Wenn Dich von den Wänden Deiner Stadt eine schöne Frau mit kaputtem Brillenglas  traurig-melancholisch-entfernt anschaut, macht man sich als Hornbrillenträger einfach Sorgen und muss der Sache auf den Grund gehen. Als mir auf dem Schulhof der Rohracker Grundschule bei einem gewagten Experiment, für welches ein Skateboard eine richtig schiefe Ebene und ein gleichaltriger waghalsiger Mitschüler nötig waren, mal so richtig die Sehhilfe zu Bruch ging, habe ich folgendes gelernt: Beton ist ganz schön hart, ein Skateboard mit zwei Jungs fährt richtig schnell, die Zeit heilt alle Wunden und durch so eine Splitterbrille sieht die Welt ganz interessant aus. Was ist wohl ASA passiert? Denn diese Dame schaute mich von ihren Konzertplakaten durch ein halbdemoliertes Nasenfahrrad an. Was hat sie wohl gelernt? Werden wir heute Abend davon hören?

Bilderzauberer Andi hat den digitalen Film eingelegt, mein Bleistift ist spitz, der gelbe Blitz hatte keinen Kolbenfresser, es kann also losgehen. Als Vorgruppe spielt Y’akoto aus Hamburg. Vier Jungs umspielen gekonnt ihre singende Frontfrau im lustigen kleinen gelben Lampenschirmkleidchen, die beim Publikum gleich von Anfang an punktet, weil sie den Herrn an der Lichtregie charmant bittet, das Saallicht etwas aufzudrehen, da sie uns sehen möchte. Sie singt irgendwo zwischen Skye Edwards und Macy Gray und die starke halbe Stunde macht Lust auf mehr. Im März kommt das Album.

Als nach einer Viertelstunde dann Asa die Bühne betritt, bin ich natürlich erst mal erfreut, dass die Brille wieder ganz ist und sie ein Malcom X-Gestell mit unzerbrochenen Gläsern auf der Nase hat. Dann wird’s überraschend. Beim Vorhören hatte ich manchmal ein bisschen befürchtet, dass das Konzert eine glatte Neosoulangelegenheit mit afrikanischen Klangtupfern für Gepakaffeetrinker und Gesinnungsleinentaschenträgerinnen werden könnte. Mit geschlossenen Augen wähnt man sich jedoch eher bei Melissa Etheridge oder einer anderen klanglich verwandten Rockröhre. Die beiden Gitarristen legen ordentlich los und wissen sogar, dass man beim saitenquälenden Zwischensolo immer in die Knie zu gehen hat. Der Schlagzeuger haut ganz ordentlich auf seine furztrocken aufgezogenen Fell und treibt das Ganze gewaltig voran. Das Publikum ist aus dem Häuschen und Asa kann den Hit „Why can’t we“ vom neuen Album, den schon ziemlich viele kennen, früh und schnell verfeuern, denn die Chefin hat den Laden hier und heute im Griff. Was wir dann zu hören bekommen, ist eine Musikmischung, wenn mir das jemand vorhergesagt hätte, wäre ich überzeugt gewesen, dass das nie funktionieren kann. Reggaeelemente, Afrorock, eine Ballade in Youruba und fiese Diskokeyboardklänge fusioniert die Dame im Ballettrock zu einem sehr fröhlichen Abend. Als sie die Bühne zwischendurch den Herren der Band überlässt und die sich in ganz gewagte Pink Floydartige Gitarrenduelle versteigen, ist das immer noch gut. Asa kommt mit einer Babytrompete zurück, steigt mit ein und der Mischer legt noch mehr Hall drauf, als bei Jan Gabarek in der Tübinger Stiftskirche. Ich sag’s verwundert: Das hat funktioniert und Spaß gemacht.

Ganz klar ist, dass es heute heftiger zugehen soll, als auf der Platte. Die ist ausschließlich für daheim und den Sessel. Life und in Farbe wird gerockt, dass es kracht. Wenn es mal ruhiger zugeht klingt Asas Stimme brüchig wie Billie Holiday, was mir bei den ruhigeren und melancholischen Momenten sehr gut gefällt. Mir fällt keine andere Sängerin ein, der ich so schnell verziehen habe, dass sie auf der Bühne die Schuhe auszog und wie ein bekiffter Waldorfschüler ihre Liedtexte tanzte. Irgendwann verschwindet sie hinter der Bühne, kommt mit Fußglöckchen zurück und führt einen Ausdrucksstampftanz auf bei dem Joaquin Cortes und Michael Flatley neidisch werden könnten. Bei der zweiten Zugabe hat es Asa dann geschafft, dass der komplette Saal steht und sie lautstark beim improvisierten Kuss-Song unterstützt. Dazu und zur gewagten Musikmischung kann man der charismatischen großen kleinen Dame aus Nigeria nur gratulieren. Ich hab noch nie gehört, wie jemand so gekonnt Musiken gemischt hat und auf so schmalem Kitschgrat wanderte, ohne abzustürzen oder dass jemand mit schmerzverzerrter Miene „Crossover-Alarm“ geschrien hätte. Chapeau! (Ob’s wohl an der neuen Hornbrille lag…?)

Die Frage, die sich mir erst nach diesem Konzert beim “Nachrecherchieren” stellt, ist, ob 12 Grammys in die Manufaktur passen. So viele hat Raphael Saadiq laut Wikipedia zu Hause stehen. Vielleicht ist auch die bessere Frage: Wieso hat ein Mann, der so viele Meilensteine in der Soulmusik jüngerer Geschichte hinterlassen hat, zumindest in Europa nie den großen Bekanntheitsgrad erlangt?

Ohne diese Fragen zu beantworten, aber um diesem Umstand Rechnung zu tragen, vorab ein paar Fakten: Mit 18 spielte er in der Backing-Band von Prince auf Tour. In den 90ern war er überaus erfolgreich mit dem R’n'B-Trio Tony! Toni! Tone!. Ende der 90er gründete er zusammen mit Dawn Robinson von En Vogue, Ali Shaheed Muhammad von A Tribe Called Quest und anfangs noch D’Angelo die R’n'B-”Supergroup” Lucy Pearl.

Dann folgten seine Soloalben, allesamt erfolgreich und von Kritikern gefeiert, bei den letzten beiden Alben sehr stark beeinflusst von Soul aus den 60er Jahren. Und er hat mit so vielen R’n'B- und HipHop-Künstlern zusammengearbeitet, dass man nur einen Blick auf die Liste bei wikipedia empfehlen kann.

Doch zum eigentlichen Thema: Die Atmosphäre in der Manufaktur ist wenig überraschend gemütlich, es scheinen sich einige Cliquen zu treffen und auch ich stoße auf viele bekannte Stuttgarter Gesichter, die den Weg nach Schorndorf auf sich genommen haben. Die erste Reihe, um Fotos zu machen, ist ohne Umstände erreicht, alle sind entspannt und harren der Dinge.

Als Vorgruppe stellen sich The Thiams aus Berlin vor, und sie entschuldigen sich viel öfter dafür, dass sie nicht Raphael Saadiq sind, und sie versprechen viel häufiger, dass Raphael Saadiq ja gleich kommt, als sie angesichts ihrer Performance müssten. Zwei gute Sängerinnen und zwei gute Musiker sind eine gute Kombination, in ihrer Art Musik zu machen stecken viele gute Ideen, und man muss einfach nur abwarten, bis man noch von ihnen hören wird.

Dann betritt Raphael Saadiq mit Brille und Gitarre die Bühne, er ist ganz in schwarz gekleidet und füllt den Raum sofort mit seinem Charisma. Hört sich vielleicht schwülstig an, aber das ist das Gefühl, das seine Bühnenpräsenz bei mir hinterlässt. Umgeben ist er von seiner Liveband Stone Rollin, Gitarre, Bass, Schlagzeug, zwei Backgroundsänger und ein Mann an den Keyboards mit beindruckendem Körperumfang.

Es geht los mit einem Uptempo-Stück von einem seiner letzten beiden Alben, und der angenehm altmodische aber keineswegs angestaubte Sound von “The Way I See It” und “Stone Rollin” wird das bestimmende Thema des ganzen Abends sein. Wer gerne vor 50 Jahren bei einem Soul-Konzert im Apollo Theater in Harlem dabei gewesen wäre – also rein hypothetisch – der ist an diesem Abend goldrichtig.

Die erste Überraschung des Abends ist der Keyboarder, der trotz seiner Leibesfülle eine beeindruckende Tanzperformance hinlegt. Und nicht nur er tanzt, das Publikum tanzt mit. Was manchmal etwas peinlich sein kann, ist hier unvermeidbar, auch bei den langsamen Songs bewegen sich alle im Takt.

Zurück zur Eingangsfrage: Passen 12 Grammys in die Manufaktur? Raphael Saadiq scheint es völlig egal zu sein, wie groß oder klein die Halle und wie weit weg von einer Stadt die Location ist. Er schwimmt auf der Begeisterungswelle, er sagt, dass er froh ist hier zu sein, wahrscheinlich ohne zu wissen, wo hier ist.

Auf der Bühne, das wird schnell sichtbar, steht er im Mittelpunkt, die Band umrahmt und begleitet ihn. Ab und zu darf ein Bandmitglied ins Rampenlicht treten, mit einem perfekt ausgeführten Solo, aber immer auf Zeichen von Saadiq und nur so lange er es will. Das ist aber nicht unsympathisch, er und die Band bilden eine musikalische Einheit.

Die zweite Überraschung des Abends: Immer wieder, und das ist keine Show, wird improvisiert. Saadiq lässt sich so lange Zeit mit seinem Einsatz, dass man denkt, es gibt technische Probleme, er lässt die Band mit geschlossenen Augen so lange spielen bis er den richtigen Zeitpunkt gekommen sieht, zu singen. Manchmal scheint die Band erstaunt ob der Timings von Saadiq, findet aber immer so perfekt zu ihm, dass man fast doch wieder an eine einstudierte Show glaubt. Aber nur fast.

Dass zwei Stunden mit Songs, von denen der Großteil des Publikums einen Großteil nicht kennen dürfte, so schnell vergeht, liegt an der Faszination, mit der man das eingespielte Ensemble auf der Bühne betrachtet. Und wie zur Belohnung werden “Hits” wie “Don’t Mess With My Man” von Lucy Pearl, “Let The Sunshine” aus Hair oder ein Song, dessen Intro frappierend an “Always There” von Incognito erinnert, eingestreut.

Dann ist das Konzert nach einer ausgedehnten Zugabe zu Ende, zurück bleibt ein überaus begeistertes Publikum und die Erkenntnis, dass Raphael Saadiq die Entscheidung, die er irgendwann vor 2008 getroffen haben muss, sich mit echtem und altem Soul von aktuellen über-glatten und über-produzieten R’n'B-Sounds abzuheben, die wahrscheinlich beste seines musikalischen Lebens war und einer Manufaktur voller Leute einen wundervollen Abend beschert hat.

“Katzenjammer, die vier unscheinbaren Jungs aus Norwegen, haben einen ganz bemerkenswerten Sound. Eine wilde Mischung aus Rock’n'Roll, Country, Walzer, Gospel, Ragtime, Soul, Irish Folk und vielem mehr. Trotzdem haben sich an diesem trüben Novemberabend nur wenige Besucher ins LKA verirrt…”
So oder ähnlich würde wahrscheinlich eine Konzertbesprechung beginnen, wenn Katzenjammer aus den vier (fiktiven) Brüdern von Marianne Sveen, Turid Jørgensen, Solveig Heilo und Anne Marit Bergheim bestehen würde. Nun haben sich aber durch eine glückliche Fügung eben keine Jungs, sondern diese vier Musikerinnen gefunden, die – unabhängig von ihrer unbestrittenen Virtuosität – in erster Linie mit ihrem unwiderstehlichen Charme und frechen Witz jedem Publikum den Kopf verdrehen.

Begeisterte Kritiken aller Orten, ausverkaufte Hallen, Lieblinge der Feuilletons und Frauenzeitschriften, Top-Platzierung in den SWR3-Hörercharts (noch vor Grönemeyer und Coldplay). Das alles sind Hinweise, dass es voll werden könnte im LKA an diesem trüben Novemberabend. Und es wird voll, proppenvoll. Wo vor zwei Jahren noch der beschauliche Beat Club reichte, wird man nächstes Jahr wohl schon die Porsche-Arena buchen müssen.

Aber langsam. Natürlich lässt sich der kritische Musik-Blogger nicht so einfach um den Finger wickeln. Er wird  objektiv und sachlich über die musikalischen Darbietungen dieses Abends berichten. Und so ärgert er sich gleich zu Beginn, dass der vermutlich sehr schöne Gesang von Unni Wilhelmsen, die das Vorprogramm zu bestreiten hat, im lautstarken Getratsche des freudig erregten Publikums komplett untergeht.

Gegen neun Uhr ist es dann endlich so weit. Elfengleich schweben die vier Damen die LKA-Showtreppe herab auf die Bühne, wo sie begeistert empfangen werden. Schick sind sie, in ihren eigenwillig kombinierten Klamotten. Besonders auffällig: Marianne Sveen im hautengen knallgrünen Schlauchkleid und ausladender Wischmop-Perücke – Norwegens Antwort auf Beth Ditto? Und schon geht’s los mit “A Kiss Before You Go”, dem Opener Ihres aktuellen Albums. Man staunt, wie mühelos jede der Musikerinnen jedes der reichhaltig vorhandenen Instrumente spielt. Manchmal auch zwei oder drei gleichzeitig. Da wird der musikalische Vortrag fast schon zur Jahrmarktsattraktion. Es sind solch selten gehörte Instrumente wie die Bass-Balalaika, der Blecheimer am Schlagzeug oder das Kinder-Glockenspiel, die den Katzenjammer-Sound prägen.

Und dann sind da noch vier Singstimmen, die derart gut zusammenpassen, dass man kurz den Verdacht hegt, dass diese Band gecastet sein könnte. Der Harmoniegesang, insbesondere in den Passagen, die an skandinavische Volkslieder erinnern, ist wirklich unwiderstehlich zart schmelzend. Überhaupt: Es sind die leisen, gerne im Dreivierteltakt gehalten Titel wie “Lady Marlene”, bei denen eine ganz besondere Atmosphäre entsteht.

Und trotz aller Perfektion, freundlicher Konversation mit dem Publikum und vollem Einsatz auf der Bühne mag der Laden nicht in die endgültige Euphorie geraten. Nicht umsonst ruft die Band auf, so zu tun, als ob Samstag sei. Als hierauf eine eher mäßige Reaktion aus dem Publikum kommt, kommt die freche Replik: “Oh mein Gott, wie müssen dann erst Sonntage in Stuttgart sein?” Also singen alle tapfer mit bei “To The Sea”, und als nach einer Stunde die markant-schräge Fanfare aus “A Bar in Amsterdam” ertönt und gleich noch “Le Pop” nachgeschoben wird, gerät das Publikum dann doch noch ordentlich in Bewegung. Schade nur, dass dies auch praktisch schon das Ende des Konzerts einläutet. Mit einem dämonisch vorgetragenen “Hey Ho On The Devil’s Back” endet nach siebzig Minuten der offizielle Teil. Zwei weitere Titel gibt’s in der Pflicht-Zugabe, dann ist der Katzenjammer-Spaß vorbei.

Irgendwie bin ich darauf nicht vorbereitet. Ich war in letzter Zeit oft im Theaterhaus, bei Lesungen und “Comedy”-Abenden vor allem, immer in trotz der Größe kuscheliger Atmosphäre. Ich war noch nie bei einem Konzert im Theaterhaus, und jetzt öffne ich die Tür zum Saal T1 und stehe nicht in einem Theater, sondern in einem riesigen Konzertraum. Es ist dunkel, die Tribüne fehlt, vorne auf der Bühne steht eine kleine Person und singt, und ich komme damit erst mal nicht klar.

Es dauert ein paar Lieder, bis ich stimmungsmäßig reinkomme und feststelle, dass da vorne auf der Bühne eine Frau mit Leidenschaft und Spaß ihre Lieder singt. Es ist aber nicht Joy Denalane, sondern Y’akoto, die Vorgruppe in Person einer Sängerin. Dass sie aus Hamburg kommt verstehe ich noch, ihren Namen, den sie anfangs sagt, nicht, den muss ich später nachschlagen.

Super Idee, talentierte und noch unbekannte Künstler mit großen Künstlern auf Tour zu schicken, aber wenn auf den Plakaten und auf der Eintrittskarte kein Name steht, auf der Bühne kein Schild hängt und niemand dem Künstler gesagt hat, dass er seinen Namen mindestens fünf Mal pro Konzert fürs Publikum buchstabieren soll, dann verkauft er hinterher keine einzige CD mehr. Auch wenn wahrscheinlich sowieso keiner mehr CDs kauft.

Auf jeden Fall macht Y’akoto schöne Musik irgendwo zwischen Soul und afrikanischen Wurzeln, es macht ihr Spaß und im Gedächtnis bleibt das fröhliche “Godd, Better, Best”. Das finde ich nicht bei iTunes, es ist wahrscheinlich auf dem Album, das wahrscheinlich erst noch erscheint. Bei iTunes gibt es nur eine EP und einen Beitrag auf dem fragwürdigen Sampler “Black Magic 3 – The Best of R&B, Urban, Soul & HipHop”.

Die letzte News auf der Website ist vom 30. September und kündigt die Tour mit Joy Denalane an, von einem Album findet sich nichts und “Deutschlands neuer Stern am Soul-Himmel” sollte man nicht schreiben, wirklich nicht.

Y’akoto bekommt mehr als freundlichen Beifall, Umbaupause, ich postiere mich neben dem Soundmann und schreibe an meinen Blog-Kollegen Martin “Joy Denalane im Theaterhaus, voll das Klischee-Publikum”. Aber was hatte ich erwartet, und was ist überhaupt das Klischee-Publikum bei Joy Denalane? Schlechter als bei Fleur Earth aber besser als bei Jamiroquai?

Nach einer Stunde geht es los, mit einem Intro. Das überrascht mich positiv, ich mag Intros, nicht einfach auf die Bühne kommen und lossingen, nein, das braucht einen Tusch, und dann steht sie auf der Bühne, sieht umwerfend aus in ihrem roten Kleid. Um sie herum zähle ich neun Musiker, an den Keyboards und sichtbar musikalischer Kopf Lilo Scrimali, die Stuttgarter Allzweckwaffe, immer eine sichere Bank von Fanta 4 Unplugged bis zur DSDS-Studioband. Sonst Bläser, Gitarren, Schlagzeug, DJ, zwei Background-Sängerinnen.

Nach den ersten paar Liedern ertappe ich mich dabei, dass mir das alles irgendwie zu glatt ist, zu perfekt, kein falscher Ton bei Joy, kein Aussetzer bei den Musikern, keine Ansage zu lang oder zu kurz, kein Scheinwerfer falsch eingestellt, Ballade folgt auf Uptempo folgt auf Ballade, Songs aus dem ersten Album, Songs aus dem zweiten Album, Songs aus dem dritten Album. Dann haue ich mir selber auf die Finger und nehme mir vor, nicht immer was zu lästern zu suchen. Und dann macht es Spaß.

Joy Denalane ist eine hervorragende Sängerin, da beißt die Maus keinen Faden ab, aber sie kokettiert nicht damit, muss nicht die Oktaven erklimmen, ein paar pointiert gesetzte Breaks mit wenig Musik und viel Stimme reichen, um den Saal zu füllen.

Die Songs des Abends sind nicht aneinander gereiht, sondern sie sind perfekt aufeinander abgestimmt, gehen ineinander über, bauen aufeinander auf, bewegen sich zwischen Soul, Jazz, Funk, Reggae, 90s-R’n'B, alle Einflüsse sind da, schließen sich nicht aus und wären so nicht mit vielen anderen Bands in Deutschland umsetzbar.

Joy weiß, dass sie in Stuttgart ist. Sie erzählt, was jeder im Publikum schon weiß, dass sie hier gelebt hat, dass Max Herre eine Sängerin für “Mit Dir” auf dem zweiten Freundeskreis-Album “Esperanto” gesucht hat, dass sie sich so kennengelernt haben. Max Herre ist an diesem Abend nicht da, sie entschuldigt sich dafür, Stuttgart singt alleine die erste Strophe von “Mit Dir”.

Aus dem Publikum wird lautstark “1ste Liebe” gefordert, die schönste Stuttgart-Hymne seit “Mutterstadt” von den Massiven Tönen. Geplant ist das nicht, “Ich kann ja nicht rappen”, Joy singt trotzdem die Hook und die Menschen singen selig mit.

Welche Songs an diesem Abend die besten sind? Die aus dem ersten Album “Mamani”, auf deutsch, gefühlt am wenigsten vertreten? Die aus dem zweiten Album “Born & Raised”, auf englisch, nicht nur sprachlich am internationalsten? Die aus dem dritten, aktuellen Album “Maureen”, wieder deutsch, gereift, aktuell? Schwer zu sagen, manchmal wünscht man sich doch eine Überraschung, eine Coverversion vielleicht, einen Max Herre, der zur Zugabe doch auf die Bühne springt. Und dann kommen die Überraschungen im Kleinen, wenn Trompete, Saxophon und Schlagzeug ihre Soli spielen, ganz alte Schule, oder wenn plötzlich deutliche Swing- oder Motown-Soul-Einflüsse zu hören sind.

Und bei der Live-Version von “Wo wollen wir hin von hier?” fällt mir auf, was mir beim Hören des Albums auch aufgefallen ist: Die frappierende Ähnlichkeit zum Mega-Stomper “Empire State of Mind” von Jay-Z mit Alica Keys. Als ich zu Hause nachsehe die Bestätigung: Beide basieren auf dem gleichen Sample, “Love On A Two Way Street” von den Moments. Zufall? Kalkül? Egal.

Zwei Stunden dauert das Konzert, sie vergehen wie im Flug, es macht am meisten Spaß Menschen bei etwas zuzusehen, was ihnen Spaß macht. “Ich stehe auf der Bühne, Ihr schaut mich alle an, das ist das Schicksal eines Künstlers” sagt Joy. “Du geile Sau” ruft ein weiblicher Fan aus dem Publikum.

Früher war alles besser. Prinz William war unverheiratet und hatte volles Haupthaar. Bei H&M gab’s schicke Röcke für 4 Mark 95, AKWs, Renten und die Bäume in Schlosspark waren sicher – und auf Konzerten enttäuschten unsere Helden nie.

Heute essen wir keine Spaghetti Miracoli mehr sondern „Pasta“, tragen Klamotten, die nicht dem Anlass sondern dem Wetter entsprechen und freuen uns samstags nicht mehr aufs Ausschlafen, sondern darauf, endlich mal wieder was „weg g’schafft“ zu bekommen (Fenster putzen, Steuererklärung machen, bügeln, Telefonat mit Mama oder in meinem Fall Balkonblumen bei Obi kaufen). Wenn es dann dunkel wird, der Himmel auch noch nach Regen aussieht und die Kinder, Partner, Haustiere endlich im Bett sind, muss schon etwas Großes in der City warten, damit wir uns in unsere Kombis setzen, die Vorstädte und Hanglagen verlassen und „clubben“ gehen.

Gestern Abend wartete etwas übergroßes im 1210 auf unsere müden Knochen. Die Mobylettes spielten auf.

Mein erster Gedanke: Endlich, endlich, endlich. Denn ich gehöre zu den Glücklichen, die 1998 beim ihrem Stuttgarter Konzert im Travellers’ Club zugegen waren (ja, wir alten Leute schreiben so) – und kann nur bestes darüber berichten: Der Sound war glockenhell damals, die Band traf jeden Ton, die Songauswahl ließ keine Wünsche offen, die Backround Girls trugen Abendkleider und swingten in bester 60s-Girlgroup-Manier. Das größte am Konzert damals war aber Frontfrau Diana Diamond. Niemals wieder sah ich eine selbstbewusst-nonchalantere, schnippisch-kokettere und mondäner gestyltere Heldin als sie. Alle Mädchen im Publikum hingen an ihren Lippen und dachten „wenn ich groß bin, will ich werden wie Diana“. Alle Jungs fürchteten sich vor ihrer Arroganz und träumten doch heimlich davon, Opfer ihrer spitzzüngigen Zwischenbemerkungen zu werden.

Wir waren alle verliebt. Wir haben gewartet.

13 bittere Jahre lang. Die Zeit haben wir mit Studium, Hochzeit, Familiengründung, Scheidung, Italienurlaub und Karriere machen überbrückt. Dabei haben wir uns in stillen Momenten immer mal wieder gefragt, wie’s Diana wohl so geht. Ob sie ihr Glück gefunden hat. Ob sie noch ab und zu an uns denkt. Ob sie uns auch vermisst.

Gestern im 1210 waren wir also alle wieder da. Und es fühlte sich ein bisschen an wie Klassentreffen. Älter sind wir geworden, übergewichtiger, haarloser und müder. Die Wartezeit wurde – iPhone sei dank – mit dem umherzeigen von Kinderbildern überbrückt. Man nippte am einzigen Bier des Abends (man ist ja mit dem Auto da) und ich habe sogar Menschen Hochzeitseinladungen verteilen gesehen.

Als um 22 Uhr immer noch keine Mobylettes auf der Bühne standen, wurde man langsam nervös. Man muss ja morgen früh raus. Und hinsetzen kann man sich auch nirgends. Als es los ging, waren wir gedanklich schon halb im Bett.

Nun zum Konzert.

Gestern passierte leider das, was mit alten Helden immer passiert. Sie werden unseren Traumbildern nicht gerecht. Hatte der Sound schon immer so gescheppert? Kann die Band sich bitte aufs Musizieren konzentrieren und das mit dem Singen sein lassen? Und überhaupt. Wo waren eigentlich die Backround-Sängerinnen? Zur Songauswahl: Das neue Album muss unter die Leute gebracht werden. Schon klar. Aber ein paar alte Hits mehr hätten’s schon sein können. „Tu mir weh“ z.B. oder „Wo gehobelt wird da fallen Späne“. Und warum endete das Konzert mit dem langsamsten Lied ever und schickte uns nicht mit einem alten Hit im Ohr nach Hause? Oh Gott. Ähnliches bemängeln meine Eltern wahrscheinlich an Phil Collins Konzerten. Oh Gott.

Einen Lichtblick gab es aber: Diana ist immer noch Diana. Alterslos schön. Perfekt frisiert. Ladylike gekleidet. Herrlich süffisant-arrogant im Umgang mit Publikum und Band. Wir sind immer noch ein bisschen verliebt.

Nach dem Konzert gab’s wohl noch so DJ-Musik für junge Leute. Kann leider nicht sagen, wie das ankam. War schon arg spät, und ich bin heim ins Bett. Jetzt ist es kurz nach 9 Uhr morgens und es gibt so viel zu tun. Wäsche waschen maybe?

Boah, wie zäum ich das Pferd auf? Vielleicht so: Jamiroquai, war ich früher ganz großer Fan von. Die “Return Of The Space Cowboy” war eine Weile durchaus meine Lieblingsplatte, und das darauf befindliche “Morning Glory” ein ideales Begleitstück zu meinen an einer Hand abzählbaren Cannabisversuchen. Nee, pathetischer Nostalgiequatsch, unerträglich so was, kann niemand ernsthaft gut finden. Dann eben aktueller Bezug: Die aktuelle “Rock Dust Light Star” hält das Niveau der bisherigen Jamiroquaiplatten locker, was aber auch bedeutet, dass sich nicht wirklich viel getan hat in Jays Disco-Soulfunk Kosmos. Kann man gut, schlecht oder egal finden, live erhoffe ich mir aber ein großes Spektakel mit Bläser und Hochglanzsound.

Auch schlecht, Intro an die Wand gefahren. Egal, “die Karawane zieht weiter” (H. Kohl, glaube ich).

Die Porsche Arena präsentiert sich sehr gut gefüllt mit allerlei gemischtem Volk. Vom jungem Indie, über den/die Middle-Ager GrafikerInnen bis zu Typen, die nach Russisch-Inkasso Führungspersonal aussehen, ist alles dabei. Und die, ich übrigens auch, sehen erstmal Penguin Prison, das Projekt Chris Glovers aus dem für Qualität bürgenden Neon Gold Records Umfeld.

Ein Quartett hat er um sich geschart, das bei überraschend präsentem Sound 80ies inspirierten Pop bietet. Sehr tighte Band, tolle Songs, für eine Vorband starke Bühnenausstrahlung, und eine Stilbandbreite, die mich bei ihren synthielastigeren Popsongs sehr entzückt, bei ihren funkigeren 80ies Pop-Soul Sachen eher abschreckt. Manchmal klingt die Band so dermaßen nach den 80ern, dass man wirklich glauben könnte, man hätte gerade die Sendung “Formel 1″ eingeschaltet. Ein Balanceakt die Unerschrockenheit, mit der sie sich teilweise an eine Radiokompatibilität ranwagen, die für einen Indieact wirklich sehr ungewöhnlich ist. Selbst nach “You’re The Voice” klingende Gitarrensoli werden zugelassen. Viel Applaus gibt es, zu Recht, und ich weiß trotzdem nicht genau, was ich insgesamt davon halten soll.

In der Zwischenzeit hat sich ein temporär aussortierter VfB-Stürmer samt weiblicher Begleitung neben mich hingesetzt, und futtert einen Hamburger. Unter Magath gäbe es dafür wahrscheinlich eine vierwöchige Zwiebelsuppen-Kur. Wichtiger eher die Frage: machen Jamiroquai mittlerweile Musik, die sich Fußballer gerne anhören? Währenddessen unerträglicher Vocal-House, der einem die Zehennägel aufrollt, in der halbstündigen Umbaupause.

Kurz nach 21 Uhr betreten Jamiroquai unter frenetischem Jubel die Bühne. Der Titeltrack des aktuellen Albums “Rock Dust Light Star” wird geboten. Der Name ist (Bühnendeko-)Programm. Planeten hängen über der Bühne, elf an der Zahl, so viele Musiker zähle ich auch. Der Bühnenhintergrund zeigt tolle Weltraumbilder, der Sound ist sehr hochwertig für eine so große Halle. Na also, Erwartungen gleich mal erfüllt.

Jay Kay hat eine Art Poncho (Mighty Boosh: “It’s impossible to be unhappy in a Poncho.”) mit Ärmeln an, und scheint sehr gut bei Stimme. Neben der üblichen Bandbesetzung stehen zusätzlich noch ein Perkussionist, drei Background-Sängerinnen und drei Bläser auf der großen Bühne. Nach “Main Vein” gibt es eine kurze Begrüßung, die fast im ohrenbetäubendem Jubel untergeht. “Cosmic Girl”, das sich mir noch nie so richtig erschlossen hat, ist der nächste Song der gefeiert wird. Die Space-Animationen sind mal wieder großartig, besser als im Planetarium das Spektakel!

Kurze Ansage von Jay Kay, dass er heute endlich im Porsche Museum war. Wahrscheinlich hat er sich auch heute beim Innenstadtbummel gleich noch zwei, drei Sportwagen rausgelassen. Das Unternehmen Jamiroquai läuft wohl gut. Großer Zuschauerzuspruch und die sehr aufwändige Live-Show kündigen davon.

“Smoke & Mirrors”, “You Give Me Something” und das rockige “Hurtin” sind die nächsten Song, die von der unglaublich gut zusammenspielenden Band gebracht werden. Paar Planeten werden derweil weiter runtergefahren und rot-orange angestrahlt. Das sieht schon alles sagenhaft toll aus.

Das nächste Highlight ist “Little L” mit synchronem Publikums-Doppelpatscher. Bei dem Stück lässt allerdings Jays Stimme in den höheren Lagen etwas in der Kraft nach. Fällt aber nicht weiter auf mit so einer Band im Rücken. Außerdem liefert er im Gegenzug paar tolle Sprünge ab. “Canned Heat” wird in einer anderen Version als auf Platte geboten. Schön, wenn ich live etwas überrascht werde, das gefällt mir. Der Hit “Deeper Underground” wird überraschend früh verballert, während mein Höhepunkt gleich darauf mit “Space Cowboy” kommt. Großartig relaxt gespielt, am Ende auch schön ausgedehnt, um darauf noch eine Steigerung draufzusetzen. Die Leinwand hingegen mit ihren Weltraumbildern ala Wonders Of The Universe ergänzt das Ganze kongenial.

Zum Ende des Sets wird die Discoschraube noch fester angezogen. “Love Foolosophy” mit schönem Flügelhorn-Intro, “Travelling Without Moving” bis hin zu “Alright” mit sehr schön synkopiertem Mittelteil, in dem die Bläser sich etwas austoben können. Die ganze Halle bewegt sich, ist begeistert, ich hingegen hätte mir eher paar Songs vom Schlage “Virtual Insanity”, “Emergency On Planet Earth”, “Corner Of The Earth”, oder auch “Supersonic” gewünscht. Letztes nach meinem Geschmack das einzige Stück, in dem das Hippie-Blasrohr namens Didgeridoo jemals anständig verwendet wurde. So ist es mir gegen Ende hin ein wenig zu sehr Discogepumpe, ebenso wie die Zugabe “White Knuckle Ride”. Das trübt meinen Gesamteindruck aber nur wenig. Großer Abend, tolles Spektakel, sehr gute Liveband.

Und da wir den ganzen Artikel schon beim Thema Weltall sind, zum Schluss noch ein kleiner Hinweis in eigener Sache. Madame P.s und meine Lieblingsband Fitness Forever nehmen gerade ihr aktuelles Album “Cosmos” auf. Sie werden Stuttgart am 20. Juli im Schocken beehren, und da wir organisatorisch die Finger mit drin haben, bitten wir um dickes Anstreichen des Termins im Kalender.

Ganz leichte Übung: aus der Indie-Hipster Ecke Jamiroquai kacke finden. Vor über zehn Jahren waren sie hip, seit den Strokes ist aber Acid Jazz und Funk auf den Indie-Dancefloors töter als tot. Aus dieser Sicht haben die Mannen um Jay K. mittlerweile fast schon etwas dinosaurierhaftes. Das macht sie mir aber schon wieder sympathisch. Klar, großartig verändert hat sich die Musik der Band die letzten Platten nicht mehr, aber muss es das? Vielleicht fällt es bei Jamiroquai nur stärker auf, da der Sound eben etwas spezieller ist.

Lustig fand ich schon immer die Tatsache, dass Jamiroquai die Pop-Konsensband für Jazzmucker war/ist. Hohe musikalisch-technische Qualität, Jazz-Harmonien, ja wenn denn die kommerzielle Musik nur immer so wäre, ist da gerne mal zu hören.
Bin mal auf mich selber gespannt wie das Konzert heute Abend auf mich wirken wird.

Schön auf jeden Fall die Band im gemütlicheren Rahmen der SWR 3 Party im Zapata zu hören. Irgendwann vor zehn Jahren oder sowas in der Schleyerhalle war mir das zu groß, zu kalt. Hier in clubbigerer Atmosphäre kommt das schon besser rüber. Der Sound ist gut, hat genau die richtige Lautstärke und hallt nicht kühl wie in der großen Halle.

Gespielt werden heute Abend hauptsächlich neuere Songs des aktuellen Albums Rock Dust Light Star. Was man konstatieren kann ist, dass der Band-Sound sich seit den Anfängen immer mehr Richtung souligem Disco, weg vom Acid-Jazz entwickelt hat.
Funktioniert live natürlich umso besser wegen Rhythmus, bei dem man mit muss und so. Eine sehr feine Band steht da mal wieder auf der Bühne. Leute, denen man nicht erklären muss, wie sie ihre Instrumente zu bedienen haben. Drei Bläser, drei Backgroundsängerinnen, Perkussionist, Schlagzeuger, Keyboarder, Basser, Gitarrist und Jay himself, grooven sich bestens arrangiert durch das Programm. Jan Delay hat sich da bestimmt auch ein wenig was abgeschaut, wie man Seventies-Disco orientierten Sound live am besten reproduziert.

Paar kleine Unstimmigkeiten erklärt Jay K. damit, dass sie bisher noch kaum Zeit zum Proben hatten, und dass sie im nächsten Frühjahr in der Porsche Arena bestimmt besser spielen werden. Jammern auf hohem Niveau, aber Perfektionismus ist ja auch eine Respektsbezeugung dem Publikum gegenüber.

Was glaube ich der Band irgendwie in ihrer Entwicklung fehlt, wäre ein richtig herausragendes Album rauszubringen. Das ist natürlich alles sehr hochwertig, auch nicht uninspiriert, aber ein bisschen kommt es mir doch vor, wie ein Verwalten des eigenen Standards (auf hohem Niveau). Vielleicht ist das aber auch nur der persönliche Eindruck, weil ich geballt mit fast nur neuem, mir unbekannten Material konfrontiert werde. Love Fool und Deeper Underground kenne ich dann doch, und die zünden dann auch gleich ein wenig mehr.

Als ich anfange mich für die Musik zu erwärmen, ist es dann aber auch schon wieder vorbei. Schade, denn Jamiroquais Musik funktioniert nach meinem Verständnis am besten, wenn sie live viel jammen und improvisieren, die Stücke bis in den Tod grooven. Man muss das Ganze also wohl eher als eine Art Warmlaufen und Vorspiel für den großen Auftritt nächsten April sehen. Man sieht sich dort.

POP.NOT POP ist der Name des Festivals das am Samstag zum ersten Mal in Stuttgart stattgefunden hat. Das Konzept: ein durchaus erschwingliches Ticket für zwölf Bands und fünf Clubevents in Schocken, Beat!Club, Keller Klub, Zwölfzehn und Bix. Fast wie ein Mini-Iceland Airwaves. Ideal um neue Bands kennenzulernen, von denen die meisten eher (noch) Insider-Tipps sind.

Der wohl bekannteste Act des POP.NOT POP sind die Isländer FM Belfast, in die ich mich während des Iceland Airwaves-Festivals, beziehungsweise eigentlich erst danach, verliebt habe. Bis dahin kannte ich nichts von dieser eigenwilligen Band. Ich hatte nur mal den irgendwie auffälligen Bandnamen beim Southside-Festival gelesen. Als wir uns dann aber von Reykjavik aus in den wunderschön einsamen Norden Islands aufgemacht haben, ist „How to make friends“ von FM Belfast im Autoradio gelandet.

Einer meiner Miturlauber hatte das Album im wunderschönen Plattenladen 12 Tónar entdeckt. Vor allem „Underwear“ hatte es mir extrem angetan, aber auch Songs wie „Synthia“ und „Tropical“ gefielen uns so gut, dass das Album etwa fünf Mal am Tag durchlief und den Soundtrack unseres Urlaubs lieferte. FM Belfast wird mich eben auch immer an die Fahrt durch schroffe Küstenregionen, kleine Fischerorte und verschneite Bergpässe in Island erinnern. „We come from a place where we count the days“ passt zur wunderschönen einsamen Landschaft dort einfach wie Arsch auf Eimer.

Am Samstag stehen wir also auf der Empore des Schockens und warten gespannt auf die schrulligen Insulaner. Einen herben Nackenschlag mussten wir bereits hinnehmen. Einige meiner Freunde haben keine Tickets mehr bekommen und mussten mehr als nur leicht sauer den vorzeitigen Heimweg antreten. Aber immer noch besser als mit POP.NOT POP-Bändel am Handgelenk draußen vor dem Schocken zu stehen und nicht mehr reinzukommen. Der Club ist proppenvoll und wird von den Türstehern abgeriegelt. Kann passieren bei so einem Festival, das war in Island nicht anders. Schade ist es natürlich trotzdem, denn die vor der Tür verpassen eine Gute-Laune-Granate, oder besser noch: eine Gute-Laune-Atombombe! Was FM Belfast hier abliefern wird, ist absolute Entertainment-Weltklasse.

Schon beim Opener „I can feel love“ entwickelt sich eine unglaubliche Stimmung. Ich vermute mal, dass viele die Band zum ersten Mal hören. Aber was Árni Rúnar Hlöðversson, Árni Vilhjálmsson, Lóa Hlín Hjálmtýsdóttir und ihre Band-Kollegen hier in liebenswert seltsamen Bühnenoutfits abliefern, geht an keinem spurlos vorüber. Das Schocken kocht innerhalb von wenigen Minuten und die Menge unter mir tobt wie bescheuert. Während drinnen die Party so richtig losgeht, schaut man von draußen neidisch rein. Immerhin gibt es eine Premiere im Schocken (zumindest soweit ich weiß): die Türsteher ziehen den Vorhang soweit wie möglich auf, damit wenigstens ein bisschen Stimmung nach draußen dringt. Drinnen skandieren FM Belfast mittlerweile „I don’t want to go to Sleep Island“ (wenn ich das richtig verstanden habe) und präsentieren eine neue Electropop-Partyperle. Ich sehe nur noch strahlende Gesichter, hüpfende Menschen und gen Clubdecke gereckte Hände. „Saunadisco“ nennen FM Belfast das.Keiner kümmert sich drum, dass es mittlerweile gefühlte 50 Grad hat, der Schweiß nur so in Strömen läuft und die Scheiben beschlagen. Unter mir spritzt Bier durch die Gegend und ein weiblicher Fan lässt sich mit grenzenlos verzücktem Lächeln über die wild hüpfende Menge tragen. „Abartig geil“ fährt es mir immer wieder durchs Hirn.

FM Belfast haben sichtlich Spaß und den geben sie weiter. Genau wie auf der Bühne tanzen auch davor alle wild herum, selbst auf den Plätzen, von denen sonst eher ruhig und gelassen beobachtet wird. „Es ist nass und es ist heiß“ stellen die Isländer in fast perfektem Deutsch fest, um wenige Sekunden später den Fans den Mittelfinger zu zeigen. Denn es folgt das Rage Against the Machine-Cover „Killing in the Name“, von den Isländern „Lotus“ getauft. Und ich muss schon sagen: Ich habe noch nie jemanden so charmant „Motherfucker“ sagen oder singen hören wie Lóa Hlín Hjálmtýsdóttir. Überhaupt covern FM Belfast sehr gern. Egal was reingeht: ob Snaps „Pump up the jam“ oder Guns N’Roses‘ “Welcome to the Jungle”, raus kommt ein Electropop-Schmankerl vom Feinsten.

Und dann ist es soweit, mein persönliches Highlight und vielleicht der Partyhöhepunkt schlechthin: „Underwear“ live! Der Mob tobt und FM Belfast lassen die Hosen runter. Zum Song passend in Unterwäsche (ausgenommen das einzige weibliche Bandmitglied) albern die Isländer über die Bühne, müssen selbst lachen, springen durcheinander und rocken was das Zeug hält. Das sorgt mitunter für verdutzte, aber auch amüsierte Gesichter bei draußen vorbeilaufenden Passanten. Wieder lassen sich begeisterte Fans über die Menge tragen. Wir grölen mit so laut wir nur können und schauen uns immer wieder ungläubig an. Und dann, gefühlte drei Stunden zu früh, ist eines der besten Konzerte überhaupt zu Ende. Passend sinnfrei sind Mo-Dos Worte „1, 2, Polizei, 3, 4, Grenadier, 5, 6, alte Gags, 7, 8, gute Nacht“ die letzten Worte von FM Belfast.

Beim Rausgehen sehe ich ausnahmslos strahlende Gesichter und höre überall positive Superlative. Wir werden noch am nächsten Tag das Grinsen nicht aus dem Gesicht bekommen, beim Gedanken an dieses dicke Ding. Ich bin mir sicher, dass FM Belfast viele neue Fans für sich gewinnen konnte. Und eines ist klar: sollten sie wieder mal nach Deutschland kommen, werde ich notfalls weite Wege gehen, um sie wieder live zu sehen.

Weit unbekannter hingegen ist sicherlich Kristoffer Ragnstam, der beim POP.NOT POP den Anfang im Keller Klub gemacht hat. Kurz vor Beginn befürchten wir schon, dass der Schwede vor leerem Haus spielen muss. Nach und nach füllt sich der Keller Klub dann aber doch mit gut gelaunten Festivalgängern. Die sympathische Drei-Mann-Combo braucht nicht lange, um das Publikum mit seiner Mischung aus Rock’n’Roll, Soul und Indie für sich zu gewinnen. Ja gut, eine ausgewachsene Party würde ich das nicht gerade nennen. Ist aber eben auch schwer, da ich mal davon ausgehe, dass ihn die wenigsten kennen werden. Mich eingeschlossen. Mir jedenfalls gefällt schon der rockig-groovige Opener „I love you even more“.

Außergewöhnlich ist, dass Sänger und Multiinstrumentalist Kristoffer Ragnstam die meiste Zeit an den Drums sitzt. Wenn er sich hin und wieder auch mal die Gitarre umhängt, übernimmt der Keyboarder nebenbei noch das Schlagzeug. Ragnstam besingt die Schwierigkeiten des Lebens und die Liebe und hat sichtlich Spaß dabei. Immer wieder lachen die Drei sich gegenseitig an, als sie sehen, dass auch das Publikum immer mehr in Wallung kommt. Es wird recht ordentlich mitgetanzt und auch der durchaus stattliche Applaus zeigt, dass der sympathische Schwede gut ankommt. Ragnstam überzeugt mit ruhigeren Songs, kann aber auch flott, wie beispielsweise mit „Who set the city on fire“. Und wenn die Drei in ihrer Musik so richtig aufgehen, sind sie sich auch nicht zu schade, geistig abwesend, ja fast schon leicht debil, dreinzuschauen – mit offenem Mund und geschlossenen Augen. Find ich persönlich ja toll, weil es einfach zeigt, dass ein Musiker voll bei der Sache ist.

Nach etwa 45 Minuten ist der Auftritt der Schweden dann zu Ende. Ein würdiger Auftakt würde ich sagen.

Als man schon dachte, okay, das Kurhaus war jetzt aber mal eine feine Lokalität, dann wird man im Theater gleich eines Besseren belehrt. Samtbeschlagene Holzklappstühle, barockes Ornament, Kronleuchter. Prachtvoller geht immer. Es werden aber leider keine Trauben während der Vorführung gereicht.

In diesem eher an Mozartaufführungen erinnernden Ambiente tritt also Rox auf, die gerade mit My Baby Left Me einen veritablen Radiohit gelandet hat. Soul ist heute Abend angesagt. Wie auch bei Marina fällt hier der perfekte Sound auf. Zum einem ein Verdienst der professionellen Soundabmischung, zum anderen der extrem tighten Band. Da wackelt gar nix, die können das genauso direkt auf Platte aufnehmen. Nicht nur die Instrumentalisten sind allerdings große Könner. Roxanne Tataeis Stimme klingt nicht, als sei sie knapp über 20 Jahre alt. Ihr souliges Timbre vermittelt den Eindruck, als hätte sie schon 30 Jahre Bühnenerfahrung hinter sich. Routiniert, technisch perfekt, viel Wärme und Gefühl, schon beeindruckend. Auch ihre Bühnenpräsenz zeugt nicht von Schüchternheit. Viel Charisma und Sicherheit strahlt da von der Bühne.
Ihr poppiger Retro-Soul schließt z. Zt. perfekt die Lücke, die eine derangiert vor Paparazzi-Kameras herumtorkelnde Amy Winehouse hinterlassen hat.

Dass es mich schlussendlich nicht so richtig packt, liegt wohl daran, dass mir diese Art Soul zu sauber, zu geschleckt rüberkommt. Bisschen Schmutz täte der Musik gut. Was ich mir ebenfalls sehr gut vorstellen könnte wären Bläser. Die würden dem Gesamtsound sehr gut tun, könnten noch paar rhythmische Akzente setzen, gerade bei den Stücken mit Reggae-Anklängen.
Aber das ist wohl eher eine Einzelmeinung, denn die Zuschauer sind sehr begeistert (inkl. unseres Fotografen).
Rox selber ist übrigens eine sehr sympathische Erscheinung. Sie lächelt viel, redet bei ihren Ansagen frei von der Leber weg, und ihr an Professor Brian Cox erinnernder, britischer Akzent ist natürlich super entzückend.

Mal schauen, in welche Richtung die Musik von Rox sich entwickeln wird. Potential ist eine Menge da, ich bin gespannt.

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Fünf sympathische Herren treten an diesem Montagabend ins Scheinwerferlicht des gut gefüllten Schocken und legen ganz unprätentios los. Ungeschliffener souliger Rock mit deutschen Texten könnte man das beschreiben, was Superpunk aus Hamburg machen. Dieses Jahr ist das fünfte Studioalbum “Die Seele des Menschen unter Superpunk” erschienen und kann sich durchaus mit den Vorgängern messen.

Was unterscheidet Superpunk von anderen Bands? Vielleicht ist es diese gewisse Sperrigkeit, mit der die Lieder daherkommen. Nachbearbeitung und Produktion halten sich zurück, und es entsteht keine glattproduzierte, radiokompatible Popmusik sondern Handarbeit. Handarbeit mit Ecken, Kanten, Haken und Ösen. Eben dieses Gefühl hat man auch, wenn man mit den Jungs ins Gespräch kommt. Es handelt sich um Persönlichkeiten, nette Kerle, die an der Theke stehen, denen es Spaß macht miteinander zu musizieren, oder denen zumindest nichts besseres einfällt, was sie mit ihrer Zeit anfangen könnten. Und ist das nicht die beste Motivation, die es für einen Musiker geben kann? Außer vielleicht die feinen Sahnetorten, die gerüchteweise backstage gereicht werden.

Das Publikum ist gut gemischt, unerwartet viele Mädels, junge Leute, gerade noch in Ausbildung oder bereits im ersten/zweiten Job. Der Auftritt gefällt: Aus anfänglichem Mitwippen wird stärkeres Kopfnicken und Tanzen und lautstarkes Mitsingen: “Ich bin nicht böse geborn’!”

Deutsche Texte? Superpunk beherrschen das Kunststück, weitaus weniger verkrampft und intellektualistisch als manch’ andere Hamburger Band daherzukommen. Keine Spur peinlich, sondern sich selbst treu bleibend werden Themen werden besungen, die sonst eher nicht Gegenstand eines Songs würden (“Die Bibliothek”). Auch das trägt dazu bei, dass Superpunk irgendwie ungelenk und deplaziert in Raum und Zeit wirken. Wie ein Sakko aus breitem braunem Cord mit Lederaufnähern an den Ellenbogen.
Überhaupt, diese Texte: Die Band schafft es, komplexe Botschaften simpel und gut verständlich auszudrücken. Da wird mal von Liebe gesungen, häufig von verklärter Sozialromantik und meist vom Unverstandensein. Der kleine Mann wird besungen, ohne sich über ihn lustig zu machen. Moderne Arbeiterlieder irgendwie. Da kann man Superpunk mit Fug und Recht in eine Reihe mit Brecht und Ton Steine Scherben stellen.

ich liebe den fußball am samstag,
die straßen wo ich herkomm und den strand am meer
du wirst es nicht glauben
ich kann lesen und schreiben
ich kann freund und feind unterscheiden
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
du hast probleme, du bist traumatisiert
du bist paranoid, doch phantastisch frisiert
du bist ein opfer des trends, jeder kann es sehen
lieber bleib ich alleine als mit dir zu gehen
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
manchmal seh ich die welt durch einen schleier
denn mein essen ist von aldi und mein nachtisch ist von bayer
und bin ich verarmt oder beschissen gekleidet
oder gehör zu den menschen, die man besser meidet
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot
ich bin kein ignorant und ich bin kein idiot

Das Motiv des Unverstandenseins und der Ärger über erlittene Geringschätzung ziehen sich wie ein roter Faden von Album zu Album: “Ich bin kein Ignorant, ich bin kein Idiot”, “Diese Welt ist nicht für mich gemacht”, “Nein, nein, nein”, “Ich mag den Mann nicht, der ich bin”, und am deutlichsten “Allein in eisigen Tiefen” . Auch auf der Bühne wirkt Sänger Carsten Friedrichs denn auch eher introvertiert, ganz im Gegensatz zu Keyboarder Thies Mynther (Stella, Phantom/Ghost), der hinter seinem Instrument wie ein Berserker ackert und mit Tanzeinlagen beeindruckt. Nach gefühlten zwölf Zugaben verabschieden sich Superpunk mit “Bleib Deinen Freunden treu” und hinterlassen ein sehr zufriedenes Publikum.

Tipp: Am Samstag, 13.11.2010 legt Carsten im Rahmen des Festivals POP.NOTPOP im KellerKlub feinsten Northern Soul auf.

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