Opeth-Konzerte sind phantastisch. Die Band liefert sogar die journalistische Aufbereitung gleich mit:

„We are Opeth from Stockholm, Sweden. What we do is, we entertain people by playing music. We put out records, then we play live and I tell jokes. This pretty much sums up our whole career.“

Eigentlich alles gesagt, oder? Aber Musik-Fans wollen ja immer mehr und mehr!

In der Tat ist es ja eine beachtliche Karriere, welche die Band seit ihrem Debüt „Orchid“ (1995) hingelegt hat. Nicht nur, weil sie großen internationalen Erfolg erreichte und sich damit den Musikertraum erfüllen konnte, von der Musik auch leben zu können, sondern weil sie nie in jene gefährliche Falle für Künstler aller Gattungen tappte, sich nur noch selbst zu kopieren. Bevor man sich musikalisch selbst kopieren kann, muss man sich allerdings erst zwischen der Musik positionieren, die es bereits gibt. Opeth haben auch da nicht (nur) kopiert, was es schon gab, sondern sich von der Death Metal-Konkurrenz abgesetzt, indem sie deren Schaffen überboten und stilistisch so weit abwichen, dass sie sich eine eigene Stilnische schufen, in welcher sich bis heute fast nur Bands tummeln, die ihrerseits Opeth in der einen oder andere Weise nacheifern wie Behind the Scenery oder Dark Suns, um zwei deutsche Beispiele zu nennen.

Seit „Morningrise“ (1996) wurde die Überbietung – so der rhetorische Fachbegriff – zum zentralen Gestaltungsprinzip von Nachfolgealben – gepaart mit einer stetig leichten Abweichung – noch so ein Fachbegriff –, durch welche die Band anderen immer eine Nase voraus war und ihnen etwas gab, woran sie sich abarbeiten konnten. Das muss man aber auch schaffen: Ein hohes Niveau nicht nur zu halten, sondern immer wieder zu überbieten. Dazu braucht man schon einen Songwriter wie Mikael Åkerfeldt. Man kennt ja diese Das-erste-Album-war-eh-das-beste-Bands. Aber Opeth haben es ausnahmslos geschafft mit jedem Album die Frage aufzuwerfen, was da jetzt noch Besseres kommen soll, um beim nächsten Album etwas vorzulegen, bei dem einem wieder die Kinnlade runter klappt und man sich dieselbe Frage stellen muss. Überbietung allenthalben. Des Eigenen und der Anderen.

„There’s plenty to choose from“, formuliert Åkerfeldt das Problem der Songauswahl als ihn das Publikum mit Wünschen überhäuft. Das älteste Stück, welches die Schweden dabei herausgreifen ist „Credence“ von „My Arms, Your Hearse“ (1998), etwas früher schon im Set spielen sie „Face of Melinda“ von „Still Life“ (1999). Als Leser viktorianischer Romane hat mich die Stimmung, die Opeth hier generiert, immer fasziniert: dieses Düstere, Romantische, etwas Melancholische, das man nicht nur bei den Brontës findet, sondern beispielsweise auch in Wilkie Collins Roman „The Woman in White“, der auf einem Landsitz names „Blackwater Park“ spielt. Heimlich hatte ich ja immer die Vermutung oder Hoffnung gehegt, das gleichnamige Opeth-Album (2001) wäre nach diesem Anwesen benannt, zumal die Musik so passend und deren Cover-Ästhetik allgemein in diese Richtung deutbar ist. Seit heute jedenfalls weiß ich, dass eine deutsche Band Namenspate war. Woher die den Titel haben, muss wohl vorerst unklar bleiben. Wie dem auch sei: Das Wechselspiel großartiger melancholischer Melodien – gespielt durch Keyboard oder Gitarre oder gesungen mit der warmen Stimme Åkerfeldts – und den Death Metal-Passagen mit dementsprechendem Gesang ist ein perfekter Soundtrack zu dieser Literatur.

Auch „Deliverance“ (2002), von dem wir heute „A Fair Judgement“ hören, blieb dieser Überbietungsstrategie treu, während „Damnation“ (2003) dahingehend eine Abweichungsstrategie bevorzugte, dass man erstmals alle Death Metal-Elemente weg ließ. Von diesem Album spielt Opeth „Closure“. Auch hier gilt natürlich: „There’s plenty to choose from“ – man will ja auf keines der Stücke verzichten, aber das eine oder andere hätten sie schon noch zusätzlich spielen können. Und während „Ghost Reveries“ (2005) übersprungen wird, kommt „Watershed“ (2008) mit dem wunderschönen „Porcelain Heart“ und „Hex Omega“ zum Zuge. Auf diesen letzten beiden Alben mischte sich ein interessantes neues Element in die Musik: Während Opeth weiterhin ihr eigenes Schaffen nach dem Platte-raus-Kinn-runter-Prinzip überboten, wichen sie von den Vorgängeralben durch zunehmende 70er-Einflüsse stilistisch ab, ohne dass man sie deshalb als anders denn als progressive Death Metal-Band mit einem ausgesprochenen Hang zu Klargesang und großartigen Melodien hätte einordnen müssen.

Mit der Veröffentlichung von „Heritage“ (2011) ändert sich das schlagartig. Weitgehende Abweichung. Nicht ohne sich selbst zu überbieten, freilich. Jetzt muss man von Opeth – keine ganz unerwartete, aber doch eine überraschend schnelle Entwicklung – als von einer Progressive Rock-Band sprechen, weil typische Metal-Trademarks durch solche des Rock eingetauscht wurden, allem voran die Death-Growls. Diesem Album gilt ein Großteil des Abends: Der Opener ist „Devil’s Orchard“, gefolgt von „I Feel the Dark“, später „Nepenthe“, das Ronny James Dio gewidmete „Slither“ und in der Zugabe „Folklore“. Außerdem gespielt wurde „Throat of Winter“ aus dem Soundtrack für das Computerspiel „God of War II“ (2011), ein Stück, das offensichtlich nicht nur mir bislang unbekannt war.

Wer jetzt aufgepasst hat und das Repertoire kennt, hat bemerkt: Opeth spielen live keinen einzigen Song mit Death Metal-Vocals. Das gab es auch zu „Deliverance“-Zeiten nicht. Ist das ein Statement bezüglich der oben beschriebenen Veränderung der Band? Wir werden sehen.

Für den Moment beachtenswerter ist wohl noch, wie die Stücke vorgetragen werden. Da geht Opeth um einiges weiter als bislang, denn es werden Passagen in Stücke eingefügt, Riffs werden angerissen, doch bevor sie sich richtig entfalten wird noch eine Wiederholung eingeschoben, Strukturen lösen sich in endlosen Melodiefolgen auf – so schön, dass es weh tut. In „Porcelain Heart“ wird ein langes Drum-Solo eingefügt, bei dem Martin Axelrot aber nicht nur einfach drauflos knüppelt, so wie man das sonst bei Metal-Konzerten oft hört: möglichst viel, möglichst schnell. Nein, es gibt eine Struktur aus Motiven und Schlagfolgen, die sich langsam aufbaut, variiert und verändert wird. Das Solo schwillt in Geschwindigkeit und Lautstärke an und ab, wird durchdringender und durchscheinender, donnert und dekonstruiert sich schließlich, bis die Gitarre leise auf die „Porcelain Heart“-Melodie zurück führt. Das passt perfekt, denn die Stücke selbst funktionieren ja ebenso. Immer wieder finden sich völlig transparente Stellen, in welchen nur ein Melodieinstrument oder nur die Stimme zu hören ist, vielleicht gar als Flüstern. Man denke nur an Stücke wie „Nepenthe“. Müßig zu sagen, dass das Ganze spielsicher, perfekt, lässig und sympathisch rüber gebracht wird, als wären die Stücke ein Klacks.

Apropos sympathisch. Vergessen werden darf natürlich nicht, was aus Mikael Åkerfeldt geworden wäre, wenn es Opeth nicht gäbe: Stand-Up-Comedian. Ich bin mir ganz sicher. Bei jedem der Konzerte, die ich bisher besucht habe, hat er sich in irgendwelchen so kurzweiligen wie originellen Witzen ergangen. Ganz locker, sympathisch. YouTube ist voll davon. Und auch die Live-Mitschnitte wie „Roundhouse Tapes“ oder „Lamentations“ machen da keine Ausnahme. Ich sage nur: „My name is Baba Smith“.

Heute hat er es vor allem mit Kassetten. Nach einigem Geplänkel verkündet er, dass er für seine Freundinnen früher immer Kassetten zusammen gestellt habe. Diese hätten sich auch sehr gefreut, nur dass er ihnen ausschließlich völlig obskuren Prog Rock drauf gespielt habe. Trotzdem haben sie sich gefreut, hat er sich doch so viel Arbeit für sie gemacht. Nicht wahr? „I also had a double tape deck, where you could copy cassettes. So when I was done with one girl, I just copied the same cassette for the next girl.” Kein echter Charmeur. Mehr ein Pragmatiker also. Außerdem hat er es heute mit Burt Reynolds. Ich habe keine Vorstellung, wie er darauf gekommen ist, jedenfalls zwingt er das Publikum, mehrmals hintereinander: „We love Burt Reynolds“, zu brüllen, und fügt dann hinzu: „There is nothing gay about Burt Reynolds. I have a mustache, too.“ Irgendjemand ruft: „I love Hello Kitty!“ Das beendet den Spuk fürs erste.

Jeder, mit dem ich nach dem Konzert gesprochen habe, war von dem Auftritt begeistert. Und sehr viele dieser Leute haben, wie ich, schon einige Auftritte von Opeth gesehen, in kleinen und in großen Hallen oder auf Festivals. Opeth schlägt ein hohes Niveau an – man wird da schon verwöhnt –, aber die Band lässt einen dennoch nie hängen. Uns „unterhalten“ zu haben, wie Mikael Åkerfeldt zu Anfang sagte, wird der Sache da wenig gerecht. Besser trifft es ein Besucher, dem an einer leisen Stelle von „Porcelain Heart“ ein: „Zu geil!“, über die Lippen rutscht. So ist es! Dem ist jetzt aber wirklich nichts mehr hinzuzufügen.

Was man am Sonntagabend in der Stuttgarter Schleyerhalle sieht, könnte man als die Lebensalter des Rock’n’Roll auffassen: geboren, verblasst, vergöttert – Graveyard, Duff McKagan und Motörhead. Letztere haben als dienstältesten schon alle Phasen durchlaufen. Der Rest wird sich zeigen.

Für die Schweden Graveyard ist die Schleyerhalle eine noch ungewohnt große Location, war doch ihr letztes Konzert in Stuttgart im damals ausverkauften 1210. Den Rest haben sie jetzt vorübergehend übersprungen, wobei es – wenn überhaupt – natürlich noch lange dauern wird, bis sie solche Hallen alleine meistern können. Hier haben sie die Möglichkeit ihren Seventies Retro Rock einem neuen Publikum vorzustellen, nachdem sicherlich die wenigsten wegen dieser Band hier sind. Wie schon im Partyzelt des Summer Breeze‘ verfehlen sie ihre Wirkung nicht.

Irgendetwas da trifft einfach den Nerv. Ich weiß nicht, was es ist, seien es die wirklich guten Songs wie „Ain’t Fit to Live Here“, „No Good, Mr Holden“, „Hirsingen Blues“, „Uncomfortably Numb“ … warte mal, zähle ich da gerade alle Songs von „Hirsingen Blues“ auf? – oder diese unglaubliche Whisky-Stimme, die einfach Durst macht. Aber der Aufforderung kommen die Leute hier natürlich gerne nach. Mitsingen kann man natürlich auch wunderbar, vorausgesetzt man kennt die Refrains mit ihren eingängigen Melodien schon. In „Ungrateful are the Dead“ singt Joakim Nilsson: „My path leads to hell“ – wenn es da so klingt, will man ja gerne mitgehen.

Trotzdem muss ich mir zwischendrin mal überlegen, ob ich die Band eigentlich wirklich auf einer so großen Bühne sehen will. Solche Läden wie das Münchner 59:1, wo sie für Witchcraft eröffneten oder unser 1210, wo man von wegen des oben erwähnten Durstes mit zwei Schritten zwischen Bühne und Bar pendeln kann, sind da doch irgendwie zu bevorzugen. Dennoch – vielleicht ist es ja der Anfang einer längeren und größeren Karriere – ist mir auch die große Halle recht, solange ich Songs wie „Bying Truth“ mitsingen kann: „When was the last time that you felt alive?“ – Graveyard sind und bleiben einfach „Satans Finest“.

Ganz „So Fine“ läuft es bei Duff McKagan seit seinem Ausstieg bei Guns N’Roses 1997 dagegen nicht. Ist ein Venue wie die Schleyerhalle für Graveyard neu und für Motörhead ein alter Hut, war der Amerikaner im vorletzten Jahrzehnt Anderes gewohnt. Sein Süppchen vermiesen lässt er sich dadurch allerdings nicht. Gut gelaunt geht die Band auf die Bühne. Leider meint es der Sound-Mann nicht so gut mit ihnen, denn das Ganze ist so tiefenlastig, dass man ganz vorne eigentlich gar nichts hört und auch ganz hinten in der Halle klingt Loaded nicht wirklich berauschend. Die Halle ist nun schon merklich voller. Das macht es, finde ich, merklich schwerer, abzuschätzen, wie gut die Band beim Publikum wirklich ankommt. Natürlich gehen in absoluten Zahlen deutlich mehr Leute mit als bei der ersten Band, aber ebenso gibt es eine sehr große Menge Leute, welche den Eindruck erwecken, sich bis Motörhead nur die Beine in den Bauch zu stehen und Loaded relativ wenig abgewinnen zu können. In jedem Fall erscheint McKagans abschließender Dank: „best audience ever“ eher traurig als nahe an der Wahrheit.

Das dürfte die vorne allerdings wenig interessieren. Die beschäftigen sich mehr mit dem geraden Sleaze-angehauchten Rock, dem man die GN’R-Vergangenheit von McKagan schon anhört. Musikalisch entstand dabei weder zu Poppiges noch andererseits wünschenswert Griffiges. McKagan, hier an der Gitarre, singt einen „Song about fucking“ oder über seine Abneigung gegen Los Angeles, wo er doch ein „Seattle Head“ ist. Die Riffs sind mal mid-, mal uptempo und grooven auch gelegentlich. Auffallend sind vor allem die sauberen Gitarrensoli, die – auch das meine ich schon von Axl Rose gehört zu haben – mit der Ansage „Guitar, come on“ heraufbeschworen werden. In der Summe aber erscheint mir die Band luftleer. Das ist sicherlich nicht McKagans Karrierehöhepunkt, auch wenn sein Name natürlich groß genug ist, um damit für „Duff McKagan’s“ Band Werbung zu machen. Als Loaded von der Bühne gehen, ist die Vorfreude sicherlich größer als das Bedauern. Aber es wird nicht das letzte sein, was wir von McKagan heute sehen.

Dass Motörhead ein echter Crowdpleaser sind, selbst wenn Lemmy heute, wie manche sagen, vielleicht ein wenig zu betrunken ist und die Band auch in Stuttgart schon bessere Shows abgeliefert hat, zeigt sich von Anfang an. Die Leute drücken nach vorne, rumstehen ist nicht mehr, es wird begeistert mitgesungen, und die traditionellen Spielchen wie die Suche nach der „loudest crowd ever“ mitgespielt. Motörhead ziehen eben die Massen, was trotz der immensen Bekanntheit ihres Protagonisten wohl nicht zu allen Zeiten so gewesen ist, wenn man den einschlägigen Lexika glauben darf. Die Phase, in der Duff McKagan steckt, haben sie auf jeden Fall hinter sich. Als unzweifelhaft eine der angesehensten, wenn auch nicht kommerziell erfolgreichsten Metal-Bands haben sie und umso mehr die lebende Legende am Bass und Mikrophon ihren Platz im Olymp sicher.

Den brauchen sie sich heute also weder zu erspielen noch zu verteidigen. Sie spielen solide, mit sichtbarem Spaß und mit allen Klischees, die man mit der Band verbindet, wie die Widmung insbesondere an die Fans „with those beautiful tits“ oder der Fliegeralarm, mit dem das Konzert beginnt. Und die Fans machen alles mit. Das ist genau die „sklavische Ergebenheit“, von der ich gestern schon geschrieben habe. Natürlich wird auch an die Ehre appelliert: Als die erste Antwort auf: „How are you doing“, nicht laut genug ausfällt, sagt Lemmy nur: „You are Stuttgart, right?“ Na bitte, es klappt doch. Mit Stuttgart kennt sich Motörhead überhaupt gut aus, so stellt Wizzo fest: „Stuttgart is the home of Claus, right?“ Damn well it is!

Motörhead sind die Fortsetzung des Rock’n’Roll mit anderen Mitteln. Während böse Zungen ihnen nachsagen, dass sie seit 1977 dieselbe Platte aufnehmen, bieten sie eine ganze Menge abwechslungsreichen Rock im Sound-Gewand des Metal. Harter, weil mit Plektrum gespielter Bass, bellender Gesang, frickelnde Soli. Die obligatorischen Gitarren- und Schlagzeugsoli. Und die Fans freuen sich über all diese Songs, die sie schon hunderttausend Mal gehört haben und noch hören werden: „Metropolis“, „Going to Brazil“ oder „Damage Case“ und „One Night Stand“, das mir besonders im Ohr hängen bleibt. Viel Bier später – auch Motörhead machen schließlich durstig – werden sie alle zufrieden sein, die Teens mit ihren neuen Kutten, auf welchen der Motörhead-Patch nur mit Nadeln befestigt ist, weil sie noch nicht nähen können, wie jeder Metaller, dessen Mama so etwas nicht ins Haus kommt, die Fans mittleren Alters, die etwas verwetterten Gestalten, denen man zwanzig oder dreißig Jahre Rock’n’Roll ansieht, und die Pärchen, die man wohl als ältere Ehepaare bezeichnet. Zufrieden sind auch die jüngsten, zwei Mädchen mit ihren jeweiligen Vätern, wohl zwölf und vierzehn. Die einzigen, die wohl nicht da waren, sind „those of you with the walking sticks“, von denen Lemmy mal auf einem anderen Konzert sprach. Auch das Publikum also vereinigt alle Lebensalter des Rock’n’Roll.

Bei „Killed by Death“ sehen wir dann auch Duff McKagan wieder, der hier die zweite Gitarre übernimmt. Wie schon seit 1995 nicht mehr, sind Motörhead damit für einen Moment wieder zu viert. Nach „Ace of Spades“, der lange erwarteten Ansage „We are Motörhead. And we play Rock’n’Roll“, und, ich glaube, „Crazy Like a Fox“ endet das Konzert schließlich mit einer Verbeugung Arm in Arm. Auch da ist McKagan nochmal kurz zu sehen, bevor die vier vermutlich erst mal was gegen diesen verdammten Durst tun müssen.

Graveyard:

“Ich hab’ hier schon richtig gute Bands gesehen, bei denen gerade mal eine Hand voll Leute vor der Bühne stand. Und die haben nicht mal die Hälfte gekostet”, staunt mein Begleiter kopfschüttelnd, als er sich im relativ vollen Zwölfzehn umschaut. “Ich weiß gar nicht mehr, warum wir überhaupt hier sind”, wundert er sich kurz darauf über sich selbst. Vor allem der stattliche Eintrittspreis bereitet ihm sichtlich Magenschmerzen. Hat er nicht ganz Unrecht, denn die Comedy-Stunt-Bartrick-Show von Jackass-Oberfreak Steve-O kostet immerhin rund 30 Euro. Und was einen heute erwartet, weiß eigentlich auch keiner so genau. Hat man nicht eigentlich auch alles schon mal gesehen? Wird er sich seinen Hodensack diesmal ans Ohrläppchen tackern? Wird er im Strahl ins Publikum kotzen? Wird er irgendwen mit runtergelassener Hose bespringen? Wir werden sehen. Die Stimmung im durchaus jugendlichen Publikum, das den Auftritt der Blödelikone mit Steve-O-Sprechchören vehement fordert, scheint jedenfalls bestens sein.

Pünktlich um neun Uhr ist es dann soweit: unter dem Applaus seiner Fans betritt Steve-O die Bühne. Und mir fällt auch gleich wieder einer der Gründe ein, warum ich hier bin. Der Typ sieht einfach so sympathisch durch den Wind aus, den muss man einfach liebhaben. Da sorgt nicht mal sein Auftritt bei Germany’s Next Top Model für einen Punktabzug in der B-Note. Mit seinem typischen breiten Grinsen begrüßt er das Publikum und lässt mit seiner ersten Frage in die Runde erahnen, wohin die Reise heute Abend gehen wird: “What has four thumbs and fucking loves blowjobs?” Während ich noch krampfhaft überlege, was das denn nun sein kann, zieht Steve-O sein Shirt aus und präsentiert seinen tätowierten Rücken. Für die, die das Meisterwerk noch nicht kennen: es zeigt ihn selbst mit erhobenen Daumen und dem Spruch “Yeah Dude, I rock!”. Für alle Spätzünder löst er das Rätsel dann auf: “I have four thumbs and I fucking love blowjobs.” Das Publikum johlt und ich mit. Muss ja nicht immer subtiler, intellektueller Humor sein. Schon gar nicht, wenn man ein paar Bier intus hat. Außerdem steckt die Stimmung an.

Steve-O erzählt noch ein bisschen darüber, dass er seit mehr als drei Jahren keinen Tropfen Alkohol zu sich nimmt und schon gar keine anderen Drogen mehr. Sogar vegan will er nun leben. “I do healthy shit now”, freut er sich. Dabei sieht er gar nicht mal so gesund aus, aber das sind wohl nur die Spuren eines schnellen Lebens. Er plaudert ein wenig über Jackass, Johnny Knoxville und darüber, wie unglaublich er es findet, mit dem Mist, den er macht, auch noch berühmt geworden zu sein. Das ließe Rückschlüsse auf die Gesellschaft zu. Von einer Downward Spiral spricht er, womit er wohl nicht ganz Unrecht hat.

Recht schnell findet er dann aber auch wieder die Kurve zum eigentlichen Thema des Abends: Blowjobs, Groupies, seinem Penis und der dazugehörigen Spermaflugbahn. Und das ist anfangs auch wirklich lustig. Beispielsweise die Zote, als er den Penis eines Kumpels geküsst hat. Schwul sei das nicht gewesen, weil er erstens nur die Eichel geküsst hat, zweitens keinen Augenkontakt dabei hatte und drittens in Russland war. Alles in allem also rein platonisch. Das Publikum ist begeistert und lacht sich auch schlapp als er in die Runde fragt, zu welchen Internet-Porno-Seiten seine männlichen Fans am häufigsten onanieren, erzählt wie ihm eine Transe einen geblasen hat und nicht vergisst zu erwähnen, wie unglaublich schnell er beim Sex kommt. Seinen Groupies sei das egal, er sei ja schließlich berühmt. Schon ein lustiger Typ dieser Steve-O, aber langsam beginne ich mich doch zu fragen ob er heute noch mehr auf der Pfanne hat als diese Kanonade von versauten Schenkelklopfern.

Und tatsächlich, jetzt scheint doch noch der spektakuläre Part der Show zu beginnen. Ich bin auf Bahnbrechendes vorbereitet. Okay, die Messer-auf-dem-Gesicht-Balancier-Nummer war sicher nur zum Warmwerden. Denn jetzt zerschlägt Steve-O eine Glühbirne und beteuert folgenden Stunt nur zu machen, weil er sein deutsches Publikum so liebt. Ja ja, okay, sei’s drum. Ich frage mich was für eine Sauerei er mit den Scherben machen will. Ah okay, die Zunge aufschneiden… einmal längs, einmal quer, nochmal längs, nochmal quer… mit dem Blut malt er sich dann in bester Braveheart-Manier  das Gesicht an. Hmm, lustig ist das nicht, spektakulär auch nicht unbedingt, tut halt weh nehme ich an. Irgendwem im Publikum sackt beim Anblick des blutverschmierten Grinsegesichts dann noch kurz der Kreislauf weg. Hätte lieber mal live gesehen, wie er Raketen aus seinem Arsch abfeuert oder irgendwas in der Richtung. Ordentlich Applaus kriegt er trotzdem.

Jetzt noch kurz der angekündigte Bartrick, der einem Freigetränke in jeder Bar verschaffen soll. Alles was es dazu braucht, ist ein Depp, der mit einem wettet, dass man es nicht schafft, ein Glas, das auf dem eigenen Kopf steht, leer zu trinken ohne dabei die Hände zu benutzen. Steve-O setzt sich also den Becher auf die Ömme, geht langsam in die Knie, legt sich vorsichtig über einen Tisch und… dann kann ich ihn wegen der Leute vor mir nicht mehr sehen. Sicher akrobatisch was der ehemalige Student eines Clown Colleges da vorführt. Aber so richtig jucken tut’s mich nicht. Bin eh nicht so der Turnertyp. Die Chancen stehen also schlecht, dass ich genau jetzt in diesem Augenblick meine große Chance verpasse, mich in Zukunft jederzeit und überall für umme besaufen zu können. Und dann ist es auch schon rum. Ein Blick auf die Uhr sagt mir, das der Auftritt gerade mal eine Stunde gedauert hat. Puh, was soll man da sagen. Für zehn Euro wäre es sicher nett gewesen, aber für einen Preis, für den sich andere Komiker oder gestandene Bands schon mal zwei Stunden den Arsch wund spielen, war das irgendwie ein wenig mau. Aber so ist das wohl mit Popstars: die werden oft nach Bekanntheitsgrad bezahlt. Und Steve-O hat ja erwähnt, wie schnell bei ihm alles vorbei ist.

„Beim Tatort habt ihr nichts verpasst, der Mörder war der Gärtner“, eröffnet Thees Uhlmann, gute Info, weil es immerhin Sonntagabend ist, auch im Industriegebiet am Ende der Welt (LKA, Stuttgart-Wangen). Ist ja schon eine Ehre, wenn der Gebührenzahler dann zum Indierock-Konzert aufschlägt und nicht vorm Rentner-TV dämmert wie sonst, das weiß er zu schätzen, dieser Thees.

Uhlmann ist ja in den letzten Jahren hauptamtlich als Käpt’n von Tomte unterwegs gewesen. Für die schreibt er manchmal Liebeslieder, zu denen sogar mäßig geübte Tänzer sofort Pogo machen wollen, rau wie Dreitagebärte, echt wie das Leben mit 14 oder 54, speckig wie diese alte Lederjacke, Uhlmann-Uniform seit Anbeginn der Hamburger Schule oder noch eher, mit Friteusenfett imprägniert.

Thees Uhlmann ist der Typ, der schon in der zehnten Klasse damals das alte Rennrad hatte, als wir noch verglichen haben, wer mehr Gänge hat am hässlichen Mountainbike aus dem Baumarkt. War schon immer St. Pauli-Fan, hat schon immer das richtige gesungen, schon immer viel zu viel von dem richtigen Bier getrunken und immer gewusst, was er gut kann (Texte, Indierock) und was nicht (Mountainbikes oder sonst was vergleichen).

Jetzt also solo mit geiler Band. Alles Jungs, mit denen man gerne im Tourbus sitzen mag, bisschen rauchen, bisschen quatschen, wahrscheinlich sagen alle hin und wieder gute Sätze über Musik und/oder Hamburg. Aber ehrlich gesagt, auf Männlicher-Zuhörer- Ebene, das Problem aus Tomte-Zeit, das bleibt bestehen. Ist das jetzt Mädchenmusik, um einiges subtiler vielleicht als Robbie Williams oder so, aber trotzdem? Alle Frauen ohne Freund jedenfalls gucken ständig nach Typen, die sie mit griechisch-römischem Konzertklammergriff auch so von hinten würgen möchten wie bei den ganzen anwesenden Pärchen.

Die Speckjacke fällt Mitte des Sets, pünktlich zur Single, das beste Lied bisher: Zum Laichen und Sterben Ziehen die Lachse den Fluss hinauf  ist so ein typisch kryptischer Uhlmann zwischen ganz melancholisch und spaßig optimistischem Indie-Geschrammel. Vielleicht daher auch der Konflikt. Musikalisch immer prima solide, flotter Indie, den man auch betrunken und laut mag, aber dazu eben wieder raue, wahre Zeilen, die einem sogar nüchtern die Tränen in die Augen treiben, zu denen man an schlechten Tagen alleine auf der Couch ins Kissen heult:

Meine Wahrheit in 17 Worten:
Ich hab ein Kind zu erzieh’n, dir einen Brief zu schreiben
und ein Fußballteam zu supporten.

Das beste Lied bisher. Schon wieder. In St. Pauli oder Stuttgart-Süd wären Leute wie Thees Uhlmann in Volksumfragen bestimmt schon längst die Nummer eins auf der Wunsch-Bundeskanzler-Liste. Mädchenband-Schubladen lösen sich endgültig auf. Uhlmann ist nicht „der älteste Newcomer Europas“, sondern hat schon so viele Platten gemacht, dass er die kritische Grenze übersprungen hat, jetzt weiß er objektiv, instanzmäßig, Helmut-Schmidt-Kolumne-in-der-ZEIT-mäßig, wie früher schon mit dem Fahrrad, was gut und was schlecht ist. Wusste deshalb auch schon früh die Sache mit Casper. & Jay-Z spielt uns ein Lied ist wieder so ein Ding, wieso ist das jetzt nicht Single geworden? Stadiontauglich. Das beste Lied bis hierhin.

Thees Uhlmann ist schon immer ein guter Entertainer gewesen, der auch zwischen den Songs so enorm normale, anständige, witzige Sachen sagt, so dass man weiß, dass er die Texte nicht nachsingt, sondern die alle selbst erfunden hat. Er hat neben Gary & The Pacemakers  auch das einzige würdige Fußballlied der Welt  geschrieben. Das beste Lied bisher. Irgendwer flüstert hinten rum, dass eine Zeitung mal schrieb, dass Thees Uhlmann der Robbie Williams der Literaturstudentinnen sei. Da wir Literaturstudentinnen sehr schätzen,  weil sie oft erstaunlich anmutig und mit viel rhythmischem Verständnis  zu Alternative-Krachern tanzen und darüber hinaus oft überdurchschnittlich viel Bier trinken können,  sei dies ein Kompliment.

Die dritte Zugabe, Sonntagabend, der Gitarrist raucht schon und ist grantig und müde, will Tourbus, ist übrigens Zum Laichen und Sterben Ziehen die Lachse den Fluss hinauf. Hatten wir zwar schon mal, ist aber das beste Lied bisher.

HipHop-Konzerte sind oft genug wie das Leben. Immer ein bisschen beschissener als man sich das eigentlich gewünscht hatte – aber das Leben ist halt kein Ponyschlecken. Casper wiederum brüllreimt die passenden Worte dazu ins ausverkaufte LKA. So gut, dass es schon klar wird, bevor es überhaupt richtig losgeht: Das da ist viel zu groß, um nur HipHop zu sein. In den letzten Jahren roch diese Musik schließlich viel zu oft nach Douglas-Filialen und dem Erbrochenen von Abiturienten.

“Der Druck steigt”, perfekter Einstieg. Die Bühne blau ausgeleuchtet, Casper und Band stehen da mit Wolfsmasken, aus deren Augen kleine Lichter scheinen. Ungefähr zu diesem Zeitpunkt muss Steve Jobs gestorben sein. Wissen kann das da kaum einer, denn alle halten ihre iPhones hoch und filmen. Wer’s nicht tut, hat die Hände trotzdem oben. Nach Leben greifen, irgendeinem – die Halle ist voll davon. “3…2…1… der Druck steigt, wir holen zurück, was uns gehört”. Dann bricht das Ding los und das komplette LKA steht Kopf und hinter Casper.

Der presst ohne Rücksicht auf Verluste und sich selbst Ohnmacht, Existenzangst, Wut und Orientierungslosigkeit durch den Trichter. Auch wenn die Schere weit auseinander geht – zwischen Kapitalismus kacke finden und sich trotzdem brennend für das neue iPhone oder Turnschuhe zu interessieren. “Hipster sind das Produkt der Weltlage”, erzählt mir eine Frau später in der Stadtbahn – immer auf der Suche nach etwas, egal was. Nix gibt’s schließlich an jeder Straßenecke. Casper, der Typ aus Bielefeld mit der schiefen Frisur macht die Zeilen dazu, fasst diese Leere und auch diese Wut in Worte. Schmissig ist das trotzdem und “Zeitgeist”.

Er trifft den Nerv oder zumindest den Moment: Überall Arme, Hände, Körper – ein Tollhaus. Casper lässt sich Mittelfinger, Hände und alles zeigen, das man in Luft halten kann. Mal zettelt er eine freundliche “Wall Of Death” an, mal freut er sich wie ein kleiner Junge über die phänomenale Stimmung oder erweist sich als durchaus verantwortungsbewusster Geselle: “Ich weiß, dass da eine Nebelmaschine steht. Aber ich weiß auch wie verbrannte Kabel riechen.” Sympathisch, praktisch, gut.

Gothgirls, Metaller, Mütter mit Töchtern, sehr junge Mädchen, Emos, HipHopper, verstrahlte Hipster mit Sonnenbrille und Blogger-Friesen – ein kuntergrau und dunkelbunter Querschnitt durch das Leben und jeder einzelne davon feiert Casper ab. Vom ersten Ton an und bis zur letzten Reihe. Einer mit Krücken trägt sich und ein T-Shirt auf dem steht: “Casper, ich will ein Kind von Dir”. So was schreibt man sich nicht einfach so auf den Bauch. “Voll viele Kinder hier”, sagt eine andere Frau an der Bar. Sie ist sehr jung. Und auch sie hat Recht.

Doch es beruhigt, dass Kinder lieber bei Typen wie Casper rumhängen, anstatt Lieder übers Besoffenarschficken lallen. Einer trägt ein T-Shirt auf dem steht: “Anti HipHop Alliance”. Passt auch. Hier gibt’s Indiegitarren, Post-Punk, Pop, Pathos und Tanzbuden-Geklapper – HipHop ist allenfalls Caspers derber, kehliger aber klarer Gesangsstil. Manchmal klingt er fast ein bisschen wie Dendemann.

Weil sich der 29-Jährige mehr mit dem desillusionierten Leben seiner Generation als mit seinem Schwanz beschäftigt, wird der Kerl im Reimgeschäft und Feuilleton hochgehalten und gelobt wie schon lange keiner mehr. So “Hier guckt mal, der ist anders”-mäßig. Verdient hat er sich jede einzelne Lobhudelei davon. Intellektuell ist das trotzdem nicht – aber manchmal schmerzhaft echt. Manchmal auch herrlich plakativ: “Wir tragen schwarz, jeden Tag, bis es was Dunkleres gibt.”

Einen Kompass hat auch Casper nicht dabei, das verlangt aber auch keiner im LKA. Manchmal rudert er mit den Armen, als ob er sagen will: “Es ist okay, keine Ahnung zu haben, wo oben und unten ist”. Wahrscheinlich macht ihn das so beliebt. Erhobene Zeigerfinger gibt es schließlich schon genug.

Stänkern kann er auch: “Zu viele Scheißbands”, brüllt Casper, hält das Mikro hoch und die Halle schreit zurück: “Zu viel Hype”. Das Irre daran: Egal, welche Zeile er weglassen würde, das Publikum singt jede mit. Laut, lauter, am lautesten. Da kann der Wasen nebenan dichtmachen dagegen, obwohl die da mehr Bier haben. Welche Scheißbands er meint, sagt er leider nicht. Aber er preist Springsteen. Das ist gut.

Mit jeder Minute schaukelt Casper das Ding souveräner durch den Abend und keiner im Saal denkt daran, leiser zu brüllen oder etwas weniger durchzudrehen. Thees Uhlmann ist leider nicht dabei, um den Refrain von “xoxo” zu singen. Das ist sehr schade. Die Zeilen aber bleiben groß: “Zuhause ist da, wo man sich vermisst. Doch wir glauben an ein Licht, das niemals erlischt.” Da ist Hoffnung drin. Der schönste aller Strohhalme.  Und noch so eine Zeile: “Ich tättowier’ mir deinen Namen übers Herz. Mit Anker. Damit jeder weiß, wo meins hingehört.” Achkommdraufgeschissen, Sprühdose klauen und dem besten Menschen der Welt an die Hauswand sprühen. Es gibt sinnlosere Leidenschaften, auf denen man durch die Nacht rutschen könnte.

Klar, für Zyniker ist so ein Happening wie Weihnachten und Ostern am Lieblingstresen. Der Typ bietet mehr Angriffsfläche als gesund sein kann. Und, ja, das ist hochgradig “Emo”, wenn man das unbedingt als was Schlechtes sehen möchte. Doch im LKA werfen die Menschen nur mit Liebe nach ihm. Das ist ein guter Deal.

“Gleich weinst Du, Alter”, sagt einer zu mir als Casper “Das Grizzly Lied” ankündigt und ich mich freue, dass ich auch mal ge-Du-zt werde an diesem Abend. “Papa sagt ‘Sohn, Nimm mein Gewehr’, mal bist du der Jäger, mal bist Du der Bär. Und wenn Du Bär sein musst, um Gotteswillen, dann kämpf. Und ich bin Grizzly jetzt.” Einrahmen, solche Zeilen kann man immer gebrauchen. Auch gleich mal einen auf Grizzly gemacht. Spätestens bei “Michael X” klappt das nur noch mit Körperbeherrschung. Das ist die Welt in der ein freundlich gebrülltes “ICH HOFFE, ES GEHT DIR GUT!” mehr wiegt als alles andere. Durchatmen.

Nach 90 Minuten ist das Ding im Kasten: “Alles wird perfekt”, schreit Casper und wiederholt es so oft, dass man es ihm fast glauben möchte. Letzte Tanke: Hoffnung. Bis die Leute da keinen Vodka mehr kaufen, sobald es dunkel wird.

Schweißnass, jeder. Bestimmt “a Subbrsach” weiß Gott wo, aber eher bedenklich beim Konzert, es sind schließlich hauptsächlich wildfremde Leute anwesend. Da schlägt schnell die Stunde, in der irgendwie alles toller ist, als denen zu nahe zu kommen. Hier im ausverkauften LKA funktioniert das aber nicht. Da kleben einem ständig Haare von blonden Frauen oder Remsecker Headbangern am Arm. Wahlweise auch ihre Arme, ihre Rücken oder dann halt doch gleich ganze Menschen.

Eine patschnasse Frau, umarmt ihren Freund, ihr Make Up ist verlaufen, und sie sieht ein bisschen aus wie das Cover der “Around The Fur”-Platte der Deftones. Ihr Freund fasst sie an den Hüften und zieht sie noch näher an sich heran. Dann küssen sie sich. “Mein lieber Herr Gesangsverein. DAS muss dann wohl Liebe sein”, will ich rufen.

Chino Moreno, Sänger der Deftones ist schneller: “I really wish these snakes were your arms”. Ein Romantiker wird der nicht mehr, so viel ist sicher. Egal. Man weiß gar nicht, wo man sich zu erst bedanken möchte, aber am Donnerstagabend hat Moreno tatsächlich einen guten Tag erwischt. Da steht er auf seinem Podest, rudert mit den Armen, singt erschreckend sicher, schreit und kreischt mit allem Zubehör. Und er lässt sich feiern. Zu Recht. Der Kerl sieht endlich aus wie einer, der mit sich ins Reine kommt.

Das ist gut. Denn in genau diesen Momenten holen die Deftones die Sterne einzeln vom Himmel und hauen jedem aufs Maul, der versucht, sie daran zu hindern. Ist Moreno mies aufgelegt, dann ist sein Gewimmer schier unerträglich. Da bleibt dann nur der Gedanke, wie gut das eigentlich auf Platte klingt. Doch schöne Erinnerungen alleine sind halt eine nutzlose Währung, wenn man das Leben damit bezahlen soll. Die Deftones haben in den vergangenen Jahren viel Kredit verspielt.

“Diamond Eyes”, der Opener – passender geht’s kaum. Kurz mal mit der Faust auf den Tisch schlagen. “Diamonds reign across the Sky” singt Moreno. Den Himmel kann man im LKA leider nur erahnen, ist schließlich ein Dach drauf. Unter dem staut sich jetzt aber schon die Hitze. Scheissdrauf, weiteratmen, weil’s Sinn macht.

“Be Quiet & Drive”, der Pophit von “Around The Fur. “I don’t care where, just far away” – auch das kann ein Reiseziel sein. Trotzdem: Lieber da bleiben, denn das hier wird von Minute zu Minute besser. Auch wenn der Sound dumpf klingt und Moreno so viel Hall auf der Stimme hat, dass er klingt, als würde er in der Stiftskirche singen – die Wucht ist spürbar. “My Own Summer”, ein Kinnhaken. ”Hey you, big star, tell me when it’s over” – Arschlecken, hier ist noch lange nix zu Ende.

Ab und an machen die Kalifornier noch in Sportrock und erinnern an die schlimmen Zeiten, als Trottel in Rockbands, HipHopper sein wollten, obwohl sie schlechter als DJ Bobo rappten. Linkin Park haben eine Karriere daraus gemacht, die Deftones ihren Hals würdevoll aus der Schlinge gezogen – Nu Metal ist tot. Zu Recht. Die Deftones: lebendiger als sie das in den vergangenen Jahren je waren.

Ein Kerl im Limp Bizkit T-Shirt filmt das alles mit dem Handy. Das ist sehr zynisch. Hoffentlich schickt er das Filmchen an Fred Durst und schreibt dazu: “Seggl. So geht das!”

“Beauty School”, ist zum Umarmen schön. “You’ve Seen The Butcher”, ein grobes sperriges Ding. Eines dieser Lieder, zu denen nur Menschen tanzen würden, die wirklich nicht alle Latten am Zaun haben. Doch die ganze Halle wippt im Takt, einige springen, andere halten die Augen geschlossen. Abtauchen. Toll.

Dazwischen zeigt Abe Cunningham, wie das mit dem Schlagzeug geht. Der Mann bringt Steine zum Tanzen. Stephen Carpenters unwirtlich verzerrte Gitarre klingt mittlerweile auch wie eine Walze. “Auuufff gehht’s”, schreit Shavy Eggmann neben mir. Recht hat er. Auf geht’s.

“Sextape”, macht endgültig den Sack zu und auch noch einen Knopf dran. Das ist Liebe, das ist Leidenschaft. “Take me one more time, take me one more wave, take me for one last ride, I’m out of my head”. Verdammtundzugenäht, ist das schön, man möchte Konfetti werfen. “The Sound of Waves Collide”. Konfrontation auf einem ganz anderen Level ist das. Selten machte der Tippfehler “Leid” statt “Lied” mehr Sinn – ein Schützenfest ist das, jeder Schuss ein Treffer.

Da stimmt’s an allen Ecken und Enden. Auch rechts außen auf der Bühne. Da steht Sergio Vega, ein Traum von einem Bassisten, mit einer Baseballmütze, die Leute in seinem Alter normalerweise nicht mehr tragen. Der Mann lenkte schon bei den famosen Quicksand die Lieder, ohne großes Getue. Er macht das einfach.

Es ist trotzdem zum Kotzen. Chi Cheng, eigentlicher Bassist der Deftones, liegt seit November 2008 im Koma. Autounfall. Niemand weiß, ob er je wieder erwachen wird. Und was sein wird, falls er es je tun sollte. Ein Freund auf Stand-by, nur er selbst kann sich wieder anschalten, nicht Gott – gäbe es einen, hätte er es längst getan. Sergio Vega, ein anderer Freund, steht da, um das Loch wenigstens ein bisschen zu erhellen. Er macht das großartig. “Change (in The House of Flies)”, klang selten besser. “Minerva”, “The Earth”, “Feiticeira” oder “Passenger” ebenso.

Das ist Tragik, kein Fingerbreit witzig – und dennoch passt es zur brachialen Hoffnungslosigkeit, die das Quintett aus Sacramento seit Jahren konserviert. Nur halt schlimmer als immer erwartet. Besonders weil die Deftones nie besser waren als an diesem Abend.

Irgendwas ist da passiert. Vielleicht sind da Narben, wo früher Wunden waren. Auch das ist Fortschritt. Oder zumindest ein Schritt in die richtige Richtung.

P.S.: Die Vorgruppe Animals as Leaders – ich geb’s zu: hab nur zwei Lieder mitbekommen. Es war schön, aber Progfusionjazzmetal – das ist nix für alle Tage. Donnerstag war so einer.

Animals As Leaders

Deftones

Gift sei etwas, das man in kleinen Flaschen aufbewahre, sagt die wunderbare Conny manchmal. Wahrscheinlich meinte sie damit auch Brian Molko von Placebo. Der zierliche Kerl ist ein Schandmaul – selbst die schönen Worte, die er ins Mikro näselt, sind nix für’s Poesiealbum. Der Mann liefert Ausrufezeichen für die, die längst alles gesagt haben. Auch das ist eine Kunst, die man hochhalten sollte wie einen Pokal. 40000 Leute auf dem Schlossplatz machen das. Gott hab sie selig, jeden Einzelnen davon.

Es ist ein paar Jahre her, da begrüßte Molko 50000 Leute bei einem Festival in Australien mit den Worten: “Das nächste Stück widmen wir 50000 Verbrechen gegen den Stil”. In Stuttgart ist er freundlicher, trotzdem schlägt er mit Anlauf in die Magengrube: “Das ist für all’ die Freunde, die viel zu früh gegangen sind. Unsere und eure. Auch für die mit den ironischen Namen: Amy Winehouse zum Beispiel.”

Für einen kurzen Moment wird es still auf dem Schlossplatz, dann spielen Placebo “All Apologies” von Nirvana. Ein Lied von Kurt Cobain, der wie die Winehouse mit 27 Jahren  aus dem Leben schied. Er schoss sich in einer schäbigen Garage in Seattle mit einer Schrotflinte in den Kopf. Placebo schießen ins Herz. Das ist ein Unterschied. Einer der Leben retten kann. Placebo tun das alles ohne jede Effekthascherei, falsche Pietät, ohne jegliche Pose. Denn sie wissen: Wer mit diesen Gefühlen Schindluder treibt, ist selbst so gut wie tot.

Geburtstagsgeschenke wiederum sind so eine Sache: Das Auto wird 125 Jahre alt und Mercedes freut sich so sehr darüber, dass der Konzern Stuttgart einen großen Kuchen schenkt und Placebo als Kerze obenrein rammt. Kann man machen. Ich werde mich trotzdem immer an eine Brezel mit einer Kerze darin erinnern, das war schön. Für mich war das der Himmel. Was Mercedes da tut, ist verschwenderisch – aber die greifen halt anders nach den Sternen. Doch schon als Placebo “For What it’s Worth” anstimmen, klingt es wie das Beste, das diesen Sommer noch passieren wird.

“Hallo Stuttgart, wie geht es Ihnen?” ruft Brian Molko den 40000 Leuten entgegen und stellt alleine da schon den Unterschied zur hundsmiserablen Vorband 30 Seconds To Mars klar. Er weiß, wo er ist.

Ich mag Jared Leto nicht. Es ist wirklich nicht seine Schuld, aber Schauspielern kann ich abseits der Leinwand nicht vertrauen, das sind schließlich professionelle Scharlatane. Auch deswegen halte ich Sicherheitsabstand zu 30 Seconds To Mars, zumal deren Sänger Leto eben nicht der Schlechteste aller Schauspieler ist.

Was der aber auf dem Schlossplatz abzieht, ist eine Beleidigung. Das ist ist einer, der sich so sehr auf dem Weg nach oben sieht, dass er die Hälfte vergisst. Es muss ja schnell gehen. Er ruft “Germoonneey”, läd alle zum Springen ein und schwafelt von “the best fucking night ever”, ohne auch nur ansatzweise irgendwas dazu beizutragen. Einmal “Stuttgart” zu sagen, zum Beispiel. Frag deinen Tourmanager. “Stuttgart”, so schwer ist das nicht. Man hätte Dir eventuell sogar irgendwas geglaubt.

Aber da steht der Hollywoodstar und erzählt Leuten, dass er sie liebt, ruft schon wieder “Germany”, hängt sich die Flagge um den Hals und denkt, das reicht. Er entlarvt sich als reine Ich-AG, spielt Lieder, die auf Platte durchaus gut klingen, ohne die  teure Produktion allerdings wie eine Schande klingen. Der Mann lebt das Ärgernis des Glam-Rockstars und betet das 1×1 dazu runter.

Gut, er sorgt für Entertainment, wie man es sich das beim Alleinunterhalter auf der Betriebsweihnachtsfeier vorstellt. Insofern passt das sogar. Wahrscheinlich ist er nur genial in eine Rolle geschlüpft, hatte aber ein falsches Drehbuch. Linkin Park und selbst The Killers wirken dagegen wie visionäre Künstler. Das da ist armselig. Besonders seinen zahlreichen und durchaus fanatischen Fans gegenüber, die mehr verdient gehabt hätten. Etwas Leidenschaft zum Beispiel.

Leto holt sich lieber Jugendliche und Teenager auf die Bühne, um sich von ihnen feiern zu lassen, dabei sollte er sie feiern. Sie werden älter werden und dann über seine Show lachen. Aber was weiß ich denn schon: aus dem Fotograben, den die Fotografen bei 30 Seconds To Mars nicht benutzen dürfen, werden weinende Mädchen im Akkord weggetragen.

Brian Molko, Stefan Olsdal und Steven Forrest machen dagegen nach nur einem Ton klar, wo der Unterschied zwischen Bierzelt-Emo und Rock’n'Roll ist: Es ist die Leidenschaft, das Feuer, die Faust. “For What it’s Worth” ist nur der Anfang von unglaublichen 90 Minuten. Flackernde Videoleinwände, ein passabler Sound und Placebo walzen alles platt. Wenn der Schlossplatz je schön war – heute strahlt er heller. “Ashtray Heart”, auf Platte ein hässliches Entlein, beim Konzert eine Ansage ohne Wenn und Aber. Schöner Schmerz. Wie alles, was die drei Herren und ihre bewährten Mitmusiker an diesem Abend anpacken. Ausrufezeichen.

Robin, eine Frau mit funkelnden Augen sagt, ER hätte das auch bei “Rock am Ring” gespielt. “Sie”, sage ich, “Sie haben das gespielt, heißt das. Das ist eine Band.” Robin lacht und tanzt weiter, wie glückliche Menschen das immer tun sollten. “Every Me Every You”, Robin sagt,  ER habe das auch bei “Rock am Ring” gemacht. “Sie!”, sage ich zu Robin. “Sie haben das gemacht”. Dann lächelt sie wieder und tanzt, als wäre ich der Idiot. Wahrscheinlich hat sie recht. Doch die Melodien klingen so hell, dass man lieber guten Menschen davon erzählen möchte. Der Handyempfang ist leider eine Katastrophe.

Mit der Routine von Profis, aber dennoch dem Herz von Verrückten stellen Placebo den Schlossplatz auf den Kopf. “Emo” sagen meine Metal-Freunde. Sie haben nix verstanden. Placebo fragen nicht, sie antworten. Und sie tun das mit unfassbarer Intensität. Wie einer der bei der Kneipenkeilerei Tränen in den Augen hat, dem Gegenüber trotzdem den letzten Zahn aus dem Mund holt.

Placebo lassen sich nicht lange bitten: “You are one of god’s mistakes”, auch dieser Schlag sitzt. “A tragic waste of skin”. Miese Ansage am ersten Sommertag seit langer Zeit. “Bitter End” macht die Sache nicht besser. Das ist schmutzige Liebe, der zweitschönste Abgrund der Welt. “Nicht aufhören”, ruft jemand neben mir. Viellicht Vielleicht war ich es auch selbst. Keine Ahnung. Leidenschaft lässt vieles vernebeln. Placebo wischen in ihren Liedern ständig das Blut weg, die Tränen auch, pflegen die blauen Flecken – “los, geh’ raus spielen”. Molko ist ein unverbesserlicher Romantiker. Boris Becker biegt um die Ecke. Ohne Scheiss. Echt. Egal.

Dann holen Placbo die Keule raus: “Infra-Red”. Molko steht da in seinem viel zu großen V-Auschnitt am T-Shirt und singt: “I came down to wish you an unhappy birthday.” Fffforsicht Ffffreeundchen, Redet man so über Mercedes? “Someone call an Ambulance, there’s gonna be an accident”. Mist, da steht einer, der Geschenke überreicht und weiß, dass bald alles explodieren wird. Er tut das mit der Würde, die allen anderen abgehen würde. Er schenkt von Herzen. Wer da nicht mit den Tränen kämpfen muss, wirft wahrscheinlich auch mit Backsteinen nach süßen Katzen.

Dann dreht Molko noch weiter auf, der Sack: “Let’s follow the cops back home and rob their houses”, eine der subversivsten Zeilen des Rock’n'Roll. Kein Respekt. Niemand wird je in Sicherheit sein, nichtmal der Wachtmeister. Kauf’ dir einen Helm, schließ die Türe ab. “London is burning”, sagt Molko. Jeder weiß das. Placebo wohnen da. Sie stehen trotzdem in Stuttgart. Olsdals silberne Lackhose schimmert im Licht, Forrest schlägt seine Drums wie ein Besessener. Das ist große Kunst. Da ist alles drin.

Dann “Special Needs”, eine kleine Ode an früher, als alles irgendwie mehr Sinn machte. Robin hört kurz zu tanzen auf und sagt, “Ja, SIE, ich weiß. Nicht ER”. Ich grinse, obwohl weinen ehrlicher gewesen wäre. So schön ist das hier. Im Hintergrund flackern noch immer die LED-Leinwände. Sogar die Wut auf Jared Leto ist verflogen.

Als Kessel-RAM meinte, 15 Euro für Placebo wären besser in drei Döner angelegt, da wusste er nicht, was er sagte, ich habe ihm längst verziehen. Unsere “Clique” tanzt, alle lächeln, manche kämpfen dabei mit den Tränen, und wir trinken Bier. Das ist besser als Döner.

Die Leidenschaft hat gewonnen. Ab und an ruft einer von uns “Nicht aufhören, weitermachen”. Placebo hören uns. Sie machen weiter. “Running Up That Hill”.  Irgendwann ist trotzdem Schluss – Hügel erklommen. Oben bleiben. Robin war auch weg. Möge sie ewig tanzen.

Samstagabend, Zeit für Liebe oder fürs Verdrängen. Dafür gibt’s kaum bessere Orte als die Altstadt. Die nimmt einen, wie man ist. So wie der Winter, das singt zumindest Stephan Trinkl von Hoch/Tief. Und die Stuttgarter Postcore Band, weiß vermutlich nicht einmal, dass sie der perfekte Samstagabend ist. Da ist Leben drin.

“Der Frühling hat Fragen, der Sommer will nur spielen, der Herbst sagt ‘Alles Mist’, nur der Winter nimmt dich wie du bist”. Topzeilen im milden Winter, der eigentlich Sommer sein will. Draußen vor der Kiste spielt Gott sein zynisches Spiel, drinnen stehen Stephan Trinkl, Ingo Koch und Jochen Heimbach und spielen die Lieder für die, die’s längst wissen. Früher waren sie mal Upfront, Boiler und Cargo City. Heute sind sie Hoch/Tief und besser als je zuvor, obwohl sie heißen wie ein marodes Bauunternehmen.

Grobe Referenz: “Emo” als das noch kein dummfrisiertes Schimpfwort war. Texas Is The Reason, Fugazi, Quicksand, ein bisschen Far und halt AC/DC. Bekümmert, trotzdem ohne Helm, dafür mit ordentlich Angriffsfläche, wenn man denn unbedingt eine braucht – so geht das mit den echten Emotionen. Bestens aufgehoben sind sie bei Arctic Rodeo Recordings, dem Stuttgarter/Hamburger Plattenlabel, das ständig Platten veröffentlicht von Bands, die früher schon mit Tarnkappe gespielt haben. Liebhaberzeug.

“Ich mache mir Sorgen”, sagt Sänger und Gitarrist Stephan Trinkl. Eine Frau torkelte Minuten vorher an der kleinen Bühne vorbei zur Toilette. Seitdem hat man nichts mehr von ihr gesehen. Wird schon nix passiert sein.

Sauheiß ist es in der Kiste. Schlagzeuger Ingo tanzt trotzdem fast beim Spielen, Bassist Jochen shoegazed in seiner eigenen Welt, obwohl er keine schönen Schuhe trägt und Trinkl haut Zeilen raus, die nirgendwo zu hauser sind, als eben in der Altstadt. Das rollt, das hüpft manchmal – nur ab und an wäre etwas mehr Druck noch toll. Besonders dann, wenn Hoch/Tief fast nebenbei noch mehr Leidenschaft in die Waagschale werfen und die Schraube anziehen. “Ich fühl’ mich heut’ so independent. So Westberlin.” Wieder eine Zeile zum Einrahmen.

“Im Prinzip ganz gut, aber trotzdem Laaannnggweilig”, ruft eine ältere Dame mit schnittiger Kurzhaarfrisur und Weinglas in der Hand. Grob 50 Leute in der Kiste quittieren diese brachiale Fehleinschätzung mit sehr lautem Gelächter. Egal. Mund abputzen und weiter. Die Dame versucht die Umstehenden zum Tanzen zu animieren. Geht doch. Später erzählt einer, sie würde in der Pathologie arbeiten.

Eine andere Frau schüttelt den Kopf und sagt, sie würde sich hier fühlen wie in einem Tarantino-Film. Aus dem Nachbarhaus wurde ein paar Stunden zuvor eine Leiche rausgetragen. Sie hat’s gesehen. Ich nicht. Gottseidank. Dafür darf ich sehen, wie sich bei “Gekommen, um zu gehen” plötzlich Quicksand und AC/DC vereinen. Tarantino hätte das nicht hinbekommen.

“Hallo Panik, schön dich zu sehen.” Wer Lieder wie “Alarm” schreibt, darf gerne einen Dicken machen. Hoch/Tief tun’s trotzdem nicht. Understatement, wo man auch hinschaut. Doch hört man genauer hin, dann ist das groß und bunt. Immer wieder schummelt das Trio fast beiläufig große Momente und Melodien in seine Lieder. Toll.  Lieder über das Leben von denen, die halt hinschauen, weil wegschauen zu viel Arbeit wäre. Leider lebensnahe. Da wird sogar die Brücke vom Milchkaffee zum Schaumschläger gebaut – ”Late Muchacho”, ihr Ficker. Tolle Lieder, tolle Band.

Schnell mal Luftschnappen vor der Kiste, kostet ja nix. Nebenan schlägt einer gerade einem Typen aufs Maul, der eh nicht mehr stehen wollte. Der kracht gegen ein parkendes Auto. Seine Freunde beglückwünschen Klitschko zum Coup und klopfen ihn auf die Schulter. Er hat nichts verstanden. Ein alter Mann mit Broccoli-Nase brabbelt derweil unverständliches Zeug, auf seine Stirn ist sehr groß “666″ tättowiert. Die Geschichte dazu möchte ich lieber nicht wissen. Drinnen in der Kiste gehen Hoch/Tief in die Verlängerung, erzählen noch ein bisschen vom Leben bis Ingo das Schlagzeug kaputt schlägt. Irgendwann ist immer Schluss.

“Zu viel gelacht, zu viel getrunken”, singt Trinkl in “Oblomow”, als ob man tatsächlich zu viel lachen könnte. “Lass uns abhauen”.

Früher war halt irgendwie doch alles geiler. Wenn da einer sagte “klingt so schwedenmäßig”, dann war klar: Saiten tiefergelegt, teilchenbeschleunigter Traditionmetal plus wuchtiger Backpfeiffe, Rock’n'Roll-Schwung und gut ist’s – Schwedendeathmetal. Doch mittlerweile wird in Schweden alles kopiert, was bei drei noch kein Trend ist. Und plötzlich braucht man ein paar zerfledderte Typen aus Seattle, um den alten Schweden-Geist wieder aufleben zu lassen. Black Breath.

Kurz fürs Bescheidwisserprotokoll: Gutfindlabel Southern Lord, produziert von Kurt Ballou (Converge) und klingt trotzdem so als ob Tomas Skoksberg es getan hätte, Bandnamen von Repulsion geborgt. Gebongt – da brennt nix an.  Auch sehr nett: keine Vorband. Es ist schließlich Montagabend. Keine Zeit für Geplänkel. Kurz “Hallo!” sagen und dann hart kuscheln. Wir wollten es nicht anders. Keiner.

Diese Teufelskerle holen sich das Beste aus Dismember, Slayer, Tragedy, Entombed, Discharge und eben Repulsion und machen Lied für Lied ein Fest draus. Kerzen auf die Torte und dann mit dem Arsch voraus reinspringen und “Yiepiiee!” rufen. Besser kann’s Montagsabends kaum kommen.

Das Quintett aus Seattle rechnet Deathmetal auf das Nötigste herunter: Energie. Nicht etwa, weil sie zu doof für höhere Mathematik wären, sondern weil sie wissen, dass es richtig ist. Kein unnötiges Gekniedel, kein Vikingerscheiss, kein Bullshit  – roh und wirtshauskeilereimäßig auf die Fresse. Als wäre Nicke Andersson noch bei Entombed, als wären Langweiler wie Unleashed nie passiert, als würde sich die Welt tatsächlich nur um Metal drehen.

Ehrliches Headbanging, nein, eher fast Kopfnickerzeug. Das hüftet wie ein guter Samstagabend und macht Spaß wie schon lange nix mehr. Ab und an gibt’s zweistimmige Gitarrenleads, die nach “Blind” von Corrosion Of Conformity höchstens noch die Doomriders annähernd so sexy gespielt haben. Toll. Weitermachen, nicht aufhören. Nicht jetzt.

Black Breath sind Typen, die wissen, dass Hüftschwung keine Charakterschwäche ist. Wo man hinschaut lächeln Männer, recken die Fäuste in die Luft. “Aaaalllteerrr!!!”, schreit einer. Und recht hat er: “Aaaalllteerrr!!!”.

Und den Schalk im Nacken haben sie auch noch: “This next one goes out to all the ladies in the crowd tonight”, ruft Schreihals N.T. MacAdams von der Bühnenkante. Während sich circa 60 Männer lachend umschauen, ob tatsächlich welche da sind, grinsen die ungefähr sieben anwesenden Damen. Und sie können sich sicher sein, dass der Faxe nicht sie meinte als er sagte: “Wenn mehr als 50% Frauen im Publikum sind, dann ist die Band meistens scheiße. Frauen interessieren sich von Natur aus nicht so sehr für gute Musik. Die finden den Sänger süß oder so.” Drei Euro in die Machokasse und weiter geht’s. Black Breath machen keine Gefangenen.

Das ist Metal, zu dem man prima trinken könnte. Zuzüglich Jacke in der Hand macht das aber fast jegliche Form des Applaus zunichte. Und den haben sich Black Breath mehr als verdient. Also, einfach ab und an mal “Yeah!” oder “Aaaalllteerrr!!!”, brüllen. Die wissen schon, wie’s gemeint ist.

“Hey, kann einer bitte die Discokugel da anmachen?”, fragt N.T. MacAdams. Da kann die freundliche Bar an der Frau, nee andersrum, Frau an der Bar gottseidank nicht widerstehen. Das Ding dreht sich und auch Black Breath lassen alles rund laufen – kümmern sich um den Rest. Die Gitarren klingen wie Sägen mit sehr großen Blättern. Und am Schlagzeug redet Jamie Byrum in aller Ruhe mit den Becken: “Alright, let’s go”. Und wieder kommt einer dieser sexy Breaks, die heutzutage leider kaum noch einer spielt. Gitarrensoli gibt’s auch. Kurz und “Rock’n'Roll”. Der Rest ist Hingabe, unglaublich sexy und rohe Gewalt.

Nach 50 kurzweiligen Minuten ist das Ding nach Hause gefahren. Keiner motzt, keiner meckert – alle lächeln bestens bespaßt und am Merch-Stand geht’s zu wie beim Sommerschlussverkauf von Sigrun Wöhr Samstagmittags. Nur halt ohne Frauen. Echte Männer erkennt man daran, dass sie sagen: “Ich nehme noch ein T-Shirt für meine Freundin mit.” So sieht Liebe nämlich aus.

Ich glaube, ich bin da etwas Großem auf der Spur: Früher war rein gar nix geiler, nur einfacher, nicht so verwässert und zwangsoriginell. Und Black Breath perfektionieren das. Konservativ ist das nicht, denn sie lassen halt den verdammten Bullshit weg.

Um sein Land an den Westen anzubinden, ließ Mustafa Kemal Atatürk, der Gründer der Türkei, 1927 anstelle der arabischen eine auf der lateinischen basierende Schrift für das Türkische entwickeln. So entstand das Neue türkische Alphabet, das sich nur durch wenige Buchstaben von unserem unterscheidet. Das Problem bei der Anpassung eines fremden Schriftsystems an eine neue Sprache aber immer besteht darin, dass jede Sprache eigene Klänge hat, für welche es vielleicht noch kein passendes Zeichen gibt. Neue Buchstaben müssen erfunden werden – deswegen haben wir ja auch unsere Umlaute. Auf diese Weise wurde in das Neue türkische Alphabet ein Buchstabe eingeführt, der zugleich ein Phänomen abbildet, das gar nichts mit Sprache zu tun hat, sondern eine Alltagserfahrung widerspiegelt, die ich auf dem Konzert von Archer, Buckcherry und Black Label Society im Stuttgarter LKA mal wieder machen musste: Die Türken haben nämlich ein ı , bei dem das Tüpfelchen fehlt.

Trotzdem: Das Highlight des Abends ist sicherlich der Moment als Zakk Wylde, Sänger und Lead Gitarrist der Black Label Society, irgendwann in der Mitte des Sets ans Mikro tritt und uns – ganz folgerichtig im Sinne der ganzen Rocker-Ästhetik der Band – als das „Stuttgart Chapter of the Black Label Society“ begrüßt. Da tobt vorne der Mob. Klar, nicht zu vergessen auch Zakk Wyldes unverzichtbares Gitarren-Solo drei Songs später, bei dem er erst an seinem angestammten Platz in der Mitte der Bühne drauflos frickelt, was das Zeug hält, und die Übung nacheinander am rechten und linken Bühnenrand nochmal wiederholt. Eigentlich sind es ja drei vollkommen eigenständige Soli, die er da spielt, von denen das dritte meines Erachtens das Beste ist. Die Publikumsreaktion ist hier aber teilweise entgegengesetzt zu seinem Chapter-Spruch: Einer schreit sogar: „Jetzt hör aber auch!“ Ansonsten nimmt das Publikum das Solo wohl eher als kleine Pause wahr, denn das Gedränge an der Bar und die Schlange vor der Toilette werden plötzlich größer.

28.536 Noten später fliegen uns dafür wieder von Südstaatenrock beeinflusste Riffs um die Ohren. Damit das gelingen kann, kommt die Band auch daher wie ein „Gitarrenladen auf Tour“, wie eine Besucherin feststellt: 16 Marshall-Top Teile und 21 Marshall 4 x 12“-Boxen bilden den Bühnenhintergrund, sodass vom Backdrop in der niedrigen Halle wenig zu sehen ist. Hinzu kommt eine Auswahl an Gitarren, die sich gewaschen hat. Die weiß Zakk Wylde auch zu gebrauchen. Die technische Meisterschaft ist unbestritten. Und auch an den kompositorischen Fähigkeiten des ehemaligen Ozzy Osbourne-Gitarristen und -Songwriters, der unter anderem Writing credits für dessen meistverkauftes Album „No more Tears“ hat, hapert es nicht. Allein: Es kommt halt nicht rüber. Ich kann schlecht sagen, woran es liegt. Es ist aber eine Erfahrung, die ich auch schon bei Bands mit ähnlicher Musik – bei Down etwa – gemacht habe. Man hat einen fetten Sound, aber es fehlt eben das Tüpfelchen auf dem ı. Alles klingt viel zu gleichförmig. So habe ich auch Schwierigkeiten, besonders viele Stücke zu erkennen. Gut, zum Sound kann man vielleicht anmerken, dass ich schon von Anfang an dachte, dass der Gesang zu leise gemischt war – und das liegt nicht daran, dass Zakk Wylde heute nicht gut bei Stimme ist, wie uns ein Photograph der US Army mitteilt. Es war irgendwie das Gefühl, dass man zwar von einer immensen Schallwelle umgeben ist, aber dennoch nichts hört. „… und auch die sozialkritischen Texte“, höre ich im Nachhinein noch jemanden sagen, „ich hab‘ kein Wort verstanden.“

Auch das Genuschel von Archer Sänger und Gitarrist Dylan, der ebenso wie Zakk Wylde aus Kalifornien stammt, ist kaum zu verstehen – aber lauter. Die Jungs, die sich in ihrer Bandbio als „future of rock“ bezeichnen, spielen klassischen Metal, der soundmäßig an die Megadeth der frühen 1990er Jahre erinnert, aber geradliniger daher kommt. Besonders innovativ ist das nicht, auch finde ich die Band auf Dauer etwas eintönig. Beachtenswert ist allerdings der Bassist. David nämlich zeigt spielerische Fähigkeiten, die ihn eigentlich für wesentlich Anspruchsvolleres prädestinieren, sei es, indem er munter vor sich hin tappt oder die Begleitung nur aus Flageoletts aufbaut. So können wir uns aber immer noch an einer Partymusik erfreuen, bei der uns ein Solo nach dem anderen um die Ohren gefetzt wird – und zwar auch vom Schlagzeuger Ferret, so viel Zeit muss auch bei einer Vorband sein. Tüpfelchen auf dem ı? Auch hier Fehlanzeige.

Bei Archer ist die Publikumsreaktion verhalten, aber zumindest schnappe ich keine negativen Äußerungen auf. Anders bei Buckcherry, die beinahe Anlass für eine Studie der Gezeitenströmungen geben. Vor den ersten Tönen der Band steht draußen alles voll mit Rauchern, lasse ich mir später von einem Flyer verteilenden Vor-Ort-Korrespondenten erläutern. Dann wird es fast völlig leer, als alle zur Bühne gehen. Kurze Zeit später ist es wieder fast so voll, wie bevor die Band die Bühne betreten hat. „Die Musik geht überhaupt nicht“, soll jemand gesagt haben. So schlimm ist es sicherlich nicht. Mit ganz ähnlicher Musik haben Guns n’Roses in den 1990ern Millionen verdient. Und in der Tat ähnelt sich nicht nur die Musik, auch Sänger Josh Todd klingt an einigen Stellen Alx Rose verflucht ähnlich. Aber die Musik ist nicht die einzige Hinsicht, in welcher Buckcherry das Publikum spalten. Doch dazu später.

Zunächst muss festgestellt werden, dass Buckcherry hier ein ordentliches Hard oder Sleaze Rock-Set durchziehen, mit allem was dazu gehört. Das fängt bei der Bekleidung an, etwa den abgetragenen Klamotten aller oder den Stirnbändern des linken Gitarristen und des Sängers. Das geht weiter beim wilden und seltsamen Herumgehüpfe und Hüftengeschwinge des letzteren, bei dem man gleich an die Performance so mancher Band denken muss, die eher auf dem Bang Your Head auftritt. Und das schließt natürlich den deutlich rockigen Sound mit seinen eingängigen Melodien und Strukturen ein. Falls noch etwas fehlt, gibt es auch Gesten: angedeuteten Sex beispielsweise bei „Crazy Bitch“. Dieser Song zeigt übrigens auch gleich die klischeehaften Lyrics, die wir zu hören bekommen, wenn es nicht gerade heißt „It’s a Party“, nämlich: „You’re crazy / But I like the way you fuck me“.

Die Frauen im Publikum nehmen das ganz gut auf. Vor allem sind sie es, die man bei Ruf-und-Antwort-Spielchen zu diesem Song schreien hört „Crazy Bitch, Crazy Bitch“. Ich persönlich finde, was die Band da macht, ganz unterhaltsam, mehr aber auch nicht. Aber bitte, es gibt begeisterte Fans. Interessant finde ich dagegen die Wirkung des Körpereinsatzes der Musiker. Beim zweiten Songs der rechte Gitarrist schon oben ohne, beim dritten auch der Sänger. Der ist so sehr tätowiert, dass es nicht nur schwierig wird, noch eine freie Stelle zu finden, sondern sich auch jemand die Mühe gemacht hat, bei Wikipedia eine Liste rein zu stellen. Zeit zum Trainieren scheint im auch nicht zu fehlen. Aber ob das jetzt als Aphrodisiakum wirkt? Ich höre jedenfalls nachher ein Mädchen sagen: „Die Musik war schon gut. Aber er hätte wirklich nicht seine Weste ausziehen dürfen. Das war zu viel. Da sind wir dann raus gegangen.“ Wieder ein ı ohne.

Das Publikum in den Griff bekommt dann erst Zakk Wylde. Dazu reicht es schon, wenn der vor der Bühne aufgezogene Vorhang fällt und er mit riesigem Federschmuck den Obermaxe macht. Die machen das schon alles richtig: Viel Bier, viel Bart, viel Spielfreude. Mal fliegen riesige Bälle ins Publikum, die von der Menge dann immer wieder hochgestoßen werden. Es wird gerockt, und bei jedem Song die Gitarre getauscht. Die hat dann schon auch mal zwei Hälse – aber paritätisch dann nicht nur die des Leadgitarristen, sondern auch jene seines „Evil twin“, wie Zakk Wylde ihn nennt. Alle diese Gitarren zeigen entweder das Bull’s eye- oder das Buzz saw-Muster von Zakks Custom-Gibsons, mal als Les Paul, mal als Flying V, sogar als Graveyard Disciple oder in freier Form. Wenn man als Gitarrist bekannt genug ist, bekommt man das scheinbar nachgeschmissen. Die machen das schon alles richtig: Ganz offensichtlich ist da eine große Rockshow nach Stuttgart gekommen. Nur zünden will es halt nicht, ich weiß nicht woran es liegt. Es ist halt wie bei Atatürks Neuem türkischen Alphabet: Da fehlt das Tüpfelchen auf dem ı.