ACHTUNG, ACHTUNG: Scream sind zurück! Bitte mal alle fest anschnallen: Anarcho-Schockwellen türmen sich auf, am Horizont der totglobalisierten Welt, brennt ein Inferno aus markerschütterndem Hardcore Punk! Die Absurdität der ganzen gottverdammten Anpassung wird einem Generalangriff unterzogen. So wie das einst bei der Entstehung vom Punk-Rock war, als The Clash und die Sex Pistols die Welt revolutionierten, oder dieses zumindest versuchten.

Nein, Punk hat die Menschheit nicht von der Anbetung des Mammon befreit. Aber die großen alten Punk-Rocker von Scream (berühmt geworden durch das Independent Label Dischord Records) wollen das nicht hinnehmen und versuchen es einfach weiter, versuchen es wieder und das nach fast 20 Jahren. Die neue Scheibe (nur auf Vinyl erhältlich) Complete Control Sessions war nach der unerwarteten Reunion eine erfreuliche Überraschung. Mit dem differenzierten, teils ganz neuen und doch brachial punkigen Sound überzeugt die Scheibe und begeistert die Fans. Die alten Platten sind im Zuge der Neuveröffentlichung praktisch ausverkauft. Das nenne ich eine Wiederauferstehung!

Nun gehen die Brüder Pete (Vocals) und Franz (Lead-Guitar) Stahl mit Bassist Skeeter Thompson und Drummer Kent Stax (also in der Gründungsformation) auf große Europa-Tournee. Heute machen sie in Stuttgart im Schocken Station. Mit an Bord, ein Neuer: Gitarren Virtuose Clint Walsh (der den zeitweiligen Gittaristen Robert Lee Davidson ersetzt).

Manche Fans werden Dave Grohl von den Foo Fighters vermissen. Grohl war bei Scream am Schlagzeug (als sich Stax eine Auszeit nahm) und hatte die Band stark beeinflusst. Aber ein bisschen scheint sein Geist Scream weiter zu begleiten, das neue Album wurde in seinem Studio 606 aufgenommen. Irgendwie scheint die Band mit der Vergangenheit ihren Frieden gemacht zu haben.

Und wenn eine Band ihrem Namen alle Ehre macht, dann Scream. So schreit sich Pete gleich zu Beginn die Seele aus dem Leib und ist nach zwei Songs schweißgebadet. Die Geräuschlawine aus verzerrten Gitarren und ohrenbetäubendem Schlagzeug-Gedonner zieht einen in ihren Bann. Bei Scream wird Anarchie musikalisch durch-dekliniert. „Keep the spirit up!“ wird ins Publikum gegrölt und die Menge antwortet mit kollektivem Head-Banging. Pete geht dabei ganz direkt auf die Leute zu, springt von der Bühne, schreit einem ins Gesicht und treibt mit rudernden Armbewegungen die Menge näher an die Bühne. Entkommen? Zu spät! Aus der Erfahrung nicht!

This side up! (vom zweiten, gleichnamigen Album der Band) gibt einem das Gefühl, dass das Schocken gleich abhebt, weil für all die extremen Emotionen einfach nicht genug Raum zu sein scheint. Pete verbiegt seinen Leib, seine Halsschlagadern pochen. Sich festklammernd am Gerüstbalken, hört er nicht auf himmelwärts zu schreien: What can we do? Begleitet von Gitarrensoli der Verzweiflung. Neue Nummern wie Stopwatch gehen durch Mark und Bein. No Money – Feel like that lässt die Band mit den Fans verschmelzen.

Zwischen Wut und Hass kommt immer wieder ein trauriges Wehklagen zum tragen. Reggae und Blues schimmern da deutlich hervor. Besonders bei dem Song für den am gestrigen Tage verstorbenen Don Cornelius (einer US-Musiklegende, die vielen farbigen Musikern zum Durchbruch verhalf). Cornelius hat den Freitod gewählt. Scream verbeugt sich mit einem Song. Pete: “For the guy who is now somewhere out there.” Punk ist halt immer auch hart am Tod gebaut.

Da wird dann Hardcore plötzlich zur tiefschürfenden Suche nach dem Sinn des Seins. Gerade weil so einfach brutal und gnadenlos laut. Scream schreit einem die Ursuche nach dem eigenen Weg, dem Streben nach einem besseren Sein, jenseits der vorgezeichneten Bahnen, erbarmungslos grausam ins Bewusstsein zurück. Die Vergänglichkeit und Sinnlosigkeit eines marktkonform herunter gelebten Lebens, wird da mit Akkord-Trommelfeuern offen gelegt. Was bleibt, ist der Kampf dagegen. Was bleibt, ist der nie enden wollende Schrei.

I have sailed the World, beheld its wonders,
From the Dardanelles,
To the mountains of Peru,
But there´s no place like London!
(Sweeney Todd)

Es ist Freitagabend. Ein süßlicher, verruchter Duft liegt über der Camden High Street und dringt durch die Eiseskälte in unsere Nasen. Wir sind nicht in einem der Nobel-Viertels in London. Nein, wir befinden uns in Camden. Hier herrscht der Rock´n Roll. An allen Ecken sieht man junge und alternde Punks, Jungs in engen, zerrissenen Jeans mit verschmiertem Make-up und auftoupierten Haaren; Mädchen, die weniger Stoff an sich haben als die Queen an ihren Händen. Sie wäre sicherlich „not amused“. Hier stört das Niemanden. Man freut sich gemeinsam mit Bier, Weed und schmutzigen Witzen auf ein tolles Konzert.

Wednesday 13, der schon Anfang des Jahres mit Joey Jordison und den Murderdolls London unsicher gemacht hat, lädt zum Abschluss seiner „Something wicked this way comes“ UK-Tour in den berühmt berüchtigten Electric Ballroom ein. Mit im Gepäck hat er niemand geringeren, als die finnische Sleaze und Glam-Ikone Michael Monroe. Bekannt als Frontmann Hanoi Rocks´, begibt dieser sich nun nach deren Auflösung solo auf die Jagd. Mütter schließt eure Töchter ein, die Teufel sind in der Stadt.

Überpünktlich betreten Crashdiet aus Schweden die komplett in Nebel getauchte Bühne, um die beinahe erfrorene Masse im ausverkauften Ballroom auf Temperatur zu bringen. Mit ihrem neuen Sänger Simon Cruz, der den leider schon jungen tragisch verstorbenen Dave Lepard ersetzt, starten sie ihr Set mit dem Adept-Cover „Riot in Everyone“. Sowohl musikalisch als auch optisch passen sie perfekt in das heutige Line-up und erhalten verdienter Maßen auch eine überaus positive Resonanz. Schmutzige Punk-Riffs treffen hier auf den typisch schwedisch melodie-lastigen Metal-Sound, der es mit KISS in einem Hinterhof treibt.
Nur 30 Minuten dürfen die Skandinavier die Menge bearbeiten, nutzen diese aber mehr als genug um mit Songs wie „Generation Wild“ oder „Breaking the Chainz“ die sehr an Faster Pussycat und Mötley Crüe erinnern, sicherlich mehr als nur einen neuen Fan heute Abend für sich zu gewinnen. Ja, Glam-Rock ist wieder am kommen. Ass tight!

Hat man nun in Deutschland die Gelegenheit sich in der Umbaupause ein Bier zu holen, so arbeitet man hier in London wohl etwas schneller. Binnen 10 Minuten wurde das eine Set ab – und das nächste aufgebaut. Kein Bier. Sehnsüchtig wird Michael Monroe erwartet. In der Menge tauchen mehr und mehr blond auftoupierte Jungen und Mädchen auf, man kann im abgedunkelten Licht nicht mehr erkennen, wer nun welchem Geschlecht angehört. Die 80er lassen grüssen.

Pünktlich wie die morgendliche Wachablösung am Buckingham Palace gehen die Lichter wieder aus. Mr Monroe betritt die Bühne. Mehr Kajal und Haarspray hat sicherlich auch Nikki Sixx in seiner Blütezeit nicht auflegen können. Das wird was Großes!
Los legen die Finnen mit ihrem Opener „Trick of the Wrist“. Die Menge ist nicht mehr zu halten und so lässt es sich Monroe auch nicht nehmen, ein ordentliches Bad darin zu nehmen und lässt jeden in der ersten Reihe mal ins Mikro grölen. Zwischendurch greift er immer wieder zum Saxophon, sehr abwechslungsreich und unterhaltsam das Ganze. Mehr und mehr kristallisiert sich für mich heraus, Monroe ist das Musterbeispiel eines Frontmanns. Keine Sekunde verliert er die Aufmerksamkeit des Publikums. Natürlich lässt er sich mehr feiern als eigentlich nötig, aber bei so einer Show ist das ja auch mit inbegriffen. Jetzt spielt er auch noch Mundharmonika! „Modern Day Miracle“, “Nothin´s allright”, “Back to Mystery City”, die Fans kennen alles, sie lieben es. Mittlerweile stellt sich mir die Frage ob nicht doch mehr Leute Monroes’ wegen hier sind. Ein wirklich total sympathischer, authentischer Kerl, der sich auf der Bühne für nichts zu schade ist, was auch für den Rest der Band gilt.
Als die letzten Töne von “Malibu Beach Nightmare” verklingen, fordert die Menge lautstark nach mehr. Die Roadies sind bereits am abbauen, da betritt die Band nochmals, mit Sicherheit spontan, da schon 3 Becken am Schlagzeug fehlen, die Bühne, um die Gier mit ihrem Hit „ Dead, Jail or Rock´n Roll“ zu stillen. Danach ist dann wirklich Schluss. Man kann jetzt schon sagen, das wird schwer für Wednesday 13, diesen Auftritt noch zu toppen.

Es wird Zeit für die Gruselstunde. Solange darf Wednesday 13 auf der Bühne sein Unwesen treiben und über seine liebsten Horrorfilme und Kindheits-Erinnerungen zu singen.

Es braucht nicht viel, um die Stimmung weiter aufzuheizen. Man sollte einfach sein Gehirn an der Garderobe abgeben, nicht allzu hohe Ansprüche an Text und Songstruktur stellen und schon kann es losgehen. Die Lichter erlöschen und das Intro „Blood Fades to Black“ vom neuen Album „ Calling all Corpses“ erklingt. Bereits als die Band die Bühne betritt, stellt man fest, dass Wednesday das trashige redneck Auftreten abgelegt hat. Zerissene Hosen und Shirts mit Zombie-Aufdrucken, oder sogar kitschige Oma-Kleidchen zu Zeiten seiner Jugendband, den „Frankenstein Drag Queens from Planet 13“, mussten sauberen schwarzen Jeans und Hemden weichen. Man wird eben doch irgendwann erwachsen. Nichtsdestotrotz rocken die 5 Ghouls aus Kalifornien mit dem Album gleichen Songtitel „Calling all Corpses“ nach vorne. Camden tanzt. Bei „ I walked with a Zombie“ besingt Wednesday 13 eine untote Geliebte, das Publikum tut es ihm im Refrain gleich. Das ist simpel, eingängig und macht trotzdem jede Menge Spaß. So zieht es sich auch immer weiter durch das gesamte Set. Auch Wednesday möchte immer wieder vom Publikum beklatscht und bejubelt werden, so impulsiv wie bei Michael Monroe fällt dies allerdings nicht aus. Es fällt auch auf, dass nur Wednesday auf der Bühne in Bewegung ist. Der Rest der Band spielt das Set eher emotionslos herunter.

Es wird einen Gang härter. Mit „Scream Baby Scream“ des „Skeleton“ Albums wagt man sich nun eher in den Metal-Bereich vor, was vom Publikum sehr wohlwollend aufgenommen wird, immer wieder unter den Anfeuerungen Wednesdays. Dieser wechselt alle 2 Lieder immer mal wieder das Outfit, mal mit Cowboy Hut oder Schirmmütze. Mit der Homage „ I wanna be cremated“ an den Ramones-Klassiker „ I wanna be sedated“ feiert Wednesday einen weiteren Mitgröhl-Song mit dem begeisterten Publikum, welches wohl innerhalb der letzten 2 Monate das komplette neue Album auswendig gelernt haben muss. „Happily ever Cadaver“, „Rambo“, „Till Death do us Party“, all die eingängigen Ohrwurm-Hits, die ein Wednesday 13 Konzert braucht, die ein Wednesday 13 Konzert ausmachen, werden dem Publikum serviert. Oft sind es die einfachen, unkomplizierten Dinge, um Menschen zu begeistern. Egal wohin man im Ballroom blickt, man sieht Freunde zusammen lachen, man singt jeden Song Arm in Arm mit. Da stört es auch nicht, dass Wednesday das Konzert nicht mit dem von allen Seiten lauthals verlangten „I love to say Fuck“ abrundet, sondern mit der neuen, gleichwertigen Rausschmeisser-Hymne „Something wicked this way comes“.

Um Punkt 21.45 gehen die Lichter im Electric Ballroom wieder an. Recht ungewohnt, aber andere Länder, andere Sitten. Nur eines bleibt das gleiche, der Spaß den man zusammen auch an den einfachen, unkomplizierten Dingen haben kann. Seien es auch nur Songs mit 3 Akkorden. Und nun wieder hinaus in die kalte, sündige Nacht Camdens.

Wir müssen gefährlich sein!

Crashdiet

Michael Monroe

Wednesday 13

Als ich gestern Leonies Artikel gelesen habe, spürte ich ein wenig dem Eingangszitat nach und fand diesen Artikel, in welchem die nicht ganz neue Parabel von den drei Blinden erzählte wird, die einen Elefanten beschreiben sollen, den sie nur ertasten können: Der erste betastet den Rüssel und beschreibt das Tier als Schlange, der zweite, am Schwanz, hält ihn einem Seil für ähnlicher, während der dritte – er steht an einem der Beine – ihn mit einem Baum vergleicht.

Etwa so kommt man sich vor, wenn man die Melvins erfassen möchte – und zwar auch, wenn man alle fünf Sinne beieinander hat. Der Elefant, den ich da sehe und höre, ist fünfeckig, janusköpfig, neunarmig und muss von der Tarantel gestochen sein, denn er trampelt manisch umher und zerdeppert das ganze Porzellan.

Macht aber nichts, denn es war wahrscheinlich ohnehin zu schön, zu wohlgeformt, zu gefällig, zu Standard, um mit dieser Art von Elefant in einen Raum zu passen. Und während es noch so scheppert, entsteht eine Trash-Ikone, ein Berg der Bedeutungslosigkeit – genauso, nur anders wie in diesem Jugendbuch. Für viele der Anwesenden ist sie offensichtlich Gegenstand der Anbetung. Vor allem aber trifft sie stilsicher eine Ästhetik des Abseitigen, Absonderlichen, Grotesken. Man muss sich ja nur mal die Albumcover ansehen. Sie stellen größtenteils – mit Ausnahme vor allem der „Trilogy“ bestehend aus „Maggot“, „Bootlicker“ und „Crybaby“ – irgendwelche Abfallprodukte der Mainstream-Kultur zur Schau: vom Poesiealbumbildchen über die Kitsch-Tapete bis zu Cowboy und Indianer. Wer sonst würde eine LP-Box in Form einer Pizza-Schachtel veröffentlichen? Perfekt!

Und weil sich diese Abkehr vom Gefälligen, Gewöhnlichen und allgemein Akzeptierten auch auf die Musik erstreckt, sind sie im Schoße von u. a. Mike Pattons nach der Brechpflanze benannten Plattenfirma Ipecac Recordings auch hervorragend aufgehoben, haben die es sich doch gerade zur Aufgabe gemacht, das musikalisch Grenzgängerische zu veröffentlichen. Dafür stehen Signings wie Fântomas oder Bohren und der Club of Gore, die uns am 23. November im Schocken beehren, oder eben die Melvins.

Das hat auch alles seine Richtigkeit, sonst hätten wir nicht die Möglichkeit der kreativen Freiheit von Musikern wie Buzz Osborne zu lauschen, der – äußerlich nicht minder frei – im schwarzen Cordsamtkleid, dessen Passe ein buntes, verdächtig nach Kinderschlafanzug aussehendes Pferdchenmuster zeigt, mit seinen eng bei einander stehenden Füßen und den breiten Schultern irgendwie aussieht wie ein auf der Spitze stehendes Dreieck, inklusive – von wegen der weißen Mähne – einem Püschel oben. Dazu trägt er Schal und eine durchsichtige Gitarre mit Aluminium-Griffbrett. Passt alles nicht zusammen? Na eben. Darum geht es. So wie in der Musik. Und warum sich Schranken auferlegen? Nur so herum wird kein Schuh draus, sondern eine der einflussreichsten Bands im, äh, Rock-Underground – das mit der Etikettierung funktioniert hier nämlich nicht so richtig, denn die Melvins-Maschine wird vorne mit Punk und Hardcore gefüttert, während hinten fünfeckige Würfel herauspurzeln, die von anderen Bands zu Grunge, Stoner, Sludge – als dessen Erfinder die Melvins gelten – et cetera weiterverarbeitet werden oder wieder in die Ausgangsmaterialien eingehen. Wie sollte man das Erzeugnis also nennen? Glücklicherweise brauchen wir kein anderes Label als eben „Melvins“.

Sie spielen 19 Stücke von ihren 18 Alben. Die ältesten: „It’s Shoved“ und „Ligature“ von „Bullhead“ (1991). Sieben der Stücke sind von den letzten drei Platten. Insgesamt wohl eine gute Mischung. Da ist alles dabei, von den punkigeren zu den sludgeigeren zu den metallischeren Enden des Schaffens. Buzz hat oben auf die Orange-4 x 12“ einen Ventilator gestellt. Der pustet mir den kratzig scharfen Gitarren Sound über die zwei Meter Luftlinie nochmal verstärkt um die Ohren. Ja, ich weiß: Das ist musiktechnischer Quatsch, was ich das schreibe. Kein Quatsch ist, dass die drei Mikrophone zur Abnahme der Gitarre deren Klang entscheidend verdichten. Mehr Wumms! Vielleicht ist das bei Jared Warrens Bass auf der anderen Seite genauso – ich kann das nicht sehen –, jedenfalls würde das erklären, warum an den wenigen ruhigen Stellen der mächtige Sustain des Viersaiters die Bierflaschen auf den Tieftönern links und rechts hörbar mitscheppern lässt, unterbrochen nur durch das gelegentliche Klirren, wenn eine herunterfällt.

Aber der Bass steht nur selten so im Vordergrund wie beim letzten Stück „Shevil“. Den meisten Krach macht sonst sicherlich die Gitarre, egal ob Buzz im ersten Stück bei 180 bpm mit dem Mittelfinger auf eine Saite eintrommelt, ob er drauf los schreddert oder komplexere Riffs runterzockt, ob er mal kontrolliertere, meist anarchischere Soli spielt. Melodien braucht es da nicht. Man hat ja auch zwei Schlagzeuger. Das gibt ein wenig die Richtung vor: vertrackt, rhythmisch, mit vielen Breaks. Daran sparen die Melvins sowieso nicht: Nur nichts Gewöhnliches bringen. Und das Publikum dankt es. Einer der grandiosesten Momente ist wohl, als es bei „The Water Glass“ vom neuen Album „The Bride Screamed Murder“ den Beweis antritt, dass es selbst die irrwitzigsten Gesangsfolgen des Ruf-und-Antwort-Spielchens zwischen Buzz und seinen Mannen mitsingen kann. Und zwar im Timing. Nicht so wie bei dem Dave Gilmour-Konzert, auf dem ich mal war: „Wish You Were Here“ plus/minus zwei Viertel im Takt mitgesungen. Schon peinlich. Hier aber: sauberer Punk-Gospel.

Das Kernelement der Musik bilden aber wohl die zwei Schlagzeuger Dale Crover und Coady Willis. Die haben mich auf jeden Fall am meisten beeindruckt, denn zwei Drummer, die parallel das Gleiche spielen, müssen schon sehr genau auf dem Punkt sein, damit etwas Anderes als Soundbrei dabei heraus kommt. Dieses Handicap haben sie aber noch gesteigert, indem sie über weite Stecken doch recht abgefahrene Fills und mehr noch Rhythmuswechsel einbauen. Dennoch sind sie unglaublich tight. Selbst wenn sie langsam das Tempo verändern. Ich bin baff. Dementsprechend richte ich mein Augenmerk auch über weite Strecken auf die beiden in ihren Phantasieuniformen und kurzen Röckchen. Sie wurden in dem neuen Stop-Motion-Video zu „Electric Flower“ ganz richtig dargestellt: ein Wesen mit zwei Gesichtern. Nur die neun Arme wurden vergessen, denn nicht nur geben sie dem Rhythmus durch synchrones Spiel mehr Druck, sie nutzen auch die Vorteile ihrer größeren Anzahl von Gliedmaßen: Das Ganze ist mehr als seine Teile. Und warum nicht auch den Dubblebass von Füßen spielen lassen, die nicht weiter oben zusammengewachsen sind?

Da schlackern mir nachher die Ohren. Pausen werden ja keine gemacht. Wer braucht schon Applaus? Das Publikum weiß ohnehin nicht, wie ihm geschehen ist. Auch Ansagen gibt’s keine. Das macht wohl nur, wer es nötig hat, dem Publikum zu gefallen. Und so geht Buzz mitten im letzten Song von der Bühne. Und genauso kommentarlos die anderen. Und Schluss. Wow!

“Ich hab’ hier schon richtig gute Bands gesehen, bei denen gerade mal eine Hand voll Leute vor der Bühne stand. Und die haben nicht mal die Hälfte gekostet”, staunt mein Begleiter kopfschüttelnd, als er sich im relativ vollen Zwölfzehn umschaut. “Ich weiß gar nicht mehr, warum wir überhaupt hier sind”, wundert er sich kurz darauf über sich selbst. Vor allem der stattliche Eintrittspreis bereitet ihm sichtlich Magenschmerzen. Hat er nicht ganz Unrecht, denn die Comedy-Stunt-Bartrick-Show von Jackass-Oberfreak Steve-O kostet immerhin rund 30 Euro. Und was einen heute erwartet, weiß eigentlich auch keiner so genau. Hat man nicht eigentlich auch alles schon mal gesehen? Wird er sich seinen Hodensack diesmal ans Ohrläppchen tackern? Wird er im Strahl ins Publikum kotzen? Wird er irgendwen mit runtergelassener Hose bespringen? Wir werden sehen. Die Stimmung im durchaus jugendlichen Publikum, das den Auftritt der Blödelikone mit Steve-O-Sprechchören vehement fordert, scheint jedenfalls bestens sein.

Pünktlich um neun Uhr ist es dann soweit: unter dem Applaus seiner Fans betritt Steve-O die Bühne. Und mir fällt auch gleich wieder einer der Gründe ein, warum ich hier bin. Der Typ sieht einfach so sympathisch durch den Wind aus, den muss man einfach liebhaben. Da sorgt nicht mal sein Auftritt bei Germany’s Next Top Model für einen Punktabzug in der B-Note. Mit seinem typischen breiten Grinsen begrüßt er das Publikum und lässt mit seiner ersten Frage in die Runde erahnen, wohin die Reise heute Abend gehen wird: “What has four thumbs and fucking loves blowjobs?” Während ich noch krampfhaft überlege, was das denn nun sein kann, zieht Steve-O sein Shirt aus und präsentiert seinen tätowierten Rücken. Für die, die das Meisterwerk noch nicht kennen: es zeigt ihn selbst mit erhobenen Daumen und dem Spruch “Yeah Dude, I rock!”. Für alle Spätzünder löst er das Rätsel dann auf: “I have four thumbs and I fucking love blowjobs.” Das Publikum johlt und ich mit. Muss ja nicht immer subtiler, intellektueller Humor sein. Schon gar nicht, wenn man ein paar Bier intus hat. Außerdem steckt die Stimmung an.

Steve-O erzählt noch ein bisschen darüber, dass er seit mehr als drei Jahren keinen Tropfen Alkohol zu sich nimmt und schon gar keine anderen Drogen mehr. Sogar vegan will er nun leben. “I do healthy shit now”, freut er sich. Dabei sieht er gar nicht mal so gesund aus, aber das sind wohl nur die Spuren eines schnellen Lebens. Er plaudert ein wenig über Jackass, Johnny Knoxville und darüber, wie unglaublich er es findet, mit dem Mist, den er macht, auch noch berühmt geworden zu sein. Das ließe Rückschlüsse auf die Gesellschaft zu. Von einer Downward Spiral spricht er, womit er wohl nicht ganz Unrecht hat.

Recht schnell findet er dann aber auch wieder die Kurve zum eigentlichen Thema des Abends: Blowjobs, Groupies, seinem Penis und der dazugehörigen Spermaflugbahn. Und das ist anfangs auch wirklich lustig. Beispielsweise die Zote, als er den Penis eines Kumpels geküsst hat. Schwul sei das nicht gewesen, weil er erstens nur die Eichel geküsst hat, zweitens keinen Augenkontakt dabei hatte und drittens in Russland war. Alles in allem also rein platonisch. Das Publikum ist begeistert und lacht sich auch schlapp als er in die Runde fragt, zu welchen Internet-Porno-Seiten seine männlichen Fans am häufigsten onanieren, erzählt wie ihm eine Transe einen geblasen hat und nicht vergisst zu erwähnen, wie unglaublich schnell er beim Sex kommt. Seinen Groupies sei das egal, er sei ja schließlich berühmt. Schon ein lustiger Typ dieser Steve-O, aber langsam beginne ich mich doch zu fragen ob er heute noch mehr auf der Pfanne hat als diese Kanonade von versauten Schenkelklopfern.

Und tatsächlich, jetzt scheint doch noch der spektakuläre Part der Show zu beginnen. Ich bin auf Bahnbrechendes vorbereitet. Okay, die Messer-auf-dem-Gesicht-Balancier-Nummer war sicher nur zum Warmwerden. Denn jetzt zerschlägt Steve-O eine Glühbirne und beteuert folgenden Stunt nur zu machen, weil er sein deutsches Publikum so liebt. Ja ja, okay, sei’s drum. Ich frage mich was für eine Sauerei er mit den Scherben machen will. Ah okay, die Zunge aufschneiden… einmal längs, einmal quer, nochmal längs, nochmal quer… mit dem Blut malt er sich dann in bester Braveheart-Manier  das Gesicht an. Hmm, lustig ist das nicht, spektakulär auch nicht unbedingt, tut halt weh nehme ich an. Irgendwem im Publikum sackt beim Anblick des blutverschmierten Grinsegesichts dann noch kurz der Kreislauf weg. Hätte lieber mal live gesehen, wie er Raketen aus seinem Arsch abfeuert oder irgendwas in der Richtung. Ordentlich Applaus kriegt er trotzdem.

Jetzt noch kurz der angekündigte Bartrick, der einem Freigetränke in jeder Bar verschaffen soll. Alles was es dazu braucht, ist ein Depp, der mit einem wettet, dass man es nicht schafft, ein Glas, das auf dem eigenen Kopf steht, leer zu trinken ohne dabei die Hände zu benutzen. Steve-O setzt sich also den Becher auf die Ömme, geht langsam in die Knie, legt sich vorsichtig über einen Tisch und… dann kann ich ihn wegen der Leute vor mir nicht mehr sehen. Sicher akrobatisch was der ehemalige Student eines Clown Colleges da vorführt. Aber so richtig jucken tut’s mich nicht. Bin eh nicht so der Turnertyp. Die Chancen stehen also schlecht, dass ich genau jetzt in diesem Augenblick meine große Chance verpasse, mich in Zukunft jederzeit und überall für umme besaufen zu können. Und dann ist es auch schon rum. Ein Blick auf die Uhr sagt mir, das der Auftritt gerade mal eine Stunde gedauert hat. Puh, was soll man da sagen. Für zehn Euro wäre es sicher nett gewesen, aber für einen Preis, für den sich andere Komiker oder gestandene Bands schon mal zwei Stunden den Arsch wund spielen, war das irgendwie ein wenig mau. Aber so ist das wohl mit Popstars: die werden oft nach Bekanntheitsgrad bezahlt. Und Steve-O hat ja erwähnt, wie schnell bei ihm alles vorbei ist.

Im einem Paralleluniversum hätte Art Brut vielleicht einen Sänger gehabt, der diesen Namen verdient. Dann hätte das Debüt bestimmt wie eine Bombe eingeschlagen. Danach wären die bemitleidenswerten, imaginären Art Brut dieses Paralleluniversums aber genauso in den ewigen Indiejagdgründen verschwunden und vergessen worden wie ihre Leidensgenossen von The…äh…The…The Dings.

So aber, mit dem mal rezitierenden, mal dozierdenden, leicht aufgedunsenen Dandy Eddie Argos an der Spitze, der alles außer singen tut, hat das Debütwerk “Bang Bang Rock’n'Roll” damals nur so halb eingeschlagen, Art Brut wurden nicht ganz in den Indie-Himmel katapultiert, um dort mit Hurra an der Betonwand aka zweites Album zu zermatschen, und haben sich seither eine so solide Fanbase erspielt, dass das furchtbar heiße Schocken auch an einem Montagabend aus allen Nähten platzt.

Warum Eddie Argos nicht singt? Weil er es erstens nicht kann, das aber, zweitens und viel wichtiger, im Gegensatz zu anderen auch eingesehen hat und es deshalb konsequent lässt. Das ist sowieso fast das beste an Art Brut: Die Musik ist schon okay, guter Indierock mit bisschen Punk-Gewürz, kann man nichts sagen. Aber diese ständigen Kommentare über die eigene Mittelmäßigkeit, das ist schon eine mutige Sache im Dicke-Eier-Rock-Business, wo es nicht selten darauf ankommt, die eigenen Werke ernsthaft und mit einer ordentlichen Portion Leid und Pathos im Hundeblick vorzutragen, um damit den schweren Prozess des künstlerischen Schaffens zu unterstreichen: Kunst ists nur, wenns weh getan hat, das Notenblatt mit Blut und Tränen getränkt. Alltagstaugliche Metapher: Kunst ist ein Toilettengang mit Verstopfung, Chart-Pop ist Durchfall.

Los geht’s mit Formed a band, dem Opener des ersten Albums, dann sofort My Little Brother mit der Liedzeile “Oh why don’t our parents worry about us?”, zu der es den ersten Exkurs gibt. Argos erläutert, dass sein kleiner Bruder mittlerweile 29 und Lehrer ist, er selber, Argos, sei nun Objekt der Sorge seiner Eltern, obwohl er schon 32 sei. Das Rezept to make your parents worry about you: “First, start a band. Second, release four albums, of which only the first one is known.” Freut sich über die gelungene Referenz an sich selbst, eine Seilspring-Einlage mit dem Mikrokabel. Und so geht es weiter: Die Lieder werden bis zur Bridge durchgespielt, die Band verharrt im Hintergrundmodus und lacht sich scheckig  über das, was Argos vorne minutenlang erläutert, erklärt, improvisiert, an Parolen rauslässt.

Art Brut wissen, dass sie musikalisch nichts neu erfunden haben. Aber sie wissen auch, dass poppiger Indiepunk das, allein von seinen Zutaten her, auch gar nicht wirklich zulässt, sondern eine riesige Spielwiese für eine Menge Spaß sein kann, wenn man sich selbst nicht so ernst nimmt. Emily Kane über die erste Liebe, Sealand über Sealand, TOTP über die eigene Eignung für TOTP: Eine spaßige Lesung mit musikalischer Untermalung, könnte man auch sagen. Ohne Sprecher Eddie Argos wäre es niemals so weit gekommen.

Der Samstag ist beim Klangbadfestival immer der große Publikumstag. Abends sind auf dem Platz, der einst für die Lagerung von Holz genutzt wurde, geschätzte 2000 Besucher – vielleicht auch mehr und es ist nahezu trocken. Tagsüber allerdings tröpfeln eher die Musikspezialisten zu den Konzerten. Zum Beispiel zum Gig der Trembling Bells, denen man nachsagt, dass sie den Folkrock-Faden fortspinnen, der die legendären „Fairport Convention“ einst zum Erfolg führte. Hörer des frühnachmittaglichen Konzerts kommen ins Schwärmen, beklagen allerdings Soundprobleme.

Mit Moebius + Tietchens verzaubern dann im Zelt zwei Altmeister der elektronischen Musik, die sich nie dem Erfolg um jeden Preis verschrieben haben. Nix da mit Anpassung. Moebius, seit Jahren ein Freund des Klangbads und Weggefährte des Machers Hans Jochen Irmler, kennt man unter anderem von Cluster. Asmus Tietchens ist Noise-Avantgardist und elektro-akustischer Vorreiter. Ambient, elektronische Klangflächen, gefilterte und zur Komplexität verdichtete Sounds kommen hier zusammen. Und dann ist da noch die Moskauer Elektro-Rockband T.Bird, die ihren Space-Rock schon vor recht großem Publikum zelebrieren kann. Treibende Drumbeats und pulsierende Bässe, Gewerkele an verschiedenen Synthie-Kisten und Effekten. Krautrock-Feeling made in Russia. Da gibt’s Zugabenrufe und im Publikum wird eine Seifenblasen-Maschine angeworfen.

Im Zelt wird das musikalische Gemisch mit den aus Birmingham angereisten Micronormous noch bunter. Vor der etwas unsortiert wirkenden Bilderwelt, die Pram-Filmemacher Scott Johnston (Film Ficciones) an die Wand wirft, entwickelt
Matt Eaton, Gitarrist der Band Pram, eine ganz eigenwillige Klangwelt. Elektronische Frickelei, Pop, reichlich bearbeitete globale Folklore aus dem Laptop, Jazz-Big-Band-Feeling – da kommt einiges zusammen, Höhen und Tiefen inklusive. Kalter Kaffee und skurriles Wagnis liegen sehr nahe zusammen. Die in Scheer unvermeidliche Melodika kommt zum Einsatz. Hier arbeiten gebeugte Männer im Heimkino. Im überfüllten Zelt ist die Begeisterung groß.

Die Goldenen Zitronen standen bereits länger auf dem Wunschzettel der Klangbad-Füller. Nun waren sie also da, die Grundsteinleger der Hamburger Schule, die sich 1984 auf den Weg machten, um mit Punk den Schlagerkarren bewusst in den Dreck zu fahren und mit witzigem, leicht abgedrehten Text-Drive die deutsche Wohlstandsrealität anzupissen. In bizarren, handgeschneiderten Kaftans und Flügelklamotten machen sie wahr, was Sänger und Rezitator Schorsch Kamerun bereits beim Soundcheck mit einer „warmen Stimme mit einem schützenden Klang“ ankündigt: „Hier wird gearbeitet auf der Bühne – ein Gegenwert.“

Auf ihren jüngsten Scheiben bewegten sich die Hamburger in Richtung Elektro-Beats, verquastem Hiphop und Klangexperiment, ohne dabei ihren politischen Krawall-Auftrag zu vergessen. In Scheer setzten sie live mehr auf den bewährten Rumpelsound früherer Jahre. Klare Sache, die Herren wollten bei diesem Familienausflug in den Süden an erster Stelle Spaß haben, lassen sich vom Publikum schon mal das eine oder andere Schnäpschen aus dem Flachmann einschenken und geben in Sachen Punk und Co dafür auch eine ordentliche Lokalrunde aus. Die einst so radikal wirkenden Stücke sind heute bisweilen eher ein nostalgischer Spaß, andere kratzen noch immer am Lack der Gegenwart. „Die Menschen sind ehrlich und somit sind sie gefährlich“, stellen sie fest und fühlen sich in einen Turnschuh hinein, checken die Notbeleuchtung, verstricken sich in „Widersprüche“ und feieren sich selbst: „Ein toller Erfolg.“ Bereits nach 50 Minuten und andauernder Instrumenten-Rochade gehen sie von der Bühne ab. Das Publikum will mehr, und Schorsch Kamerun widmet den Applaus den USA: „Die heißen ab heute USB. Wie eine Schweizer Bank, die auch ihre Probleme hat.“ Kompagnon Ted Gaier kritisiert zwar diese US-Kritik, doch Kamerun kontert, er betrachte die Situation rein ökonomisch und gebe sein Rating ab. Der Songsatz zur Ansage: „Menschen haben keine Ahnung.“ Und da das so ist, muss im letzten Lied die nackte Wahrheit in die Nacht geplärrt werden. Mit „Angst und Bange am Stück“ für ein geschocktes Klangbad und dem definitiven Kantinen-Kernsatz: „Es gibt keine einzige Mahlzeit, die keinen Preis hat.“

Um Mitternacht treten dann noch Wire auf, denn beim Klangbadfestival wird auch fast vergessenen Bands eine Bühne bereitet. In diesem Fall ist es diese aus London stammende Band, der nachgesagt wird, sie habe den Postpunk kreiert, als es diesen noch gar nicht gab. Heute nennt man so etwas Alternative oder einfach nur Rock. Gitarrist Colin Newman und Bassist Graham Lewis, die abwechselnd und gemeinsam singen, sind seit dem Start im Oktober 1976 dabei. In all den Jahren bewegte man sich vom Punk in Richtung komplexerer Rockmusik, baute auf „Chairs Missing” Synthesizer in die Songs mit ein, um sich dann mit viel Spiellust und -wut auch Drumcomputern und elektronischem Kram zuzuwenden. Über die Jahre wurde aus Wire sogar Wir. In Scheer waren’s dann nicht Wi, sondern wieder Wire.

Kantige Rockriffs, mit Effekten aufgepimpte Gitarren- und Basssounds, relative durchsichtige Songstrukturen – Wire sind verglichen mit den Zitronen sicherlich nicht der Headliner des Abends. Das klingt bemüht, bisweilen auch anachronistisch. Darüber können auch die in großer Stückzahl aus der blauen Ikea-Tasche geholten Effekt-Tretminen nicht hinwegtäuschen. Besonders die Stimmen der beiden Ur-Mitglieder haben über die Jahre hörbar gelitten, und die Band versteht es leider viel zu selten, die vokalistische Brüchigkeit gewinnbringend einzusetzen. Dann klingt es ein wenig nach David Byrne in Rock. Aber naja. So darf dieser Auftritt eher unter der Rubrik gelebte Pop-Geschichte eingeordnet werden. Man ist dabei gewesen. Für einen größeren Nachhall sorgten die meisten Songs nicht.

Schon im gelben Blitz den Berg hinauf kann man sehen, wer heute hier spielen wird. Es wird Guinnes aus der Dose getrunken, der eine oder die andere hat brav das Bandshirt angezogen, die anderen tragen Grün oder was mit dem Totenkopf dieser norddeutschen Klamottenmarke. Der Rest ist in praktisches Räuberzivil gewandet. Ganz stilecht fällt eine Truppe aus Mühlheim auf. Das dreckige Dutzend hat sich wohl im letzten Fasching den Fluch der Karibik zum Motto genommen und trägt die Gewänder heut wieder auf. Schaut lustig aus und die haben Spaß.

Mit einem kalten Bier im Pfandbecher setze ich mich an die Seite und harre der Dinge die da kommen werden. Als wir mitbekommen, dass die Band im Backstagebereich eincheckt kommt im weiten Rund Stimmung auf. Shane MacGowan konzentriert sich hinter seiner Sonnenbrille und schafft den Abstieg mühelos. „Wasser ist zum Waschen da.“ Dass der Mann eher selten Tee trinkt, ist Allgemeinwissen und dafür wird er ja auch schliesslich geliebt. Zwanzig Minuten später betritt die Band die Bühne und legt los. Die sieben Herren sind famos aufeinander eingespielt und bieten Folk-Punk vom Feinsten und das genau ist es was alle hier wollen. Innovation ist woanders, hier gibt’s Popgeschichte. Shane hat ein nettes Bistrotischchen neben dem Mikro, da stellt er seine zwei Gin Tonics ab und nach einer unverständlichen Ansage singt er wacker mit. Das geht gut und obwohl er nach jedem Song nachlädt wird sein Gesang nicht schlechter, im Gegenteil. Eigentlich hält er sich nur durch Singen und Rauchen vom Trinken ab. Natürlich hat das Leben äußerlich seine Spuren hinterlassen, ein bisschen zugelegt hat er auch, aber insgesamt ist er mit seinen 54 Jahren halbwegs gut in Schuss. Frau Winehouse sollte den Mann mal anrufen und sich Nachhilfe im Drogenmissbrauchen geben lassen, hier macht das jemand richtig.

Zweimal verschwindet der Chef. Einmal übernimmt der Flötenspieler das Singen, beim zweiten Mal steht ein Instrumentalstück auf der Playlist und da hat der Sänger gattungsgemäß Pause und Zeit für sein heisses Wasser mit einem Schuss Milch hinter der Bühne. Ich bin jetzt keiner, der alle Poguesplatten auswendig kennt, aber die wichtigen Sachen spielen die Jungs: Waltzing, Mathilda, Sunny side of the street, A rainy night in Soho undsoweiter alles dabei Dirty old town natürlich auch. Das Publikum ist sehr angetan, vor der der Bühne wird engstehend gehüpft und gehopft, weiter hinten sieht man den einen oder anderen schwäbischen Michael Flatley mit den Füßen wedeln, alle haben Spaß bei diesem großen Kindegeburtstag vom Altpunkt, zum Irlandreisenden und der Rockabilly in Zivil mit dem Sohnemann im Grundschulalter auf der Schulter ebenso. Nach einer Stunde verschwindet die Band das erste Mal hinter der Bühne, lässt sich aber noch für zwei Zugabenblöcke wieder auf die Bühne locken.

Grandioses Finale und letzter Song ist „Fiesta“ das Lied vom Dorffest in Almeria mit Brandy, Corona, leichten Damen, Makkaroni, crazy Gringos und Eingeborenen mit mächtigen Cochones, halt eine Riesensause mit allem, was das Herz begehrt. Die Truppe gibt nochmal gewaltig Gas und Shane und der Flötist hauen sich mit Pizzablechen auf die Köpfe, dass es beim Zuschauen schon arg weh tut, aber hübsch klingt. Als sie danach als Sieger abrauschen trifft genau das ein, was hinten unten auf dem diesjährige käuflichzu erwerbenden Tourleibchen geschrieben steht:

When the band finished playing
They howled out for more

Schon Tage vor dem Southside habe ich angefangen zu beten. Dafür, dass ich dieses Jahr meine Eintrittskarte finde, dafür dass ich nicht schon wieder beklaut werde (oder die Diebe zumindest auf frischer Tat stellen und brutal bestrafen kann) und dafür, dass wetter.de Recht hat. Die hatten nämlich, im Gegensatz zu wetter.com, einigermaßen passables Wetter vorausgesagt. Eventuell leichte Regenschauer und so. Aber am Arsch, das Wetter – die Sau – hat es schon wieder getan.

Für die Festivalgänger hieß das mal wieder 3 Tage in Schlamm, Regen und Dreck leben. Aber zum Glück ist der Mensch sehr anpassungsfähig. Manchmal wunder ich mich selbst darüber, dass ich unter solch widrigen Umständen Spaß haben kann. Aber ist das Reinlichkeitsempfinden erst mal bis aufs Nötige runtergeschraubt und der Geist betäubt, geht der Rest von ganz allein. Nur sollte man auf gar keinen Fall seine Gummistiefel vergessen. Die sollten genau wie im vergangenen Jahr zum wohl wichtigsten Utensil werden.

17.06.2011

Wir kommen nachmittags gut gelaunt auf dem Parkplatz des Southside an. Das Wetter ist tatsächlich gar nicht schlecht. Schlamm ist nirgends zu sehen. Es wird doch wohl nicht etwa trocken bleiben? Ich schreibe ein paar triumphierende SMS in die Heimat. Etwas voreilig wie sich später rausstellen wird. Bevor man aber wirklich ankommt, steht erst noch die ekelhafte Schlepperei auf dem Programm. Da nimmt man schon keine Fressalien mit, beschränkt seine Alkoholvorräte auf in der Preis-Leistung unschlagbare Spirituosen, mietet sein Zelt so richtig schön dekadent und dennoch – sich vollgepackt und verschwitzt zum Zelt durchkämpfen gehört wohl einfach dazu. Auf halbem Weg kommt mir einer entgegen, schaut auf mein Gepäck und ruft: „Also Du will ich jetzt aber nicht sein“. „Recht hat er“, denke ich. Als er aber näher kommt und ich sein verbeultes, mit Pflastern notdürftig versorgtes Gesicht samt komplett zugeschwollenem lila Auge sehe, bin ich mir da nicht mehr so sicher. Ich glaub, da bin ich doch lieber ich.

Vorbei geht es an den üblichen Extrovertierten. Menschen in Bärenkostümen, mit mäßig lustig-frivolen Schildern ausgestattete Bierdosenkicker, vollgemalte Teenies und so weiter. Mir alles egal, will nur endlich meinen Scheiß abladen. Und dann ist es geschafft, einer der alljährlich schönsten Momente des Southside. Das Zelt erreicht, seinen Krempel verstaut und das erste Bier in der Hand. Jetzt sind wir wirklich da und das Southside 2011 kann beginnen. Und da meine Mitstreiterinnen recht umtriebig sind, geht es schon bald aufs Konzertgelände, obwohl ich mir die erste Band erst für 22.30 Uhr angestrichen habe. Aber warum nicht, noch scheint ja auch die Sonne. Das muss man ausnutzen. Wir hören uns An Horse an. Wirklich nette Musik und auch eine ziemlich sympathische Band. Klingt ein wenig nach Tegan and Sara. Genau das Richtige für den Start. Weiter geht’s mit Boysetsfire und ihrem US-Post-Hardcore. Auch ganz nett. Melodisch rockig, es darf auch mal geshoutet werden.

Mein erstes wirkliches Highlight sind aber The Subways. Bis dahin ist aber noch Zeit, da kann man nochmal zum Zelt zurück und den Tetrapack auffüllen. Um 22.30 Uhr geht’s dann in Königslaune zur grünen Bühne. The Subways halten was ich mir versprochen habe: feiner Indierock einer tollen Band. Nur das Wetter ist mittlerweile umgeschlagen. Es regnet wie bescheuert und auch die ersten Matschsuhler treiben ihr Unwesen. Vor denen muss man sich hüten. Möchte echt nicht wissen, wie es bei denen im Zelt aussieht. Apropos Zelt, da zieht es uns jetzt hin. Denn im roten Konzertzelt ist es erstens trocken und zweitens spielen Bright Eyes. Die wollte ich schon lange mal live sehen und ich muss sagen: Es lohnt sich. Herzschmerz und Melancholie vom Feinsten, was Connor Oberst da von sich gibt. Toller Typ. Danach geht es schnurstracks durch den noch stärker gewordenen Regen zurück zum Zelt. Der ein oder andere Absacker hilft, dass ich gut schlafen kann.

18.06.2011

Der Samstag beginnt in etwa wie der Freitag aufgehört hat – kalt und klamm. Ein Kaffee und ein etwas fades Rührei bessern die Stimmung gleich ganz gewaltig. Kauend beobachten wir einen wirklich völlig verstrahlten Festival-Besucher. Ständig hebt er sich sein belegtes Baguette ans Ohr und redet dabei wirres Zeug. Keine Ahnung, wen er am anderen Ende vermutet. Auch beim öffentlich auf den Boden urinieren, gibt er ein eher unwürdiges Bild ab, legt er doch sein Brötchentelefon direkt vor sich auf den Boden. Ziemlich unschöne Sache das Ganze. Hier scheint ganz eindeutig Chemie am Werk zu sein.

Da meine Festival-Mitstreiterinnen sich wohl irgendwie im Wetter vertan haben müssen, führt unser erster Weg ins nahe gelegene Tuttlingen. Dichte Gummistiefel, Regenjacken und auch ein schicker Leoparden-Regenponcho werden gekauft. Während die Damen shoppen, mache ich ein Nickerchen im warmen und trockenen Auto. Vor lauter Gemütlichkeit unterläuft mir dabei ein riesiger Fehler – ich nutze die sicher um Längen sauberere Kaufhaustoilette nicht. Später werde ich mich dafür verfluchen. Ziemlich unflätig und laut. Denn Dixi-Klos sind etwas, an das ich mich auch nach so vielen Festivals immer noch nicht gewöhnen kann. Ich habe mal erlebt, wie ein paar Spaßvögel eines umgekippt haben. Der Typ, den wir anschließend aus der braunen Hölle befreien mussten, hatte pure Mordlust in den Augen. Hätte fast uns vermöbelt, weil er nicht wusste, wohin mit all dem Hass. Ich bete, dass ich sowas nie erleben muss.

Die erste Band, die ich heute unbedingt sehen will, sind die Blood Red Shoes aus Brighton. Die haben vor einer Weile mal im Schocken gespielt, tolles Konzert war das. Und auch auf dem Southside sind sie wirklich klasse. Was Schlagzeuger und Sänger Steven Ansell und seine bildhübsche  Bandkollegin Laura-Mary Carter spielen, ist gepflegter Indie Rock. Und für nur zwei Leute auf der Bühne geht das ganz gut in die Beine. Auch das Wetter zeigt mittlerweile ein etwas freundlicheres Gesicht. Es regnet nur noch ab und an. Ändert zwar nichts am Schlamm, hebt aber trotzdem die Stimmung. Gut gelaunt geht es also zu Portugal. The Man. Spitzentypen aus Alaska sind das mit tollen Texten und melancholischem Gesang. Macht mir nicht mal was aus, dass sie dabei immer ein wenig hippieesk klingen. Und das ist eigentlich gar nicht meine Musik. Nach einer kleinen Stärkung am Zelt geht es dann zu einem weiteren echten Highlight – den Schotten von Glasvegas.

Die sind schon ein Original. Sänger James Allan sieht in seinen weißen Prollklamotten aus, als wolle er in einem kleinen schottischen Kaff Drogen verticken. Passend dazu macht er sich auch mal über den ein oder anderen Fan lustig oder fragt nach,  ob es Hitlerfans im Publikum gibt. Das aber immer mit einem Augenzwinkern und diesem sausympathischen schottischen Akzent. Wenn Allan dann mit großer Stimme und noch größeren Gesten in Songs “It’s my own cheating heart” oder “Daddy’s gone” die Schattenseiten des Lebens besingt, merkt man, dass er nicht nur Prolet sondern auch Poet ist. Tolle Sache, nur leider viel zu schnell vorbei.

Jetzt wird sich am Asia-Stand erst mal wieder mit rotem Thai-Curry versorgt, dem meiner Meinung nach besten Essen, das man hier für Geld kaufen kann. Zu viert haben wir es in 3 Tagen auf gut und gerne 13 Portionen geschafft. Frisch gestärkt schauen wir uns Portishead an und genießen nach so viel Rock die großartigen leisen Momente. Einfach nur bewegend wie Sängerin Beth Gibbons mit geschlossenen Augen am Mikro steht und nicht nur von Weltschmerz singt, sondern ihn auch verkörpert.

Mit Eels wird es leider nix auf der roten Zeltbühne. Rappelvoll ist es und schon im Eingangsbereich wird gedrängelt und gedrückt. Nichts für mich. Also führt uns der Weg erst mal zurück zum Zelt vorbei an allerlei unzurechnungsfähigen Gestalten. Besonders herzig: ein Mädel, das sich den Weg aufs Dixi-Klo sparen will. Hinter einem Zaun auf der anderen Seite eines Hauptweges ist sie in Stellung gegangen, weil sie wohl dachte, dass der komplett mit Plakaten abgedeckt ist. Zielsicher findet sie aber die einzige Lücke zwischen den Plakaten und lässt ihren blanken Hintern im Scheinwerferlicht leuchten, sehr zur Belustigung einiger männlicher Zeitgenossen.

Den Rest des Abends schaffen wir es nicht mehr vor, obwohl ich die Chemical Brothers eigentlich gern gesehen hätte. Stattdessen sitzen wir im Trockenen vor dem Zelt und geben uns alle Mühe, den Pegel zu halten. Ist ja auch wichtig. Die Nacht wird kurz, da unsere Zeltnachbarn bestens gelaunt  und mit einer Inbrunst, die ihresgleichen sucht, stundenlang den gleichen Song, oder genauer, immer nur den Refrain eines Songs singen. “My hero” von den Foo Fighters. Das und der hämmernde Elektro von was weiß ich woher schaffen es, dass ich erst am frühen Morgen wirklich Schlaf finde. Am nächsten Tag gibt’s zum Frühstück noch eine Zugabe unserer Zeltnachbarn. Trotz allem ganz nette Typen übrigens.

19.06.2011

Den musikalischen Sonntag beginnen wir mit einem Kurzaufenthalt bei den Metallern von Kvelertak. Rockig geht es dann auch weiter und zwar mit Monster Magnet, einer echten Legende. Wundert mich, dass die schon um  15.30 Uhr spielen müssen. Frontmann Dave Wyndorf ist in die Jahre gekommen. Nichtsdestotrotz rockt er immer noch recht dreckig und ist so von sich überzeugt, dass wir es einfach auch sein müssen. Coole Sau.

Die nächste coole Sau lässt nicht lange auf sich warten. Maja Ivarsson ist mal wieder mit ihrer Band The Sounds da. Ich sehe sie zum gefühlten tausendsten Mal und bin tatsächlich schon wieder begeistert. Erstens weil der Poppunkrock der Schweden die Füße locker macht, zweitens weil Maja Ivarsson immer die besten Bühnenoutfits trägt und drittens weil der Auftritt einfach Spaß macht. Maja raucht, trinkt Bier, flucht und zieht ihren doch schon recht schlampigen Style gekonnt selbstironisch durch. Einen Gefallen sollen wir ihr beispielsweise tun: “If I say “jump”, I want you to say “How high, Bitch?”. Ja, Humor hat sie. The Sounds bringen die Masse und auch uns mit Hits wie “No one sleeps while I’m awake” und “We’re not living in America” zum tanzen. Maja und auch ich erinnern uns an ihren ersten Southside-Auftritt. Der war mittags und es waren nicht gerade viele da, um sich den Auftritt anzuschauen. Das sieht mittlerweile ganz anders aus, sauvoll ist es hier.

Im Anschluss schauen wir auf den Tipp einer meiner Begleiterinnen Two Door Cinema Club an, von denen ich dachte, dass ich sie gar nicht kenne. Irrtum, werden sie doch des Öfteren auf Motor FM gespielt  und auch beim FIFA 2011 wird gern damit untermalt. Recht cooler Indierock, da kann man nicht maulen. Die gute Laune geht also weiter.

Auch bei Gogol Bordello, die der Menge mit ihrer Mischung aus traditioneller Sinti- und Romamusik, Punk, Dub und Ska ordentlich einheizen. Mittlerweile ist es sogar warm und die Sonne lässt sich blicken. Lustig, während der Schlamm unten noch matschig an den Füßen klebt fliegt er einem oben in anderem Aggregatszustand schon wieder um die Ohren und brennt wie Sand in den Augen.

Die letzte Band meines Southside 2011 werden die Briten von Kasabian. Kannte ich vorher auch nicht wirklich, begeistern mich aber. Sick Of It All hätte ich ganz gern gesehen, ich bin aber viel zu kaputt. Und außerdem haben sie ja erst neulich in Stuttgart gespielt. Wir wollen jetzt nur noch nach Hause, wo eine Dusche, ein warmes Bett und saubere Klamotten warten. Das Southside hat sich wie die Jahre zuvor wirklich gelohnt. Viele gute Bands, nette Leute und ordentlich was zu lachen. Diesmal ist uns außer einem Campingstuhl auch nichts geklaut worden, toll. Nächstes Jahr sind wir aller Voraussicht nach wieder dabei. Aber dann bitte bitte bitte mal wieder mit Sonne und ohne Gummistiefel.

Was habe ich mich gefreut, als ich gehört habe, dass die legendären Misfits in Stuttgart spielen. Und das auch noch als eines von nur zwei Live-Konzerten in Deutschland. Außer uns wurden sonst nur die Hamburger beehrt und die sind es ja gewohnt, dass die richtig dicken Bands kommen. Klar, ich weiß natürlich auch, dass der große Glanz der Misfits aus vergangenen Tagen stammt und von der Originalbesetzung der Horrorpunker nicht mehr viel übrig ist. Trotzdem, beim Gedanken ein paar meiner Lieblingssongs live zu hören wurde mir schon ein bisschen warm ums Herz. Ich bin kein Fan der ersten Stunde – das mal vorweg geschickt. Erst nach der Wiedervereinigung der Misfits bin ich wirklich auf sie aufmerksam geworden, muss so um 1999 gewesen sein. Davor kam bei mir eigentlich nur Deutschpunk und später dann Gothic und EBM auf den Plattenteller. Mein großes Aha-Erlebnis war „Scream!“ auf irgendeinem billigen Sampler. Dass Glenn Danzig da nicht mehr Frontmann war, wusste ich anfangs nicht mal. Wie dem auch sei, mittlerweile sind die Misfits eine meiner absoluten Lieblingsbands geworden, vom ganzen alten eher oi!punkigen Zeug bis hin zum modernen und wesentlich glatteren Horrorpunk von heute.

Die Unkenrufe waren schon lange vorm Konzert allerorts zu hören. Angefangen vom Vorwurf, dass die Band um das einzig verbliebene Gründungsmitglied Jerry Only politisch nicht ganz einwandfrei und extrem konservativ sei, über den Vorwurf doch nur noch eine Misfits-Coverband zu sein bis hin zum Eintrittspreis, der mal wieder unverschämt hoch sei. Davon unbeeindruckt mache ich mich am Mittwochabend auf zur Röhre, leider viel zu spät, so dass ich die beiden Vorbands The Peacocks und The Phantomics gleich komplett verpasst habe. Noch viel schlimmer, ich verpasse sogar den Opener der Misfits. Asche auf mein Haupt. Eine Saite soll Gitarrist Dez Cadena bei „Halloween“ gerissen sein, wird mir später erzählt. Etwas gehetzt, aber gut gelaunt stürme ich also in die Röhre und laufe erstmal gegen eine Wand aus Menschen. An der Abendkasse soll es noch Karten gegeben haben. Aber wenn das hier jetzt nicht doch noch ausverkauft ist, frage ich mich, wo man hier ernsthaft noch mehr Menschen unterbringen will. Auf der Bühne geben Jerry Only und seine beiden Mitstreiter schon ganz gut Gas.

Recht ordentliches Geknüppel zwischen Punkrock und Metal was die da abliefern. Der Gesang von Jerry Only klingt allerdings ein wenig schwach auf der Brust und reicht so nicht an den der beiden Ex-Frontmänner Glenn Danzig und Michale Graves heran. Ob das am unterdurchschnittlichen Sound oder den Sangeskünsten von Herrn Only liegt, mag ich nicht beurteilen. Was bleibt ist eine ordentliche Horrorpunkband, die recht zünftig auf die Zwölf geht ohne einen wirklich umzuhauen. Den vorderen Reihen macht das, wie zugegebenermaßen recht oft, sichtlich mehr Spaß als den hinteren. Während im Schubskreis nach Herzenslust gerempelt und geboxt wird und immer mal wieder einer über die Menge getragen wird, betrachtet man das Spektakel hinten eher steif oder konzentriert sich auf die Unterhaltung mit den Freunden.

Die Misfits spielen ältere Songs wie  „I turned into a Martian“, „Hybrid Moments“ und neuere wie „Helena“ und „Rise above“. Richtig Stimmung gibt es aber nur bei einigen wenigen flotten Hits wie „Skulls“ oder „We are 138“. Da wird dann sogar weit hinten mal eine Faust in die Luft gereckt und ein wenig mitgesungen. Jerry Only, der es vom Bassisten mittlerweile zum Frontmann gebracht hat, steht im Misfits-typischen Outfit auf der Bühne, reckt hier und da mal die Faust in die Luft oder grinst fies ins Publikum. Im Hintergrund prangt ein riesiger Totenkopf vom Banner. Mit dem was damals 1977 in New Jersey entstanden ist, hat das vielleicht nicht mehr allzu viel zu tun, schlecht ist es aber deswegen nicht.

Nach nicht ganz eineinhalb Stunden ist dann auch schon Schluss. Mit „Die, die my Darling“ gab es immerhin nochmal einen kleinen Höhepunkt. Oder Moment mal, spielen die doch noch weiter? Jerry Only stolziert jedenfalls selbstverliebt über die Bühne und lässt sich noch ein wenig feiern während hinter ihm schon das Schlagzeug abgebaut wird. Ja mein Gott, da haben sich schon welche wegen Schlimmerem feiern lassen.

Enttäuschte Stimmen gibt es hinterher viele. Ich hatte einen ganz netten Abend, Freunde getroffen, ein paar Bier getrunken und gute Musik gehört. Mehr habe ich gottseidank auch nicht erwartet. Warum auch?

Misfits

The Peacocks:

The Phantomics:

Mist. Glockenheller Samstagabend und ich laufe mitten in eine Schlägerei rein. Wir waren sehr viele, hatten aber trotzdem nicht den Hauch einer  Chance: Sechs Norweger haben uns den Arsch versohlt. Kvelertak heißt die Gang.

Deren gleichnamiges Debüt war eine der besten Ideen, die die Grobmeierei in den vergangenen Jahren hatte. Produktion: Kurt Ballou, Artwork: John Dyer Baizley, der Rest: jetzt schon ein Klassiker. Metal, Punkrock, Blackmetal und etwas Seventies-Rock – unwiderstehlich und sackesexy in akzentfreiem Norwegisch gebrüllt.

Kvelertak, das sagen Leute, die’s wissen, heißt “Würgegriff”, so was wie “Schwitzkasten” – und Etikettenschwindel kann man diesen Norwegern in der Tat nicht vorwerfen. Haben Wort gehalten. Auch Samstagabend im vollgepackten Universum.

Comeback Kid, The Ghost Inside, Gravemaker und Social Suicide – alle irgendwie ganz okay, alle Teil der “Through The Noise”-Tour werden heute aber Opfer des Wochenend-Freizeitstressessess:

“Kvelertak anschauen, dann ins Zwölfzehn, Plattenauflegen?”
“So wird’s gemacht”, sagt Frank Gasoline. Typen, die so heißen, wissen wo’s langgeht und gleich stasimäßig ausspioniert, wann Kvelertak spielen: schon um 20 Uhr. Auf Höhe Karstadt kommt die SMS von Brunner aus dem Universum: “Die fangen jetzt an”. 19.40 Uhr. Gravemaker spielen nicht. Kvelertak müssen deshalb bereits als zweite Band ran. Ein Musiker von Gravemaker schien am  Vortag in Saarbrücken zu dumm zum Argumentieren. Jetzt muss er der Polizei in Stuttgart davon erzählen.

Um die Sache abzukürzen: Während wir hastig ins Universum reinrennen, kniedeln sich Maciek Ofstad, Vidar Landa und Bjarte Lund Rolland längst durch die wahnwitzig schönen Melodien von “Blodtørst”. Drollige Namen, keine Frage –  die Gewalt aber ist übermächtig. Jeder Ton eine Backpfeiffe mit der flachen Hand. Wahnwitzige Breaks, voll von Spielfreude und trotz aller Kraft versiert gespielt und glasklar gereicht – muss man auch erstmal anbieten können. Denn Aggression, die sich auf die bloße Gewalt bezieht, ist biologisch abbaubar – das hier hat Substanz. Bleibt.

Erlend Hjelvik – ein kleiner und vorbildlich vollbebarteter Waldschrat mit Wampe brüllt gerade die ersten Reihen an. Alle schreien zurück, recken die Fäuste, lächeln und rempeltanzen sich freundlich gegenseitig über den Haufen. Einige Zeitgeist-Hardcore Kids schauen überrascht zur Bühne, wippen aber munter mit. “Cool” ist das eigentlich nicht auf der kleinen Bühne, da ackern eigentlich nur sechs Norweger und vergessen dabei die Posen und die gespielte Gruppendynamik, die Hardcore-Konzerte manchmal so ärgerlich machen. Trotzdem: Ein Tollhaus aus Armen, Instrumenten, Haaren, Bandshirts, Schweiß und Energie. Vor der Bühne und auf der Bühne.

Ab und an hasten Leute herein und trotz der höllischen Lautstärke hört man sie sagen: “Scheiße! Seit wann spielen die denn schon?”. Keine Ahnung. Aber wie schlaue Menschen das tun, gilt alle Aufmerksamkeit dem, was gerade passiert. Zeit, sich in den eigenen Arsch beißen wird in den nächsten Tagen noch mehr als genug sein.

“Offernaaaaaaaaatt”, schreit der Waldschrat Hjelvik. “Yeaaahhhh,” alle anderen und die Party geht mit furiosem Geriffe und schon wieder dieser Wucht reibungsvoll weiter. Kvelertak können scheinbar gar nicht anders. Mittendrin im Rempelpulk steht meinen alter Freund Rapha. Selig lächelnd. Der wusste schon früher beim Harakiri-Fanzine, was Sache ist und geht prinzipiell nicht auf Konzerte von mittelmäßigen Bands. Wenn es Gerechtigkeit auf dieser Welt geben sollte, dann sind diese Norweger bald größer als Lady Gaga. Geiler sind sie schon lange.

Bassist Marvin Nygaard ist auch der Knaller. Da tätowiert, wo andere Schmerzen oder Bedenken haben, spielt der Kerl seinen Bass im Sinne des Erfinders: Naturgewalt. Der Typ schiebt alles weg, rollt mit den Augen, manchmal lächelt er und zwischendrin tritt er wahllos Ärsche.

“Ulvetid”, ist ein fieses Tarnmannöver: Punkrockeinstieg und gerade wenn man lostanzen will, dreht sich das Monster in einen lupenreinen Blackmetal Staubsauger, dann wieder zurück zum Rock’n'Roll-Partyhit. Irre. Ganz ohne Corpsepaint. Oh, fast vergessen: Kjetil, der mit Nachnamen Gjermundrød heißt, wird von seinen Bandkollegen hoffentlich mit “Sir” angesprochen. Hätte er sich zumindest verdient. Er ist Dirigent, Peitsche und Ruhebereich in einem.

Hjelvik schwimmt nochmal kurz über die Menge, in der jeder einzelne mindestens genauso schwitzt wir er, dann wird das Finale eingebimmelt: “Mjød”, der Partykracher mit dem Zombievideoclip. Der hält all’ das was Turbonegro in den letzten zehn Jahren versprachen aber nicht einhalten konnten: Brüllrefrain, Hüftschwung, Humor – ja – und halt die Wucht. Kvelertak bleiben nichts davon schuldig.

Dann sind sie weg. Nur das Klingeln im Ohr bleibt. Frank Gasoline sagt, er müsse jetzt erstmal Axe verklagen, weil das mit dem “Anti-Transpirant” glatt gelogen sei.

Hab jetzt die vergangenen Stunden ein bisschen rumexperimentiert und bin zu folgendem Schluss gekommen: Kvelertak lässt sich zu Hause locker nachbauen – Schmutzwäsche anziehen, zwei Liter Espresso auf Ex, in eine Pfütze setzen und dann die Steckdose leidenschaftlich zungenküssen. Müsste klappen. Notfalls tut’s vielleicht auch das: In eine Bikerkneipe reinrennen und laut “Hey, Mädels! Wem von euch gehört die rosa Vespa im Parkverbot?” rufen.