Hinterher bleiben mehr Fragen als Antworten: Meint er das ernst? Wenn nicht, wieso macht er das dann schon so lange? Wenn doch, was will er uns damit sagen? Egal, unterhaltsam ist das allemal, was der, und das glaube ich nun sicher sagen zu können, wahnsinnige Andreas Dorau mit der quäkenden Mickey-Mouse-Stimme und seine beiden nicht minder, aber anders verballerten Musiker Matthias Strzoda (Schlagzeug und, äh, Gesang?) und Tim Lorenz (Laptops und, äh, Gesang) da am Samstagabend produzieren.

Inkonsequent, so auch der Titel des ersten Songs, sind sie jedenfalls nicht: Hart an der zu ertragenden Schiefheits- und Lautstärkegrenze intonieren Dorau und Co. äußerst konsequent und mit viel Körpereinsatz viele neue Hits vom aktuellen Album Todesmelodien, aber zum Beispiel auch die pralle Eurodance-Nummer Girls in Love von anno dazumal.

Vielleicht ist das das Dorau-Rezept: Er orientiert sich immer an den aktuellen Poptrends, so gab’s in den 80er den New Wave-Hit Fred vom Jupiter, in den 90ern die Girls in Love, und jetzt clevere, zeitgemäße Elektro-Beats. Diese Trends reproduziert er aber nicht einfach, sondern dreht sie durch seine sektgetränken Synthies und textet dazu Strophen und Refrains, bei denen man sich fragt (wieder eine ungeklärte Frage), ob die jetzt entweder total profan oder doch verschmitzt philosophisch sein sollen.

Zum Beispiel die witzige Shuffle-Nummer Stimmen in der Nacht, hier der komplette Text, der dann endlos wiederholt wird:

Ein halbdunkles Zimmer, braunes Gebälk,
an der Wand die Tapete, die dir so gefällt.
Die Lichter der Straße stolpern herein
Ich hör deine Stimme, das kann doch nicht sein.
Stimmen in der Nacht, ich bin aufgewacht
Stimmen in der Nacht, haben mir was mitgebracht

„Der Sänger ist nicht alles“, erklärt er zwischendurch mal seinem Schlagzeuger. Da könnte man denken, dass er sich selber nicht so ganz ernst nimmt, aber in der Vehemenz, mit der er seine Texte schmettert und die Bühne im Griff hat, erkennt man eher große Ernsthaftigkeit und Überzeugung als spaßigen Ulk. Das spiegelt sich bei ihrer scheinbaren Profanität auch in den Texten wieder, Todesmelodien heißt das Album ja auch nicht umsonst. Irre übrigens, dass diese Stimme auch live tatsächlich so klingt wie auf Platte, der singt einfach so wie ein zehnjähriger Junge und sieht auch ein bisschen so aus, zumindest sehr jung für seine 48 Jahre.

Probiertipp: Nach den schweißtreibenden Performances, etwa vom Opener Größenwahn vom aktuellen Album, erfrischt sich Dorau mit einer durchaus inspirierende Getränkeauswahl, Sekt aus dem Weizenglas mit Eiswürfeln, dazu ab und an einen Underberg. Kann man mal ausprobieren. Das prima kuratierte Pop Freaks Festival im Merlin erlebt jedenfalls hier seinen Freak-Peak, verschrobener wird’s nicht mehr.

Zurück zu den ganzen Anfangsfragen: Was das alles bedeuten soll? Immer noch keine rechte Ahnung, aber das ist so eigen, dass das ziemlich Kunst ist. Und bevor man anfängt zu arg zu grübeln, kann man zu Dorau auch prima wippen, einen Underberg stürzen und an nichts denken.

Wenn Dich von den Wänden Deiner Stadt eine schöne Frau mit kaputtem Brillenglas  traurig-melancholisch-entfernt anschaut, macht man sich als Hornbrillenträger einfach Sorgen und muss der Sache auf den Grund gehen. Als mir auf dem Schulhof der Rohracker Grundschule bei einem gewagten Experiment, für welches ein Skateboard eine richtig schiefe Ebene und ein gleichaltriger waghalsiger Mitschüler nötig waren, mal so richtig die Sehhilfe zu Bruch ging, habe ich folgendes gelernt: Beton ist ganz schön hart, ein Skateboard mit zwei Jungs fährt richtig schnell, die Zeit heilt alle Wunden und durch so eine Splitterbrille sieht die Welt ganz interessant aus. Was ist wohl ASA passiert? Denn diese Dame schaute mich von ihren Konzertplakaten durch ein halbdemoliertes Nasenfahrrad an. Was hat sie wohl gelernt? Werden wir heute Abend davon hören?

Bilderzauberer Andi hat den digitalen Film eingelegt, mein Bleistift ist spitz, der gelbe Blitz hatte keinen Kolbenfresser, es kann also losgehen. Als Vorgruppe spielt Y’akoto aus Hamburg. Vier Jungs umspielen gekonnt ihre singende Frontfrau im lustigen kleinen gelben Lampenschirmkleidchen, die beim Publikum gleich von Anfang an punktet, weil sie den Herrn an der Lichtregie charmant bittet, das Saallicht etwas aufzudrehen, da sie uns sehen möchte. Sie singt irgendwo zwischen Skye Edwards und Macy Gray und die starke halbe Stunde macht Lust auf mehr. Im März kommt das Album.

Als nach einer Viertelstunde dann Asa die Bühne betritt, bin ich natürlich erst mal erfreut, dass die Brille wieder ganz ist und sie ein Malcom X-Gestell mit unzerbrochenen Gläsern auf der Nase hat. Dann wird’s überraschend. Beim Vorhören hatte ich manchmal ein bisschen befürchtet, dass das Konzert eine glatte Neosoulangelegenheit mit afrikanischen Klangtupfern für Gepakaffeetrinker und Gesinnungsleinentaschenträgerinnen werden könnte. Mit geschlossenen Augen wähnt man sich jedoch eher bei Melissa Etheridge oder einer anderen klanglich verwandten Rockröhre. Die beiden Gitarristen legen ordentlich los und wissen sogar, dass man beim saitenquälenden Zwischensolo immer in die Knie zu gehen hat. Der Schlagzeuger haut ganz ordentlich auf seine furztrocken aufgezogenen Fell und treibt das Ganze gewaltig voran. Das Publikum ist aus dem Häuschen und Asa kann den Hit „Why can’t we“ vom neuen Album, den schon ziemlich viele kennen, früh und schnell verfeuern, denn die Chefin hat den Laden hier und heute im Griff. Was wir dann zu hören bekommen, ist eine Musikmischung, wenn mir das jemand vorhergesagt hätte, wäre ich überzeugt gewesen, dass das nie funktionieren kann. Reggaeelemente, Afrorock, eine Ballade in Youruba und fiese Diskokeyboardklänge fusioniert die Dame im Ballettrock zu einem sehr fröhlichen Abend. Als sie die Bühne zwischendurch den Herren der Band überlässt und die sich in ganz gewagte Pink Floydartige Gitarrenduelle versteigen, ist das immer noch gut. Asa kommt mit einer Babytrompete zurück, steigt mit ein und der Mischer legt noch mehr Hall drauf, als bei Jan Gabarek in der Tübinger Stiftskirche. Ich sag’s verwundert: Das hat funktioniert und Spaß gemacht.

Ganz klar ist, dass es heute heftiger zugehen soll, als auf der Platte. Die ist ausschließlich für daheim und den Sessel. Life und in Farbe wird gerockt, dass es kracht. Wenn es mal ruhiger zugeht klingt Asas Stimme brüchig wie Billie Holiday, was mir bei den ruhigeren und melancholischen Momenten sehr gut gefällt. Mir fällt keine andere Sängerin ein, der ich so schnell verziehen habe, dass sie auf der Bühne die Schuhe auszog und wie ein bekiffter Waldorfschüler ihre Liedtexte tanzte. Irgendwann verschwindet sie hinter der Bühne, kommt mit Fußglöckchen zurück und führt einen Ausdrucksstampftanz auf bei dem Joaquin Cortes und Michael Flatley neidisch werden könnten. Bei der zweiten Zugabe hat es Asa dann geschafft, dass der komplette Saal steht und sie lautstark beim improvisierten Kuss-Song unterstützt. Dazu und zur gewagten Musikmischung kann man der charismatischen großen kleinen Dame aus Nigeria nur gratulieren. Ich hab noch nie gehört, wie jemand so gekonnt Musiken gemischt hat und auf so schmalem Kitschgrat wanderte, ohne abzustürzen oder dass jemand mit schmerzverzerrter Miene „Crossover-Alarm“ geschrien hätte. Chapeau! (Ob’s wohl an der neuen Hornbrille lag…?)

Früh wird man geprägt und verdrahtet. Bei mir ist z.B. die Kombination Synthiepop + Kanada erstmal immer positiv besetzt. Liegt an Men Without Hats, war ich damals großer Fan von, und hab sie auch nicht in meiner Metalphase verleugnet. Aus der besagten borealen Nadelwaldgegend kommen auch Diamond Rings und Junior Boys. Ersterer schon ein etwas älterer Bekannter auf diesem Blog.

Das Schocken ist so mittel gefüllt, als gegen halb zehn der 26 Lenze zählende John O’Regan aka Diamond Rings die Bühne betritt. Schirmmütze und weiße Jacke mit viel bling-bling und Glitzer, Sonnenbrille, lackierte Fingernägel. Für den Anfang wohl etwas zuviel an glamouröser, sexuell uneindeutiger Ausstrahlung für das Publikum, da vor der Bühne ein riesiges Loch klafft. Aber der Mann zeigt sich unbeeindruckt, zieht seine Show mit choreographierten Bewegungen konsequent durch. Band gibt es keine, nur er und ein AKAI MPK 61 (Hinweis an die sehr gute Firma AKAI: bitte mich noch mal anrufen wegen der Geschäftsmodalitäten.). Geboten wird ein kühler 80ies-Synthiepop, geprägt von der eher tiefen Stimme Diamond Rings, die auch gerne mal etwas an diverses Zeug aus den frühen 80ern aus England erinnert. Hat was, definitiv.

Beim zweiten Song macht er einen Ausflug ins Publikum, und ganz langsam, Stück für Stück, zieht er das Publikum auf seine Seite. Beim vierten Stück kommt eine Gitarre zum Einsatz und die Mütze weg, und ein adretter Popperhaarschnitt kommt zum Vorschein. Aber die Musik gibt den Ton an, die ist nämlich gut, hat eine eigene Kraft. Auch beim darauf folgenden Stück bleibt die Gitarre im Einsatz, und gibt den Rhythmus für das fast schon Ramones-artige Stück vor. Tolles Lied! Das Gejohle im Publikum wird lauter, v.a. als er beim nächsten Stück die Jacke auszieht. Die Frequenz des Gejohles lässt auf einen weiblichen Ursprung schließen, aber die Hand lege ich dafür nicht ins Feuer (siehe oben: lackierte Fingernägel usw.). Bei diesem Lied bedient er auch E-Drums, spackt noch richtig schön im Publikum ab, und spätestens jetzt ist klar, dass er Großteile des Publikums für sich gewonnen hat. Bemerkenswerter Auftritt, irgendwie eine ganz wohltuende Abwechslung zu dem sonstigen, engbehosten Gitarrenindiekrempel, den man sonst so inflationär um die Ohren gehauen bekommt.

In der Pause zeigt sich Fotograf Michi als extrem großer Diamond Rings Kenner und Fan. Erzählt was von Körpergröße des Künstlers, und dass eine Verwandte, die wohl auch Schminke herstellt, beim Merchandise aushilft. Die Grenzen zwischen Fan- und Stalkertum sind ja fließend. Immer wenn man denkt, man würde eine Person etwas besser kennen…

Die Junior Boys kommen in Trio Formation gegen halb elf auf die Bühne. Schlagzeuger und videoanimierter Bühnenhintergrund schaden live nie, und bringen zusätzlich noch etwas Dynamik in die Geschichte. Bemerkenswert finde ich den Auftritt wegen einiger Aspekte. Die Band pflegt einen unaufgeregten, eher ruhigen 80ies Popsound, getragen von den auch betont gelassenen Gesangspassagen Jeremy Greenspans. Er selbst sieht zwar aus wie der Kfz-Mechaniker um die Ecke, hat aber wirklich eine sehr, sehr gute und charismatische Stimme. Hört man selten so was.

Die Songs haben mehr oder minder alle die gleiche Stimmung, ähnliches Tempo, ab und an bringt eine leicht funkige Gitarre von Greenspan ein paar neue Nuancen in den Sound. Und trotz des eher relaxten Gesamteindrucks der Musik und der Band, tanzen und bewegen sich Großteile des Publikums von Anfang an, sind begeistert. Muss man wahrscheinlich so sehen: packt einen der Sound von Beginn an, ist das Konzert ein einziger, nicht enden wollender Höhepunkt. Findet man ihn “nur” ok, wie in meinem Fall, konstatiert man, dass einen der sehr reife und auch erwachsene Sound gerne mal an Tears For Fears, oder bei den souligeren Gesangsmomenten sogar an Hall & Oates erinnert, was ich absolut positiv meine, man sich vielleicht aber etwas mehr Aufs and Abs wünschen würde wie bei Diamond Rings, obwohl letzterer im Vergleich natürlich etwas unfertiger rüberkommt.

Aber man darf ja mal ein Konzert einfach nur gut finden, ohne komplett auszurasten. Die letzten beiden Stücke samt Zugabe packen mich dann auch noch mal richtig. Und wie oben schon geschrieben, eine wirklich wohltuende Abwechslung mal einen ganzen Abend lang so eine Art Musik überhaupt live dargeboten zu bekommen. Ich würde wieder kommen.

Diamond Rings

Junior Boys

“Mailand oder Madrid, Hauptsache Italien.”

Mit Fitness Forever-Konzerten ist es wie mit Heroin guten Brezeln: geht immer, auch ganz viel davon. Da kann man auch mal der Krise auf den Kopf kacken und per Lufthansa nach Madrid fliegen. Nebenbei kann man auch kontrollieren, ob der Spanier sich gefälligst den Arsch (culo) abspart und nicht etwa doch noch etwas Spaß oder Lebensfreude über hat.

Kurzer Eindruck von Madrid: die Hauptfußgängerzonen sind in der Vorweihnachstzeit genau so schlimm überlaufen wie bei uns, aber die Leute haben kaum Einkaufstaschen, also wohl doch Krise. Weiteres Zeichen: Wir erblicken irgendwann eine Menschenschlange, deren Ende nicht abzusehen ist. Während wir diesen endlosen Lindwurm ablaufen, um zu wissen, wo er hinführt, raten wir schon mal, was der Grund sein könnte. Julio Iglesias Autogrammstunde? Christiano Ronaldo präsentiert nackt ein neues Haargel? Als wir dann nach Ewigkeiten ankommen: Lotto-Annahmestelle.

Der Auftrittsort Siroco befindent sich in einem Viertelchen mit engen Gassen, vielen alternativen Läden und einem Haufen junger Menschen. Gegen 22 Uhr werden wir eingelassen. Im Untergeschoss befindet sich der Auftrittsort, angenehme Größe, seltsamerweise kein Sekt im Angebot, aber positiverweise strikt eingehaltenes Rauchverbot. Wahrscheinlich weiß der uncoole Mediterraneer einfach nicht die Vorzüge einer tagelang nach abgestandenem Aschenbecher schmeckenden Kehle zu schätzen.

Guille Milkyway, der Mann hinter La Casa Azul, dem Aushängeschild von Elefant Records, ist derweil als DJ tätig. Madame P. und ich haben es ja schon geahnt, dass der Mann als DJ bestimmt großartig ist. Wenn man all seine Produktionen oder auch mal ein Mixtape vom ihm gehört hat, bekommt man schon eine Ahnung, dass Guille extrem guten Geschmack, mit Stilsicherheit und profundesten pophistorischen Kenntnissen verbindet. Sein DJ-Set bestätigt das alles. Nur Hits, obwohl man fast nichts kennt, keine Scheuklappen was Genres oder sonstwas angeht. Genau so stell ich mir das perfekte Pop DJ-Set vor, super fantasticos!

Die erste Band des Abends ist das Duo und Paar Papa Topo. Die Beiden haben mit argen technischen Problemen zu kämpfen, der Sound ist unausgewogen. Dass sie noch nicht allzu oft live gespielt haben, merkt man daran, dass diese Geschichten sie etwas verunsichern, aber sie reagieren mit netten Ansagen, und im Publikum nimmt ihnen das eh keiner übel. Fitness Forever-Mastermind Carlos kommt für ein Stück auf die Bühne und begleitet die Papas an der Gitarre. Und trotz dieses alles andere als perfekten Konzerts, kommen wir etwas überraschend zu dem Schluss: die sind ja super! Und das liegt einfach an den starken Songs, an den guten Ideen, an der schönen Stimme von Paula. Die uns bekannten Oso Panda  und Lo Que Me Gusta Del Verano Es Poder Tomar Helado wären vielleicht hervorzuheben, aber eigentlich sind alle Songs stark. Wir warten gespannt auf das erste vollständige Album.

Pause, noch ein Schwätzchen mit Supersimpaticus Carlos, der sehr tollen Nick Rivers, den Feststellungen, dass man mit 1,80m Körpergröße hier besten Blick auf die Bühne hat, bzw. dass die Mädels “alle wie Sophia Coppola oder Charlotte Gainsbourg” (Madame P.) aussehen, und schon geht es weiter mit einem überraschenden Zwischenprogrammpunkt. Cristina Quesada, ein zierliches Mädel, die aussieht wie eine zu heiß gewaschene Charlotte Roche, kommt samt Ukulele auf die Bühne, und singt vier uns unbekannte Cover, die aber das Publikum wohl bestens kennt. Ukulele finde ich ja im Normalfall so angenehm wie einen Proktologen mit eiskalten Wurstfingern, aber die Songs sind halt so hübsch, sie singt so niedlich, und überhaupt sieht die Ukulele an der kleinen Person wie eine normal proportionierte Gitarre aus, also passt das schon. Arg charmantes Zwischenspiel.

Mittlerweise ist es Mitternacht, und Fitness Forever kommen auf die Bühne. Mit “Probabilmente”, dem Stück mit dem melancholischten Akkordwechsel seit Ewigkeiten am Anfang, geht es los. Der Plan war eigentlich, das komplette, neue Album “Cosmos” das erste Mal live zu präsentieren. Aber die Aufnahmen des noch unveröffentlichten Werks sind leider noch nicht soweit, und die Stücke auch so komplex, dass man lieber nochmal das “alte” Set spielt wie in Stuttgart. Beschweren tun wir uns nicht, wenn die Lieblingsband unsere Lieblingshits spielt. Sara und Nicoletta sehen bezaubernder aus als je zuvor und sind sehr gut bei Stimme, die Band ist tight wie immer. Man merkt einfach, dass Basser Luigi Schlagzeuger Andrea, Gitarrist Ernesto und Keyboarder Antonio Profimusiker sind. Da wackelt nix, und obwohl auch hier der Sound nicht perfekt ist, lässt sich die Band davon nicht beirren. Das Publikum ist begeistert und kann überraschend gut die italienischen Texte mitsingen. Fitness Forevers Musik, der Soundtrack eines utopischen Retro-Italiens, funktioniert auch in Spanien bestens. Bei den zwei spanischprachigen Stücken “Palma De Mallorca” und “Bottellón” dürfen Papa Topo auf die enge Bühne und sie begleiten. Im Gegenzug begleiten Fitness Forever die Beiden bei einem neuen Papa Topo Stück.

Wie in Stuttgart auch wird das fantastische “Gorni Koala” von Giorgio Tuma gespielt, sowie die zwei supertollen neuen Stücke “Il Cane Ciuff” und “Gino Vanelli” (vorläufiger Arbeitstitel). Ansonsten das ganze Hit-Programm mit “Anarchica Pugliese”, “Mondo Fitness”, “Monica”…naja, alle Songs von Fitness Forever eben. Ein Fitness Forever Song ist eben immer ein Hit in meinem Paralleluniversum. Und um im Thema Paralleluniversum zu bleiben. Bei “Bacharach” lasse ich mal meinen Blick nach links schweifen, und sehe in meinen Blickfeld Guille Milkyway, Band A Part, Elefant Records-Chef Luis Calvo und diverse Mitglieder von Cola Jet Set und Nick Rivers mitsingen und mittanzen. Sieht nach Pop-Utopia aus, eine Idee einer besseren Welt. Ganz großartig das alles!

Irgendwann gegen eins ist es vorbei, und Guille Milkyway lässt uns als DJ nochmal wissen, dass wir alles richtig gemacht haben, indem wir hierher gekommen sind, um einen Abend fantastischen Pop zu erleben.

Ausnahmeweise rollen wir das Feld mal von hinten auf, auch weil ich die Vorband Gross Magic wegen *setzehierausredeein* leider verpasst hab, deshalb hier zu Anfang direkt Stimmen von nach dem Konzert. Da sagen manche: Echt, es war so fett, so ichmussnocheinerauchengut, alle haben voll hingerissen gewippt, manche sind total abgegangen, des hat sich so übel gelohnt, Metronomy ist das neue Schwarz, ich trage das ab heute immer. Andere: Na toll, so ein typisches Hype-Ding, Stunde vor Konzertbeginn da gewesen, noch ’ne Karte auf dem Schwarzmarkt bekommen, weil seit Tagen ausverkauft, rein, zwei Stündchen irgendwie halbgare Performance, gelangweilt, böh.

Und diese Zweiteilung in der Publikumsmeinung ist durchaus nachvollziehbar, denn:

Begeisterte Zuschauer freuen sich, dass sie überhaupt mal drin sind, darüber hinaus, dass sie vielleicht ebenso schön sind wie alle anderen, denn das sind die meisten unzweifelhaft (unglaublich schön!), dass eine Karriere als Modeblogger in dieser Sekunde des Lebens nicht unrealistisch erscheint, dass die Musik eigentlich ganz geil ist, dass die Jutetasche so straight sitzt wie der Dutt und der Undercut, vom Glanze des Lippenstifts der Nebensteherin beleuchtet, im Takt freudig wippt. Dazu gibt es in Minute 34 und 38 (geschätzt) zwei unzweifelhaft umwerfende Hits direkt hintereinander, die man locker in alle Jahrescharts der Welt wählen könnte. Ärger-Potenzial höchstens: Mit High Heels im Kies vor den Wagenhallen umgeknickt.

Nicht so überzeugte Zuschauer freuen sich auch:

Sie sehen die beste schönste Schlagzeugerin aller Zeiten der Welt, die es jemals gab, und ebenfalls natürlich die beiden umwerfenden Hits. Darüber hinaus allerdings zu wenig, um das Ganze zu einem tatsächlich guten Konzert zu machen. Das ist nicht mal der Band vorzuwerfen, die einwandfrei performed, so wie sie auch auf den hyperstilisierten, geleckten Bandfotos oder in den Neureichen-Yacht-Golf-Pool-Videos immer wie ein Indie-Barbie-Ken-Verschnitt posiert. Leider springt, bei allem hübschen Drumherum, der musikalische Funke heute Abend aber nicht über. Zu viel gleiches Zeug, zu leise für echte Party, der eigentlich gute Beat mit immer viel Disco-Uff-Tschakk will im Publikum nicht ankommen. Weiß man am Ende gar nicht recht, wem man da die Schuld dran geben soll, Sound, Band, Leute, Wochentag, Location, Hype, alles?

Popkulturelles Fazit: Die ambivalenten Wahrnehmungen der zwei Publikumslager sind berechtigt und gründen wohl insgesamt in der Tatsache, dass es Metronomy, mit fast gleicher Besetzung, eigentlich zwei Mal gibt: Heute produzieren sie poppige Hipster-Hits vom Top-Album „The English Riviera“ für laue Sommernächte, früher gabs von denen mal was ganz anderes, witzig-nervige Indietronics, die eher dafür geeignet sind, die Kids im Keller Klub zur Eskalation zu bringen. Eine Band, die momentan mitten im einem relativ krassen Umbruch steht – mit dem Songmaterial musste dann erstmal ein konsistentes Konzert hinkriegen, hat aber eher nicht so geklappt. Wegen den ganzen schönen Leuten und den beiden spitzenmäßigen Hits von Songwriter Joseph Mount kommen wir vielleicht aber auch nächstes Mal wieder vorbei, eventuell sind es dann ja schon vier oder fünf. Das Bier war eigentlich auch erstaunlich okay.

Wie immer wenn man ein Konzert besuchen wird, bei dem man nicht die gesamte Bandgeschichte aus der Fanperspektive vorwärts und rückwärts kennt, schaut man sich als braver Gig-Blog-Korrespondent vorher ein bisschen im Netz um, was einen erwarten könnte. Von Susanne Sundfør gibt’s schon einiges, aber so manches macht auch richtig Angst, dass man heute Abend auf dem falschen Konzert sein könnte. Der biographische Text auf Ihrer Homepage beginnt folgendermaßen:

Haugesund, an idyllic small town by the Norwegian west coast in the mid-nineties. Susanne Sundfør likes growing up here. The astute ten year old’s favorite hangout is the library, for she loves to immerse herself in books. She also enjoys the cinema, and withdrawing to her parents little cabin with her dad’s tapes of a-ha and Cat Stevens. Susanne is having piano lessons as well. Proudly she presented her first composition to her teacher. “She told me to learn the piano properly first.“

Au weia! Ein klaviergelehrtes, belesenes norwegisches Landei wird uns da also heute Abend ihre Songs vorspielen. Als ich weiter unten noch lesen darf, dass sie auch einen riesig wichtigen norwegischen von a-ha gestifteten Norwegen-sucht-den-Superstar Wettbewerb (das kürzt man bestimmt NSDS ab) gewonnen hat, wird’s auf einmal draußen vor der Tür ganz arg kalt und dann spielt ja heute noch Deutschland, oh jeh….

Weiterlesen auf der Homepage stimmt mich nicht gerade optimistischer, denn da steht grauenhaftes Zeug, hier nur eine kleine Auswahl:

Elfenmusik zwischen Stimmungshit und Kirchenschiff. (Rolling Stone, 06/2011)

‘The Brothel’ ist das neue klangliche Wunderwerk aus Skandinavien: ein Wetterleuchten, das Feen und Fabelwesen genauso für einen Moment aus der Dunkelheit ins Licht rückt wie die musikalische Grandezza von Kate Bush und Joni Mitchell. (FAZ, 12. 05. 2011)

Und mein absoluter Favorit obendrauf:

Wer Susanne Sundfør vor wenigen Tagen in München gesehen hat, den hat es umgehauen: Durch ein Schlagzeug untermauerte 80er-Jahre-Industrialklänge brauten sich da auf der Bühne mit Streichern und Bläsern aus der Konserve zu einem musikalischen Cocktail zusammen, der so fremd und interessant schien wie Angela Merkel in der „Let’s Dance“-Jury. (Focus online)

Bei Sängerinnen von der nördlichen Nordhalbkugel noch immer diese Elfenvergleiche auszupacken, sollte mit eine Woche Dauerbeschallung durch das neue Björk-Opus bestraft werden. Merkel und Pop, nein, da sehe ich keinen Zusammenhang. Aber man driftet beim Internetrecherchieren ganz schön ab und als ich dann bei Wikipedia gelandet bin, wo die Dame Gottseidank noch keinen Eintrag hat, studiere ich interessiert den Artikel, der mir erklärt, das das ‘ø’ in Ihrem Nachnamen ein eigenständiger Buchstabe ist, den nur die Nordlichter ganz weit da oben haben, also was ganz anderes als unser ‘ö’. Das ist ein Umlaut und besteht aus ‘o’ und ‘e’ ist also ein ganz unselbständiges Schriftzeichen, was nie in den Stand eines eigenständigen Buchstaben gelangt ist. Armes Ding mein ‘ö’ und dieses ‘ø’ – warum haben wir das eigentlich nicht, schaut doch super aus. Das muss vielleicht doch kein schlechtes Konzert werden, die Dame hat ein stolzes ‘ø’ im Nachnamen und mit „The Brothel“ eine gute Single im Handgepäck, mehr kenne ich von ihr nicht und bin nun ganz arg gespannt. Schnellknipser Autofokus-Andi wartet im Theaterhaus, gleich fährt der gelbe Blitz vor, Kragen hochklappen und raus in die Kälte. Das Ding gegen die Herrn in Orange geht auch ohne mich gut aus und ist ja sowieso nur so ein unnötiges Freundschaftsspiel und Manu wird im Tor stehen und sie kehren ja auch wieder brav zur Viererkette zurück. Kann ich wenigstens nur innigst hoffen!

Ich verrate jetzt schon alles und lass hier die ganze Luft aus dem Ballon, schon die Vorband hat sich gelohnt. Hello Piedpiper ist ein Singer/Songwriter aus Köln, der das altbewährte Modell „Gebt dem Mann eine Gitarre und lasst ihn dann viele gute Lieder singen“ angenehmst erweitert, indem er vor zwei Mikrofonen steht und mit irgendwelchen Fußpedaldingern hübsche kleine Loops, Echoeffekte, Stimmverdoppelungen und all so was hinzufügt. Es geht um Krieg, Menschen, die ertrinken und keiner merkt’s und die Liebe – all das große Ganze eben. So eine Dreiviertelstunde lässt Dich ganz leicht vergessen, dass es draussen bitterkalt ist. Uns allen wird im kleinsten Räumchen am Pragsattel richtig war um’s Herz. Hoffentlich sagt es mir jemand, wenn der Mann wieder in der Stadt ist, ich bin ab heute Fan!

Nach einer kleinen Umbaupause spielt Susanne Sundfør. Morten Harket und der Rest der Truppe investieren ihr Geld wesentlich besser als Dieter Bohlen, für die Anschubfinanzierung dieser Musikerkarriere muss man sie beglückwünschen. Ganz schüchtern steht sie hinter ihrem Keyboard und diesen kleinen Kästchen mit den vielen Knöpfen und singt ganz wunderbar. Im Gegensatz zum Vorspieler sind die Songstrukturen bei ihr eher frei. Refrains muss man mit der Lupe suchen und es wird klanglich deutlich elektronischer. Der Gesang ist manchmal große exaltierte Popdivenoper, die Performance hingegen minimal, schon beim Ansagen der Songtitel hat man Angst, dass sie sich gleich in ein Mauseloch verkrümelt. Vergleichbare Sängerinnen wären vielleicht Kate Bush und Agnes Obel und Dillon, um noch zwei weitere zeitgenössische singende Poppianistinnen zu erwähnen. Ein bisschen Pose ist die Nummer vom scheuen Rührmichnichtan aber natürlich auch. Ich kringel mich zwischendurch ziemlich auf meinem Klappstuhl, denn als Bilderschütze Andi seine unglaublich laute Spiegelreflex auslöst, da funkelt ihn das scheue Reh ganz gefährlich an. Wenn Blicke töten könnten, dann gäbe es zu diesem Text keine Bilder. Als letztes Stück gibt’s den Hit „Brothel“ und das Publikum seufzt ganz glücklich. Eine Zugabe können wir uns noch erklatschen und dann ist auch die zweite wunderschöne Viertelstunde schon vorbei.

Was haben wir gelernt? Man sollte keine Kritiken lesen und als Musikfreund sein Geld nicht für Gedrucktes, sondern für Konzerte und Tonträger ausgeben. Auch online sollte man seine Zeit nicht mit diesem Geschreibsel vergeuden. Hören statt Lesen! Aber die, die das jetzt bis hier unten durchgelesen haben sind sowieso verloren… Das ist doch Eulen nach Athen tragen!

Bis zum nächsten Mal!

Pop. NotPop, die Zweite. Was Hannes Steim und Pese Puscher im vergangenen Jahr zum ersten Mal veranstalteten, ging nun in die zweite Runde. Wir waren überall und nirgends. Haben uns die Beine in den Bauch gestanden, über den Stromausfall im Schocken gelacht, getanzt und verdammt viel Musik gehört. Leider kann man ja nicht überall sein. Betramprimus (Touchy Mob, Laing, I Heart Sharks, Stullenheimer, Shit Robot) und Carsten Weirich (Intergalactic Lovers, Retro Stefson) sind die Berichterstatter, Andreas Meinhardt der Fotograf.

Intergalactic Lovers, Schocken

Auf geht’s in Schocken zu den Intergalactic Lovers. Eigentlich noch nie was gehört von den Belgiern. Aber so als Vorbereitung fürs Pop.NotPop-Festival hört man sich ja gern mal ein paar Songs an, um zu wissen, was sich außer den Bands, die man eh schon auf dem Schirm hat, noch lohnen könnte. Bin wohl nicht der Einzige, der sie sehen will. Das Schocken wird nämlich zusehends voller und ist dann um 21 Uhr auch gut gepackt. Könnte eigentlich losgehen, wären da nicht die technischen Probleme, die Frontfrau Lara Chedraoui und ihre Bandkollegen wieder von der Bühne treiben. Genug Zeit um neue Drinks zu ordern oder sich Wurfgeschosse in Tomatenform zu besorgen, witzelt die Sängerin der Belgier. Könnte ja sein, dass jemand seinem der Wartezeit geschuldeten Unmut kund tun will. Ich entscheide für mich einen Drink. Da ist das Geld besser investiert.

Irgendwann sind die Probleme dann scheinbar beseitigt und es kann losgehen. Und gleich zu Beginn merkt man, dass der Indierock der Belgier, die sich erst vor zwei Jahren formiert haben, beim Publikum bestens ankommt. Das Schocken tanzt zur wunderschön melancholischen Stimme von Lara Chedraoui. Erkältet sei sie und ihre Stimme ein wenig in Mitleidenschaft gezogen. Klingt trotzdem toll. Ungemein charismatisch ist sie auch noch. Steffi, eine Freundin aus München, höre ich sogar sagen: „Ich hasse sie. Die sieht verdammt gut aus und ist auch noch charmant.“ Recht hat sie. Im schwarzen Schlabberpulli und mit ihren roten Chucks tanzt sie, in die eigene oft sphärische Musik versunken und völlig unprätentiös, über die Bühne. Eine tolle Frau, keine Frage. Das Publikum kommt auch besser in Fahrt, unschwer an der Menge der wippenden und tanzenden Menschen zu erkennen. Auch als das Licht im Schocken ausfällt, tut das der Stimmung keinen Abbruch. Die Intergalactic Lovers spielen einfach im Dunkeln weiter. Nach einer knappen Stunde ist ihr Auftritt dann vorbei. Runde Sache würde ich sagen.

Retro Stefson, Schocken

Jetzt freuen wir uns alle auf Retro Stefson aus Island. Im Oktober wollten wir sie eigentlich beim Iceland Airwaves Festival in Reykjavik sehen. Da sie dort aber weitaus bekannter sind als hier und dazu noch saubeliebt, wurde daraus nichts. Wir sind nicht mehr reingekommen in den proppenvollen Club. Umso schöner, dass sie jetzt in Stuttgart spielen. Und nach allem, was ich über ihre Liveauftritte gehört hatte, bin ich zuversichtlich, dass sie vielleicht in die großen Fußstapfen von FM Belfast treten könnten, die das Schocken beim Pop.NotPop letztes Jahr aber sowas von gerockt hatten.

Dumm nur, dass die technischen Probleme immer noch nicht so ganz behoben sind. Man wartet auf den Elektriker. Um die Zeit sinnvoll zu nutzen, hole ich mir eben nochmal in Ruhe einen Drink an der Bar und habe Zeit mir Gedanken über die isländische Musikszene zu machen. Keine Ahnung was man denen ins Wasser mischt. Normal ist es jedenfalls nicht, dass bei gerade mal 320.000 Einwohnern (etwa halb so viele wie Stuttgart) derart viele richtig gute Bands von dieser wunderschönen, aber halt schon recht abgelegenen Insel kommen. Sigur Rós, FM Belfast, Bloodgroup, Dikta… um mal ein paar zu nennen. Wahrscheinlich hat man da sonst nicht viel zu tun. Mein Rat an dieser Stelle: hört mehr isländische Musik! Echt, es lohnt sich.

Mit einer Dreiviertelstunde Verspätung und noch einen Drink später geht es dann endlich los. Die sieben blutjungen Musiker von Retro Stefson entern die Bühne. Mein erster Gedanke: die sind doch völlig bescheuert, herrlich bescheuert und kacksympathisch. Allein schon der tamburinspielende Einheizer Haraldur muss jedem normalen Menschen sofort ein Lächeln ins Gesicht zaubern. Gelber Pullunder mit V-Ausschnitt, knallenge abgeschnittene Jeans und dazu Turnschuhe mit Tennissocken. Hammer. Die sieben Bandmitglieder um Sänger Unnstein Manuel Stefánsson geben sofort Vollgas und packen das ob der Wartezeit schon etwas dezimierte Publikum direkt bei den Hörnern.

Mal springt das Publikum im Kollektiv von links nach rechts, dann wieder zurück. „Follow Haraldur“ kommt immer wieder die Anweisung von der Bühne. Denn der ist sich für nichts zu schade und stiftet das Publikum zu einer Albernheit nach der anderen an. Als es gilt Tierlaute nachzumachen, kreischt, bellt und miaut es aus allen Ecken. Auch als er mit den Worten „Is it possible to be sexy in Stuttgart?“ einen Exkurs in Sachen bescheuerte Discomoves eröffnet, zieht alles mit. Ein besonders albernes Bild gibt das Schocken von der Empore aus ab, als das Publikum einfach nur verrückt und durchgeknallt rumhüpfen und sich schütteln soll. Herrlich. Aber Retro Stefson kann nicht nur albern – die können auch noch richtig gute Musik machen. Das Septett aus Reykjavik mischt Afrobeat, Rock, Elektro und was weiß ich noch alles zu einer Musik, die einem ein Grinsen ins Gesicht und Hummeln in den Hintern zaubert. Denn das Schocken geht ab. All meine Freunde hüpfen, wippen und lachen. Vor allem Cathrin hat daher ständig Tränen in den Augen, hat sich wohl ein wenig in den Haraldur verliebt.

Auch toll anzusehen ist die Wall Of Death und eine Art Pogopolonaise. Ich hab jedenfalls nicht zu viel erwartet, Retro Stefson stehen FM Belfast in Sachen Stimmung und Albernheit in nichts nach. Das macht einfach nur Spaß, denen auf der Bühne scheinbar genauso wie denen vor der Bühne. Auch den bislang eher schüchternen Bassisten Logi Pedro Stefánsson hält es irgendwann nicht mehr auf seinem Platz. Er erklimmt klettenderweise mal eben die Empore und spielt einfach oben weiter. Dickes Ding, ehrlich. Nach etwa 75 Minuten nur leider viel zu früh vorbei. Wer es verpasst hat, sollte unbedingt die Augen offen halten. Vielleicht ergibt sich ja bald mal wieder die Gelegenheit die Isländer live zu sehen. Mir wird jedenfalls noch am Tag drauf immer mal wieder völlig unerwartet „Kimba“ durch den Kopf hallen. Und auch während ich das hier schreibe, höre ich es auch aus dem Wohnzimmer, wo meine Frau gerade fern sieht, öfter einfach mal so „Kimba Kimba Kimba“ rufen.

Touchy Mob, Speak Easy

In einem akustikgitarrenfreien Universum wäre Touchy Mob vielleicht ein typischer Singer/Songwriter, der mit seinem typischen Instrument, einem elektronischen Schräubchenbrett, sich selbst zu seinen verschrobenen Songs begleitet. Unser Universum ist aber nicht akustikgitarrenfrei, und so bedient sich Touchy Mob alias Ludwig Rath wie selbstverständlich beiden Instrumenten. Stotternde, tanzbare Beats, Gesang, Vollbart und Topfschnitt, eisenhart allein auf der Bühne im Speak Easy um 9 Uhr abends, Leute unterhalten – ganz schön cool. Sein letzter Song heißt passenderweise “I Don´t Know” und er verabschiedet sich mit den Worten “Viel Spaß noch”. Spaß hatten wir, den möchte ich mal einen ganzen Abend sehen.

Laing, Kellerklub

Laing aus Berlin bieten eine echte Show im Kellerklub um halb elf. Von den vier Damen in den roten, kurzen Kleidern mit der Aufschrift “Laing” singen drei, Nummer 5 lebt 4 tanzt. Begleitet vom hartarbeitenden Drummer und Sequenzenabrufer perlt deutscher, dreistimmiger Soul-Elektropop von der Bühne, durchgängig durchchoreografiert, frisch und unerschrocken. Schwankt zwischen “wir sind so cool, wir machen das einfach” und DIY-naiv. Die letzten Konzerte mit Choreografien, die ich miterleben durfte, waren Deichkind und DJ Bobo. Räusper. Weiter mit Laing. Da wird ganz relaxt “Alles Nur Geklaut” von den Prinzen gecovert, oder zumindest der Refrain, so genau kenne ich das Jahrhundertwerk der Deutschpopgeschichte nicht. Zum Instrumental breakdancet Nummer 4. Die Songs haben hübsche Übergänge: die Ansage von “Sehnsucht”, vorgetragen von der blonden Grazie, werden zeitverzögert von den vorderasiatischen und afrostämmigen Sirenen wiederholt. Klingt cool. Zum Abschluss wird Laings Hit “Morgens Bin Ich Müde” geschmettert. “Ich Bin So Verliebt” (Zugabe) besticht durch einen lockeren Upbeat-Rhythmus und einem tollen, stimmlichen Arrangement. Alles sehr launig.

I Heart Sharks, Kellerklub

Um 23.30 Uhr werden im Kellerklub Haie geherzt. I Heart Sharks präsentieren tanzbaren, vom Sound her britischen Club-Rave. Die aus New York, London und Bayern stammenden Bandmitglieder haben sich in Berlin gefunden, wo sonst. Die Schlagzeugerin, der Gitarrist, der auch die zweite Stimme beisteuert und sicherheitshalber auch ohne Mikro alle Gesangsparts des Sängers mitsingt, und der Sänger und Korg-Synthie-Bediener selbst tragen graue, kurzärmelige Hemden. Einfache Melodien, aufgebaut auf Grundton-Terz-Quinte-Bassläufen herschen vor, aber das tut dem Pop- und Dance-Appeal keinen Abbruch. Viele Refrains gehen auf ooh-oh-oooh. Klingt ein bisschen wie Friendly Fires oder wie die längst vergessene Elektro-Wave-Formation Pink Turns Blue, die hiermit auch ihre Erwähnung auf dem Gig-Blog feiern darf. Der Kelleklub tanzt, was will man mehr.

Stullenheimer, Speak Easy

Stullenheimer treten kurz nach 12 im Speak Easy mit weiblicher Vollblut-Soulstimme, E-Gitarre, einem langhaarigen Schräubchendreher (Loops und Regie) und einer kurzhaarigen Schräubchendreherin (Second Unit) an. Bratzige Riffs werden bis ins Nirvana geloopt und mit einem satten Housebeat unterlegt. Keine Ahnung, von was die Dame inhaltlich zu so einer Musik singt oder singen sollte, aber sie tut es mit einer Nonchalance, die den sehr fetten Sound augenzwinkernd kontrastiert. Bei Stullenheimer sind alle Mittedreisigheimer, eine angenehme Abgeklärtheit weht von der Bühne. Die riesige, formatfüllende Speak Easy eigene Leuchtwand strahlt mit der Band um die Wette.

Das Intro zum dritten Track kommt so daher: Eine einfach gezupfte, warme Gitarrenmelodie, Gesang dazu und dann knallt der Elektromann nach gut Dünken vereinzelt Beats zwischen das beschauliche Duo. Alle grinsen, bis er und seine Sekundantin vollends das Heft in die Hand nehmen und knüppelhart mit ihrem Sound über Gitarre und Stimme drüberbügeln. Am Schluss ist das dann Techno, und leider auch ein wenig breiig im Sound. So, und jetzt lese ich die Q&A, die uns Stullenheimer am 10. März 2010 beantworteten.

Shit Robot, Kellerklub

Auch um halb drei ist im Kellerklub noch viel los, Marcus Lambkin alias Shit Robot legt auf. Sein auf dem Plattenlabel DFA im Jahre 2010 veröffentlichtes Debütalbum hört auf den hübschen Namen “From The Cradle To The Rave”. Der untersetzte Ire spielt einen einladenden Mid-Tempo-Techno, dreht unaufgeregt, ja fast gemächlichen an den Hoch- und Tieftönern, sucht den nächsten Übergang, während er minutenlang eine unangezündete Zigarette zwischen seinen Lippen hin- und herrollt. Der Übergang ist gefunden, der nächste Track treibt die Herde weiter, Zeit für eine verdiente Zigarettenpause. Angenehm unhippelig, keine aufgesetzte Coolness, ein zuverlässiger Roboter, der seine Arbeit tut. Wahrscheinlich so lange, bis ihm der Treibstoff, die Zigaretten ausgehen. Das bekomme ich allerdings nicht mehr mit.

Nach sieben Stunden PopNot.Pop ist für mich Schluss. Schön war´s, schön urban, in Stuttgart.

Und hier noch ein paar Fotos:

Hundreds:

Retro Stefson:

RTR

Wahnsinn, diese Stimme! Man kann eigentlich gar nicht glauben, was da in die Schorndorfer Manufaktur gekommen ist. Dabei habe ich Anna Calvi schon Monate vorher auf der Fahrt zu Swans nach München kennengelernt – die Musik meine ich, nicht die Frau. Es hat nur zwei Songs gedauert, bevor ich mich entschlossen habe, auf jeden Fall mit aufs Konzert zu gehen. Obwohl ich einräumen muss, dass mich die Platte nicht auf das vorbereiten konnte, was ich dann zu hören bekomme.

Als Vorprogramm gab es allerdings zunächst Jim Kroft, einen in Berlin ansässigen schottischen Singer/Songwriter, der nach seinen Banderfahrungen mit Myriad Creatures nun auf Solopfaden wandelt. Im Gepäck hat er sein zweites Album „The Hermit And The Hedonist“. Leider kann er schon ohne den direkten Vergleich mit Anna Calvi nicht wirklich überzeugen, denn zu sehr verlässt er sich beim Komponieren auf vielgeschrittene musikalische Gangarten und Klischees, die langweilen.

Sympathisch wirkt er mit seinem beständigen Wechsel zwischen Deutsch und Englisch ja schon. Die häufig mehrstimmigen Gesangspassagen sind durchaus nicht einfach und umsomehr gekonnt wiedergegeben. Und ich möchte Jim Kroft auch abnehmen, dass er mit seinen Stücken jene tatsächlich empfundene Emotionalität ausdrücken möchte, die es im Pop so selten gibt. Wenn man einen Mangel an Inhalt mit zu hochtrabenden Mitteln ausdrückt, läuft man ja Gefahr, in Schwulst abzudriften. Mein Eindruck bei Jim Kroft dagegen war, dass er ein großes Maß an Inhalt mit ausgelutschten Mitteln rüberbringen möchte, was schade ist, aber immerhin nicht so fade, wie einen Mangel an Inhalt mit einem Mangel an musikalischen Mitteln zu paaren, wie das viele tun. Empfehlenswert ist es da, sich die chronisch unterbewerteten Anathema mal genauer anzuhören – für das Publikum wegen der großartigen Musik, die es zu entdecken gilt, und für Jim Kroft wegen der musikalischen Ketten, die er abzuschütteln lernen könnte. Naja, oder man wartet einfach ein paar Minuten, bis Anna Calvi auf die Bühne kommt.

Da geht zwischen den Songs so ein Raunen durch das Publikum: „großartig“, höre ich da, „hammermäßig“ oder „unglaublich“. Ja, genau. Auf so etwas konnte uns selbst das Album oder der Arte-Bericht nicht vorbereiten. Wie es dort heißt, höre sie nur Musiker, deren Musik sie wirklich bewegte und die von sich beim Singen alles gaben. So wollte sie selbst auch werden – und nun scheint genau das eingetreten zu sein: Das tendenziell grau-melierte Publikum in der fast vollständig ausverkauften Manufaktur ist schon nach dem ersten Song sichtlich berührt und der Sängerin schlichtweg ausgeliefert. Dass diese zierliche, kleine Frau indes alles in Ihre Musik legt, kann man einfach hören. Wie sonst sollte sich eine solche Stimme entfalten können?

Sie ist so warm, dass man erzittert, bestechend zart, erotisch hingehaucht oder so voll, dass jeder andere Gedanke aus dem Saal verdrängt wird. Diese Stimme macht Anna Calvi zu einer Lola Lola, die jeden Professor Rath ins Unglück stürzen könnte. Wenn sie ins Mikrophon haucht, sieht man sie als Femme Fatale in verrauchten Clubs der Vierzigern, wie sie in keinem Chandler-Roman fehlen dürfte. Daneben aber stehen diese druckvollen Passagen, die eher an Sinéad O’Connors Big-Band-Album „Am I not Your Girl“ oder an Anna Calvis Vorbild Édith Piaf erinnern.

Gepaart ist diese Stimme jedoch keineswegs mit irgendwelcher gewöhnlicher, abgenudelter Musik, wie sie uns Jim Kroft geboten hatte. Diese nämlich enthält gerade noch so viele eingängige Passagen, um den großen Erfolg des selbstbetitelten Debütalbums mit elf Top-Hundert-Platzierungen in europäischen Album-Charts – davon sieben in der Top-Vierzig, einer in der Top-Ten – zu erklären. Immerhin wird Anna Calvi 2012 mit dem European Border Breakers Award geehrt werden, wie ihre Website verrät.

Zwischen diesen eingängigen Passagen ist die Musik völlig eigenständig und spielt mit musikalischen Vorbildern jeder Couleur. Man meint die Pop-Geschichte des 20. Jahrhunderts an sich vorbei rauschen zu hören, und kann doch kaum jemals konkrete Referenzen benennen, am deutlichsten vielleicht David Bowie in „Desire“. Im Gitarrenspiel hört man vage Einflüsse von Jimi Hendrix oder Mark Knopfler, findet Strukturen wie in Neil Youngs „Dead Man“-Soundtrack oder Melodien wie in spanischer Folklore oder Blues. Man hört ein bisschen Nick Cave und ein bisschen Swans. Dabei kitzeln Anna Calvi, ihr Schlagzeuger Daniel Maiden-Wood und ihre Keyboarderin und Percussionistin Mally Harpaz alles an Varianzen aus den Instrumenten heraus, ohne jemals in klischeehafte Bahnen zu geraten. Live wird einem das noch bewusster, während die Musik zugleich emotional unmittelbarer und eindruckvoller wird. Die einzige Singer/Songwriterin, die derzeit ähnlich Originelles, wenngleich musikalisch noch Druckvolleres bietet, ist die Britin Rose Kemp, an welche ich mich wiederholt erinnert fühle, wobei deren Gesang anders als Anna Calvis gekünstelter und weit weniger natürlich wirkt.

Vor der Musikerin werden wir zu Getriebenen durch die Melodien des live fast bedrohlich wirkenden Refrains von „Blackout“, das doch nie die Pfade hochwertigen Pops verlässt. Wir werden gehetzt durch „I‘ll Be Your Man“, das sicherlich im Soundtrack des nächsten Quentin Tarantino-Filmes Verwendung finden wird, bevor sie einen bei „First We Kiss“ oder den Melodiebögen von „The Devil“, das ein wenig an Jex Thoths Side-Project Sabbath Assembly erinnert, von einer Gänsehaut zur nächsten jagt. Bei „Morning Light“ und meinem persönlichen Favoriten „Love Won’t Be Leaving“ zeigt Anna Calvi die komplette Spannbreite ihrer Musik komprimiert: Von vollständiger Reduzierung mit Flüstern zu einzelnen Beckenklängen oder atmosphärischen Einzeltönen mit scharfen metallischen Geräuschen bis zum – anders kann man es nicht ausdrücken – musikalischen Donnerschlag, bei dem uns der Refrain mit voller Wucht trifft, hat Sie das Publikum fest in der Hand.

Als eine Frau lauthals nach „Jezebel“ ruft, flüstert die Sängerin nur „It’s coming“. Und tatsächlich findet der Abend mit diesem nach Elvis Presleys „Surrender“ und TV On The Radios „Wolf Like Me“ dritten großartigen Cover – hier eines Songs von Wayne Shanklin – zu einem monumentalen Abschluss, bei dem uns Anna Calvis Stimme um mehr bereichert verlässt, als ich das zu hoffen gewagt hätte.

Kakkmaddafakka. Schöner Name. Klingt je nach aktueller Assoziationslaune mal nach einer auf die Schnelle ausgedachten Beleidigung eines Fünfjährigen, oder dem Namen einer Band, die man so im Hintergrund hört, während man in Norwegen an seinem wirren 1600 Seiten Pamphlet schreibt. Muss an den Ehrfurcht einflößenden Doppel Ks liegen.

Skandinavischer Abend in Stuttgart, zeitgleich spielen Roxette in der kuscheligen Schleyerhalle, während, für mich überraschend, viele Personen in der Röhre auf den Beginn des Konzerts der Norweger warten. Noch etwas Zeit also zu erwähnen, dass die Band aus dem The Whitest Boy Alive Stall kommt, soll heißen, gleiches Label namens Bubbles. Und da es immer noch nicht losgeht, bleibt auch noch Zeit zu konstatieren, dass zumindest sauftechnisch die jungen Mädels eine 100% Angleichung an die Männerwelt vollzogen haben. Immerhin, Emanzipation auch das irgendwie.

Um Zehn vor Neun kommen acht Norweger zu Hip Hop Beats auf die mit verschiedenem Gebüsch ausstaffierte Bühne, ein paar von den sehr jungen Herren haben auch eine Fliege umgebunden. Ein wenig ungewöhnlich auch die Instrumentierung, von Gitarre, Bass, Schlagzeug und Tasten mal abgesehen, spielt einer noch ein Cello, drei andere bilden einen Männerchor. Die Musik der Band folgt dann auch nicht unbedingt ganz festgezurrten Schemata. Das ist zwar schon alles irgendwie Indie, der ohne Probleme Samstagabends aufgelegt werden könnte, ohne die Tanzfläche zu leeren, aber hier mal ein Housebeat, dort ein Ska-Bass, dann wieder ein Salsa-Piano, lockern das Ganze doch immer wieder auf. So bleibt der Sound trotz aller Ohrwurmqualität immer noch interessant genug, um ihn vom Indie-Einheitsbrei abzuheben.

Sympathisch auch der Spaß mit dem die Jungs an die Sache rangehen. Keine affektierten Coolnessattitüden, und auch kein Problem damit ihre Musik nicht super bierernst rüberkommen zu lassen. Gitarrist und Hauptsänger Axel Vindenes sieht sehr nach einem Lausbub irgendeiner Astrid-Lindgren-Verfilmung der 70er aus, wahlweise könnte er auch in Gregory’s Girl mitspielen. Die haben da auch so sympathisch-grobe Frisuren.  Der Chor glänzt derweil weniger mit Gesang, als eher mit einer toller Choreographie. Hat was von Männeraerobic oder -jazztanz. Bei dem Weg, heißt das wirklich Jazztanz, oder frage ich mich seit dem Gegaffe vor 25 Jahren im Schulsport vergeblich, warum die Mädels damals nicht zu Miles Davis rumgesprungen sind?

Kakkmaddafakka verbraten derweil ihre Hits. Subtil ist das oftmals nicht, aber live funktionieren Songs wie “Touching”, “Cool”, “Your Girl” oder “Gangsta” blendend. Musikalisch gefallen mir die ruhigeren, entspannteren Sachen wie “Is She” oder “Self Esteem” besser, in denen die Band beweist, dass sie ein feines Gespür für Pop hat. Egal, die Röhre feiert und hat 90 Minuten ihren Spaß. Wer das daheim nachmachen will, kann das auch auf der Haus-Bontempi ausprobieren, da die Band netterweise auch die Akkorde ihrer Songs auf ihre Homepage gestellt hat.

Sollte es die nächsten Jahre mal ein Indie-Bierzelt auf dem Wasen geben, kann man Kakkmaddafakka problemlos als Liveact empfehlen. Und das nicht nur, weil das “Party-Animal” heißt.

Es ist wohl tatsächlich passiert. Was andere Gig-Blog-Autorinnen und -Autoren vermuteten oder feststellten: etliche Konzerte und ein erschienenes Album (Happiness, 2010) später sind Hurts, der Popwelt zum Glücke, im Mainstream angekommen, nicht jedoch darin verloren. 45 Euros zahlen die Menschen (damals schienen einem Kommentierenden 12 Euros zu viel), um die schönen Briten in der Porsche-Arena zu sehen. Nicht meine Wunsch-Location, aber das will ich mir jetzt doch mal anhören, nachdem ‘s die Platte auch bei mir auf den ipod geschafft hat.

Ihr kennt doch bestimmt auch das “Was passt nicht in die Reihe-Spiel” ? So hab ich mich gefühlt als ich gelesen hab, wo Hurts noch spielen nach ihrem Auftakt-Gig der neuen ‘Happiness-Tour’ in Stuttgart: Frankfurt – München – Düsseldorf – Erfurt. Ja, ok, zugegeben, es könnte auch Erfurt sein …

Und dann eben Porsche-Arena – da war ich zum ersten und einzigen Mal bei deren Eröffnung und durfte mich mit Frank Elstner und unserem ehemaligen Minischdrpräsidenten Gündr Öddinger hinter der Bühne, sozusagen ‘backstage’ vergnügen, “Verstehen Sie Spaß?”-Aufzeichnung mit Oldtimer-Bus-Erscheinen und derlei Späßen.

Heute Abend waren mit mir noch etwa 2.999 Leute in Cannstatt und alle so bunt (wie auf dem Wasen nebenan); gar nicht erwartet hätte ich, dass das Grüppchen schwarz Gekleideter (und auch musikalisch schwarz Gesinnter) im Innenraum so auffallen würde. Tat es aber. Mir jedenfalls.

Ein Gutes hat ja ein Konzert in solch einer Halle: pünktlich anfangen tut’s. Auch vorteilhaft, bei drei Acts (werd ich alt?). Hat ja fast schon Festival-Charakter mit so vielen Supports. Um 19:59 Uhr kommt der erste, die ebenfalls in Manchester lebenden The Heartbreaks. Aus dem kleinem Ort Morecambe an der britischen Westküste in der Grafschaft Lancashire stammend, leben sie den rauen Sound der See in ihrer Musik, die man, vielleicht etwas nichtssagend, als Indie-Pop bezeichnen darf; ein wenig Smiths, ein wenig Beatles, rauer aber, ungestümer. Im Jahr 2003 ist Morecambe auf Platz 3 der “50 worst places to live in the UK” gelandet – sowas prägt. “… The British seaside has this sort of faded glamour to it, its tacky and tragic, yet at the same time, there’s a real beauty to that. And thats so essentially British. There’s nothing more inspirational than the British seaside…” – The Heartbreaks

Mit ihrer ersten Single “Liar, my Dear” und ihrem Mini-Album “Jealous, Don’t You Know” (gleichnamiger Song auf Platz 1 in England) machen sie eine Ansage. Nämlich die, dass sie ernst zu nehmende Newcomer sind, die sich musikalisch nicht verstecken müssen und von denen wir hoffentlich noch viel hören werden. Einzig der Bandname, hallo, “die Herzensbrecher” (warum da vorher noch keiner drauf kam), macht, dass ich mich ein wenig zu alt fühle. Aber es gibt ja jüngeres Publikum, dem gefällt’s bestimmt noch besser als mir. Schade nur, dass heute Abend eigentlich kaum einer wegen ihnen gekommen ist.

Meinem Alter angemessener scheint mir die sechsköpfige Formation von Firefox AK, von denen ich mir am Ende des Abends die CD mit heim nehme. Firefox AK, das ist in erster Linie Andrea Kellerman. Die Schwedin, Ehefrau von Tiger Lou -Head Rasmus Kellerman, stellt ihr drittes Album (Color the Trees, 2011) vor und das mit glasklarer und kräftiger Stimme, nicht unbedingt zu erwarten, wenn man das zarte Mensch dazu sieht…aber sie weiß, was sie singt und spielt – multi-instrumental mit Schellenkranz, Schlaghölzern, Gitarre, vielen frickeligen Beats … Kritiker attestieren ihr große Nähe zu Nina Persson und den Cardigans, was nicht gelogen ist, wobei Songs wie “Boom Boom Boom, The Wind” oder “My Sister And I” (ein Song über Ihre Zwillingsschwester; toll eigentlich, dass es diese Frau zweimal gibt) schon sehr eigenständig daherkommen – perfekt produzierter Sound (von Andreas Mattsson, in Stockholms Musikszene kein Unbekannter) die halbe, viel zu kurze Stunde lang. Würden wir nicht eigentlich alle auf Hurts warten, wär’s schön, sie würden noch ‘ne Weile bleiben.

Ameisenhaufenartig wird umgebaut, Schnakenbergs modulare bühnentechnische Elemente auf die Bühne (für die Fachleute unter uns), die später die zahlreichen Musiker (vier Streicher, einen Synthesizer-Bediener, einen Schlagzeuger, einen Gitarristen) tragen werden, die Theo und Adam begleiten werden am heutigen Abend. Und auf einmal sind SIE da – ein wenig bin ich schon gespannt, ob das Wunder um Hurts auch für mich funktioniert – und gleich vorneweg: es tut. Bevor ein Ton gesungen ist, spür ich was vom Charisma der Briten. Keine Angst, das hier wird jetzt keine Hymne auf Hurts.

Eröffnet wird düster und bombastisch mit Standartenträgern und “Silver Lining” bevor bei “Better Than Love” die zwei Tänzerinnen eingeführt werden, die mal in schwarz und mal in weiß gekleidet auch heut Abend einiges zu tanzen haben.

Schon beim dritten Song “Blood, Tears & Gold” wird das erste (und vielleicht einzige) Feuerzeug ausgepackt, von einem Überzeugungstäter, der ein paar Reihen vor mir sitzt und wohl kein Mobiltelefon besitzt, mit dem er neumodisch leuchten könnte. Selbst als Theo ruft “Handys hoch, Stuttgart (…) schöne Leute, Stuttgart”, brennt dieses Analog-Licht. Nun, in “Illuminated”, das fast am Ende des Konzerts als einer der Höhepunkte kommt, kann’s auch nicht um das schnöde Handy-Geleuchte gehen und auch die Zeile “Lights are shining on our faces” muss anders gemeint sein.

Hurts wecken tiefere Gefühle, auf ihrem erstem Album Happiness geht es um nichts geringeres als um die Suche nach Glück und das Säen von Hoffnung (erschließt sich einem vielleicht nicht ganz, wenn auf der Rückseite des Cover-Booklets Lento Doloroso zu lesen ist, was soviel wie ‘langsam schmerzhaft’ bedeutet – oder muss man das lediglich als eigene musikalische Einordnung in die Kiste Disco Lento verstehen?). Es ist schon viel über Hurts geschrieben worden, ich verzichte, wie der aufmerksame Leser vielleicht auch schon gemerkt hat, auf den musikjournalistischen Part, das können andere besser als ich. Man möge mir meine rein subjektive Sicht der Dinge verzeihen.

“Illuminated” auf jeden Fall- vielleicht mein Lieblingslied heut Abend. Obwohl, jeder Song hat irgendwie auf seine Art das Zeug zum Lieblingslied, “Wonderful Life” natürlich oder auch “Stay” – ist das vielleicht das Geheimnis des Erfolgs von Hurts? Lauter Lieblingslieder, Songs zum Mitsingen – obwohl, wenn ich sehe, wer aus der bunten Innenraumgesellschaft mitsingen kann, will ich es vielleicht gar nicht mehr … ist mitsingen womöglich eh blöd? Egal, ist ja dunkel und laut, da stört’s doch keinen großen Geist.

Großes Gefühlskino auch mit dem Instrumental-Stück “Gloomy Sunday” oder auch den balladeskeren Songs wie “Verona”, dem hidden track (so ne 80er Jahre-Albernheit sagt mein Mann), oder “Mother Nature” und “Unspoken”. An dieser Stelle kommt allerdings von meinem Begleiter A. die Anmerkung, dass wir es doch eher mit langweiligen Live-Performern zu tun hätten. Kann man finden, durchaus. Ich find, sie performen mit der charmanten 80er Wave-Attitude, die mir gut bekannt ist, da ein früherer Freund meiner Schwester und mir, den meine Eltern meist liebevoll “dr Elektrisch aus Bergisch Gladbach nannten” (er war Elektroinstallateur) nicht müde wurde, uns mit Wave-Mixtapes zu versorgen und uns in einschlägigen Kölner Clubs live teilhaben zu lassen an diesen 80er Posen, mit auf die Schuhe kucken und so (schöner youtube -Kommentar zu einem Hurts-Auftritt: “why he all the time looking down??”) … also ich hab jedenfalls Spaß an der Performance. Wobei es das nicht allein ist, es ist eher die unbedingte antonymische energische Ruhe und die Sicherheit, die die beiden Herren von der Insel auf der Bühne ausstrahlen, als gehören sie nirgends hin als auf die Bühne, die das Konzert zu einem Erlebnis machen. A. ist allerdings erst ein wenig versöhnt, als Theo sich bei der zweiten Zugabe “Sunday” zu einem übermütigem Mikro-Schlenker hinreißen lässt und seiner Meinung nach dann erst das Prinzip Live-Konzert verstanden hat…

“Happiness” wird außerdem gespielt, der Song, der nicht auf der Platte ist, aber nach dem die Platte heißt, Kylie Minogue, die auf der Platte bei “Devotion” mit singt, wird mit einer Coverversion ihres “Confide In Me” gewürdigt, die fast berührender ist als das Original. Mit “Affair”, einem neuen Lied, das zum ersten Mal live gespielt wird, kriegen wir noch eine Ballade geschenkt, vielleicht erwartet uns 2012 ein noch gefühlsschwangereres Balladen-Album? Man darf gespannt sein. Eigentlich aber auch egal, wegen mir könnten sie eh einfach nur ihr wunderbares Britisch reden und gut aussehen.

Für die Porsche-Arena gab es leider keinen Fotopass, wer aber wissen möchte, wie die Jungs aussehen, kann hier nachschauen: Baden-Baden 2009, Reykjavik 2010.