Ein Konzert von Sunn O))) könnte wahnsinnig langweilig sein: Zu sehen gibt es nichts, die – laut Setlist – rund 20 Stücke klingen wie eines und sind eigentlich nur unstrukturierter Lärm, der sich über zwei Stunden kaum verändert. Bis auf die abnorme Lautstärke klingt das einschläfernd. Im Gegenteil aber tritt in keinem Moment Langeweile ein: Zu überwältigend und nuanciert ist der Sound, und zu stimmig ist das Konzept – inklusive Teileinsturz der Halle.

Sunn O))), der bekanntesten Drone Doom-Band, eilt ein großer Ruf voraus. Es ist die am meisten beachtete Band ihres Genres. Und auch auf gig-blog ist sie schon von Tox und bertramprimus gewürdigt worden. Nun ist Drone Doom nicht gerade die Musikrichtung, die Bands den größten musikalischen Spielraum lässt. Tatsächlich ist sie mehr ein Spiel mit dem Sound: Sie ist beschränkt auf einen Halteton, den Bordun, welcher musiktheoretisch nur als Begleitung einer Melodie dient. Diese Melodie aber wird hier weggelassen. Dafür wird der Halteton, mit der runter gestimmten Gitarre oder dem Bass erzeugt, an Lautstärke ins Unermessliche gesteigert, bis die gesamte Wahrnehmung von diesem Dröhnen erfüllt ist. Außer dem Klang selbst wird dabei alles weggelassen, was üblicherweise Musik auszeichnet.

Angesichts dieses Minimalismus davon zu sprechen, dass Sunn O))) – oder irgendeine andere Band des Genres – die Beste sei, halte ich für überzogen, denn woran sollte sich das messen lassen? An der Wahl der Verstärker und Effektgeräte? An der Leistung des Mischers? Insofern bin ich durchaus der Ansicht, dass Sunn O))) überbewertet sind – relativ zu anderen Bands des Genres versteht sich. Dass diese ganze Art von Musik (oder Klang) Geschmackssache ist, ist selbstverständlich. Also, ich mag’s.

Wenn alles außer dem Klang weggelassen wird, ist der Klang alles, das A und O. Und genau als solches wird er hier auch verehrt. Ein Sunn O)))-Konzert hat eine quasi-religiöse Dimension. Und dementsprechend treten die Musiker auch wie die Priester einer Klangreligion auf: Ohnehin schon in übergroßen Mönchsroben gekleidet, erheben die beiden amerikanischen Gitarristen Stephen O‘Malley und Greg Anderson immer wieder die Arme in einer Anbetungsgeste in die Höhe. Gegenstand dieser Verehrung ist das, was aus den zwölf Boxentürmen mit Topteilen heraus wummert, die wie ein elektrisches Soundhenge im Halbkreis um sie errichtet sind. Perfekt ausgedrückt wurde das eigentlich von einer ganz anderen Band: Auf einem Black Shape of Nexus-T-Shirt sehen wir Jesus als Cristo Redentor mit ausgebreiteten Armen vor einem Verstärkerturm stehen. Der Sound ist Gott. Unser Gott ist der Sound.

An diesem Abend hat er drei Phasen: In der ersten, 25 Minuten währenden, beschert uns der australische Synthesizer-Artist Oren Ambarchi erst ein Stück aus verfremdeten, Didgeridoo-artigen Sounds mit gebetartigem, unnatürlich tiefem Murmelgesang, bevor eine Kakophonie aus unterschiedlichen Blasinstrumenten losbricht, die nach und nach durch tiefe Streicher und zupfbare Saiteninstrumente unterschiedlicher Art sowie schließlich Klavier angereichert wird. Das Ganze findet in einem derart dichten Nebel statt, dass ich mir nicht sicher bin, ob überhaupt jemand auf der Bühne steht. Auch später werde ich von Oren nur die Hände sehen, denn alles andere verschwindet unter der Mönchsrobe, welche auch die beiden Gitarristen tragen, die ich schließlich im Nebel erkennen kann.

Sie stimmen die zweite Phase des Konzertes an: Eine einzige Homage an den Sustain, jene wunderbare Eigenschaft, welche erst die Erfindung der E-Gitarre möglich gemacht hat, dass sie nämlich dank Rückkopplung endlos klingen kann, ohne wieder angeschlagen zu werden. Herbert Grönemeyer hat einmal diesen schlimmen Popsong geschrieben:

„Sie mag Musik nur, wenn sie laut ist
Wenn Sie in den Magen fährt“

Bei Sunn O))) hätte sie auf jeden Fall vergessen, dass sie taub ist. Sie sind ausschließlich tieffrequent. Und sie sind so laut, dass man die Musik nicht nur mit dem Magen, sondern selbst mit den Zählen hören kann. Gehörschutz ist da Pflicht. Und deshalb tragen die Musiker unter ihren Mönchsroben auch ganz unprätentiösen Kapselgehörschutz wie die Bauarbeiter. Ich habe ein echtes Faible für den Klang der E-Gitarre. Vielleicht geht mir deshalb bei so etwas derart das Herz auf. Sunn O))) ist gewissermaßen die musikalische Entsprechung zum Abstrakten Expressionismus eines Mark Rothko. Sich mit dieser Kunst und Musik zu befassen, ist eine fast meditative Handlung. Man kann ganz im Klang aufgehen. Mehr macht das Publikum freilich auch nicht. Es steht einfach da. Wie wollte man sich zu einem schwebenden Ton, welcher das Gebäude bis in die Grundfesten erschüttert, auch bewegen?

In der 57. Minute betritt schließlich der Ungar Attila Csihar die Bühne und deutet damit den Beginn der dritten Phase des Konzertes an. Mehr als eine Andeutung ist es aber nicht, denn erst in der 75. Minute fällt der Stupor von ihm ab, und er wendet sich dem Mikrophon zu. Zuvor jedoch erreicht der zweite Teil seinen eindringlichsten Abschnitt, in welchem man befürchten muss, dass das Oropax versagt. Es ist eine ungeheuerliche Wand aus purem Klang, so voll, so dicht, man weiß nicht, wie man’s nennen soll. In diesem Moment scheppern sogar die Bleche der Scheinwerfer an der Decke. Außer dass man das Beben der Kleidung auf dem Leib spürt, bleibt aber alles unbeweglich: im Publikum und auf der Bühne.

Attila, der mit Mayhem noch in einer zweiten Band spielt, die wie Sunn O))) ganz weit oben auf der Liste des Krassesten steht, was Musiker bisher hervorgebracht haben, steuert dann den für ihn typischen vielschichtigen Gesang bei, wobei er zwischen gesprochenen, gesungenen und mal einatmend, mal ausatmend gegrowlten Passagen wechselt oder Black Metal-typisches Keifen von sich gibt. In dieser dritten Phase des Konzertes kommt dann auch die meiste Abwechslung in die Musik. Eine Abwechslung, die zumeist darin besteht, dass Synthesizer und Gitarren um die Vorherrschaft in diesem Gewitter obskurer Sounds streiten, worin die beiden vorherigen Phasen folgerichtig aufgehen.

Und es ist auch hier, in der 113. Minute, dass ich schmerzhaft von einem mittelgroßen Blechteil an der Schulter getroffen werde, dass sich aus seiner Verankerung in der Decke gelöst hat und zu Boden stürzt. Recht zügig leert sich dieser Abschnitt des Saales, da offensichtlich ist, dass demnächst noch mehr der Deckenlampen auseinanderfallen werden. Das Jubez ist also offensichtlich nicht für Sunn O))) gebaut. Anders das Publikum, das nach dem plötzlichen Abreißen der Soundwand in der 124. Minute lauthals nach einer Zugabe schreit. Vergeblich allerdings. Leider! Aber Sunn O))) werden wieder kommen. Dann wieder dabei zu sein, ist unerlässlich.

Kaum zu glauben, dass dieser Kurt Vile mit “Smoke Rings for my Halo” schon sein viertes Album am Start hat, so unbeholfen stakst der Prototyp des Physikstudenten im 18. Semester auf die sparsam beleuchtete Bühne der Manufaktur. Dabei gilt er unter Folk-Freunden, abseits der armen Fans der ewiggestrigen Fleet Foxes, Noah & the Whales und wie sie momentan alle heißen, längst nicht mehr als Geheimtipp, eher als Songwriter der Stunde, und das schon seit Monaten.

Weil: Grundehrlich verpennt sind seine Songs, polaroidig verwaschen, so, als wenn man aus einem erholsamen Schlummer erwacht, dann merkt, dass man den Tag ja frei hat, und deshalb einfach zufrieden weiterschlummert. Ist nicht von mir, ist von Kurt Vile. Hört sich in etwa so an, wie das Video seines Baby’s Arms aussieht und klingt. Und gilt auch nur für die Studioalben, denn für Live-Konzerte hat der Mann gelegentlich seine drei Freunde von den Violators dabei, die so klingen wie sie heißen. Leute, die dazu schlummern, will man nicht kennen.

Die Sonntag-Nachmittag-Schlummersongs der Alben sind in den Violator-isierten Versionen mit drei Gitarren und dem fantastisch rumpelnden Schlagzeug so abgrundtief ver-lo-fi-rockt, dass manche Fans sie vielleicht noch am Text wiedererkennen können. Eigentlich ist das hier aber ein zweites Paar Schuhe.

Die Violators erzeugen eine laute wabernde Wand aus sich überlagernden Gitarren, auf einen Bass wird verzichtet, diese Rolle übernimmt Meat Loafs kleiner Bruder am Schlagzeug; er hat drei oder vier  Floortoms um sich herum aufgebaut, auf die er mit Maracas oder der bloßen Hand eindrischt und so ein fantastisch treibendes Tieftongeboller erzeugt, das die Wände zum Wackeln und den Magen zum Grummeln bringt wie eine Portion Sri-lankisches Curry. Vile nuschelt dazu immer noch so verträumt wie auf Platte, bloß bekommt das durch die durchgehende Huldigung des vollaufgedrehten Verstärkers nun einen fesselnden psychedelischen Charakter, Zeit ist plötzlich egal, eigentlich könnten die vier ewig so weitermachen.

Wie viele Lieder sie am Ende gespielt haben, keine Ahnung. Jedes Stück wird würdig zuende gejammt, toller Spannungsaufbau wechselt mit minutenlangem Auskosten aller Rückkopplungs-Effekte, die man mit einer E-Gitarre und einem Verstärker so erzeugen kann. Voll Sechziger denkt man, voll Mick-Jagger-Genöle, aber auch voll heute, voll locker, voll eigen, voll einfach gemacht und deshalb voll gut. Unkompliziert. Unbeschwert. Einmal fragt jemand zwischenrein, wie er das deutsche Bier findet, da grinst er nur, schwankt dann ein bisschen herum, tut beschwipst, freut sich über diese prima Antwort diebisch einen in seine Haarpracht hinein und stimmt das nächste Lied an.

Am Ende der Freak Train, das kennt man wieder, flotter Indie-Folk zum Autofahren im Sommer, dabei Rauchen. Das Publikum, erst verhalten, klatscht KV&TV für eine Zugabe auf die Bühne, und dann, da ist schon das Saallicht und Hintegrundmusik an, für noch eine. Macht er, klar, entspannt.

Heute Abend ist im Universum alles auf retro eingestellt. Die beiden Bands Jex Thoth und Godless Funk of Bonanza beziehen aus den 1960er und 70er Jahren ihre Vorbilder. Dort sind es Proto-Doom und Psychedelic Rock, die es den Musikern und natürlich auch ihren Fans angetan haben. Und darin findet sich dann auch jede Menge musikalischer Zunder, der so mancher nur aufs Aktuelle blickenden Band abgeht.

Abgesehen von diesen gemeinsamen Wurzeln und ihrer Vorliebe für Orange-Verstärker unterscheiden sich die beiden Bands allerdings in Vielerlei. Während die Stuttgarter Godless Funk of Bonanza ihr gerade mal drittes Konzert spielen und zwar ein Demo aber keinen Plattenvertrag haben, ist Jex Thoth schon zum dritten Mal in Europa auf Tour und hat zwar nur ein Album, aber mehrere EPs im Gepäck. Als Restgemeinsamkeit steht wohl fest, dass beide mehr Platten veröffentlichen sollten. Außerdem ist Godless Funk of Bonanza stimmlos, und Jex Thoth hat eine Stimme. Und was für eine: betörend samtig, rauchig. Und das ist noch nicht alles.

Bevor ich das alles erläutern kann, muss ich aber auf den Verlust der dritten angekündigten Band Pancakes hinweisen. Die Pforzheimer hätten ja auch einen Retro-Touch gehabt, mit ihrem Surf Rock und Fuzz beeinflussten Psychedelic Rock, und auch an Stimme hätte es ihnen nicht gefehlt, wenn Sängerin Daniela Neeff nicht hätte krankheitsbedingt absagen müssen. Pancakes jedenfalls können mit einer größeren Zahl von Veröffentlichungen aufwarten. Ihr Auftritt wird am 6. Oktober als Vorgruppe von White Hills nachgeholt.

Auf der klanglichen Ebene sind heute Godless Funk of Bonanza mehr retro als die amerikanische Hauptband, wobei ich mir durchaus vorstellen kann, dass dies etwas mit einem drastischen Besetzungswechsel im Lager Thoth zu tun hat. Endgültig, wie ich mir bestätigen lasse, nicht mehr dabei sind der bisherige Bassist und der phantastische Keyboarder. Letzteren empfinde ich dann doch ein wenig als Verlust. Er hatte mit seinem Hammond-Organ- oder Vox Continental-Sound eine ganz spannende sehr 1960er-mäßige zusätzliche Komponente eingebracht, die sich auf der EP „Witness“ deutlich verstärkte und sich auf der letzten Tour auch beim älteren Songmaterial erweiterte. Stattdessen hat Jex Thoth jetzt zum neuen Bassisten einen zweiten Gitarristen engagiert. Das verändert den Gesamtsound natürlich wieder deutlich, und vor allem wird er um einiges härter. Die doppelten Melodieläufe von Gitarre und Keyboard funktionieren bei völlig anderem Sound allerdings ebenso gut mit zwei Sechssaitern – solche Passagen gab es übrigens auch bisher: bei „Slow Rewind“. Diese relative Härte aber ist untypisch für die Referenzzeit.

Anders bei Godless Funk of Bonanza, die einen ganz weichen, warmen Sound haben, meist nur mit leichter Verzerrung arbeiten. Live habe ich wie auf Platte den Eindruck, dass sich die Band hier ein wenig an den Münchnern Colour Haze anlehnt, denen sie sicherlich auch in ihren psychedelischen Songs einiges verdankt, wenngleich der Blickwinkel der Songs ein wenig anders zu sein scheint. Während bei den Münchnern – wie übrigens auch bei Jex Thoth – Melodie und damit auch Gesang kompositorisch im Vordergrund stehen, bauen sich die sehr jammigen Stücke der Stuttgarter aus der Rhythmusgruppe auf, über deren mal zarter, mal treibender Arbeit die Gitarre dann dahinfließt. Als Restgemeinsamkeit – wenn man mal von den Wurzeln absieht – bringen auch Godless Funk of Bonanza in ihrem zuletzt gespielten neuen Stück „Damiana“ härtere Töne als üblich; auch Jex Thoth können jammig klingen, etwa am Anfang von „Stone Evil“, allerdings nicht in der heute gespielten Fassung.

Stilistisch verwenden Jex Thoth natürlich wesentlich songorientiertere Strukturen, um diese so sehr zum Mitsingen auffordernden Refrains zwischen die – naja – sehr zum Mitsingen auffordernden Strophen einzugliedern. Nichtsdestotrotz finden sich auch bei den Okkultrockern lange Instrumentalpassagen als Bridges. Auffallend ist natürlich der doomige Gesamtcharakter, der sich aus dem zumeist sehr getragenen Tempo der Songs und den lange ausgehaltenen Noten sowohl im Gesang als auch auf der Gitarre ergibt. Als Beispiel will ich hier mal nur „Warrior Woman“ nennen, das wie auf der letzten Tour als Zugabe gespielt wurde. Es ist zugleich ein Song, bei dem sich das Ersetzen des Keyboards sehr deutlich zeigt, war er davon doch eigentlich getragen. Dem Stück tut das aber keinen Abbruch.

Nach einer Songorientierung muss man dagegen bei Godless Funk of Bonanza vergeblich suchen – sofern man das überhaupt möchte. Die große Stärke der Band ist es sicherlich, solch lange, abwechslungsreiche psychedelische Arrangements aufzubauen, die keinen einfachen Regeln folgen. Den Begriff psychedelisch hatte Aldous Huxley in seinem Essay „The Doors of Perseption“ erfunden, um die Wirkung von LSD und anderer Substanzen auf das Bewusstsein zu beschreiben. Die vom LSD beeinflusste Musik des Psychedelic Rock kann, wie man bei Godless Funk of Bonanza sieht, eine ebensolche Wirkung entfalten, weil man mit ihr davondriftet und in den Noten aufgeht, während man alles um sich vergisst. Die Stücke sind jeweils so originell aufgebaut, dass man nie sagen kann, wie sie sich weiter entwickeln, dass sie immer überraschend bleiben. Dabei werden sie jedoch nicht unzusammenhängend und beliebig, sondern entfalten einen einheitlichen Charakter. Und sie haben die Eigenschaft, einen am Ende wieder ganz sachte auch den Boden zurück zu stellen, bevor sie enden. Mit diesem Konzept war es den Jungs schon auf ihrem Debütkonzert vor einigen Wochen im 1210 fast gelungen, die Amerikaner Flying Eyes an die Wand zu spielen. Als Restgemeinsamkeit ist die gemeinsame musikalische Heimat unverkennbar. Auch fallen Vor- und Hauptact hier qualitativ nicht nennenswert auseinander, wenn die bekanntere Band, weil sie Gesang hat und weil sie eine Sängerin hat, mehr Publikumsreaktion hervorruft. Aber was für eine Sängerin das ist!

Die Band Jex Thoth ist durch die Sängerin Jex Thoth immer ein synästhetisches Erlebnis. Als ich im vergangenen Jahr auf dem Doom Shall Rise erstmals einen Auftritt sah, habe ich nicht mehr erwartet als großartige Musik mit einer wahnsinnig schönen Stimme. Dank der stark überbelichteten Pressephotos war ja nicht zu erwarten, dass Jex auch dem Auge so wohlgefällig sein würde. Wie bei ihren bisherigen Auftritten spielen feierliche arkane Handlungen mit brennenden Kerzen und brennendem Räucherwerk eine große Rolle. Dann tanzt sich Jex langsam in einen extatischen Zustand bei dem man häufig nur noch ihre Augen aus den Haaren herausblitzen sieht. Während sie wieder fast vollständig auf Ansagen verzichtet, tanzt sie dem Publikum entgegen und reckt ihre Arme vor. Sie schüttelt und windet sich, bis ihr das Haar im schweißnassen Dekolleté klebt. Wie immer trägt sie hohe Stiefel und anfangs ein Cape, das später ein Oberteil mit geschlitzten Rücken zum Vorschein kommen lässt, als hätte sie nicht ohnehin schon genug Sexappeal, diese Femme fatale und Bacchantin. Sie ist nicht unterkühlt wie die Frauen, die sich ihrer eigenen Attraktivität zu sehr bewusst sind, sondern scheint sich, sich selbst genießend, irgendeinem obskuren verführerischen Kult hinzugeben, zu dem sie uns verleiten will, scheint wie eine Abgesandte des ewigen Verführers von dem Charles Baudelaire sagt: „Parfois il prend, sachant mon grand amour de l’Art, / La forme de la plus séduisante des femmes“ („Manchmal erscheint er, kennt er doch meinen Hang zur Kunst, in der Gestalt der verführerischsten aller Frauen“, aus: „Les Fleur du Mal“, CIX: „La Destruction“).

Mit Godless Funk of Bonanza kann ich persönlich da keine Restgemeinsamkeit konstatieren. Jedoch machen sie Ansagen, wenngleich Felix, der Schlagzeuger, sich nicht immer sicher ist, wie seine Stücke heißen, und er „Celsius“ mit „Peltor“ verwechselt, und von seinen Bandmitgliedern zurecht gewiesen werden muss.

Die vielfältigen Eigenschaften der beiden Bands haben aber noch eine – und dieses Mal nicht nur restliche – Gemeinsamkeit: Sie kommen sehr gut beim Publikum an und bescheren uns einen in jeder Hinsicht großartigen Abend. Also: Bitte ab ins Studio und dann wieder auf Tour kommen.

Seit Mitte der 1990er brodelt es im schwedischen Örebro. Wie mir Magnus Pelander mal bei irgendeiner Gelegenheit erzählt hat, war es ein Einzelner aus dem Freundeskreis, der damals plötzlich diese Rock-Platten aus den 1970ern anschleppte und mit dieser Entdeckung eine Welle von Örebro-Doom anstieß, die mit bis heute zunehmender Höhe über die westliche Hemisphäre rollt. 1995 gründeten sich dann Norrsken als erster Psychedelic Rock-Offspring, mit drei Demos an Veröffentlichung noch relativ arm. Aus deren Auflösung 2000 gingen neben den von Magnus gegründeten Witchcraft eben auch Graveyard hervor, die uns heute endlich im Zwölfzehn beehren. Vor zwei Jahren waren die beiden Bands sogar gemeinsam auf Tour, machten aber einen Bogen um Stuttgart.

An Bandgründungen aus diesem Umfeld gibt es aber noch mehr zu verzeichnen: Norrsken-Schlagzeuger Kristoffer Sjödahl machte nach dem Ende von Norrsken mit Dead Man weiter, familiär verbunden ist Norrsken- und Graveyard-Sänger Joakim Nilsson mit Asteroid, aus Witchcraft ergaben sich unterdessen Troubled Horse und die herrlichen, wenn auch musikalisch etwas anders orientierten The Winchester Widowmakers. Alles Örebro. Wobei man, wenn man schon diese illustren Namen aufzählt, die musikalisch verwandten Schweden Horisont und Sienna Root nicht unerwähnt lassen sollte.

So, das sollte mal reichen, um jedem Suchenden einen ersten aktuellen Psychedelic Rock-Overkill zu verpassen, es sei denn man wollte sich noch mit Spirit of the Dead beschäftigen, die für Graveyard als zweite eröffnen. Die erste Band des Abends, die Stuttgarter King Chrome, orientieren sich ja mehr am Südstaaten oder Stoner Rock. Der Vierer aus Oslo allerdings mischt eine ganze Reihe verschiedener musikalischer Einflüsse aus dem klassischen Psychedelic Rock mit einigen aus dem Stoner-Bereich, ohne sich einzelnen Vorbildern zu sehr anzubiedern. Freilich kommt hier dieses Feeling noch nicht so richtig auf, das den späteren Abend kennzeichnet. Die vielteiligen Stücke wechseln das Tempo fortwährend und schwanken zwischen ruhigen Passagen mit getragenen Solomelodien der Gitarre oder ganz leisen Klängen, die an Colour Haze erinnern, und heftigen aber immer nur kurz auftretenden Riffs. Als Anspieltipp möchte ich auf den selbstbetitelten Song verweisen. Bei ihrem kurzen Auftritt lassen die Jungs nichts anbrennen, so springt Sänger Ragnar Vikse beispielsweise auf die Bar, um das Publikum anzuheizen. Die Band ist kein schlechter Einstieg, kann aber mit dem Löwenanteil des oben genannten leider irgendwie nicht so ganz mithalten.

Dass Graveyard heute alles an die Wand spielen, war jedoch ohnehin klar. Über die Publikumszahlen können sich Radio Clash und das Zwölfzehn nicht beschweren, auch wenn die zahlreichen Vertreter von Graveyards neuer Plattenfirma Nuclear Blast nur die Getränke mit Geld bezahlen, den Eintritt aber einfach mit ihrem guten Namen. Der Getränke-Fluss ist nicht unerheblich, auch gehen der Bar schon bald die Biergläser aus. Da ja Freitag und nicht Donnerstag Feiertag ist, halte auch ich mich ans Bier, wenngleich ich feststellen muss, dass der Sound der Schweden auf etwas ganz anderes Lust macht: Ähnlicher Farbbereich, etwas dunkler, schärfer, rauchiger – und ohne Kohlensäure.

Nicht schwer zu sagen, woran das liegt. Vintage Sound. Psychedelischer Blues Rock mit phantastischer Stimme à la Led Zeppelin. Eingängige kraftvolle Gesangsmelodien mit griffigem Text. Etwa bei „Hisingen Blues“: „Nothing lasts forever“. Das kann der Örebro-Doom ohnehin gut. Wenn auch hier ganz ungewöhnlich schnell. Der ganze Sound ist rauchig. Vor allem die Stimme. „Uncomfortably Numb“ dann ist freilich nur beim Titel an diesem anderen Song angelehnt. Es ist der ruhigste und langsamste Song. Schöner Blues. Tut weh. „We both know we drift apart“, singt Joakim. Sie treffen einfach den Ton. Und man bekommt Durst – um dieses zuschnürende, kratzige Gefühl im Hals loszuwerden. Da bleibt man nicht distanziert. Kann ich auch beim Schreiben nicht, zumal nebenher wieder das neue Graveyard-Album läuft.

„When was the last time that you felt alive“, heißt es in “Bying Truth”, bei dem sich – schon einige Songs später – die zwei Gitarrenmelodien gegenseitig voran treiben, gehetzt vom Schlagzeug. Das hat schon deutlich zugenommen seit dem ersten selbstbetitelten Album, von dem wir neben einer ganze Anzahl anderer Songs auch „Thin Line“ zu hören bekommen, das ganz deutlich zeigt, in welchem Punkt Witchcraft, Graveyard und Asteroid zusammen hängen. Und das ist ja auch gut so, bei dem musikalischen Turkey, auf dem uns Witchcraft zurück gelassen haben, muss man doch stündlich mit deren Auflösung rechnen. Zum Schluss bekommen wir noch eine Zugabe. „Very nice to be here“, sagt einer der Musiker, nicht Joakim, ich kann aber nicht sehen, wer. Das ist mehr eine Aussage über das eigene Empfinden als Publikumslob und damit sehr sympathisch. Auch weil man sich direkt anschließen kann. Doch bald schon ist das Konzert vorbei. Noch auf dem Nachhauseweg geht mir immer wieder der Aufschrei des Publikums durch den Kopf: „We want more, more, more“. Graveyard sind und bleiben eben „Satan’s Finest“.

Situationskomik. Kann man eigentlich nie richtig erklären, ohne dabei wie ein kompletter Vollidiot dazustehen. Stonerrock ist da eine ähnliche Hausnummer:  funktioniert im Normalfall nur dann lückenlos gut, wenn man selbst sackedicht ist. Aber mal unter uns: im Nebel sind auch Hurts, Arcade Fire oder Minimal vom Kompakt-Label aus Köln einigermaßen arschgeil.

Muss man halt abwägen, ob man das in Kauf nimmt und eventuell später Fledermäuse auf der Theodor Heuss Straße jagt oder in der Unterhose auf der Verkehrsinsel die morgendliche Rushhour dirigiert und den zugereisten Polizisten zuruft: “Ich komme im Auftrag des Herrn”. Alle so: “Feddalder, Mordsgaudi”. Ich so: “Yeah, okay”. Dann doch kurz abgewägt, Feldversuch gestartet: nüchtern zu Acid King gegangen.

Psychedelic Doomrock aus San Francisco. Ihr Namensgeber: Ricky Kasso, auch The Acid King genannt. Ein durchaus interessantes Kerlchen, falls man gerne von einem druffen Wirrschädel zu Tode gequält und dann mehrmals erstochen werden möchte. Hat der gemacht. 1984. Danach hat er sich aufgehängt. Potential verballert, das war’s. Recht herzlichen Dank für die Aufmerksamkeit. Aber echt nix fürs Vorabendprogramm, mein lieber Scholli.

Deshalb lassen sich Acid King auch ordentlich Zeit. Der große Doompoet Kerker gab einst zu Protokoll: “Doom dauert”. Das stimmt heute besonders, denn die Bühne im Keller Klub ist leer. Band noch nicht da. “Die kommen um Acht”, sagt Veranstalter Micha, obwohl auch er weiß, dass längst halb Neun durch ist. Dann sind sie da.

Carlton Melton aus Californien fangen an. Irgendjemand muss ja. Trio, Post-Stoner-Drone-Psych-Was-Weiß-Ich-Denn-Herrgottzack, kein Gesang, 80er Synthie, jede Menge Lärm und Zubehör – plus Andy Duvall und Rich Millman, die einst bei Zen Guerrilla waren. Keine Ahnung, ob das stimmt. Hab Zen Guerrilla immer lieber angehört als angesehen. Hört man bei Carlton Melton aber nix davon raus.

Das hier ist ausufernder Acid-Rock, der mit dementsprechender Medikation wahrscheinlich tiersch einen wegfegt. Gibt’s im Keller aber nicht. Sind ja keine Apotheke und Franco an der Bar kein Apotheker. Nach zwei Liedern fällt das Spacerock-Dingsbums aber eh zusammen, weil zwei bis drei Ideen halt weniger sind als fünf bis neunzehn.

Der Rest ist auch simpel: Musik, zu der man sich prima die Zehnägel schneiden könnte, flipflopmäßig ist ja schon wieder höchste Eisenbahn, fast Sommer. Rund um den Hans Im Glück Brunnen tun zumindest alle schon so. Hab’s gesehen. Aber wer hat schon einen Nagelknipser dabei, Mittwochabend?

Acid King vermutlich auch nicht. Aber die haben einen ganz anderen Vorteil: ihr Schlagzeuger Joey heißt Osbourne mit dem Nachnamen. Leute, die so heißen meinen es meistens ernst. Der hier auch. Gewinnertyp. Sieht aus wie der Betreiber eines Toto-Lotto-Ladens in den Suburbs von Remseck und knüppelt mit viel Spaß an der Sache und missionarischem Eifer den sexy Stonergalopp.

Der Sound ist trotzdem eine Katastrophe. Alles pfeifft, rauscht und knirscht – in einer Lautstärke, die Tote wecken könnte. Auch der Gesang von Gitarristin Lori S. lässt sich nur erraten, da die aber eh kein Pavarotti ist, wollen wir auch nicht unnötig rummullen. Mit ihren kleinen, spitzen Fingern schwubbelt die kompakte Dame ein Stonerriff nach dem anderen raus, grinst und groovt zufrieden mit. Kann man nicht motzen. Auch nicht über Mark Lamb, der so verzerrt Bass spielt, dass ihn Lemmy beglückwünschen würde.

Alles zusammen grenzt aber an fast unerträglicher Lärmbelästigung. Mein Tinnitus hat mir auf der Toilette zugepfiffen, er möchte fortan in Großbuchstaben geschrieben werden: TINNITUS. Dort war der Sound einigermaßen erträglich.

Ansonsten: super Dröhnrock, kernig, wuchtig und definitiv ohne Zutaten, die nicht auch Pentagram, Sleep oder halt Black Sabbath abgenickt hätten. Die handgezählten 71 Leute tun das auch. Rhythmisch sogar. Das Problem ist aber recht offensichtlich: Nach vier Liedern kommt nix mehr, das nicht vorher schon irgendwie passiert wäre. Doomriffen, Bluesrocken, Stonern, Aschenbecher ausleeren und wieder von vorne. Das schöne alte Lied, dass man auch mit Vollbart pfeiffen kann.

Das Prinzip “Acid King” ist gut, so wie Zehnägelschneiden. Sollte man immer wieder mal tun. Es macht aber nur wenig Spaß, jemandem den ganzen Abend dabei zuzusehen. Deswegen bin ich auch vor der Zugabe gegangen. Raus zu den Flipflopträgern.

ACID KING

CARLTON MELTON

Tag eins nach dem großen Wechsel (Winterzeit –> Sommerzeit). Sauron ist gestürzt, man kann sich wieder etwas erleichtert der Musik widmen.

Im Tonstudio war ich seit der Releaseparty von Sorry Computer nicht mehr. Bedauerlich, da der Ort schon sehr hübsch und eigenwillig ist. Anscheinend finden hier generell wenig Konzerte statt, es ist Montagabend und eigentlich sollte auch keine Sau The See See kennen. Ich rechne mit einer einstelligen Besucherzahl. Umso überraschter bin ich, als das Tonstudio sich sehr gut besucht präsentiert. Weiß der Teufel warum…

Vorprogramm ist wohl ein von der Band mitgebrachter DJ, der mir sehr gut gefällt. Vor allem für das Spielen von Rose Elinor Dougall und Crocodiles bin ich ihm äußerst dankbar. Von The See See kenne ich nur wenige Stücke, und meine Erwartungshaltung tendiert in Richtung psychedelicgeschwängertem Retropop. Mal schauen.

Das Londoner Quintett betritt die sehr flache Bühne gegen viertel vor zehn, und startet das Set mit einem Instrumental. Zwei Sachen fallen gleich mal auf. Das dunkle, rote Licht mag sehr atmosphärisch sein, für Fotograf Michi ist es die Langwellenlicht-Hölle auf Erden. Der Sound hat eigentlich die richtige Lautstärke, leider gehen oft die Gitarren und das Keyboard etwas unter. Dadurch klingt die Band weniger psychedelischer als gedacht, der rockigere Beataspekt ihrer Musik tritt stärker hervor. Nicht weiter schlimm, denn auch so merkt man, dass die Band tolle Songs draufhat, gerne mal mehrstimmige Gesänge feilbietet und sich soundtechnisch sehr an den mid-sixties orientiert. Bisschen Kinks, Beatles oder Byrds fallen mir ein. Ein, zwei Stücke könnte man vielleicht mit der Formel Kula Shaker minus Größenwahn beschreiben, andere evtl. als Oasis minus Größenwahn minus Langeweile.

Dem bunt gemischten Publikum gefällt der Auftritt mit zunehmender Dauer immer mehr. Der etwas schüchtern wirkende Leadsänger Richard Olson taut mit der Zeit auch immer mehr auf, singt gut und bläst einige Stücke fein die Mundharmonika. Da ich ja nur wenige Songs kenne, und die in stark britischem Akzent genuschelten Ansagen auch keinen großen Erkenntnisgewinn für mich darstellen, kann ich mir auch nur drei Songtitel notieren. “Powers Of Ten” und “And I Wonder” sind zwei schöne, kurze Britpopsongs, während das fantastische Keep Your Head so klingt, wie ich mir noch mehr Songs gewünscht hätte. Für die humorigsten Ansagen sorgt der Tastenmann, der bei einem Stück vorab um Aufmerksamkeit bittet, da er während des Songs zwei unterschiedliche Keyboards gleichzeitig bedienen wird. Applaus, Applaus!

Nach knapp 60 Minuten ist das reguläre Set vorbei, aber Zugaben werden noch verlangt. Zwei, mit zwölfsaitiger Gitarre vorgetragene, Songs bekommen wir noch aufgetischt. Ein schnelles, kurzes Uptempoliedchen, während das allerletzte Stück ein wunderbar gesteigertes Psychedelicstück ist, mit einem finalen Crescendo, das durch die Decke geht. Um elf Uhr ist dann Schluss.

So, den ersten grün-roten Abend fein mit 60ies Mucke hinter mich gebracht. Wird wahrscheinlich jetzt öfters so werden, da der gesamte Prenzlberg samt Kulturschaffender demnächst wieder zurück ins Ländle migrieren wird. Ich erwarte einige Summer Of Love die nächsten Jahre.

Er sieht so ein bisschen aus wie eine Offiziersmesse, dieser verrauchte Raum im Untergeschoss des Kap Tormentoso, in welchem seit vier Jahren immer wieder Konzerte kleiner, vor allem lokaler Bands stattfinden. Die Wände sind rot gestrichen, dominierend in der Mitte steht der Niedergang aus der darüber liegenden Bar. Auf der einen Seite des Raumes stehen einige Tische, auf der anderen die gerne voll besetzte zweite Bar. Seestücke zieren die Wände. An der Längswand, zwei Stufen hoch, befindet sich Stuttgarts möglicherweise kleinste Bühne, gerade tief genug für ein Schlagzeug und mit den vier Instrumentalisten von Zippo schon so überfüllt, dass Sänger Davide, genannt Dave, vor den Stufen sozusagen im Publikumsraum stehen muss.

Nun, da wir hier sind, lässt uns die Band mit Heimathafen in Pescara, Italien, nicht mehr von Bord. Sie steuern ihr Heavy Psych-Schiff durch einen zähen sandigen Ozean, dessen hohe Wogen beständig in unser Gehör branden. Heavy Psych ist ein überwiegend in Italien gebrauchter Begriff zur Bezeichnung stark vom Psychedelic Rock beeinflusster Stoner Rock-, Stoner Metal- oder Doom Metal-Bands. Langsam spricht er sich aber herum, der Begriff, denn auch die US-amerikanische – na ja – Heavy Psych-Band Nebular verwendete ihn unlängst zur Betitelung einer EP. In Italien ist diese Musik, wie gesagt, in der Metal-Szene sehr populär, was vielleicht mit an der goldenen Ära liegen kann, welche der Psychedelic Rock in den 1960er und ’70er Jahren dort erlebte.

Von diesen Einflüssen bringen die Jung auch eine ganze Menge mit: Ihre Musik ist selbst an den Stellen, an welchen sie von einzelnen Riffs dominiert wird, wesentlich komplexer, als was man sonst so an Stoner Zeug zu hören bekommt. Dennoch sind das gar nicht die Stellen, an denen sich die Band voll entfaltet. Man muss eher sagen: je psychedelischer, desto besser. Obwohl sie immer einfach erfassbar bleiben und sich nicht in größerem Gefrickel ergehen und somit sicherlich auch für den klassischen Indie-Fan interessant sind, bleiben sie stets originell und überraschend. Wenn man die Trademarks auf drei einfache Nenner bringen will, könnte das so klingen: Die beiden Gitarren spielen über weite Strecken verschiedene, gegeneinander laufende klare, gelegentlich sogar bluesige Melodien; dazwischen fügen sich immer wieder interessante Rhythmuswechsel oder knirschende Sandriffstürme ein; schließlich reichern sie ihren Sound mittels Effektgeräten mit den seltsamsten Tönen an, die man einer Gitarre entlocken kann. Oben drüber liegt der Gesang, meist von Dave, aber auch die beiden Gitarristen – Sergente und Franz, so die Künstlernamen – sowie der Bassist dürfen mal ans Mikro. Dieser Gesang hat nicht immer Text, sondern wird auch auf Vokale oder Einzelsilben beschränkt als zusätzliches Melodieinstrument eingesetzt.

Einige Stücke sind, wie Dave uns wissen lässt, ungewöhnlich ruhig. „Simum“ vom neuen Album etwa beginnt ganz leise, mit einzelnen seltsamen Gitarrentönen und steigert sich dann immer weiter gen Ende hin, so wie man das auch von vielen Postrock-Bands kennt. Über die schönen Melodien kann man gedanklich wegdriften, bis man wirklich die Wüstensonne auf den Kopf brennen und das Deck des virtuellen Schiffes über die Dünung rollen spürt. Das scheint freilich dann auch der Band Probleme zu machen, denn das Schlagzeug von Ferico rutscht während des Gigs stetig näher zum Bühnenrand, sodass Bassist Stonino (ital. „Stonerle“) sich während der Songs dagegen stemmen muss.

Das Publikum findet an den Italienern so viel Gefallen, dass anhaltend nach einer Zugabe verlangt und mit zwei weiteren Songs auch gegeben wird. Nach „El Enyerbado“ folgt „Mitote“, das wechselweise von treibenden Rhythmen oder – endgültig durchgeknallt – einer äußerst seltsamen Gitarrenmelodie getragen wird, die klingt wie ein schizoider Delphin auf Acid.

Zwei Eindrücke nehme ich schließlich mit, als ich dieses Wüstenschiff wieder verlasse: Erstens freue ich mich jetzt noch mehr auf die anstehenden Konzerte der Stoner Rocker Acid King (6.4., Kellerklub) und der Psychedelic Rocker The Flying Eyes (13.4., Zwölfzehn). Und Zweitens sollte ich unbedingt Paulo Coelhos Roman „Der Alchimist“ – eine Art psychedelische Schatzsuche – lesen, der einen so zentralen Einfluss auf die Musik von Zippo hat, dass sogar das neue Album „Maktub“ (arab. „es steht geschrieben“ oder „Schicksal“) mit einem Begriff betitelt ist, der in dem Roman eine Schlüsselrolle zu spielen scheint. Die psychedelische Schatzsuche im Kap Tormentoso war aber schon mal in jeder Hinsicht bereichernd.

Sehr erfreulich, wenn so frische, neue Bands wie die Londoner The See See den Weg nach Stuttgart finden. Am 28. März werden sie im Tonstudio mit ihrem psychedelischen Retropop den Soundtrack für den Post-Wahltag liefern.

What was the most wonderful gig you ever played?
Das Haus in Kassel is a great place to play, although we got so shitfaced we can’t remember much after, but we assume it was wonderful.

Where would you absolutely love to play?
Stuttgart obviously.

Please describe your worst studio experience.
It always goes really well. The worst experience was once when Richard and Kev argued over a cigarette, we argue more on tour.

What would your music sound like if Elvis had never existed?
Elvis covers.

The title of the book that touched you most is…
London A-Z.

Which ringtone do you use?
Kev uses Little Tease.

The most beautiful love song ever is called…
Sad Eyed Lady Of The Lowlands.

Which song (except your own songs) do you know by heart?
You’re So Bad – Tom Petty.

Boxer shorts or briefs?
Richard wears none. Exclusive.

Which Beatles song deserves a decent cover (by you)?
She Said She Said.

Which TV show is essential?
The Muppet Show.

Please tell us your favourite joke.
How many singers does it take to change a lightbulb? One to hold the lightbulb while the world revolves around them.

Describe the perfect stage outfit.
Lederhosen.

Your favourite candy?
Haribo.

What would you be today if you had not become a pop star?
Data inputer.

In which band would you like to play (except your own)?
The Bangles.

What’s your favourite instrument?
Scalpel.

The greatest musical genius (dead or alive)?
Bernstein.

The most beautiful woman in showbusiness?
Ru Paul.

How would you spend an unexpected gift of 1000 Euro (you’re not allowed to
invest in alcohol, cigarettes, drugs, holidays or prostitution)?
A day at the Nurburgring.

So, I think this will be your first time in Stuttgart with The See See, what are your expectations?
Sausage, beer, and maybe some food.

Was will man eigentlich noch groß schreiben, nachdem der Kollege Tox tags zuvor beim Sodomkonzert Ungeheuerliches gesehen hat? Kann man überhaupt noch Konzertreviews schreiben nach solch einer historischen Zäsur (Auflösung am 27. Februar, hier auf gig-blog)? Man kann’s ja mal versuchen, es muss ja weitergehen, man kann den Laden schließlich nicht einfach dichtmachen. Und außerdem spielt heute Abend eine meiner Lieblingsbands aus der Psychedelicrockecke leibhaftig hier in Stuttgart auf: The Black Angels. Vergangenes Jahr sind wir noch bis nach München gefahren, um sie im Vorprogramm von Wolfmother zu sehen. Resümée damals: als Vorband verschenkt. Deswegen sind wir umso gespannter, wie das heute Abend hier so sein wird.

Erfreulich voll ist die Röhre, als nach der Vorband The Rockandys (ganz grobe Sound-Orientierung: The Black Mountain) so gegen 21:45 Uhr das Licht ausgeht und Interstellar Overdrive von Pink Floyd als Intro läuft. Bad Vibrations, der Opener des aktuellen Albums Phosphene Dream, eröffnet ein begeisterndes Set. Präsentiert werden Songs aus allen drei Alben, bunt durcheinander gemischt. Soll heißen, kürzere, griffigere Songs, wie sie v.a. auf dem letzten Album zu finden sind, wechseln sich mit dunklen, träge dahin mäandrierenden Psychedelicbrocken ab.

Sänger Alex Maas prägt mit seiner charakteristischen, schneidenden Stimme die Songs ebenso wie Stephanie Bailey mit ihrem präzisen Drumming. Nebenbemerkung: Es sollte viel mehr Schlagzeugerinnen geben. Von meiner Position aus gehen die Keyboardsounds von Alex Maas etwas unter, aber das ist nicht weiter schlimm. An Sounds mangelt es nicht. Kyle Hunt, Christian Bland und Nate Ryan weben einen Klangteppich aus flirrenden Fuzzgitarren, Keyboard, Bass, Schellenkranz, Sambarasseln und zweiten Stimmen und füllen so die Luft in der  Röhre mehr als aus. Vor allem bei den längeren, hypnotischen Stücken des zweiten Albums Directions To See A Ghost klingt das wirklich genau so, wie ich mir diese Stilrichtung wünsche. Wer braucht da noch Drogen, geht doch auch so bei dieser Musik.

Ein gutes Beispiel dafür ist Science Killer. Von der Songstruktur her passiert da nicht viel, und doch packt einen der Song am Wickel. Der schleppende Rhythmus fährt einem in die Glieder, der Rest vermittelt das Gefühl irgend etwas Rituellem beizuwohnen. Um mich mal selbst zu zitieren (jaha, hier werden Zitate noch gekennzeichnet):

So muss es sich anfühlen, wenn man nachts in der Wüste New Mexicos im Meskalinrausch von einer Klapperschlange gebissen wird.

Die Ohrstöpsel hab ich mir schon längst rausgenommen, dieses Klangerlebnis will ungefiltert erlebt werden. Außerdem habe ich erst heute gesehen, dass es in der Stadt einen Hörgeräte-Discounter gibt.

Nach dem fantastischen U On The Run wird das reguläre Set mit dem eher untypischen Telephone beendet. Könnte fast von den ganz frühen Beatles stammen der Song. Das Publikum johlt, ist begeistert, will mehr. Kriegt auch mehr. Nach dem von Alex Maas solo mit der Gitarre vorgetragenen Stück Too much Hate, gibt’s wieder mehr druckvollen Psychedelicrock, wobei der Abschlusstrack Young Men Dead auch gleichzeitig der Höhepunkt eines überragenden Konzerts ist. Das Stück ist die Quintessenz all dessen, was die Black Angels zu einer herausragenden Band macht.

Im italienischen sagt man übrigens, dass solche Bands “sonici” seien. Könnte man auch mal ins Deutsche einführen. Der Abend war sehr sonisch!

Dass Metal – oder Rock Musik im Allgemeinen – krank machen soll, wurde ja schon vielfach behauptet. Sieht man sich ein wenig um, findet man auch gleich eine ganze Reihe dementsprechender Horror-Meldungen: Zunächst steigert die Musik den Blutdruck (was sie allerdings mit Beethoven gemeinsam hat), dann droht ein Lungenriss (was auch durch andere laute Musik ausgelöst werden kann), und schließlich droht für Headbanger noch ein Schädel-Hirn-Trauma (wie man sich beim Sport auch Tennisarm oder Bänderriss zuziehen kann). Nicht zu verachten ist auch die Gefahr einer deftigen Tröpfcheninfektion. Und das geht so:

Macht man sich Samstagabends auf den Weg zu einem Konzert, stellen sich immer wieder folgende Fragen: Gehe ich zu Fuß, oder fahre ich mit dem Auto? Zu Fuß birgt erhebliche Erkältungsgefahr, also: Auto. Nehme ich dann die Jacke mit in den Club oder lasse ich sie für die paar Meter im Wagen? Auch hier herrscht grimmige Erkältungsgefahr, aber man ist ja auch bequem und will drin nicht die ganze Zeit die Jacke rum schleppen, wegen der paar Meter … Schon bei Light Bearer, den Nachkommen der hochgelobten Fall of Efrafa, stellt man dann gleich fest, dass es im Jugendhaus West so heiß ist, dass man ohne Jacke besser dran ist. Leider erwischen wir nur noch die letzten Töne der Band, deren vertrackte Rhythmen Lust auf mehr machen.

Das ist ganz anders als bei Planks, die ihre Sludge-Variante, seit ich sie das letzte Mal gesehen habe, um extrem schnelle, flächige Akkordfolgen und Blastbeats angereichert haben, während sie ansonsten weiterhin auf groovende Midtempo-Riffs, einige bluesige Elemente und Hard Core-Gesang bauen. Die Band in klassischer Dreierbesetzung bietet eine ganze Menge Elemente, aus denen wirklich gute Konkurrenten Hervorragendes zusammensetzen. Leider fehlt hier das zündende Etwas, und zudem wird das Ganze recht unmotiviert präsentiert, sodass ich nach dem Gig von vielen höre, dass sie sich bei Planks recht gelangweilt haben. Andererseits sieht das nicht das gesamte Publikum so. Bleibt wohl festzustellen, dass Planks in ihren langsamen und groovigeren, ja jamigeren Passagen besser rüberkommen und bei diesen Leisten dann wohl auch bleiben sollten.

Musikalisch bleiben wir auch mit Okkultokrati im weiten Bereich des Post-Hardcores, wenngleich sich die Liga, in der wir uns bewegen, verändert. Die Norweger sind schon beim Soundcheck-Gedudel besser als Planks und lassen, legen sie erst mal los, nichts anbrennen. Hier walten rohe Kräfte äußerst sinnvoll! Die Gitarren sind gröbst verzerrt, dass es einem durch und durch geht. Sänger Black Qvisling (äußerst problematisches Pseudonym, mit dem es schon der ebenso problematische Varg Vikernes probiert hat) schneidet sich stimmlich die Seele aus dem Leib, und auch der Rest der Band geht ab, als ob nicht ihre Seiten oder Felle, sondern sie selbst in Schwingung versetzt würden. So drischt Schlagzeuger Verminscum bei jedem zweiten Schlag von hinter dem Kopf ausholend drauf los, und Basser Le Ghast tanzt den Veitstanz.

Hier ist alles volle Pulle. Dass die Jungs da auf der Bühne aussehen, als bräuchten sie alle mal ‘ne Dusche, erscheint wie die konsequente Fortsetzung der Musik mit anderen Mitteln. Das Publikum wirkt teilweise völlig überfordert – jedenfalls braucht es viel länger, ihm hier eine positive Reaktion abzuringen, als bei den Vorgängern, dabei haben Okkultokrati etwas von der Urgewalt Electric Wizards inklusive des okkulten 70er Jahre-Horrorfilm-Feelings. Selbst wenn man die Musik nicht hätte, wäre allerdings Le Ghast schon Show genug. Er bietet eigentlich alles, außer den Schaum vor dem Mund, auf den man die ganze Zeit wartet. Mit seinem Bass wirbelt er im Kreis oder spielt ihn auf jeder Höhe zwischen Armlänge über dem Kopf und direkt über dem Boden. Nachdem das Instrument nach dem zweiten Song kurzfristig den Geist aufgibt (vielleicht ist es ja seekrank), springt er ein erstes Mal ins Publikum, um dort weiter zu spielen, wobei er alle am Bühnenrand abgestellten Flaschen mitfegt. Tja, das ist keine Bar, Jungs. Obwohl – ich würde mir solch eine Bar mit Okkultokrati schon loben.

Die Band lässt Lücken zwischen den Songs gar nicht aufkommen. Vielmehr werden die beispielsweise durch Spiel auf den Cymbals gefüllt. Herrlich, was man aus einem einzelnen Ride-Becken herausholen kann, wenn man es kann. Dazu greint das Gitarren-Feedback, bevor der Bass wie eine Wand über uns hereinbricht. Diese basslastigen Grooves bilden jeweils das Grundgerüst der Songs, das jedoch mit allerlei Brüchen und Fills variiert wird. Vor allem der Schlagzeuger besticht in dieser Hinsicht. Am Ende springt Le Ghast ein zweites Mal ins Publikum, wobei er seinen Bass einbüßt, der von irgendjemandem aus dem Publikum weiter gespielt wird, bis die Band von der Bühne geht.

Inzwischen bin ich klitsch-nass und muss mal nach draußen gehen, um den hier drin kargen Sauerstoffvorrat auszugleichen. Das könnte sich natürlich später als ein Fehler herausstellen, ist jedoch zunächst einfach erfrischend, um fit zu sein für Kylesa. Und das muss man auch, denn der Band, die uns hier mit zwei Drums, zwei Gitarren, zwei Vokalisten und einem Basser, der zugleich die Keyboards bedient, aufwartet, eilt ein großer Ruf voraus. Das Set beginnt verträumt mit schwebenden Tönen der Gitarren und den synchron spielenden Drums. In den nun folgenden Sludge-Songs wird mit schweren Riffs operiert, bei denen ganz klar der rhythmische Aspekt im Vordergrund steht. Bei den beiden Schlagzeugen ja kein Wunder, zumal nicht, wenn man bedenkt, dass Sänger Phillip Cope teilweise seine Rolle als Gitarrist ebenfalls mit der als Perkussionist vertauscht. Die Rhythmen können dabei natürlich um einiges vertrackter aufgebaut werden, als dies mit weniger schlagenden Händen der Fall wäre. Dazwischen werden immer wieder Passagen eingebaut, die – aus Melodien aufgebaut – einen eher schwebenden Charakter haben.

Gesanglich werden dazu alle möglichen Kombinationen herangezogen, welche sich aus den zwei Vokalisten ergeben: Sängerin Laura Pleasants schreit oder singt klar, wobei sie ihre Stimme dennoch zumeist sehr presst, oder ihre Stimme öffnet sich und nimmt einen warmen Klang an. Cope wechselt ebenfalls zwischen Schreien und einem meist eher sehr rhythmischen, gepressten Gesang. Mit ihren überwiegend im Uptempo-Bereich liegenden Stücken heizen die Amerikaner dem Publikum mächtig ein. Vorne ist es sehr gedrängt, so sehr, dass man bei der hier sehr niedrigen Bühne schon nach wenigen Metern eigentlich nichts mehr sieht. Darauf kann man eigentlich nur reagieren, indem man voll mitgeht, was ganz schön schweißtreibend ist. Egal: Der Druck und die akustische Aggression, die von der Bühne kommen, werden vom Publikum jedenfalls begeistert aufgenommen. Immerhin saust einem hier anders als bei einem Death Metal-Konzert nicht die ganze Zeit der komplette Flohbasar um die Ohren.

Die Band lässt nur wenige Momente der Ruhe aufkommen. Zwischen den wuchtigen, geradlinigen und in sofern leicht nachvollziehbaren Riffs habe ich manchmal das Gefühl, es hier bei aller Härte eigentlich mit Pop Musik zu tun zu haben, oder mit Kim Wilde goes Hard Core. Gepogt wird vor und auf der Bühne, bevor sich Laura während des letzen Songs auf das Publikum legt und weiter ihre Gitarre spielt. Als Zugabe bekommen wir dann noch ein riesiges Drum-Duett und eine herrliche Version von „Set the Controls for the Heart of the Sun“, bevor das Konzert im Feedback-Gewitter endet.

Das hatte es in sich. Dementsprechend gibt es vor der Türe mit Freunden auch noch viel auszutauschen. Mitgegangen, mitgefangen. Kann sein, dass es etwas kalt war. Kann auch sein, dass es an dem Tölpel lag, der sich später, um nicht seine Gesprächspartner anzuniesen, zur Seite dreht und dahin niest – wo eben ich stehe –, statt sich die Hand vor den Mund zu halten. Jedenfalls lag ich dann erst mal drei Tage flach, bevor ich wieder wusste, wie herum man die Hände auf die Tastatur legen muss, um das hier zu schreiben. Kann also sein, dass Metal krank macht. Kann aber auch sein, dass einem das überall hätte passieren können.