Glückliches Ende

Glücklich, ja geradezu euphorisiert steht Sascha Ring alias Apparat nach dem Konzert am Merchandisingstand im Foyer der Wagenhallen und plaudert mit uns, den Besuchern seines ersten Konzerts in Stuttgart: “Wenn man zum ersten Mal in einer neuen Stadt spielt, weiß man ja eigentlich nie, ob da auch wirklich Leute auflaufen…” 600 kamen. Und gehen genauso euphorisiert nach Hause. Zumindest ich.

Grundsteinlegung

Klangwandmaurer Warren Suicide schalen das Fundament für Apparat. Das Künstlerduo Cherie (Gesang) und Nackt (Keyboard) aus Luxemburg und Dänemark – oder andersrum – leben in Berlin und betreiben dort das Studio und Atelier Chez Cherie. Ihr neues Album nennt sich “World Warren III”. Live sind zu viert am Start, mit Violine und Cello und produzieren dichten, repetetiven Sound, der mich aber nicht so wirklich erreicht. Ich frage die nächste Person rechts von mir, was sie davon hält. Volltreffer, eine aussagefreudige Expertin: Tina, Indiepop-Konzert-Queen und Grundschullehrerin meint lakonisch zu Warren Suicide: “Ich bin ja musikalisch breit aufgestellt, aber das geht mir am Arsch vorbei. Die haben ihre Melodien gut versteckt… in all dem Stressgewirr“. Wow, schnörkellose Worte, klar in der Aussage, mehr davon in Kultur, Politik und Wirtschaft.

Vom Synthesizer zum Analyzer

Apparat, der in Berlin lebende Elektronik-Musiker und DJ Sascha Ring, beginnt Anfang der Nullerjahre stimmungsvolle Clicks & Cuts (= Frickelelektro) zu produzieren. Sein erstes Album heisst “Multifunktionsebene” und erscheint 2001. Zum ersten Mal traut er sich 2006 bei einem Song auf der Ellen-Allien-Platte “Orchestra of Bubbles” zum Gesangsmikro zu greifen, und es funktioniert. Mit Modeselektor wird überaus erfolgreich die gemeinsame Formation Moderat projektiert. Alles rein synthetische Musik. Mit “The Devil´s Walk” entwickelt sich Apparat vor allem live weiter. Apparat hat die synthetische Musik für die konzertale Umsetzung zerlegt – analysiert - und in natürliche Instrumente überführt. Das stimmt zwar nicht so ganz, live werden auch Synthies eingesetzt, aber lassen wir das mal so stehen, weil sich daraus für die musikalische Einordnung spannende  Effekte ergeben…

Live

Um kurz nach zehn betritt Apparat die Bühne. Aus Apparat/Sascha Ring ist eine Band geworden. Er steht als Bandleader mit seiner Gitarre und zwei Gesangsmikrofone ganz vorne, die zwei Keyboarder/Synthesizerbediener und der Schlagzeuger sitzen. Genug Haze und blauweiße Strahler von hinten sorgen für die angemessen-reduzierte Visualisierung. Songs vom neuen Album “The Devil´s Walk” dominieren. Auf Platte ist das ruhiger, sphärischer Elektropop. Für die Live-Umsetzung lässt Sascha Ring seine Gitarre flirren, er konstruiert auf Warren Suicides Fundament Gitarrenwände, das erinnert an Shoegaze, die aufgebrochenen Songstrukturen wirken fast schon postrockig in einer Spielart, wie sie Mono aus Japan darbringt (auch wenn Monos E-Gitarren ungleich heftiger durchbrechen, keine Frage). Auch gesanglich beeindruckt Rings Mittel- und Kopfstimme, nicht unbedingt erwartbar bei einem (ehemaligen) Soundtüftler. Auch der hochverehrte Szene-Hit “Rusty Nails” vom letzten Moderat-Album wird gespielt, der im Kontext mit den live umgesetzten “Devil”-Songs meines Erachtens aber nicht so gut funktioniert, das Ausgangsmaterial lebt vielleicht zu sehr vom synthetischen Sound.

Setzt man elektronische, sequentielle Musik mit klassischen Instrumenten um, kommt man bei  Minimal Music wieder heraus. Ein paar Songs werden von den Streichern, die bei Warren Suicide schon strichen, aufgewertet und erzeugen im Spiel mit der Band beispielsweise bei “The Soft Voices Die” Musik, die von Minimal-Music-Komponist Michael Nyman stammen könnten. Nyman wurde bekannt für seine Soundtracks zu den Peter-Greenaway-Filmen und dem Film “Das Piano”. Der instrumentale Apparat-Track “A Bang In The Void” erscheint als Weiterführung Steve Reichs “Music For 18 Musicians”, ein Meilenstein der Musikgeschichte von 1974. Für die Zugabenrunde wird ein schnellerer, monotoner Bass und Beat angeschlagen – und wir landen im Can-artigen Krautrock (an dieser Stelle zitiere ich aus Tox´ letzten Mogwai-Blog: “Leute, hört (mehr) Krautrock” – recht hat er). Eine perfekte, geradezu logische Weiterführung. Das alles klingt nicht so, als hätte Apparat das so intendiert, sondern vielmehr als wäre das Ergebnis zufällig bis zwangsläufig so. Letztlich ist das aber auch egal, weil:

Was nicht egal ist

Diese dynamische und zugleich sphärische, in sich selbst ruhende und sich selbst genügende Musik klingt ganz wundervoll, man möchte gar nicht, dass es aufhört… Glücklich, ja geradezu euphorisiert verlassen die Besucher nach eindreiviertel Stunden die Wagenhallen und treffen im Foyer auf einen glücklichen, ja geradezu euphorisieren Sascha Ring alias Apparat…

Da haben wir das Schlamm-Massel!

Das Southside Festival scheint sich in den vergangenen Jahren gedacht zu haben, mal eben schnell dem Glastonbury Konkurrenz zu machen. Dass es in England so viel regnet, ist ja eigentlich nur ein Gerücht. Beim Festival in Glastonbury aber hat der Schlamm Tradition. Wie in etwa die Scones zur Teatime.

Dass es aber mitten im Juni Bindfäden in der Provinz Neuhausen ob Eck regnet, die Temperaturen nächtens im einstelligen Bereich zu liegen scheinen, ist, nun ja, recht ungewöhnlich. Vergangenes Jahr war Bonapartes „Too Much“ die Hymne des Festival-Wochenendes, die Wettervorhersage sagt: Matsch luck with the weather.

Dabei sollte es doch erst am Samstag so richtig scheiße werden. Die Band Warpaint spielt noch im Trockenen. Arctic-Monkeys-Sänger Alex Turner schaut sich die Damen auch an. Erste Notiz: Album noch mal anhören. Live sind Warpaint ja wirklich fantastisch. Beobachtung am Rande: Turner ist mit seiner Modelfreundin (muss so sein, bei den Beinen) Alexa Chung im Publikum. Sie muss sich viel öfters mit Fan-Mädchen fotografieren lassen als er.

Ein leises „Wow“ kommt Coco Sumner über die Lippen, als sie die Bühne im Zelt betritt. Das Zelt ist verdammt voll. Was wahrscheinlich auch daran liegen mag, dass es angefangen hat zu regnen. Aber I Blame Coco, die eine tolle Künstlerin und auch die Tochter von Sting ist (dafür kann sie ja nichts), wird vom Publikum euphorisch empfangen, viele können ihre Texte auswendig. Ihre Musik das ist toller Elektropop. Mitsing-Hymnen galore.

Tolle Band. Scheiß Wetter. Man muss schon völlig berauscht sein, um zu behaupten, dass einem der Regen nichts ausmache. Es gibt sie dennoch, die Verrückten, die sich leicht bekleidet im Matsch suhlen.  Ohne wenn und aber. Ohne an Morgen zu denken. Währenddessen spielen Band of Horses „The Funeral“. Fantastisch!

Die Schwedin Lykke Li spielt auch im Zelt, was ob des großen Besucheransturms auch zeitweise geschlossen ist. Sie kommt als schwarze Witwe, das Gesicht verhüllt und verzaubert mit wunderbaren Liedern. „Sadness is a blessing“, singt sie. Und man glaubt es ihr.

Während die Arctic Monkeys spielen, werden die Temperaturen, nun ja, arktischer. So viel Lust scheinen die Buben nicht zu haben. Die Lieder sind rockig-rotzig wie immer, die Interaktion mit dem Publikum mau. Dabei stehen die Herren doch im Trockenen.

Die Subways wiederum sind eine grundsympathische Combo. Mit Mitsing-Rock und dem kürzeste Minikleidchen des Festivals. Hatten wir schon erwähnt, dass es kalt, nass und matschig ist?

######## [hier haben wir heute kein Foto für dich, weil Grohl einen unangemessenen Fotovertrag unterschrieben zurück haben wollte. Machen wir nicht mit sowas] ########

Dabei ist das, was die Foo Fighters da machen, doch sehr anständiger Abgeh-Rock. Grohl lacht, als hätte ihm einer einen verdammt guten Witz erzählt. Er freut sich über “so many fucking people” und will “many fucking songs” spielen.

Ein schöner Abschluss ist der Auftritt der Bright Eyes. Dem scheinbar so hoffnungslosen Conor Oberst und seiner Band kann man einfach nicht genug zuhören. Da wird’s einem ganz warm ums Herz. Nicht nur, weil es im Zelt ist.

Wer sind denn diese Leute, die sich an einem sonnigen, warmen Montagabend in eine Halle stellen, um sich eine Band anzuhören, die ob ihrer finsteren Attitüde zwischen düsterem Märchen und Blair Witch Project eigentlich von März bis Oktober Auftrittssperre auf der nördlichen Halbkugel haben sollte? Sonne macht albern-Gothic-Typen eher nicht, sondern augenscheinlich eher die Handvoll hype-höriger Musikblog-/Fachpresse-Interessierter (und ich, haha), die sich die Vielleicht-Hauptakteure der eventuell zu erwartenden Nightmare Pop-Welle ganz von nahem anschauen wollen.

Das Album „Violet Cries“ wurde von Intro bis NME wahlweise als avantgardistischer Goth-Pop-Klopper oder völlig überinszenierte Portishead-Kopie besprochen oder bewundert, zumindest mit viel Aufmerksamkeit bedacht. Heute bewegt das Trio aus Brighton, das auszog, dem Pop das Fürchten zu lehren,  allerdings kaum jemanden zur Fahrt nach Schorndorf, man könnte das gute Wetter dafür verantwortlich machen, bei dem die düstere Melancholie dieser Band aus der Finsternis zu recht keinen Platz haben.

Was man verpasst, ist ein komischer, verstörender Auftritt dreier nach konventionellen Show-Kriterien optisch mäßig vorzeigbarer Musiker. Auch die Bühne ist sparsam dekoriert, die wichtigsten Elemente bestehen aus zwei silbernen Totenschädeln, einer Stand-Tom und einem vermackelten Zildjan-Becken dort, wo eigentlich Sängerin Rachel Davies stehen sollte. Als wichtigstes Deko-Utensil werden sich aber die zwei Nebelmaschinen etablieren, die den kompletten Auftritt fast durchgehend laufen und die gesamte Manufaktur in dunstige Novemberwaldstimmung tauchen werden.

Der Auftritt beginnt mit einem sphärischen Klangteppich, zu dem sich Davies, wie noch öfters an diesem Abend, in den Bühnenhintergrund stellt und sich dort, die Haare im Gesicht, wie in Trance vor- und zurück wiegt. Ihre Aufgabe bleibt neben dem außerordentlichen, mit kräftig Hall unterlegtem entrückten Gesang auch die Bedienung der Trommel und des Beckens am Bühnenrand, dessen Zustand sich durch ihre, ääh, kompromisslose Spieltechnik schnell erklärt; gelegentlich bedient sie auch einen Bass, der so tief wummert dass die Zähne klappern.  Die satten elektronischen Beats stammen vom Laptop, den Daniel Copeman, der den mit Abstand zurechnungsfähigsten Eindruck macht, neben einer zurückhaltenden Gitarre bedient. Performancetechnisch das Gegenteil stellt Gitarre Nummer Zwei Thomas Fisher dar, der mit ordentlich 70er-Jahre-Remineszenzen gebückt, die Gitarre quasi auf dem Boden schleifend, lange Haare im Gesicht, auf der Bühne umhertaumelt, gelegentlich Zähne oder andere Dinge zum Bearbeiten der Saiten einsetzt und Davies in den sehr starken zweistimmigen Parts mit tiefer Dämonenstimme unterstützt.

Wirklich identifizierbar sind nur wenige Lieder, viel scheint improvisiertes, aber trotzdem erstaunlich gut anhörbares Geschrammel. Die gelegentlichen kargen Wortmeldungen zwischen den Songs gehen in nuschelndem britischen Englisch unter, sind vermutlich nett gemeint, allerdings schenkt Davies dem Publikum dabei nicht einen Blick, sondern starrt hinter ihren ins Gesicht hängenden Haaren auf ihre Schuhspitzen. Dann wieder: Nebel.

Identifizierbar für mich der Marching Song und Warpath, der Rest geht ineinander über, man fragt sich da in den wenigen Liedpausen gelegentlich, ob denn das Lied/die Lieder nun drei oder fünf oder zehn Minuten gedauert haben, wenn die Soundorgien zwischendurch mal stoppen. Qualitativ ist diese Musik jedenfalls sensationell, wenn auch sicherlich nicht jedermanns Sache. Der englischen Musikpresse hat es jedenfalls zu recht gefallen, und auch wenn das Album zwischendurch schwächelt und mit ewig lärmenden Wiederholungen nervt, funktioniert das live irgendwie besser, fängt oder nebelt einen in sphärischen Soundwällen ein und lässt schaudernd das Blut in den Adern gerinnen. Ebenfalls zu recht könnte man sich ein witziges Genre wie Nightmare Pop dafür ausdenken, denn für Gothic ist das definitiv zu Indie, für Indie zu Pop, für Pop zu finster und außerdem das komplette Gegenteil von Madonna.

Nach 50 Minuten schon ist der klagende Spuk vorbei, die drei verschwinden ins Horror-Feenland aus dem sie gekommen, die Welt hat uns wieder. Oh, und draußen ist ja Mai.

Mancher träumt ja von einem Leben als Rockstar. Mit Drogen, Sex, Skandalen, Roadies, Groupies, zertrümmerten Hotelzimmern, wilden Nächten und endlosen Meilen Playstation zockend im Tourbus. Ich hege seit Montag einen anderen Traum, und zwar als Musiker beim Palast Orchester als Begleitung von Max Raabe. Das stelle ich mir wunderbar vor. Im Bus gemütlich ein schönes Buch lesen, beim Abendessen im stilvollen Lokal eine gepflegte Diskussion über Jazzmusik und ein gutes Glas Wein, vor dem Auftritt die Frisur mit Murray‘s Pomade aus der Blechdose in Form bringen und nach dem Konzert einen 20 Jahre alten Whiskey als Absacker an der Hotelbar. Verdammt, die Hotelbar eines altmodisch-stilvollen Hotels wäre für mich der vielleicht einleuchtendste Grund überhaupt, Alkohol zu trinken.

Altmodisch sein kann wunderbar sein, so wunderbar, dass man einen kompletten Abend selig grinsend in seinem Stuhl verbringen und wünschen kann, der Abend ginge nicht vorüber. Die Aufzählung mag seltsam erscheinen, aber dieses Gefühl hatte ich bisher nur bei drei Anlässen: Bei einem Konzert von Götz Alsmann, bei einer Lesung von Joe Bauer und jüngst beim Gastspiel von Max Raabe.

Sogar das Publikum ist altmodisch: Alte bis uralte Pärchen, die ich warum auch immer auf dem flachen Land verorten würde, das gewohnte Bildungsbürgertum zwischen Killesberg und Sozialpädagogenclique und dazwischen – wirklich vereinzelt – Exoten in Form von passend zum Abend im Stil der 30er Jahre gekleideter Damen oder aufgrund angrenzender kultureller Interessen gepiercter und tätowierter Rockabilly- und Wave-Mädchen.

Der Premium-Platz der in luftiger Höhe gelegenen Loge gewährt schließlich den Blick auf eine auf die Minute pünktlich startende und perfekt choregraphierte Show. Max Raabe, natürlich im Smoking und mit wie immer perfekt gegeeltem Haar, steht gerade am Mikrofon wie an eine Stange geschraubt, und sogar in den Sangespausen lehnt er in perfekter Pose am Flügel, ohne auch nur für einen Moment die sprichwörtliche Haltung zu verlieren.

Perfektion kann ja in anderem Kontext langweilen, wenn man aber nicht regelmäßig klassische Konzerte zu besuchen pflegt, dann kann sie auch unendlich entspannend sein, permanent die Gewissheit vermittelnd, dass jeder Ton sitzt, jede Melodie ausgefeilt ist und jedes Arrangement begeistert.

Jeder einzelne Musiker strahlt diese einehmende Souveränität aus, jeder vom Publikum mit begeistertem Lachen goutierte Scherz in den Ansagen von Raabe wandelt stilsicher zwischen Zote und Anekdote, und man kann sich nur ungefähr vorstellen, wie gewagt die aus heutiger Sicht vielleicht allzu platten Texte über die erfüllte oder unerfüllte Liebe zu einer Dame in der Zeit ihrer Entstehung – Ende der 1920er und Anfang der 1930er Jahre – gewesen sein mögen.

Die mit Fleiß von Max Raabe stets ergänzten Jahreszahlen der Kompositionen meist zwischen 1928 und 1933 deuten darauf hin, dass der Einfluss jenes größenwahnsinnigen Österreichers zu jener Zeit die spannende Musikszene, in der sich auch die Comedian Harmonists bewegten, vernichtend gewesen sein muss.

Aber so darf man ohne schlechten Gewissens zwei Stunden lang Zeuge werden, wie Raabe seinen glasklaren Bariton die Liederhalle füllen lässt, wie die Musiker nicht nur ihr Stamm-Instrument, sondern auch gern wechselnd vom Schlagzeug zum Vibraphon, von der Posaune zur Violine oder vom Bass-Saxophon zum Gesang perfekt beherrschen und sich immer wieder für kleinere und gelungene Slapstick-Einlagen nicht zu schade sind.

Zu erwähnen sei noch, dass sich die aktuellen Lieder von Max Raabe, die zusammen mit Annette Humpe entstanden sind, nahtlos in die Schlager von einst einreihen, und dass Violinistin Cecilia Crisafulli ganz sicher Männerherzen reihenweise zum Schmelzen bringt.

Vor der letzten Zugabe gibt es nicht nur endlich die verdienten stehenden Ovationen, ein Ömchen aus der ersten Reihe überreicht auch jedem Musiker eine rote Rose, die beflissentlich ans Notenpult gesteckt wird. Altmodisch sein kann einfach wunderbar sein.

Es ist fast geschafft. Der letzte Tag des Iceland Airwaves wird ruhiger angegangen. Weniger Shows in den regulären Venues, weniger Liebhaber-Konzerte in den kleinen Off-Locations. Zeit also für sonntägliches Entertainment: Flohmarkt in einer Halle am Hafen (doch keinen Island-Pulli gekauft, weil die wirklich so kratzig sind, wie sie aussehen), ins Kino, wo der Film “Backyard” gezeigt wird, und es übrigens nur salziges Popcorn (!) gibt. Backyard zeigt, wie bei Lóa und Arni im Hinterhof Bands ein paar Songs aufnehmen. Klingt unspektakulär, ist aber toll. FM Belfast, Seabar, Múm, Borko, Retro Stefson und Reykjavik! wurden von Arni (selbst bei FM Belfast) eingeladen, Nachbesprechung findet im örtlichen Hallenbad statt, und alle Nachbarn werden mit kopierten Briefen informiert und natürlich auch eingeladen. Bei diesem Film wird klar, dass die isländischen Bands – auch wenn sie ganz unterschiedliche Musik machen- zusammen arbeiten, weil sie ähnlich ticken.

In der kleinen Kneipe Hemmi & Valdi spielt Svarar Knútur, der auch Sänger bei Hraun ist. “Thank God it’s over”, sagt Svarar und meint damit das Iceland Airwaves. Recht hat er. Sein kleines Konzert ist aber eine Regenerierung von allen Strapazen. Er ist der geborene Entertainer, schafft es, dass alle mitsingen und wahrscheinlich all ihren Freunden von diesem Konzert erzählen werden. Auch wenn sie schwer beschreibbar sind. Das sind Momente, wie man sie wahrscheinlich nur hier in 101 Reykjavik erleben kann. Svarar erzählt sehr witzige Geschichten, davon, dass Dänemark ein sehr langweiliges Land ist und dass man nie an einem Singer-Songwriter-Workshop teilnehmen sollte. Beziehungsweise nichts glauben sollte von dem, was einem da erzählt wird. Das Konzert von dem sympathischen Jack-Black-Lookalike ist das Beste, was einem an einem Sonntagabend passieren kann.

Sudden Weather Change spielen in einer kleinen Kneipe, deren Tür leicht zu übersehen ist. Junge Isländer, die viel Gitarrenmusik gehört haben und eine regelrechte Gitarrenwand aufbauen, um sie sogleich wieder einstürzen zu lassen. Der Name ist natürlich perfekt für eine isländische Band, auch wenn wir vom Weather Change hier, nur windig-regnerisch bis stürmisch-nieselregnerisch was mitbekommen haben. Immerhin erkennt man die Touristen daran, dass nur sie Regenschirme haben.

Traditionell wurde der letzte Abend im Nasa von GusGus bestritten. Heuer sind FM Belfast an der Reihe. Aber erst einmal dieser Dan Deacon für kollektives Ausrasten. Wie schon auf dem Haldern dieses Jahr ist Mister Deacon wirklich ein Phänomen. Einer, der es in kürzester Zeit schafft, alle mitzureißen. Vielleicht liegt es daran, dass er nicht auf sondern vor der Bühne, also mittendrin im Publikum steht. Dass seine Musik ein kruder Elektropunk-Spaß ist.

Der Weg für die Abschlussparty mit FM Belfast ist geebnet. Die Vier haben sich aber noch viele Freunde aus anderen Bands eingeladen und feiern mit ihnen ein riesiges Fest. Natürlich gibt’s ihren Hit “Underwear”, der nicht nur in Reykjavik dazu inspiriert hat, genau das zu tun, was in dem Song angekündigt wird: “Running Down The Streets In Our Underwear.” Das ist ein letztes Aufbäumen, eine gute Abschlussparty.

Aber ganz ehrlich: Alle sind durch. Die Indiereisegruppe, die mit uns um 4.30 Uhr in der Früh wieder im Bus gen Flughafen sitzen wird. Die Grapevine-Redaktion will in die “Rehab”. Nach so einem Urlaub auf dem Airwaves braucht man erst einmal Urlaub. Zum Glück ist man so beseelt und geschafft, dass man keine Energie mehr hat, sich darüber aufzuregen, welche tollen Bands man verpasst hat.

Hier sind noch mehr Fotos von Svavar Knútur, Dan Deacon und FM Belfast.

We also reviewed the other days:

• day 4
• day 3
• day 2
• day 1

“Deine Mutter ist ein Astronaut”, war eine vorbildliche Beschimpfung im Film “White Men Can’t Jump”. Bei diesen Iren hier sieht die Sache anders aus: Da ist Gott ein Astronaut. Kein Angriff, ist ein ehrenwerter Beruf. Kommt man viel rum. Das wiederum entlarvt die depperten Faithless und ihr “God Is A DJ” ein für alle Mal als verlogenes Pack. Also, für die Akten: Gott ist ein Astronaut, kommt aus Irland und Faithless sind damensattelmäßige Langeweiler.

Wie bei jeder Postrock-Schrägstrich Instrumentalband gibt’s auch für God Is An Astronaut einen nicht von der Hand zu weisenden Vorteil: Kein Sänger wird denen die Petersilie verhageln. Keiner.

Die Sache mit “Postrock” muss auch gleich relativiert werden: Torsten Kinsella (Gitarre, Keyboards), Niels Kinsella (Bass) und Lloyd Hanney (Drums, Synthesiser) sind Metaller. Weniger ist da nicht mehr. Mehr ist mehr. Und dann mal eben die Faust in die Luft gestreckt. Haben die sich verdient.

150 geschmackssichere Zuhörer  werden da Dienstagabend nach allen Regeln der Kunst ordentlich durchgefönt. Melodien, dass man gerne ein drittes Ohr haben möchte. Dynamik, dass es einen fast umhaut und Sound, nahe an der Perfektion. Da werden Sounds zusätzlich abgerufen, Gesang zu Soundteppichen entfremdet und Hits rausgehauen, ohne Wenn und, äh, Laber. Ein bisschen Headbanging gibt’s auch.

Im Gegensatz zu Red Sparowes, Mogwai oder Russian Circles leben God Is an Astronaut kaum von der Laut/Leise-Dynamik, sondern haben einen ganz eigenen Trick: Laut/Lauter/Mehr/Und noch einen draufsetzen. Fast angebermäßig gutes Zeug ist das. Ja, und halt diese Melodien. Melancholie voller Hoffnung und Euphorie. Ungefähr so: Um 8 Uhr aufwachen, “Scheiße” denken und dann Decke über den Kopf ziehen und vor Freude fast ausflippen, weil einem gerade noch einfällt, dass doch Sonntag ist. Da geht die Sonne auf. Sowas kann einem auch Montage retten. Voll gut.

Wie gut? So gut, dass sich garantiert wieder irgendeiner dazuhinreissen lassen wird, irgendetwas von einem “Soundtrack” zu schwafeln, zu einem “Film, der erst noch gedreht werden muss”. Das ist natürlich Bullshit. Gute Lieder funktionieren auch so. Nichtmal eine Couch hat da gefehlt, weil das alles andere als Sitzmusik ist. Ein paar Postrocknerds tanzen und am Schluss wird sogar mitgeklatscht.

Und irgendwie ärgere ich mich, dass ich die Band gerade mal vor drei Monaten wirklich wahrgenommen habe. Hab das fast aus Versehen beim Abendessen bei sehr netten Menschen zu Hause gehört. Da kann man schon mal die Gabel aus der Hand legen. Haben die sich verdient.

Einen Extrabatsch auf den Bauch hätten wir auch noch für The Butterfly Explosion: 1A Shoegaze-Slacker aus Dublin. Da wird ab und an gesungen, schön beiläufig. Ansonsten aber gibt’s knackigen Ambient-Poprock für Träumer mit bleichem Teint. Und auch noch einen Extraapplaus für Junius, Brachialromantiker aus Boston. Die fegen alls weg. Geiler Scheiß. Astronautenmäßig ganz weit vorne.

Hier gibt’s noch mehr Fotos.

„Deine Masche ist, dass du vorgibst, keine zu haben”, klärte Kyra Sedgwick im Film „Singles“ einen Typen auf, der sie mal eben abschleppen wollte. Hätte sie auch zu We Were Promised Jetpacks aus Glasgow sagen können, wenn sie mal da gewesen wäre im bestens ausgebuchten Schocken. Deren Masche ist nämlich gut.

Herrlich beiläufig sind Adam Thompson (Gesang, Gitarre), Michael Palmer (Gitarre), Sean Smith (Bass) und Darren Lackie (Schlagzeug). Sehen aus als hätte man sie eben von einer Star Trek Convention oder aus einem Comic-Laden entführt und ihnen einfach so diese Instrumente umgehängt. Nerds. Volles Programm. Aber spielen Lieder, als ob der Teufel höchstpersönlich hinter ihnen her wäre.

„Keeping Warm“ zu Beginn ist gleich die erste Lektion in Dynamik und Arschtreten.  Da steigern sich diese unaufgeregten Typen von 0 auf 100, halten kurz inne und treten dann mit 1A Tanzbuden-Wackel-Off-Beats die Flucht nach vorne an. „Roll Up Your Sleeves“, auch vom Debüt „These Four Walls“, ist kein Deut schlechter. Ganz zu schweigen von „Quiet Little Voices“ – ein kleiner Pophit irgendwo zwischen BlocParty in wild, Gang Of Four in jung und freundlicher Lärmbelästigung in Moll. Spitzensache. Und trotz all der melancholischen Tiefe schön kurzweilig und rasant.

Ein paar Typen brüllen jede einzelne Textzeile mit, andere wippen entrückt, manche schmunzeln, andere schauen verdattert – hat alles seinen Grund: We Were Promised Jetpacks. Denn diesen verhuschten Gesellen hätte man rein gar nichts von dem zugetraut, was sie da veranstalten – der Wucht, der Energie und der Dynamik. Keine Getue, kein doppelter Boden, einfach nur ein paar pickelige Jungs mit merkwürdigen Frisuren, dafür aber den Arsch voll mit purer Leidenschaft. Und mal unter uns: Lieder über blöde Liebesgeschichten, blaue Flecken, Wunden und andere Widrigkeiten nimmt man sowieso eher denen ab, die sich nicht so benehmen wie Jon Bon Jovi.

Thompson tapst immer noch unbeholfen ums Mikro herum, tritt sich aus Versehen das Instrumentenkabel aus der Gitarre und steckt es aber locker wieder rein, während er sich – natürlich, fast beiläufig – die Seele aus dem Leib schreit. Dann kommt sein einziger Trick: Der Typ, der trotzdem ein bisschen so aussieht wie die Arschlöcher, die einen früher auf dem Schulhof grundlos verdroschen und/oder ums Taschengeld erpresst haben, stellt sich weit neben sein Mikro und singt dafür umso lauter. Spitzeneffekt. Goldkehlchen, der Typ.

Guten Humor haben sie auch beieinander, wer nennt heutzutage seine Lieder schon noch “Ships With Holes Will Sink”? Die Kür haben sie sich aber für „It’s Thunder and it’s Lightning“ aufgehoben. Thompson singt mit geschlossenen Augen, zupft fast mantraartig an der Gitarre. Michael Palmer gesellt sich am Glockenspiel zu ihm und die Spnannug –  verzeihung, ich meine, Spannung –  wird fast unerträglich…. „Your body was black and blue“ singt Thompson und wird immer lauter dabei, Darren Lackie drischt aufs Schlagzeug und die Hölle bricht endgültig los. Hut gezogen, Mund wieder zugemacht. Das war Magie.

„Ein bisschen wie White Lies”, sagt einer vor dem Konzert an der Bar. Meine gute Erziehung und seine Körperstatur hielten mich davon ab, ihm „Pffffffffff“ ins Gesicht zu rufen. Stimmt nämlich überhaupt nicht. White Lies sind auf ihrer eigenen Schleimspur ausgerutscht und zugesaut mit Zuckerguß. Wenn We Were Promised Jetpacks stolpern, dann  höchstens, weil sie vergessen haben, sich die Schuhe gescheit zu binden. Das ist ein himmelweiter Unterschied.

Und das Beste daran: We Were Promised Jetpacks wissen wahrscheinlich nicht einmal, dass Kyra Sedgwick und der Typ am Ende des Films ein lupenreines Happy End hinlegen. Mit allem Zubehör.