingt Wednesday 13 eine untote Geliebte, das Publikum tut es ihm im Refrain gleich. Das ist simpel, eingängig und macht trotzdem jede Menge Spaß. So zieht es sich auch immer weiter durch das gesamte Set. Auch Wednesday möchte immer wieder vom Publikum beklatscht und bejubelt werden, so impulsiv wie bei Michael Monroe fällt dies allerdings nicht aus. Es fällt auch auf, dass nur Wednesday auf der Bühne in Bewegung ist. Der Rest der Band spielt das Set eher emotionslos herunter.

Es wird einen Gang härter. Mit „Scream Baby Scream“ des „Skeleton“ Albums wagt man sich nun eher in den Metal-Bereich vor, was vom Publikum sehr wohlwollend aufgenommen wird, immer wieder unter den Anfeuerungen Wednesdays. Dieser wechselt alle 2 Lieder immer mal wieder das Outfit, mal mit Cowboy Hut oder Schirmmütze. Mit der Homage „ I wanna be cremated“ an den Ramones-Klassiker „ I wanna be sedated“ feiert Wednesday einen weiteren Mitgröhl-Song mit dem begeisterten Publikum, welches wohl innerhalb der letzten 2 Monate das komplette neue Album auswendig gelernt haben muss. „Happily ever Cadaver“, „Rambo“, „Till Death do us Party“, all die eingängigen Ohrwurm-Hits, die ein Wednesday 13 Konzert braucht, die ein Wednesday 13 Konzert ausmachen, werden dem Publikum serviert. Oft sind es die einfachen, unkomplizierten Dinge, um Menschen zu begeistern. Egal wohin man im Ballroom blickt, man sieht Freunde zusammen lachen, man singt jeden Song Arm in Arm mit. Da stört es auch nicht, dass Wednesday das Konzert nicht mit dem von allen Seiten lauthals verlangten „I love to say Fuck“ abrundet, sondern mit der neuen, gleichwertigen Rausschmeisser-Hymne „Something wicked this way comes“.

Um Punkt 21.45 gehen die Lichter im Electric Ballroom wieder an. Recht ungewohnt, aber andere Länder, andere Sitten. Nur eines bleibt das gleiche, der Spaß den man zusammen auch an den einfachen, unkomplizierten Dingen haben kann. Seien es auch nur Songs mit 3 Akkorden. Und nun wieder hinaus in die kalte, sündige Nacht Camdens.

Wir müssen gefährlich sein!

Crashdiet

Michael Monroe

Wednesday 13

Konzerte, bei denen Menschen in Tierkostümen auf die Bühne kommen, können nicht schlecht sein. Konzerte von Stereo Total sind das sowieso nie. Sie sind immer äußerst unterhaltsam. Und sie funktionieren seit Jahren.

Die Älteren erinnern sich noch dunkel, dass das charmante Mann-Frau-Duo – damals noch in einer etwas größeren Besetzung – im legendären S35 in Ludwigsburg aufgespielt hat. Zwei Konzerte an einem Abend. so dass auch viele Fans davon etwas mitbekommen haben. Das S35 war nicht größer als manches Wohnzimmer in einem schicken Innenstadtloft.

Die folgenden Jahre kommen Brezel Göring und Françoise Cactus gefühlt sehr regelmäßig nach Stuttgart und spielen im Traveller’s Club, im Schocken, im Filmhaus und eben in den Wagenhallen. Weil dort mal wieder 2/3 der Damentoiletten außer Funktion ist, müssen die beiden erst einmal ohne mich anfangen.

Wahrscheinlich singt Françoise Cactus gerade eh “Hallo Damenklo”, den Opener vom aktuellen Album “Baby Ouh”.  Zurück gibt es “Barbe à Papa”, “Strichjunge” und vor allem sehr symapthischen DIY-Trashpop, der an einigen Stellen vom Sound in Mitleidenschaft gezogen wird.

Das macht bei den tollen multilingualen Multiinstrumentalisten aber rein gar nichts. Die Stimmung in den sehr gut gefüllten Wagenhallen ist topp. Françoise Cactus singt da mal auf japanisch, mal auf spanisch, mal auf französisch, mal auf deutsch mit französischem Akzent, blättert im Notizbuch, spielt Tröte, während der Schlacks Brezel Göring  Synthesizer, Gitarre oder irgendetwas anderes spielt. Rollenverteilung leicht gemacht: Es gibt keine! Mal singt er, wie etwa in “I Wanna Be A Mama”, meistens sie, wie in “Du Bist Gut Zu Vögeln” (man beachte die Orthographie bei diesem Liedtitel, bitteschön). Zu “Liebe zu dritt” holen die beiden Diana aus dem Publikum auf die Bühne, “Schön von hinten” ist nach wie vor der Mitsing-Hit, bei den Zugaben dürfen dann sehr viele aus dem Publikum auf die Bühne, und “Miau” erzählt die Geschichte eines Katers, der zu spät nach Hause kommt, und dann Ärger mit seiner Katze bekommt. Auch Lieder über Tiere können nicht schlecht sein.

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“Ein Dub Rock Konzert ist ein roter Teppich für nervenkranke, psychisch labile Menschen. Manchmal kann unsere Musik helfen, manchmal beschleunigt sie den Krankheitsverlauf, und es geht noch während des Konzertes rapide bergab.” (Palminger im Selbstinterview)

Mein Chef wollte das gleiche Konzert besuchen wie ich. Eigentlich hatte ich vor, über den Abend einen kleinen Artikel zu verfassen und mit Kraftausdrücken, Schmähungen und rüpelhaft unangebrachten Pauschalisierungen über Publikum und Artisten nicht eben sparsam umzugehen. Ein Grund stolz zu sein, sind die Zeilen sicherlich nicht, die ich mir da des nachts abwringe. Und besonders viel gehört auch nicht dazu: Musikalische Früherziehung, solide Indie/Alternative/Punk-Halbbildung aus Jugendzeiten und armselige Wikipedia-Recherche bilden das Gerüst, erlogene Offtopic-Geschichten geben Einleitung und Schluss her und machen den Quatsch flüssig lesbar.
Schämen muss ich mich dafür aber auch nicht. Trotzdem fänd’ ich’s nicht so gut, wenn mein Vorgesetzter fleißiger gig-blog-Abonnent wird. Das ist wie wenn einen die Mutter beim zärtlichen Liebesspiel mit oder wahlweise auch ohne Partnerin erwischt. Also eher nicht so gut.
Ergo musste ein Pseudonym her, die großen alten Männer des gig-blog haben schon vorgelegt: Toxic, Schmoudi, Lino, Walter.

Apropos: Heute abend zu Gast im Schocken: Seine Exzellenz Jacques Palminger, von seinen Ex-Duzfreunden von Studio Braun gerne vorgestellt als der schönste Mann der Welt. Mitgebracht hat Jac seine Freunde Rica Blunck (aka Ric) und Viktor Marek (aka Vic) und knallharten, kompromisslosen Dub-Rock. Der geneigte Zuhörer merkt sofort, was sich seit dem letzten Besuch der Kings of Dub Rock im Dezember 2008 getan hat:

“Wir haben in neue Instrumente investiert. Markengeräte der internationalen Spitzenklasse (Moog, Akai, Neumann) bringen die musikalische Performance auf Top-Niveau. So hat Viktor es geschafft, die Basslast zu verdoppeln. Jetzt können wir uns noch tiefer in die Seelen der Zuhörer einschrauben und noch intensiver auf unser Publikum einwirken.” (Palminger im Selbstinterview)

Und noch etwas hat sich verändert: Pamino Palminger hat gute Laune. Er bewegt sich sicher und fühlt sich sichtlich wohl auf der Bühne. Vor gut einem Jahr konnte davon noch keine Rede sein. Auch die Interaktion mit dem Publikum klappt schon ganz gut. King Alkohol kann eben jeden bärtigen Typen zum Mann machen. Zu Beginn baut Herr Palminger eine kleine Bar auf: Gin und Tonic für sich, Havanna, Cola und Zitronensaft für Rica, Eiswürfel werden geteilt. Der Obdachlose, der gegenüber vom Second Hand Records auf dem Telefonverteilerkasten allmorgendlich seine Bar aufbaut, könnte es nicht besser.

Die Arbeitsteilung steht, jeder tut das, was er am besten kann: Vic macht die Beats, Ric singt und tanzt, Jac klopft Sprüche. Viktor Marek tüftelt an den Knöpfen, die bezaubernde Rica bewegt sich gnuesque und singt wie ein Vögelchen. Zwischen den beiden Musikern kann einem der annähernd talentfreie Jacques schon ein bisschen leid tun. Bewegung (weit entfernt von anmutig) und Gesang sind nicht seine Stärken, dafür gibt er seinen guten Namen für die Tingel-Tangel-Truppe her, ist das Mastermind hinter all den feinen Dada-Nummern und nimmt den Mund so voll er kann. Einfallsreichtum, ein ausgeprägtes Gespür für Absurdität und Sprache zeichnen seinen Stil aus.

“Mit den Beats kann man ‘nen LKW aufbocken!”
“Vic, zwing die Meise in den Ring! Drück den Specht zurück in die Tanne!”

Und so sprechsingt er sich durch sein Œuvre, gibt drogenverherrlichende Songs zum Besten, schmäht Henry Maske, singt das Lied für alle und setzt gerne mal ein manuell erzeugtes Echo ein. Das am Anfang auserkorene Kamerakind – Michael Schanze wäre so stolz – filmt beflissen. Gibt ja auch ordentlich was zu sehen: Modisch sind die KODR nämlich auch ganz weit vorne dabei. Vic trägt einen weißen blousonartigen Einteiler mit schlimmen Seidenschalapplikationen, bis zum Brustbein offen, damit das dichteste Brusthaar westlich von Damaskus sich im Scheinwerferlicht sonnen kann. Ric dagegen klassisch im schwarzen Rock mit Fusselborte und weißer Rüschenbluse.

Und was sagt der Mann in der braunen Hose mit dem Pfadfinderhemd und -halstuch am Ende: “Wenn das hier alles vorbei ist: Ich kann sagen, ich hab’ meinen Spaß gehabt!”
“Wir auch, wir bereuen nichts!” möchte man ihm entgegnen.

Weitere Fotos hier.

P.S.: Ein Pseudonym musste also her. Aber nicht sowas gewöhnliches wie “Harald Martenstein”. Dahinter verbirgt sich meiner Meinung nach eine vielköpfige Künstlerwerkstatt, wie Rembrandt oder de Beukelaer: Rund ein dutzend Absolventen mittelprächtiger geisteswissenschaftlicher Studiengänge sitzen im Großraumbüro, warten auf eine Volontariatsstelle im Museumspädagogikbereich und denken sich zotige Wortwitze aus. Zwischendurch fällt auch irgendwo die wöchentliche Kolumne fürs ZEITmagazin ab.
Und der zottelige nickelbebrillte Ganja-man? Der ist in Wirklichkeit ein Mannequin einer Modelagentur mit Spezialausrichtung.

Sehr schön, Peaches in der Manufaktur – da wollen wir dabei sein. Bei ihrem letzten Auftritt in Schorndorf beeindruckte Frau Merill Nisker neben ihrer kraftvollen Show unter anderem mit einem Zwei-Meter-Phallus. Was wird uns heute Abend erwarten?

“I Feel Cream” heisst die aktuelle Show zur Platte, und Peaches geht erst mal in Kampfstellung zum Publikum mit A-Team-Intro, Wrestling-Masken und einem übergroßen Ballonseide-Jäckchen. Schön irritierend. Ihre dreiköpfige Band “Sweet Machine” aus Berlin flankiert ihren Angriff mit ordentlichen Beats, die selbstverständlich von einem Schlagzeuger UND einem Beatmaschinisten erzeugt werden, sowie mit einer Stromgitarre, die von einer der langhaarigen Dame bedient wird, die sicherheitshalber in schwarzer Strapse in den Ring geht. Man muss dazusagen: Sie kann’s tragen. Und Peaches geht in Vorleistung, mit ihrem treibenden Sprechgesang, wechselnden schrillen Outfits, Ausflügen ins und aufs Publikum, auf die Bar und ihrem Quasi-Strip auf dem Bistrotisch neben mir electroclasht sie Schorndorf. Für “Shake yer dicks” wirft sie sich eine rote Kapuze mit Goldrand über und zieht über ihre Arme lange Handschuhe mit langen Haaren – sie selbst wird zum Phallus. Was für ein Start.
Mit dem anschließenden Song vom aktuellen Album zeigt sich unsere Protagonistin von ihrer verletzlichen Seite: In Hausfrauenmanier trägt sie einen braun-gelb-geblümten Bademantel mit einem weißen Handtuch um den Kopf und haucht verträumt “I don’t wanna lose you”. Oder ist das alles Ironie?  Musikalisch jedenfalls wird deutlich, dass die neue Platte mehr hergibt als die Schublade Electroclash. Das Titelstück “I Feel Cream” erinnert an eine dancefloor-taugliche Róisín Murphy, “Billionaire” ist HipHop mit der Sprechgesang-Duettistin Shunda K, die für die Performance des Songs auf ein Betttuch projiziert wird. Das ist letztlich Pop. Aber es gibt ja noch den ein oder anderen älteren Track, z.B. skandiert Schorndorf “Fuck The Pain Away”. Man könnte den Eindruck gewinnen, dass die Texte sich mit dem Thema zwischenmenschlicher Horizontale beschäftigen.

Eine verdammt abwechslungsreiche Show mit vielen visuellen Gimmicks, Klamotten und Effekten wie LEDs zwischen den Oberschenkeln findet nach drei Zugaben dort musikalisch ihr Ende, wo die Rampensau eigentlich herkommt: im Punk. Peaches peitscht zum Schluss ihre Fans mit den Worten: “Shirts come off, shirts come off” – und sie gehorchen.
Sie verabschiedet sich mit den Worten: “Thank you from the bottom of my ass”. Dazu passt der Satz aus ihrem Interview “Die Befreiung” im Umagazine: “(…) Deswegen bin ich auch so froh, dass mein Image größer ist als meine Musik.” Da hat sie recht!

PS: Wo wurde bei Peaches der Sender für ihren In-Ear-Monitor platziert? Klar, zwischen her tits.

PPS: Und noch was. Beim letzten Konzert spielte die Vorgruppe “Planning to rock”, ich verpasste sie erfolgreich, was mich bis heute wurmt, denn das Album “Have it all” ist schön schräg wunderbar. Das wollte ich an dieser Stelle geäußert wissen.

Die Ohren noch verkleistert durch einen grässlichen Besuch am Vorabend einer Karaokebar, in der ein Individuum “Strawberry Fields Forever” mit der Stimme Patrik Stars vorgetragen hat (ich hab Zeugen), tat sich gleich die Gelegenheit auf dies mit lauter Elektromusik wieder zu richten.
Ziemlich genau ein halbes Jahr zurück lag mein letzter Besuch im Rocker 33, damals das fabelhafte Little Boots Konzert, und musikalisch entfernte sich der heutige Abend nicht weit davon.

Müsig zu erwähnen, dass ich mal wieder keine Songs der Band kenne und mir der Name nur als “schon mal wo gehört” bekannt ist. Style- und Sprüchelegende Toxic, der heute abend an den Nachwirkungen einer Erdbeervergiftung (<-> Toxic) laboriert, hat mir zu Fischerspooner geraten, weswegen ich eigentlich Elektro-Musik der härteren, bratzigen Gangart erwarte.
Von “Emerge” und wenigen anderen Songparts abgesehen, wird es hingegen ein ziemlich reines 80ies-Synthiepop Konzert. Bis auf paar kleine Hänger scheinen mir die Songs aber doch sehr gelungen, bestens unterstützt durch die Visuals und die Performance. Letztere besteht nämlich nicht nur durch den öfters die Kleidung wechselnden, androgynen Sänger Casey Spooner, sondern auch durch die Tänzerinnen. Vom Kleidungs- und Tanzstil assoziiere ich da irgendwie Klaus Nomi, Visage etc. wild (und wahrscheinlich auch unkorrekt) durcheinander. Also auch visuell irgendwie in der Nähe zu den 80ern verortet. Die Kleider glitzern, die Hotpants des Sänger zeigen viel Bein, die Schminke ist nicht zu knapp, die Visuals zeigen Aufnahmen der Rehearsals (schön zu sehen auch auf der offziellen Homepage), das Ganze kommt aus New York…Toxics Antwort auf meine Frage wie hoch er denn den Gayfaktor des Spektakels einschätzen würde, beantwortet er folgerichtig mit “massiv”.
Der ganze Auftritt macht auf jeden Fall Spaß, und Casey zeigt sich auch als brillanter Unterhalter, wenn er Leute auf die Bühne holt, um sie zu fragen “what is Stuttgart about?”, oder wenn er seine Standup Comedy Karriere ankündigt, da es mit der Musikindustrie rapide bergab geht.
Mehr Zuschauer hätte der Abend auf jeden Fall noch verdient gehabt. Bei dem Weg: Liebe Oberchefin, deine Aussage zu dem Konzert nicht kommen zu wollen, da das so ein “Jungendingens” sei, werde ich dir jetzt ein Leben lang vorhalten können! Mehr Konzert für Frau geht kaum.

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Alte Männer, Folge 1.

Einen Abend bei James Last kann man nur mit Augenzwinkern und Fingerschnippen überstehen. Schließlich ist so ein Abend, wie jüngst in der Mehrzweckhalle namens Porsche-Arena, auch verdammt lang. Drei Stunden inklusive Pause. Doch das, was James „They call me Hansi“ Last mit seinem riesigen Orchester und vielen fremden Hits veranstaltet, ist großes Kino. Fahrstuhlmusik wird das manchmal genannt. Oder auch „Happy Sound“, was einfach perfekt passt. Der Bandleader Last ist der lässige Grandseigneur, trägt ein weißes Sakko und eine satinglänzende Hose. Viel machen muss er nicht: außer mit den Fingern zu schnippen, ins Mikro zu nuscheln und lässig sein. Eigentlich unglaublich, was für eine Resonanz ein Arrangeur und Komponist wie James Last bekommt. Es sei ihm gegönnt. Schließlich packt seine Musik die Welt in Watte. Er lässt die Menschen in der bestuhlten Porsche-Arena Walzer und Polonaise tanzen, will aber mit Bigbandversionen von Songs wie etwa von Amy Winehouse und Pink auch topaktuell sein. Das muss der doch gar nicht. Dass es am Ende einen Pyro-Wasserfall zu bestaunen gibt, passt perfekt ins Showkonzept. Für Last gibt‘s Blumen und Herzluftballons. Für die Fans das Versprechen, er komme wieder.

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Der erste Satz einer Review ist verdammt wichtig. Da muss alles stimmen. Der Leser spürt sofort, ob da noch Großes folgt oder das Ganze ein Auftakt zu aneinander gereihten Allgemeinplätzen ist und man doch mal lieber gleich zum nächsten Blog surft. Der Einleitungssatz zum Konzert von Adolf Noise mag vermeintlich leicht sein, doch eine Vielzahl von Möglichkeiten heißt ja nun nicht, dass man auch die Optimale wählt. Ein klassischer Auftakt zu einer großartigen Rezension könnte sein:
„Der Mann der tausend Pseudonyme, Stefan Kozalla a.k.a. Dj Koze a.k.a. Monaco Schranze, trat diesmal unter seinem Lieblingspseudonym Adolf Noise auf.“
Ja, schon klar. Ist wie die ganze Zeit rechts auf der Autobahn zu fahren. Man macht nichts falsch, man kommt sicher an das Ziel, allein kann einem diese Art der Risikovermeidung übel als Sicherheitsdenken à la „ traut sich nix der Mann“ ausgelegt werden und das unvoreingenommene Weiterlesen wird unmöglich gemacht.
Okay, aber den Duktus so aufnehmen und vielleicht, sagen wir mal popularisieren, also näher an das gemeine Konzertvolk rücken, auf gut Deutsch „aufpeppen“ am besten mit schmissigen Vokabeln, kann, obwohl auch nicht sonderlich gewagt, also auch Risikovermeidung, total anders ankommen:
„Das Chamäleon der elektronischen Musikszene Stefan Kozalla a.k.a. Dj Koze trat diesen Abend unter seinem Lieblingspseudonym Adolf Noise live auf und das mit der Ankündigung, nicht die P.A. des Clubs zu nutzen, sondern Funkkopfhörer an die Gäste zu verteilen und so mit seinem Partner Mense Reents (Ego Express, Die Goldenen Zitronen) seine Soundspielereien sozusagen Peer-to-Peer abzufeuern.“
Nicht schlecht, aber mal ehrlich, wird so eine Einleitung jemandem wie Stefan Kozella gerecht? Fischmob, International Pony, legendäre Dj Sets als Dj Koze, quasi immer Spitzenproduktionen am Start und hey, der Mann veranstaltet ein Kopfhörer-Konzert, ich denke da muss man `ne Schippe drauflegen, sich sozusagen vom Hype, der diesen Mann umgibt, journalistisch auf die nächste höhere Ebene hieven lassen:
„Identitäten. Für mich das Keyword der zweiten Hälfte des ersten Jahrzehnts der 2000er. Was, wenn nicht das Spiel mit den Identitäten, ja der Identitätenwechsel an sich, das Ineinandergreifen von Digitalen und „wirklichem” Leben, charakterisiert den electronic Lifestyle, dem wir uns alle nicht entziehen können. Wer hat sich denn via MySpace nicht ´ne neue Identität programmiert? Der Vorteil liegt auf der Hand, man ist augenscheinlich jemand anderes. Stefan Kozalla hat da mehr als nur eine anzubieten. Dj Koze wäre eine oder Monaco Schranze. Oder dann eben Adolf Noise“.
Ja, das ist es. Geile Einleitung. Die wird es werden. Legt man aber so `ne Einleitung vor, kommt man natürlich sofort in Zugzwang. Muss auch so weitergehen. Und `ne bestimmte Richtung ist natürlich auch vorgegeben. Selektion ist nun unheimlich wichtig. Nicht alles reinpacken. Nicht jeder Gedankengang während des Konzerts ist es auch wirklich wert, in eine Rezension gepackt zu werden, schon gar nicht in so eine mit so einer klasse Einleitung. Es wäre total überflüssig zu erwähnen, dass das mit den Kopfhörern ja eine Spitzenidee ist, aber doch sehr von der Disziplin der Gäste abhängig, sich zum Beispiel nicht ständig lautstark Getränke zu bestellen oder dumpfe Kommentare abzugeben, da man das sonst unmittelbar mitbekommt und nicht mal der Volumenregler hilft, der sowieso auf Anschlag steht.

Oder so `ne andere Überlegung, nein eigentlich mehr ein Bild, war, wie sich Dj Koze und Mense Reents, nach getaner Arbeit, kurz bevor sie in ihre Einzelzimmer des 4 Sterne Innenstadthotels gehen, über die Idioten kaputtlachen, die Kohle hingeblättert haben, um Soundcollagen und gesampelte Stimmen – gepaart mit idiotischem Livexylophon Geklimpere und Hohner Melodica Gedudele mit billigen Standarteffekten versehen, aus einem Sequenzerprogramm, das, wenn wir mal ehrlich sind, das Wort „Konzert“, ein wenig ad absurdum führt – zu hören und ja, man dieses Gefühl kräftig verarscht zu werden, einfach nicht abschütteln kann – und warum zum Teufel, schweife ich denn die ganze Zeit ab und schaffe es nicht, mich auf das Konzert zu konzentrieren?
Ja, alles Gedankenfetzen, die meiner Meinung nach die geile Einleitung vergessen lassen würden, weil sie nicht zum wahren Kern des Konzerts vorstoßen. Transzendenz ist angesagt: „Adolf Noise schafft es, ein neues Genre zu etablieren: Stand Up Comedy Ambient. Unglaublich wie Klangbilder, die aus einer anderen Welt zu stammen scheinen, auf real existierende Samples treffen und wie Zahnräder eines Schweizer Präzisionsuhrwerk ineinandergreifen, und das Bild eines Universum projizieren, das trotz aller Schönheit auch seine hässlichen Seiten zeigt. Adolf Noise wertet nicht, nein, er präsentiert und kommentiert und überlässt seinem Publikum die letztendliche Entscheidung, das Konzert in ihrer Werteskala einzuordnen. Wenn die gesampelte Stimme Gunter Gabriel und seine Hasstirade auf Harz 4 Empfänger aus dem Kopfhörer hallt („Ihr habt soviel Zeit, sonst wärt ihr nicht nachmittags schon hier, ich habe leider keine Zeit, ich muss meinen Arsch immer in Bewegung halten, damit die Knete stimmt“) und anschließend mit Akkorden unterlegt wird, die schwer an Beatles erinnern, weiß man nicht genau, worüber man denn nun schmunzelt, und ob man das nun in einem sozialkritischen Kontext sehen und in die Sparte politisches Kabarett ablegen soll oder das Ganze einfach als guten Gag abtut. Doch in genau diesem Zwischenraum kann man es sich gemütlich einrichten, lachen über den feisten Humor von Stefan Konzalla, den Clownereien eines Mense Reets zuschauen und letztendlich Musik per Kopfhörer genießen, die das Bindeglied und der rote Faden des Abends ist.“
Ja, ich denke, das ist es ist. Gelungen. Schlusssatz ist da eigentlich nicht mal nötig. Ist jetzt dann schon einiges. Klar, würde schon mehr gehen. Allerdings, das muss man dann auch schon zugeben, man spürt dann doch das sich Winden, das Suchen nach geilen Formulierungen und man müsste die Kritik fast anerkennen, würde jemand das Wort „konstruiert“ in den Raum stellen. Ja, vielleicht sollte man dieses ganze Gedönse von eben vergessen und wenigstens soviel Größe zeigen und das Zitat des Abends niederschreiben, das seine Genialität durch seine bestechende Einfachheit zeigt, die Quintessenz eines 1,5 Stunden dauernden Abends in einem Satz zusammenzufassen. Ja, und wer sonst außer Great Toxic, ist in der Lage solche Sätze in die Runde zu werfen, und so zu tun, als sei es nichts besonderes, Sprache so zu zähmen und Klarheit in Abläufe zu bringen, für die andere ganze Seiten benötigen:
„Das wirkliche Geile an dem Konzert war, dass man pissen gehen konnte, ohne etwas zu verpassen.“

Ist das jetzt die Antwort auf die Krise? Bleibt den jungen Menschen nichts anders übrig, als kräftig dagegen an zu feiern? Und dabei „Anti Anti“ zu kreischen?

Dass die Band Bonaparte im Rahmen des Popfreaks Festivals nach Stuttgart geholt wurde, passt schon ganz gut. Die Veranstalter vom Merlin haben es geschafft, mussten aber auf die Wagenhallen ausweichen. Der Andrang an diesem Donnerstagabend ist immens. Ausverkauft. Viele enttäuschte Gesichter vor der Tür. Schließlich verpasst man hier nicht einfach nur ein Konzert, sondern einen Jahrmarkt der Verrücktheiten. Der Schweizer Tobias Jundt versammelt eine Ulktruppe um sich, haut ein paar wirklich sehr eingängige Hits raus und fertig ist das Visual-Trash-Pop-Punk-Paket. „Do you wanna party with Bonaparte?“, heißt es da zu Beginn. Und ja: Sie wollen es. Die Fans haben sich lustige Zeitungspapierhüte aufgesetzt, die Augen schwarz umkringelt und total fetzige Sonnenbrillen aufgezogen. Man muss ja irgendwie mithalten mit der Band auf der Bühne. Doch der kann man in Sachen Kostümierungen so schnell nichts vormachen. Baströckchen, rosa Häschen, Feuerschluckerin im Bikini, gruselige Clownsmaske oder auch ein überdimensionaler glitzernder Discokugelhelm – die Staffage und die Show sind eindrucksvoll, machen aber nun mal eben kein Konzert. Das schaffen Bonaparte mit ihren Slogansongs wie etwa „I Can‘t Dance“ oder „Too Much“, zu dem sie dann nur noch sehr wenig an haben.