Eigentlich giltet das heute Abend gar nicht. Damals, Mitte 90er, die Original-Kyuss in der Rofa vor der psychedelischen Leinwand, wie es die dunkle gig-blog Eminenz Michi gemacht hat, das gäbe die volle credibility-Punktzahl.
Das Ganze heute Abend hat natürlich einen schalen Beigeschmack, so was in der Richtung von “da nach Kyuss nix mehr gescheites kam, spielen wir halt die alten Hits”.

Aber vielleicht tut man Mr. Garcia damit Unrecht, hab ihn ja schließlich auch vor zwei Jahren mit Hermano in der Röhre gesehen und es war sehr ok. Und vor allem, da mache ich mir selber aber gar nix vor, hab ich wahnsinnig Bock Kyuss-Songs endlich mal live in die Ohren gedrückt zu bekommen.

Mit diesem Bedürfnis steh ich nicht alleine da, denn die Röhre ist heute Abend ausverkauft. Das kann ja was werden bei den Temperaturen. Aber es ist überraschend angenehm temperiert im Tunnel, als nach etlichen Hendrix-Songs John Garcia mit seiner Band die Bühne betritt.
Die komischen Bedenken, von wegen “Smokie auf der Oldie-Hits” Tour, verfliegen schneller als man yeah sagen kann. Vieles wird heute klar! Ein ganzes Set mit nicht einem einzigen Füller, sondern nur ein Hit nach dem anderen, welche Band kann so etwas vorweisen? Zwei-Drei Noten am Anfang reichen, und alle wissen was für ein Song kommt. Beeindruckend! Kyuss haben mit den drei Alben Blues For The Red Sun, Welcome To Sky Valley und …And The Circus Leaves Town monumentale Klassiker geschaffen, ein Genre (Stoner-/Desert-Rock) mitbegründet, und eine Riesenlücke hinterlassen. Jeder im Publikum kennt jeden Song, fast alle kennen die Texte.
Live fällt mir außerdem auf, dass die Musik von Kyuss, aller unglaublichen Heavyness zum Trotz, wie soll man sagen, tatsächlich sexy und groovy ist. Heavy-Rock, der sexy klingt? Ist so, und damit schließt sich auch der Kreis zu Jimi Hendrix.

Doch es ist nicht nur so, dass hier eventgeile Stonerrock-People ihre Hits hören wollen und eh feiern würden. Hier steht eine exzellente Band auf der Bühne, die nicht nur den original Kyuss-Sound in Perfektion beherrscht. Sie spielen die Songs auch mit großer Hingabe und großer Musikalität. Von wegen Hits abdudeln und Kohle machen. Das ist ein fantastisches Konzert, gelebte Musik, und einen überraschend guten Sound gibt es außerdem auch noch.
Man merkt das auch an den Musikern, deren Gesichtern zunehmend gerührter grinsen müssen, je weiter das Konzert fortschreitet und die Begeisterung immer mehr zunimmt. Crowdsurfing, die Temperatur ist mittlerweile spürbar angestiegen und der kondensierte Schweiss tropft von der Decke, die Leute singen mit…klingt ja als wäre das ein geiles Konzert hier. Ist auch so!

John Garcia bekommt dann auch noch einen kleinen Lachanfall, als er nach der Frage “Is there any weed in this fucking place here?” zeitgleich mit dem Satzende eine vuvuzelaförmige Zigarette auf die Bühne geworfen bekommt. Dienstleistungsparadies Stuttgart!
Was sind die Highlights? Keine Ahnung, das kann sich bei der Setlist jeder selber zusammen suchen. Ich hab mich besonders über Gardenia, Green Machine, Demon Cleaner und die Zugabe Rodeo gefreut.

Als ich nach Konzertende durch das Publikum, das aussieht wie ein Marathonfeld am 40. Kilometer, in die warme Nacht raustrete, frage ich mich, ob ich tatsächlich was von “schalem Beigeschmack” geredet habe.
Das hier ist höchstes Kulturgut, das raus unter die Leute muss. Immer, des besseren Lebens wegen.

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Babbadabaah…der perfekte Ausklang der Aktionswoche (u.a. gab es im Verlauf dieser Tage schon Schallbladd, Rocket Freudental und Stereo Total zu sehen), die durch Unsere Stadt veranstaltet wurde: die wunderbaren Monsieur Mo Rio spielen eines ihrer viel zu seltenen Konzerte, heute im Innenhof des Rocker33.

Dem lieben Moritz müsste man eigentlich schon zu ewigem Dank verpflichtet sein, dass er in Stuttgart ein wunderbares Konzert-Biotop  in seinem Waggon erschaffen hat, wo regelmäßig interessante Künstler auftreten, von lauten Noisecombos bis zu zarten Popbands (siehe Orwell im März). Aber damit nicht genug, schließlich ist auch sein eigenes musikalisches Projekt, Monsieur Mo Rio, von erhabener Güte.

Pünktlich um 21 Uhr legt das Quintett los. Die kleine Bühne ist sehr ansprechend beleuchtet, und die im Sand vor der Bühne platzierten Liegestühle passen auch bestens  zum barocken Sunshinepop der hier geboten wird. Okay, 10 Grad mehr hätten es schon sein dürfen, aber dafür wärmt die Musik ganz wunderbar.
Monsieur Mo Rio spielen, trotz aller Komplexität und leicht jazzigen Harmonien, federlos leichten Retropop, irgendwo in der Sound-Schnittmenge analoger Schönheit von Künstlern wie The Zombies, Robert Wyatt oder auch den Beach Boys. Mir wird es ein ewiges Rätsel bleiben, warum diese Art von Musik so ein Nischendasein fristet. Wunderbare Harmonien tragen die schwerelosen Melodien. Diese Musik würde ein soviel größeres Publikum verdienen, denn es ist große Kunst, Popmusik so mühelos angenehm klingen zu lassen, genau austariert zwischen den beiden Polen “Seichtheit” und “verkrampftem Muckertum”. Den Weg, den MGMT mit ihrem neuen Album einschlagen, gehen Monsieur Mo Rio schon seit Jahren, und haben dabei ein Niveau erreicht, das man bitte selber mal gehört haben muss, um dann ungläubig nochmal nachzufragen, warum das nicht mehr Leute hören. Leicht konsumierbar, dabei aber nicht im geringsten anspruchslos, ich wage zu behaupten, dass es in Deutschland nur ganz, ganz wenige Bands gibt, die sowas können.

Heute Abend werden u.a. 5 Stücke vom hoffentlich bald erscheinendem neuen Album gespielt. Der Sound ist sehr gut, das Licht wirklich toll, und die abwechslungsreichen Stücke mit viel mehrstimmigem Gesang und Gegenstimmen der toll harmonierenden Band lassen die Zeit wie im Flug vergehen. Als nach 35 Minuten Moritz schon das Ende verkünden will, möchte man es gar nicht wahrhaben. Aber die Leute, die da sind, wollen verständlicherweise mehr hören. Bei manchen Konzerten, auch wenn sie einem musikalisch gefallen, ist es irgendwann auch gut, dass sie ein Ende haben. Hier hat man das Gefühl, das könnte man sich noch stundenlang weiter anhören, ohne Probleme. So kommen noch 5 oder 6 Zugaben (hab nicht mehr so richtig mitgezählt) hinzu, so dass wir am Ende eine Stunde lang dieses Konzert genießen durften.

In meinem Traum Line-Up eines immaginär von mir veranstalteten Popfestivals, werden Monsieur Mo Rio definitiv dabei sein.

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Hmm, schon eine deprimierende Vorstellung, denkt man sich auf einen Schlag die Röhre, den Landespavillon, das Rocker 33, die Waggons und die Wagenhallen weg. Ein ganz schöner Schlag für die alternative Kultur in Stuttgart wäre das. Die MacherInnnen von Unsere Stadt wollen das  als unausweichlichen Fakt, und der Einstellung, dass man doch eh nichts machen könne, nicht einfach hinnehmen. Teil, der von der Intro unterstützten Aktionswoche, ist auch der heutige Abend in den Wagenhallen mit Konzerten sowohl im kleinen als auch im großen Raum.

Unser Abend beginnt mit Schallbladd – Sagen aus Schwaben, einem Sammelsurium verschiedenster Musiker, meist bekannte Gesichter hier aus der Gegend, die in jeweils anderer Formation mal unter D’Sausseles, Dia Dirre, Leberlegfressa, D’Stauffere,  Pfaatz, Tyler Khan, D’Soichbixa, D’Schrättele oder D’Àmerikaaner skurille schwäbische Sagen zum Besten geben. Das kann mal poppig sein, dann wiederum Schülerpunkrockmäßig, dann leicht anpsychedelisiert nach den Doors klingend oder auch ein ordentlicher Funk sein. Mir gefällt’s am besten, wenn es sich vom normalen Rock am weitesten entfernt, dann kommt die Wolle Kriwanek Assoziation nicht so hoch bei mir.
Musikalisch ist das natürlich top. Eine Schar Kinder horcht gespannt den Liedern und den Ansagen am Bühnenrand zu, und ist bestimmt auch fasziniert von den seltsamen Hutbedeckungen, welche die Frauen und Männer auf der Bühne tragen. Mein Favorit ist Moritz, der irgendwie nach Obst aussieht.
In meinen Ohren wird, trotz Geburt an Neckar und Enz, schwäbisch zwar niemals die sexieste Sprache zum Singen werden, aber in der dargereichten Form lass ich mir Titel wie Mei Weckle, Guggediguu, D’Schratt und A Briefla gerne gefallen. Chapeau, oder besser Chapeaule!

Kurz ein Blick in den Nebenraum geworfen, wo Hoch/Tief straighten, harten Rock bieten. Das Trio aus Stuttgart hat ganz schön Dampf unterm Kessel, wie man so schön sagt, und liefert eine energiegeladene Show ab, mit pumpendem Bass und so was. Das gefällt, aber dem hungernden Leib gefällt auch eine Rote Wurst, und dazu müssen wir wieder nach draußen.

Wenn ich’s richtig verstanden habe, reunieren sich Ma Cherie For Painting nur für diesen Anlass heute abend. Chefcheckerin Steffi R. weiß noch, dass es sich um eine legendäre Band Anfang der 90er handelt, mit Joachim Henn an der Gitarre, einem ehemaligen Intro-Journalisten und Mitorganisator von Unsere Stadt. Das Quartett bietet instrumentalen Krautrock, der manchmal nach Seefeel klingt, dann vielleicht wieder eher nach Cluster. Eher meditativ-repetierend, aber nicht langweilig. Gute Sache diese Reunion, dürfen auch gerne zusammen bleiben die Jungs.

Peinlich genug, dass ich als Besigheimer erst jetzt Rocket Freudental zum ersten Mal live sehe. Das Duo aus dem extrem fertilen Besigheimer Millieu, hat ja eh schon einen Orden verdient für einen der besten Bandnamen überhaupt. Jetzt verleihe ich ihnen in Gedanken noch einen zusätzlich für den Auftritt heute Abend. In dem mittlerweile gut gefüllten großen Raum der Wagenhalle bieten Rocket Freudental geilen Slogan-Rock, der in seinen unelektronischen Momenten vielleicht ein wenig an Surrogat erinnert, in seinen elektronischeren an…ja an was…ok, an mir-egal-nach-was-es-klingt-aber-es-rockt. Der Großteil der Musik kommt aus der Dose, Gesang und perkussive Schlagzeugbegleitung sind live. Andre M. ist ein wahres Bühnenmonster, das Grimassen zieht, spuckt, seine Texte lebt und gerne auch mal Handstände und Überschläge zum Besten gibt. Robert S. hingegen ist komplett in seinem Rhythmusspiel versunken und klöppelt auf seine Koffer ein. Klingt irgendwie gefährlich die Band, gefährlich gut. Kleidergrößen-Kumpan Christof R. (XS) glaubt gar, dass ihre Musik exakt den Zeitgeist träfe…und zwar genau zwischen den Augen füge ich noch an. Kann man so glauben, und man darf es ihnen auf jeden Fall wünschen!

Unser Abend endet hier, wohlwissend, dass wir Freund Putte samt Edgar verpassen, aber die Beiden haben wir schon hier und hier gefeatured, und sind uns sicher, dass sie auch heute wieder geravet haben wie es sich gehört.

Die Aktionswoche geht weiter, u.a. mit Stereo Total am Freitag und Monsieur Mo Rio am Sonntag im Rocker 33. Man sieht sich!

Und wer noch mehr Fotos sehen möchte: Schallbladd, Ma Cherie For Painting, Hoch Tief, Rocket Freudental und ein paar Impressionen des Abends.

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Die unwiderstehliche Anziehungskraft selbstzerstörerischen Größenwahns… Anton Newcombe, Kopf von The Brian Jonestown Massacre, ist ein ganz goldiges Kerlchen. Drogentechnisch dürfte es nicht viel geben, was er noch nicht konsumiert hat in seinem Leben. Die Bandgeschichte ist gekennzeichnet durch massive Mitgliederfluktuation, sich gegenseitig und die Zuschauer bei den Konzerten verprügeln, und Zitaten Newcombes à la:

Ich bin großartig. Euer Problem ist einfach, dass ihr nicht den Unterschied zwischen gut und großartig versteht. Ist Gott gut? Nein, er ist großartig. Lernt, Größe zu erkennen!

Durch den Durchlauferhitzer der Dandy Warhols Freunde TBJM liefen u.a. schon Peter Hayes von den Black Rebel Motorcycle Club und Sune Rose Wagner der Raveonettes. Da kann man also schon erahnen, dass der Wahnsinn sich auch in Spitzenmusik niederschlägt. Ihr letztes Album Who Killed Sgt. Pepper? unterstreicht dies so gut wie keines ihrer Alben zuvor. Sprich, ab nach München, das Pop-Dress ausziehen und stattdessen wieder den ebenso gut sitzenden Psychedelicrock-Anzug überstreifen.

Das 59:1 ist nicht sehr viel größer als das hiesige Schocken und bestens gefüllt mit Mode-Altpunks, Lookalikes aus Bud Spencer Filmen (aber der Part, der immer aufs Maul bekommt) und sonstigem gemischtem Volk. Der Abend startet mit dem schottischen Trio Sparrow And The Workshop. Tolle Band, die es im Laufe ihres Auftritts schafft, mich immer stärker zu begeistern, obwohl sie einen epischen Folkrock spielen, der nicht so meinem Geschmack entspricht. Herausragend die kraftvolle, glasklare Stimme von Jill O’Sullivan, die den Auftritt großteils barfuß absolviert. Sie gibt den guten Songs noch das besondere Etwas. Erinnert mich manchmal sogar an die frühen Jefferson Airplane, und siehe da, der Guardian gibt mir Recht.
Am Ende gibt es einen sehr langen, verdienten Applaus.

TBJM betreten nach und nach die Bühne. Ein sehr langes “nach und nach”, denn es sind 8 Leute auf der Bühne zu platzieren. Gestartet wird das Set mit dem Give It Back Albumopener Super Sonic, in der Formation 1 Schlagzeuger, 1 Keyboarder, 1 Basser, 1 Perkussionist, 1 Tambourin-Rassel-Mann und 3 Gitarristen. Überragendes Stück, in Gedanken bastel ich mir schon neue Superlative zusammen. Genau die Art Psychedelicrock, die ich mag. Hypnotisch, lang aufbauend, rhythmisch vereinnahmend, am Ende laute Gitarren.
Was danach kommt, wird meine Erwartungen leider durchkreuzen. Es wird das letzte Stück in dieser Art gewesen sein. Strotzt das neue Album geradezu vor Abwechslungs- und Ideenreichtum, entscheidet sich Mastermind Newcombe, der übrigens besser aussieht als gedacht und ganz gute Laune hat, für ein Set, in dem hauptsächlich die gewöhnlicheren Rocknummern gespielt werden. Teilweise mit bis zu 5 Gitarren, der Sound ist gut, die Songs sind gut, aber schlussendlich dann doch recht straighter Rock, das besondere Gefühl will sich bei mir nicht einstellen. Die erste Hälfte des Sets hört sich schwer nach The Dandy Warhols an, was ja nix schlechtes ist, ganz im Gegenteil. Aber die Nummern sind alle irgendwie ähnlich, nix herausragendes dabei, nach einer Weile fang ich schon an mich zu langweilen. Zu hohe, zu andere Erwartungen hatte ich an das Ganze. Wie es mit ähnlicher Musik anders geht, haben The Raveonettes, The Black Rebel Motorcycle Club und Archie Bronson Outfit bei ihren Auftritten gezeigt.
Zum Glück gewinnt der Auftritt in der zweiten Hälfte aber wieder an Schwung. Zwar wird weiterhin nix vom neuen Album gespielt, und auch auf Ausraster von Newcombe warten wir vergeblich (es gibt nur einen kleinen Kommentar zur Afghanistanpolitik der deutschen Regierung….Newcombe ist ja z.Zt. Berliner), aber die Songs werden abwechslungsreicher, es kommt Bewegung in die Gleichförmigkeit, und Songs wie Not If You Were The Last Dandy On Earth (mit herzlichem Gruß an das Not If You Were The Last Junkie On Earth der Dandy Warhols) sind schon amtlich geile Hits.
Nach Mitternacht gibt es noch ein Geburtstagsständchen für Keyboarder Rob, und kurz nach halb eins und fast zwei Stunden Spieldauer ist das Konzert vorbei. Wahrlich, alles andere als ein schlechtes Konzert, aber ich hätte mir gewünscht, Newcombe hätte sich mehr an seinem eigenem Zitat orientiert:

Ich bin nun mal zuständig für den wirklich harten Scheiß. Und mein Ziel bei dieser Platte war, so viel Pilze und MDMA zu nehmen, bis ich mir selber vor Angst in die Hosen mache und ich in der Lage bin, die bösartigste Musik zu spielen, die jemals gespielt wurde.

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Schon wieder das Konzert des Jahres. Erst neulich bei den Briten Archie Bronson Outfit hatte ich das gedacht, heute holen die Amis Deerhoof den Titel. Vom Veranstalter als einzige Show in Deutschland angekündigt, hätte es in unserer Region kaum einen passenderen Ort für die Band geben können als der Club in Schorndorf. Klassische Manufaktur-Band, wie z.B. auch Tortoise. Deerhoof veröffentlichen auf dem altgedienten US-Label Kill Rock Stars, das zuletzt mit The Gossip große Erfolge verbuchen durfte.

Das Quartett betritt nach und nach die Bühne und bewaffnet sich mit den Instrumenten, die später noch kreuz und quer zwischen den Mitgliedern getauscht werden. Was gleich auffällt, ist das sehr minimalistisch gehaltene Schlagzeug von Greg Saunier, dem mutmaßlichen Band-Chef und trotz rechts-außen Position der Mittelpunkt des Auftritts  -  obwohl alle eine klasse Show abliefern. Mal wieder kann man ein echtes Tier an den Drums beobachten. Wer mit so wenig Material so ein unglaubliches Feuerwerk abbrennt, der muss es  richtig draufhaben. Ein ganz eigenwilliger Style, druckvoll, rumpelig und mit einer Kraft, dass es Holzsplitter regnet. Das Schlagzeug und der teils rohe Sound lassen an die großartigen Shellac denken. Die aus Japan stammende Sängerin und Bassistin Satomi Matsuzaki erinnert durch ihren hohen und zwangsläufig asiatisch klingenden Gesang an ihre Kolleginnen von US-Bands wie Cibo Matto, Butter 08 oder eben gleich die Japaner Melt Banana . Ich kann mir gut vorstellen, dass sie leicht Probleme mit Türstehern von Clubs bekommen kann, in denen sie auftritt – sie ist etwas kurz geraten und wirkt sehr kindlich.

Das war es dann aber schon mit Vergleichen aus der Alternative-Rock-Welt, Deerhoof werden kaum ein Pendant haben. Die kurzen Stücke werden anfangs immer wieder vom zarten Gesang von Matsuzaki garniert, richtige Popnummern könnte man meinen, um sie dann mit einer brachialen Attacke aus Noise zu zerhäckseln. Wahnsinn, was diese optisch harmlos wirkende Band für eine Kraft entfalten kann. An und gleich durch die Wand könnten sie so manche Grindcore-Band  spielen – spielend. Dieses Prinzip wird großteils durchgehalten und ist absolut nicht langweilig. Während der Dresch-Phase verteilt sich die Gruppe auf der Bühne, ein Gitarrist arbeitet auch mit Feedbackspielereien im Hendrix-Style, also auf die Knie und Gitarre vor den Verstärker halten.

Technisch auch alles auf sehr hohem Niveau wie mir ein anwesender Gitarrist bestätigt, alles offensichtliche Profis da vorne.

Zum Auflockern kommen dann zwei Cover. Den Ramones wird mit Pinhead (Gabba Gabba Hey!) Tribut gezollt, anschließend gibt es Woodstock-Sound: Canned Heat mit  Going up the country, vorgetragen von Saunier und zwar sehr nah am Original. Habe ich eigentlich schon erwähnt, wie gut die Band ankommt? Nein -  deshalb jetzt mal Lobhudelei, super super das Ganze, viel Applaus, jede Menge neue Fans haben sie rekrutiert, obwohl es wieder mal gerne noch mehr Besucher hätten sein dürfen. Deshalb werden auch noch zwei, fast drei Zugaben herausgeklatscht. Saunier hält Ansprachen auf Deutsch,  sichtlich strengt er sich an – es kommt vom Herzen. Der Band hat es ganz sicher auch gefallen. Nochmal: Bestes Konzert 2010, großartige Live-Band,  die Messlatte liegt ganz weit oben.

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Was machen wir denn an einem Montagabend? Vielleicht zu einem Konzerthöhepunkt des Jahres gehen? Klingt doch ganz ok, so als Idee.
Archie Bronson Outfit gastieren heute im Universum, im Gepäck ihr formidables neues Album Coconut.

Wie so gerne mal bei tollen Bands der Psychedelicrock-Richtung, könnten sich in Stuttgart ruhig auch mal mehr Zuschauer zusammenfinden. Sollte vielleicht mal näher erforscht werden, ob’s da irgendeine Unvereinbarkeit gibt zwischen schwäbischer Gemütsverfassung und Psychedelicrock. Egal, dumme Annahme, sieht wahrscheinlich überall gleich aus.
Aber die Stimmung wird einiges wettmachen, und schlussendlich ist das Universum dann doch noch recht angenehm gefüllt.

Als wir im Universum aufschlagen, bietet sich folgendes bizarres Szenario: Mann mit Bart, Sonnenbrille, Baseballkappe und Holzfällerhemd hockt auf der Bühne am Keyboard, bedient nebenher noch einen Drumcomputer und spielt Alleinunterhalter-Psycho-Hop. So stell ich mir das vor, wenn man jemanden noch halb zerschossen vom Acid auf die Tastatur loslässt. Aber sehr unterhaltsam diese wirre Vorstellung, mir gefällt’s.

Kurze Umbaupause, und das englische Trio kommt auf die Bühne, dabei haben sie noch einen Keyboarder, Quartett also.
Bezaubernd das Outfit: psychedelische Umhänge, deren Herkunft nicht ganz geklärt ist. Gut vorstellbar, dass die Eltern der Bandmitglieder sich zur Zeit über das Verschwinden ihrer Gardinen, bzw. über geschälte Sofas wundern. Letzte Stylinganmerkung noch: Basser und Gitarrist tragen Espandrillos.
Verspricht das Aussehen schon einiges, hält die Musik aber wirklich alles. Der Einstieg ist das sehr psychedelische, und an die seligen Pink Floyd zu Barretts Zeiten erinnernde You Have A Right To A Mountain Life. Hier wird schon klar was einen diesen Abend erwartet: trippy monday! Viel Zeit verschwendet wird nicht. Kurzes Dankeschön, hektisches Gitarrenwechseln, und weiter mit Magnetic Warrior. Das Set ist eine gelungene Mischung aus alten und neuen Songs. Da gibt es schrägen Funk ala Chunk und stumpf-geile Oberton-Gitarren Rocksongs wie Wild Strawberries. Auf die Uhr schaue ich während des Auftritts kein einziges Mal. Der flehende Gesang von Sänger und Gitarrist Sam Windett, der Bass, bzw. die Noisegitarre von Dorian Hobday, plus das so treibende wie fein nuancierte Schlagzeugspiel von Mark Cleveland ergeben einen perfekten Gesamtsound, in welchem sich der Keyboarder bestens einfügt. Schmutzig genug,  druckvoll wie Sau, clever arrangiert, tolle Kompositionen, State Of The Art Psychedelic im Jahr 2010.
Es erinnert bei den rockigeren Songs gerne mal etwas an Spacemen 3, Harness (Bliss) löst bei mir gar Hawkwind Assoziationen aus, bei Shark’s Tooth pumpt dann plötzlich ein Discobass.
Das Ganze wird mit einer Energie über einen gegossen, dass man nur staunen kann. Man sagt mir, ich solle schreiben, dass es das Konzert des Jahres sei (ok, aber Orwell gab’s auch noch). Und anfügen soll ich noch, dass es viel länger als knapp über eine Stunde hätte dauern müssen. Ok, richt ich auch aus. Stimmt ja auch. Andererseits, wer qualitativ so durchgängig geil abliefert, darf auch nach einer Stunde gehen.
In den Genuss zweier Zugaben kommen wir noch. Zuerst eine schleichend-schleppende Nummer in bester The Black Angels Manier, und zum Abschluss das fröhliche Südstaaten Popstück Run Gospel Singer.
Bin schwer begeistert und hol mir morgen gleich ein Paar Espandrillos. Mal bisschen den eingefahrenen Style dieser Stadt aufmischen.

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„Die Musiker von Kraftwerk wollten mit Maschinen den Menschen ersetzen. Ich habe da einen völlig gegensätzlichen Anspruch. Ich arbeite eher wie ein Maler, der auf ein abstraktes Bild Schicht für Schicht aufträgt. Ich vergleiche das Arbeiten mit Synthesizern gerne mit dem Kochen. Auch elektronische Musik kann fühlbar und organisch sein.“
(tagblatt 03.03.2010)

Um es gleich vorweg zu nehmen. Faszinierendes Konzert in der Porsche Arena. Von der ersten Minute an kommt dieses Bladerunner-Feeling auf, die kühle Ästhetik der Elektronik beeindruckt, die klaren Linien der Synthie-Aufbauten und die riesige Leinwand dahinter reduzieren das Bühnenbild auf das angenehm Nötigste. Wenig lenkt von Maschinen und Musik ab, vor allem keine schwitzenden Menschen, die ihren Instrumenten mühevoll Töne abringen und ständig Sachen ins Publikum schreien. Weiß ja nicht, ob das ein Kriterium für ein cooles Konzert ist, dass Künstler nach einem Konzert genauso gut aussehen sollten wie am Anfang; hat aber Stil und kommt auf jeden Fall von nun an auf meine Checkliste.
Mag der Anspruch Jean Michael Jarres´, nimmt man das Anfangszitat, beim Komponieren ein anderer sein, doch die Hauptrolle beim Konzert spielen die Maschinen. Die Bühne wird eingenommen von Synthesizern, aufgeteilt in 3 x 3 Vierecke, inmitten jeder quasi Wagenburg ein Musiker verschanzt, Jarre besetzt das mittlere Viereck, das am nächsten zur Bühne steht – klar.
Mit den ersten blubbernden Bässen von Oxygene 1, bewegt sich Jarre von einem Synthie zum anderen, spielt hier ein paar Akkorde, dreht dort ein paar Knöpfe, wer wen dirigiert und spielt, ganz klar ist das nicht – bis zum Ende. Daran ändert auch Jarres Ansprachen an das Publikum und gelegentliches Vorstürmen an den Bühnenrand nichts. So entsteht einer der beeindruckendsten Momente für mich, als er die Bühne verlässt, um ein Akkordeon zu holen (wie man dann sieht), um den Track„ Chronology“ zu begleiten. Der Maschinenpark spielt indessen weiter, das Publikum geht mit und man hat das unbestimmte Gefühle, yeah, die Maschinen haben gewonnen und spielen jetzt erst richtig auf. Wenn elektronische Musik auch immer ein Stück weit eine Entfunktionalisierung des Menschen ist, dann wird das in diesem Moment sehr klar.

Und dann die Laserharfe. Überhaupt. Diese Vermengung von Licht und Töne gelingt den ganzen Abend – zu sehen, wie Jean Michel Jarre in die Laserstrahlen greift und damit Töne produziert, die sich einfügen in die Restmusik, ist schon geil. Kennen tut man die Titel alle. Schwer zu sagen, wo Pop anfängt, der Bombast zu viel wird – vielleicht auch doof Sachen aus einem Zeitkontext zu reißen und dann viele Jahre später beurteilen zu wollen. Melodien, die man mit pfeifen kann, werden mir immer ein wenig suspekt bleiben. Doch für diesen Abend passt schon alles, Jean Michel Jarre ist ein Großer und alles andere auch. Elektronische Musik raus aus dem Laptopmief des Kinderzimmers in eine große Halle auf so ein Entertain-Niveau zu bringen, soll ihm erst jemand nachmachen.

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Nachdem bereits ein Interview mit Nebula auf Gig-Blog zu lesen war, absolviert das Power-Trio heute in der Stoner-erprobten Röhre eine Show, als Support stehen die Stuttgarter Ants On Earth auf der Bühne. Zu dieser Band – die, wie der Sänger uns wissen lässt. auch “Ameisen auf der Erde”  genannt werden kann – gibt es zu berichten, dass sie das Rad nicht neu erfunden haben, dafür aber ganz ordentlich spielen können. Die obligatorische Einflussanalyse ergibt bei mir und Kollege Lino das gleiche, wenig überraschende Ergebnis:  Kyuss, Down, und logischerweise schwebt der Geist von Black Sabbath über dem Quintett. Für eine Vorband sind die Jungs recht lange auf der Bühne, und holen  zum Ende hin noch einen Gastsänger ins Boot. Hoffen wir, dass die Tour mit Nebula noch weitergeht für die Ameisen, denn das steht heute noch nicht genau fest. Passen würde das soundtechnisch auf jeden Fall.

Zu Nebula gibt es noch zu berichten, dass die Band auch schon weit über zehn Jahre im Geschäft ist und sich das Personalkarussell schon ordentlich gedreht hat. Ein uns bekannter Ruben Romano von The Freeks hat hier auch schon  mitgemischt.  Eine weitere Verbindung kann zum ” Master Of Reality” Chris Goss geknüpft werden, der schon als Produzent für die Band tätig war. Der Ritterschlag für die Combo liegt  schon eine ganze Weile zurück, dürfen sie sich doch zu dem exklusiven Kreis derer zählen, die auf dem (mittlerweile bankrotten) Frank-Kozik-Label “Man’s Ruin” eine schnieke 10″ veröffentlichten. Das Label ist für “Stoner-Rock”  fast so wichtig gewesen wie Black Sabbath und Jamaican Lambswool.

Die Dudes betreten kurz nach Rückzug der Vorband in der leider immer noch nicht voller gewordenen Röhre in szenetypischen Outfits die Bühne und rocken ordentlich los. Zum Besucheransturm sei kurz erwähnt, dass wir von Bands wie Witch und The Freeks aus erster Hand erfahren haben, dass in Städten wie Hamburg oder selbst Los Angeles unter der Woche kaum mit gefüllten Clubs gerechnet werden kann. Ein Pluspunkt für unsere Hauptstadt, über die Harry Rowohlt  mal sagte, ausgehend davon, dass wenn er in Stuttgart leben würde,  er niemals ohne sichtbaren Stadtplan das Haus verlassen würde, damit man ihn nicht für einen Einheimischen hält. Nett.

Gleich zu Beginn verschießen die hageren Amis einiges an Pulver. “Giant”, der einzige von ca. vier Hits, die mir bekannt sind, wird heute Abend gespielt – ein Stück, dass der Band hoffentlich schon ordentlich Kohle in die Portokasse “gespielt” hat, ist es doch auf dem Soundtrack von irgendeinem, mutmaßlich milliardenfach verkauften Tony-Hawk-Spiel zu hören. Gleich im Anschluss kommt – für mich sehr überraschend – ein Cover vom Iggy&The Stooges Stück “Search&Destroy” – überraschend deshalb, weil diese großartige Übernummer eindeutig Zugabenmaterial ist. Wer das Lied über einen jungen Kerl mit einem Herz voller Napalm  nicht kennt – ändern! Ich könnte hier noch einige Zeilen diesbezüglich ranhängen, lasse aber ein Bild sprechen. Das ist der Rücken von Henry Rollins. Nuff said. Halt, die Nebula-Version hat mich nicht richtig überzeugt, aber auch die von den Chili Peppers (sogar veröffentlicht) kommt nicht in die Nähe des Originals.

Zu bemängeln ist auch mal wieder die Beleuchtung – wenn schon Psychedelic Rock dann bitte aber auch mehr bunte Farben, Geblubbere auf einer Leinwand, oder aber nur um des Guten Willens wegen – eine Lavalampe. Ist das denn so schwer?

Es folgen durchgehend gute, natürlich rockige Stücke mit massig Leads zu denen unser Getränk des Abends (Bier) bestens schmeckt.  Gefehlt haben mir natürlich super Stücke wie “Sun Creature” oder  “Anything from you”. Immer wieder ärgerlich wenn Bands die Lieblingsstücke beim Konzert auslassen, habe ich schon viel zu oft erlebt.  Mein erklärtes Ziel: Irgendwann via Gig-Blog genug Macht über die Bands zu haben, damit genau das nicht mehr passiert.

Gefallen hat es uns trotzdem mal wieder, ein Ende der New Wave of Psychedelic/Stoner-Rock ist zum Glück noch nicht absehbar.

Die Band hat noch Bedenken bezüglich der Grenzkontrollen in diesem komischen kleinen Land geäußert – Gig-Blog wünscht von dieser Stelle aus viel Glück. Die Bedenken haben nicht mögliche Visa-Problemchen betroffen…

Hier gibt’s noch mehr Fotos.

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Da „muss“ ich mir nun also im Nachhinein das Dabei-Sein beim letztjährigen Gig-Blog-Weihnachtsessen verdienen, indem ich endlich auch mal wieder einen Artikel schreibe.

Meine Bring-Schuld aus 2009 also gerade noch nicht vergessen habend, kommt mir ein Konzert wie dieses recht mit einem Still-Kind zu Hause: in Laufnähe im Kulturzentrum Merlin im Stuttgarter Westen, das ganze bestuhlt (auch nicht unwichtig, wenn man wenig Schlaf hat in der Nacht) in intimer Atmosphäre mit etwa 100-120 Gästen, gefühlt alle über 35 und zwei charmante Frauen, die mit wunderbaren Stimmen viele viele kurze (herabgesetzte Aufmerksamkeitsspanne durch Still-Demenz) Lieder singen.
Da stört es auch nicht weiter, wenn die Menschen vor einem in der Getränkeschlange (2 an der Zahl) Apfelsaft und „Random“-Bionade bestellen (da wollte sich der Gute wohl nicht für eine Sorte entscheiden)…

„It’s so exciting to have a new record, it’s like having a baby“ (letzteres kann ich bestätigen) schwärmt Emily Manzo (Wurlitzer-e-Piano, Piano und Vocals), die heute Abend gemeinsam mit Christy Edwards (Gitarre, Bass, Drums und Vocals) ihr drittes Album „No Rest“, erschienen auf Klangbad präsentiert. Laut ihrem Label gehören die beiden zu der zurzeit tonangebenden Musikszene Brooklyns.

Die New Yorkerinnen, die sich in der Punkgruppe Lil`Fighters gefunden haben, und unterschiedlicher kaum sein könnten (was ihre musikalische Herkunft aber auch ihre Kleidung am heutigen Abend angeht: Emily trägt ein schwarzes elegantes Kleid, Christy trägt Jeans, T-Shirt und Trekkingschuhe – aber man soll ja nicht so aufs Äußere schauen) harmonieren vortrefflich, wenn sie gemeinsam singen und folkige wie avantgardistische Töne anstimmen.

Lino beschreibt das Christy&Emily-Konzert im letzten Herbst so schön als „psychedelisches Sound-Gewabere“ – psychedelisch scheint’s mir nur an manchen Ecken. Weil ich es treffender nicht sagen könnte, hoffe ich, an dieser Stelle das Label zitieren zu dürfen (und damit bei den anderen Damen und Herren Gig-Blogger durchzukommen): auf Struktur wird oft verzichtet und ungewöhnlich instrumentiert – und gerade das Ungewöhnliche aber Eingängige, gepaart mit dem zauberhaften Gesang, der zerbrechlich und unheimlich ergreifend über den Soundsphären schwebt, macht die Musik von Christy & Emily zu einem besonderen Erlebnis zeitgenössischer Musik.

Mich ziehen hauptsächlich die Songs in ihren Bann, in denen beide Damen in gleichen Teilen ihre doch unterschiedlichen Stimmen zum Einsatz bringen und ich vermisse schon die eine, wenn nur die andere zu hören ist. Irgendwie hat es auch was Verschrobenes, aber im positiven Sinne.
Die beiden schaffen es, in ihren zarten, leisen, zweistimmigen Partien, die mich, was die Wirkung auf mein Inneres angeht, an „die Männer, die singen“ (mein Sohn meint damit die beiden Norweger Erlend und Eirik von den Kings of Convenience) erinnern, mich ebenso wie jene zu verzaubern und mich auf wunderbare Weise mit einem Gefühl von heiterer Aufgeräumtheit und innerer Ruhe zu hinterlassen.

Und was könnte einem besseres passieren, wenn man dann durch die kalte Winternacht zurück darf in seine Altbau-Wohung, in der ein kleines Würmchen schreiend auf einen wartet, weil’s Hunger hat…

Hier gibt’s noch mehr Fotos von Christy & Emily.

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Zum Thema “musikalische Frau-Mann-Duos” wurde ja vom Obersovjet von der liebreizenden Chefin schon bei Handsome Furs eigentlich alles gesagt. Außer Wolfgang und Anneliese hat da ja niemand gefehlt, und aus dem Traumduett Schwarzer-Bushido wird ja vorerst mal nix. Bevor ich nun also aus einem Zwang zur originellen Einleitung heraus auch nur minimalst in die Nähe von Mario Barth Fahr(brack)wasser geraten sollte (lies: Altherrenwitz), lass ich ‘nen verzwungenen Mann-Frau Einstieg lieber weg.

The Raveonettes holen ihr im Dezember abgesagtes Konzert heute Abend nach und legen gleich mal einen Auftritt hin, der in meiner Jahresendliste bestimmt ganz vorne stehen wird. Bin mal wieder extrem ahnungslos hier und kenne eigentlich nur Last Dance von diversen The Tights-Abenden. Erwartungshaltung also eher Richtung reinem Pop verschoben. Mit den Zutaten psychedelischen Noisegitarren und Velvet Underground-artigen Rhythmen hab ich nicht gerechnet.
Umso mehr begeistert mich was ich da geboten bekomme. Die Beiden haben einen Bassisten und einen Schlagzeuger dabei, was live selten ein Fehler ist, und ziehen eine Soundwand hoch, die geprägt ist von lauten, psychedelischen Fuzzgitarren und manchmal verzerrten Bässen, die oft im Gegensatz stehen zu dem unaufgeregtem, zweistimmigen Gesang von Sune Rose Wagner und Sharin Foo. Während also die instrumentale Seite gerne sich mal soundtechnisch an Bands wie Sonic Youth oder sogar The Black Rebel Motorcycle Club annähert, bringt der Gesang wunderbare Popmelodien in ihre Musik. Anvelvetisierter Shoegazepop oder so was, keine Ahnung, es klingt einfach nur saugeil.
Wirklich herausragende Songs, nicht die Spur langweilig, da ab und an auch sehr langsame Stücke, die schön verstörend auch auf den Twin Peaks Soundtrack gepasst hätten, sich abwechseln mit schnelleren Tracks und Midtempostücken wie z.B. Aly, Walk With Me. Letztere gefallen mir am besten, aber ich red hier von Nuancen. Jeder Song ist ein Volltreffer und berührt mich auf eine positive Art und Weise, wie es eben nur Musik in ihren besten Momenten kann.
Die Zuschauer in der gut gefüllten Manufaktur quittieren dies auch mit zunehmender Begeisterung. Nichts schaden tut bestimmt auch das Aussehen von Sharin Foo, die, so bekomme ich zugeflüstert, mal an Kate Moss, mal an Sophie Ellis-Bextor erinnern soll. Mag sein, bin allerdings viel zu sehr von der Musik gefesselt, als mich damit befassen zu können. Viele Zuschauer wohl aber nicht, denn selten wurde jemand während eines Konzerts so oft abfotografiert und gefilmt wie die gute Dame.
Für ein paar Stücke wechselt sie übrigens mit dem Schlagzeuger die Instrumente und trommelt anstatt Gitarre zu spielen.

Nach einer Stunde ca. ist das reguläre Set um, aber die drei Zugaben Last Dance, Attack Of The Ghostriders und That Great Love Sound runden dieses fantastische Konzert noch mal ab. Killer!

Nachtrag: am Merchandise kaufe ich mir bei Sharin Foo noch paar CDs und geb ihr unseren Flyer mit, und ja, aus nächster Nähe so…also ganz objektiv und 100% unchauvinistisch…eine ganz prächtige Schönheit!

Hier gibt’s noch mehr Fotos.

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