Man kann ja schlecht nicht auf ein Konzert hingehen, wenn einem der große Hamburger Connaisseur Carsten Friedrichs von Superpunk per Jahrescharts mitteilt, dass The Go! Team live eine Hammerband sein sollen. Zudem hat es auf dem neuen Album „Rolling Blackouts“ ein paar richtig schöne, melodische Popperlen drauf, die mich mir gut gefallen tun.

Vorabeindruck als wir ins Schocken einlaufen: Dieser Ort erlebt heute wohl einen seiner verdichtetsten Konzertabende überhaupt. Also nicht nur rappelvoll mit Publikum, auch die Bühne ist mit Instrumentarium (u.a. Steeldrum und Schreibmaschine) und zwei Schlagzeugen komplett zugestellt. Und als Support tritt nicht irgendein Solokünstler samt Wandergitarre auf, sondern natürlich auch eine siebenköpfige Band.

Die Isländer Retro Stefson sind unseren Iceland Airwaves-Besuchern schon bestens ein Begriff und zeigen auch fernab der Heimat, was für ein ungewöhnlich guter Act sie sind.
Außer Deathmetal und Schlager wird wohl fast jeder Musikstil in ihren Songs verwurstet, dabei extrem gut arrangiert, hochmusikalisch und mit einer lockeren Präzision gespielt, dass man nur staunen kann. Umso mehr, da die Jungen und das Mädchen so aussehen, als müssten sie morgen früh schon wieder zur Schule. Vor allem der Schlagzeuger dürfte die Pubertät noch vor sich haben.

Allen Songs gemein ist, dass sie in die Beine gehen. Eigentlich bräuchte es die sympathischen Animationsansagen der Band gar nicht, aber die machen das so nett – man will es nicht missen. Süß auch die Headbanging-Einlage der Keyboarderin, welche mit ihrer fragilen Erscheinung komplett kontrastiert.
Die 30 mit 80ies-Discopop-Progrock-House-Afrofunk-Calypso angefüllten Minuten gehen extrem kurzweilig vorbei. Selten, dass eine Vorband so viel Applaus bekommt. Verdient!

Gegen halb elf kommen die Brightoner The Go! Team aufs Parkett. „Nur“ sechs Leute, aber eine Energie im Hintern wie ein zugekokstes Rugbyteam. Der Abend hat fast nur eine Maxime und die lautet: „immer am Anschlag“. Die meisten Songs werden von der sehr sportiven Ninja mehr gerappt als gesungen und klingen, als würde eine Band Eigenkompositionen im Fatboy Slim-Style spielen. Subtil ist das nicht und zu Hause auf der eigenen Stereoanlage auf Dauer vielleicht etwas eintönig, aber live funktioniert das Prinzip „immer voll auf die Nuss“ bestens.

Auch das Auge wird bestens bedient. Zwei Schlagzeugern beim Spielen zuzuschauen, fand ich schon immer faszinierend. Ninja nutzt den Auftritt als Aerobicstunde, während die anderen Bandmitglieder alles andere als stillstehen. Instrumente werden untereinander getauscht, plötzlich taucht ein Banjo auf und eine Mundharmonika ist das Leadinstrument im Song „Yosemite Theme“. Von der Musik bis zu den Musikern selbst – alles ist von einer großen Unruhe und Lebhaftigkeit gekennzeichnet. ADHS als künstlerische Ausdrucksform.

Meine persönlichen Highlights von der musikalischen Seite her sind die poppigen Songs wie „Secretary Song“ oder das von der Schlagzeugerin Chi Fukami Taylor gesungene „Ready To Go Steady“. Von der optischen Seite her hingegen der Style von Basser Jamie Bell, der irgendwie aussieht wie eine Kreuzung aus britischem Fußballer und Popstar Anfang der 70er. Könnte problemlos in der BBC Serie „Life On Mars“ mitspielen.

„The Power Is On“ markiert vielleicht den energetischen Höhepunkt des Abends. Mehr geht beim besten Willen nicht. Drei Zugaben bekommen wir noch geboten und werden mit „Keys To The City“ um viertel vor zwölf wie eine ausgequetschte Zitrone in die Nacht entlassen. Beeindruckender Abend, muss man erst mal in Kur danach gehen.

Retro Stefson

The Go! Team

Könnte es mit Robyn bitte schön die ganze Zeit so weiter gehen? Sie ist der weibliche Popstar, den die Welt braucht. Unbedingt. Nicht nur am Frauentag. Sie ist unique, wie man in Modeblogger-Kreisen vielleicht so schreiben würde. Robyn ist auf Deutschland-Tour. Start ist im ausverkauften Offenbacher Capitol.

Geht‘s eigentlich noch unglamouröser als Offenbach? Wohl kaum. Immerhin werden wir nett begrüßt in der eher unwirtlichen Hood rund um die Venue. Irgendjemand hat alte Sofas auf den Gehweg gestellt. Wenn der gig-blog einen Ausflug macht, ist er meist zu früh dran. Praktisch, wenn man noch einkehren möchte. Reingestolpert ins Trattodino (hier in der Big City Offenbach haben sie noch mehr listige Gastronamen wie etwa „Soupreme – die Suppenbar“), ein gutes italienisches Restaurant übrigens – sollte mal jemand aus Versehen hier in der Gegend sein.

Eigentlich sind wir ja nur wegen Robyn da. Aber mei: S‘dauert halt schon sehr lang, bis sie dann endlich auf die Bühne kommt. Ausverkauftes Haus. Nervöse Mädchen, von denen jedes aussieht, als würde es ein Mode-Blog betreiben. Und beim Bilder-vorm-Spiegel-machen immer Robyn hören. Überhaupt: Am Tag darauf ist ja Frauentag. Die Gender-Diskussionen sind hier wohl auf einem ganz anderen Level, wenn man sich so umschaut. Moderne Buben und Mädchen in androgynen Robyn-Agyness-Deyn-Einheits-Haarschnitten, von denen wahrscheinlich niemand Bascha Mikas „Die Feigheit der Frauen“ gelesen hat. Am Merchandise-Stand gibt es neben Jutebeuteln (Must-Have-Accessoire der Indie-Meute seit 2009 oder so) natürlich auch T-Shirts zu kaufen. „Don‘t Fucking Tell Me What To Do“ steht auf einem. Macht sich bestimmt gut im Büro. Oder vielleicht auch hinterm DJ-Pult. Könnte man mal darauf zeigen bei unsäglichen Liedwünschen.

Vergangenes Jahr veröffentlichte Robyn gleich drei kleine Alben (Body Talk Pt. 1-3), die sich dann zum großen Ganzen zusammenfügen. Schon vor ein paar Jahren hat sich diese Entwicklung hin zum coolen Indie-Popstar abgezeichnet.  Wir hatten sie damals (war‘s 2008? – also vor dem ganzen Hype) auf dem Melt-Festival zum Interview getroffen.

Rückblick.

Gerade hatte sie Konichiwa Records gegründet, ihre eigene Plattenfirma, die von ihrer Küche in Stockholm aus betrieben wurde. Nach über zehn Jahren im Musikbusiness hatte sie sich freigeschwommen. Und freigekauft. „Ich fühlte mich von den Regeln der Industrie eingeengt“, sagte Robyn damals. Die muss es wissen: Robyn war gerade mal 16 Jahre alt, als sie zum Popstar wurde. Die Tochter eines Regisseurs und einer Schauspielerin hatte ein, zwei internationale Charthits, die ihr ein gewisser Max Martin geschrieben hatte. Martin ist die Hitfabrik, die auch Britney Spears und die Backstreet Boys mit ihren Songs versorgte. Doch Robin Miriam Carlsson wollte nach ein paar Jahren Popgeschäft nicht zum Plastikpüppchen mutieren. Sie ging zurück auf Los und bezahlte ihre ehemalige Plattenfirma Jive Records mit ihrem Erspartem aus.

Das Album mit dem schlichten Titel “Robyn” wäre mit einer großen Plattenfirma nicht möglich gewesen, sagte Robyn. Es sei eine Bauchentscheidung gewesen, einen anderen Weg zu gehen. Doch wer wagt, gewinnt. In England wurde die Single “With Every Heartbeat” ein großer Hit. Es ist ein perfekter Popsong. Auch nach Robyns eigener Definition: “Ein perfekter Popsong muss aus Kontrasten bestehen: Er sollte traurig und fröhlich zugleich sein.” So wie “Dancing with Tears in my Eyes”. Oder eben auch ein Abba-Song.

Zurück in die Gegenwart.

Robyn hat es geschafft. Das mit den Songs, die gleichzeitig traurig und fröhlich sind. „Dancing On My Own“ ist ein gutes Beispiel dafür. An diesem sehr kurzweiligen Abend gibt es noch mehr Beispiele dafür. Einer der schönsten Momente ist fast ganz zum Schluss, als Robyn „Stars 4-Ever“ anstimmt. Ein Boy auf den Schultern eines anderen Boys singt sie an: „You and me together, Stars forever“ – und Robyn singt zu ihm zurück, die Menge jubelt. Das sind Konzertmomente, die auch die negativen Begleiterscheinungen vergessen lassen. Das Konzert ist zu kurz (gerade mal knapp über einer Stunde), es beginnt erst gegen 22.30 Uhr. Die eine Vorgruppe (Natalia Kills) ist absurd krass, mit der anderen (Mr. Beasley) hat man fast schon Mitleid, weil es selten so viel Applaus auf den Satz „This is our last song“ gab.

Dann aber kommt endlich Robyn. Sie ist ein Wirbelwind auf der Bühne. Sie spuckt die Worte heraus. Sie rappt, sie singt, sie säuselt. Robyn macht wunderbare Popmusik, die anders ist. Hart und weich zugleich, elektronisch und eingängig. Auf der Bühne sind zwei Herren an den Synthesizern, zwei hinterm Schlagzeug, zwei Windrädchen gibt es auch noch. Mittendrin: Robyn, der Tomboy, die früher wohl lieber Räuber und Gendarm als mit Puppen gespielt hat. Heute macht sie mit den Herren Musik.

Was Robyn da auf der Bühne veranstaltet, entzieht sich musikalisch und auch optisch allerlei Genrezuschreibungen. Die Herren tragen weiße Kittel, Robyn eine Glanzleggins, wie sie vielleicht manche bei ulkigen Sportarten wie Kunstradfahren anhaben, eine Kampfjacke und ihre Plateau-Tanz-Schuhe. Robyn will nicht gefällig sein. Ihre Songs sind es auch nicht. Sie singt „Time Machine“, „Fembots“, „Cobrastyle“, von dem man sich fragt, ob Robyn oder die Teddybears das nun gecovert haben. Es gibt natürlich „Dancing On My Own“, einen der besten Popsongs, den das Jahr 2010 hervor gebracht hat, „Don‘t Fucking Tell Me What To Do“, „Hang With Me“ und „Indestructible“. Hitgebatsche quasi. Ganz zum Schluss stimmt Robyn sogar Abbas „Dancing Queen“ an, um dann ihren R‘n‘B-Hit „Show Me Love“ zu mash-uppen. Herzig: Bei „With Every Heartbeat“ formen die Fans Herzchen mit ihren Fingern. Zu Recht.

POP.NOT POP ist der Name des Festivals das am Samstag zum ersten Mal in Stuttgart stattgefunden hat. Das Konzept: ein durchaus erschwingliches Ticket für zwölf Bands und fünf Clubevents in Schocken, Beat!Club, Keller Klub, Zwölfzehn und Bix. Fast wie ein Mini-Iceland Airwaves. Ideal um neue Bands kennenzulernen, von denen die meisten eher (noch) Insider-Tipps sind.

Der wohl bekannteste Act des POP.NOT POP sind die Isländer FM Belfast, in die ich mich während des Iceland Airwaves-Festivals, beziehungsweise eigentlich erst danach, verliebt habe. Bis dahin kannte ich nichts von dieser eigenwilligen Band. Ich hatte nur mal den irgendwie auffälligen Bandnamen beim Southside-Festival gelesen. Als wir uns dann aber von Reykjavik aus in den wunderschön einsamen Norden Islands aufgemacht haben, ist „How to make friends“ von FM Belfast im Autoradio gelandet.

Einer meiner Miturlauber hatte das Album im wunderschönen Plattenladen 12 Tónar entdeckt. Vor allem „Underwear“ hatte es mir extrem angetan, aber auch Songs wie „Synthia“ und „Tropical“ gefielen uns so gut, dass das Album etwa fünf Mal am Tag durchlief und den Soundtrack unseres Urlaubs lieferte. FM Belfast wird mich eben auch immer an die Fahrt durch schroffe Küstenregionen, kleine Fischerorte und verschneite Bergpässe in Island erinnern. „We come from a place where we count the days“ passt zur wunderschönen einsamen Landschaft dort einfach wie Arsch auf Eimer.

Am Samstag stehen wir also auf der Empore des Schockens und warten gespannt auf die schrulligen Insulaner. Einen herben Nackenschlag mussten wir bereits hinnehmen. Einige meiner Freunde haben keine Tickets mehr bekommen und mussten mehr als nur leicht sauer den vorzeitigen Heimweg antreten. Aber immer noch besser als mit POP.NOT POP-Bändel am Handgelenk draußen vor dem Schocken zu stehen und nicht mehr reinzukommen. Der Club ist proppenvoll und wird von den Türstehern abgeriegelt. Kann passieren bei so einem Festival, das war in Island nicht anders. Schade ist es natürlich trotzdem, denn die vor der Tür verpassen eine Gute-Laune-Granate, oder besser noch: eine Gute-Laune-Atombombe! Was FM Belfast hier abliefern wird, ist absolute Entertainment-Weltklasse.

Schon beim Opener „I can feel love“ entwickelt sich eine unglaubliche Stimmung. Ich vermute mal, dass viele die Band zum ersten Mal hören. Aber was Árni Rúnar Hlöðversson, Árni Vilhjálmsson, Lóa Hlín Hjálmtýsdóttir und ihre Band-Kollegen hier in liebenswert seltsamen Bühnenoutfits abliefern, geht an keinem spurlos vorüber. Das Schocken kocht innerhalb von wenigen Minuten und die Menge unter mir tobt wie bescheuert. Während drinnen die Party so richtig losgeht, schaut man von draußen neidisch rein. Immerhin gibt es eine Premiere im Schocken (zumindest soweit ich weiß): die Türsteher ziehen den Vorhang soweit wie möglich auf, damit wenigstens ein bisschen Stimmung nach draußen dringt. Drinnen skandieren FM Belfast mittlerweile „I don’t want to go to Sleep Island“ (wenn ich das richtig verstanden habe) und präsentieren eine neue Electropop-Partyperle. Ich sehe nur noch strahlende Gesichter, hüpfende Menschen und gen Clubdecke gereckte Hände. „Saunadisco“ nennen FM Belfast das.Keiner kümmert sich drum, dass es mittlerweile gefühlte 50 Grad hat, der Schweiß nur so in Strömen läuft und die Scheiben beschlagen. Unter mir spritzt Bier durch die Gegend und ein weiblicher Fan lässt sich mit grenzenlos verzücktem Lächeln über die wild hüpfende Menge tragen. „Abartig geil“ fährt es mir immer wieder durchs Hirn.

FM Belfast haben sichtlich Spaß und den geben sie weiter. Genau wie auf der Bühne tanzen auch davor alle wild herum, selbst auf den Plätzen, von denen sonst eher ruhig und gelassen beobachtet wird. „Es ist nass und es ist heiß“ stellen die Isländer in fast perfektem Deutsch fest, um wenige Sekunden später den Fans den Mittelfinger zu zeigen. Denn es folgt das Rage Against the Machine-Cover „Killing in the Name“, von den Isländern „Lotus“ getauft. Und ich muss schon sagen: Ich habe noch nie jemanden so charmant „Motherfucker“ sagen oder singen hören wie Lóa Hlín Hjálmtýsdóttir. Überhaupt covern FM Belfast sehr gern. Egal was reingeht: ob Snaps „Pump up the jam“ oder Guns N’Roses‘ “Welcome to the Jungle”, raus kommt ein Electropop-Schmankerl vom Feinsten.

Und dann ist es soweit, mein persönliches Highlight und vielleicht der Partyhöhepunkt schlechthin: „Underwear“ live! Der Mob tobt und FM Belfast lassen die Hosen runter. Zum Song passend in Unterwäsche (ausgenommen das einzige weibliche Bandmitglied) albern die Isländer über die Bühne, müssen selbst lachen, springen durcheinander und rocken was das Zeug hält. Das sorgt mitunter für verdutzte, aber auch amüsierte Gesichter bei draußen vorbeilaufenden Passanten. Wieder lassen sich begeisterte Fans über die Menge tragen. Wir grölen mit so laut wir nur können und schauen uns immer wieder ungläubig an. Und dann, gefühlte drei Stunden zu früh, ist eines der besten Konzerte überhaupt zu Ende. Passend sinnfrei sind Mo-Dos Worte „1, 2, Polizei, 3, 4, Grenadier, 5, 6, alte Gags, 7, 8, gute Nacht“ die letzten Worte von FM Belfast.

Beim Rausgehen sehe ich ausnahmslos strahlende Gesichter und höre überall positive Superlative. Wir werden noch am nächsten Tag das Grinsen nicht aus dem Gesicht bekommen, beim Gedanken an dieses dicke Ding. Ich bin mir sicher, dass FM Belfast viele neue Fans für sich gewinnen konnte. Und eines ist klar: sollten sie wieder mal nach Deutschland kommen, werde ich notfalls weite Wege gehen, um sie wieder live zu sehen.

Weit unbekannter hingegen ist sicherlich Kristoffer Ragnstam, der beim POP.NOT POP den Anfang im Keller Klub gemacht hat. Kurz vor Beginn befürchten wir schon, dass der Schwede vor leerem Haus spielen muss. Nach und nach füllt sich der Keller Klub dann aber doch mit gut gelaunten Festivalgängern. Die sympathische Drei-Mann-Combo braucht nicht lange, um das Publikum mit seiner Mischung aus Rock’n’Roll, Soul und Indie für sich zu gewinnen. Ja gut, eine ausgewachsene Party würde ich das nicht gerade nennen. Ist aber eben auch schwer, da ich mal davon ausgehe, dass ihn die wenigsten kennen werden. Mich eingeschlossen. Mir jedenfalls gefällt schon der rockig-groovige Opener „I love you even more“.

Außergewöhnlich ist, dass Sänger und Multiinstrumentalist Kristoffer Ragnstam die meiste Zeit an den Drums sitzt. Wenn er sich hin und wieder auch mal die Gitarre umhängt, übernimmt der Keyboarder nebenbei noch das Schlagzeug. Ragnstam besingt die Schwierigkeiten des Lebens und die Liebe und hat sichtlich Spaß dabei. Immer wieder lachen die Drei sich gegenseitig an, als sie sehen, dass auch das Publikum immer mehr in Wallung kommt. Es wird recht ordentlich mitgetanzt und auch der durchaus stattliche Applaus zeigt, dass der sympathische Schwede gut ankommt. Ragnstam überzeugt mit ruhigeren Songs, kann aber auch flott, wie beispielsweise mit „Who set the city on fire“. Und wenn die Drei in ihrer Musik so richtig aufgehen, sind sie sich auch nicht zu schade, geistig abwesend, ja fast schon leicht debil, dreinzuschauen – mit offenem Mund und geschlossenen Augen. Find ich persönlich ja toll, weil es einfach zeigt, dass ein Musiker voll bei der Sache ist.

Nach etwa 45 Minuten ist der Auftritt der Schweden dann zu Ende. Ein würdiger Auftakt würde ich sagen.

Handyvibrieren auf Marmor jagt mich aus meinen Träumen hoch. Da kann der Klingelton selbst noch so vibrafon-warm sein, der Metall-auf-Stein-Sound gibt schon mal einen Vorgeschmack auf den letzten der drei kommenden Acts heute Abend. Die Subkultur ruft – gut, dass mich Fotobruder Nr. 1 kurz kontaktiert, bevor er in den Keller Klub zu Stuttgart Kaputtraven von Thomas „Wir nennen es Party“ Geyer geht. Bin mit eingepennt, als ich Emil um halb acht ins Bett brachte… zweiundzwanzigeinhalb Minuten nach dem Wake-Up-Call bin ich am Start:

Wie immer: der Keller Klub ist voll wenn Stuttgart kaputtgeravt werden soll. Brockdorff Klanglabor aus Leipzig stehen bereits auf der Bühne und präsentieren ihren Dancefloor-Technopop mit (meist) deutschen Texten. Ekki Labor und Sergej Klang, mit Goldpailletteaccessoires geschmückt, drehen Knöpfe und drücken Tasten, während Nadja von Brockdorff im kleinen Schwarzen Fellimitat die mal funky, mal NDW-artige E-Gitarre schlägt. Das Publikum tanzt ordentlich und goutiert den musikalischen Vortrag. Klingt alles ganz schön, allerdings irritiert mich neben Ekkis (oder Sergejs?) gelegentlichen deutsch-englischen Sprechgesang (hat was von Eurodance) die beiden Aufkleber auf den Keyboards: „uns gefällt alles“ und „defekt“. Nach ca. einer Stunde stimmen sie ihren letzten Song an: „Wenn das wirklich Musik ist, ist es Mädchenmusik“. Wenn BKL Mädchenmusik machen, dann folgt die Knabenmusik mit Supershirt auf dem tanzenden Fuße:

8000-Mark-Technopunkraver Supershirt geben von der ersten Minute an Vollgas. Härter, monotoner, schneller und dreckiger als Brockdorff schaffen es die drei Jungs „aus dem Ostsee“ (steht so auf der Myspace-Seite), die Menge zum Toben zu bringen. Der peitschende Gesang wird mit teils so übertriebenen Vocoder-, Echo- und Stakkato-Effekten belegt, dass es spontanes Kopfschütteln hervorruft. Nicht nur bei mir, auch beim Freiburger DJ und Veranstalter Pornoladenerbe, der immer auf der Suche nach neuen Acts für seinen Klub Kamikaze ist. Seine Mutter führt einen Sexshop, daher der Name. Zurück zum Geschehen: zählende Gäste werden zu Crowdsurfern und die Bühne wird nach Erstürmung durch den Mob von zwei Türstehern zurückerobert. Die bleiben dort sicherheitshalber als böse guckende Wachen stehen, um nach zehn Minuten breit grinsend selbst mitzuraven – ganz großes Damentennis! Die perfekte Brücke zu den Cyberpunkers bauen Supershirt mit ihrem deichkindartigen Mitgröhlhit „8000 Mark“:

„Was kostet Ed von Schleck – 8000 Mark“

„Was kostet ein Freibier – 8000 Mark“

„Was kostet ihr – 8000 Mark“

„Was kosten wir – 8000 Mark“

Der Keller Klub, immer noch brechend voll, übernehmen gegen zwei Uhr Mailands Cyberpunkers bei voller Fahrt und treten das Gaspedal noch mal ganz durch, besser: drehen an ihren vier CD-Player. Um trotz des heftigen Fahrtwindes präzise arbeiten zu können, tragen die beiden DJs Masken. Gig-Blog-Knipse Schmoudi: „Die müssen doch verrecken unter den Masken.“ Äh, ja, müssten sie eigentlich. Harter, schneller und sehr dynamischer Elektrotechno, dessen Sounds ich alle schon mal Anfang der Neunziger irgendwo gehört habe, aber deren Neuarrangements mich echt überzeugen, führen zu ausgelassenem Pogo. Aus dem Alter bin ich allerdings raus und streiche die Segel.

Fazit: tolle Acts, wir nennen es Party!

Und weil’s so schön war, gibt es noch mehr Fotos von Brockdorff Klanglabor, Supershirt, Cyberpunkers und der Party.

Am schlimmsten ist der Kater am Morgen danach. Die jungen Menschen wollen Konterbier. Viel Konterbier. Auch im 40-Grad-heißen Wasser der Blue Lagoon. Das milchigblaue Wasser ist Wellness pur. Drumherum schwarzer Lavastein, drinnen in der Blue Lagoon erst einmal Ruhe vom Festivaltreiben.

Bis dann endlich mal das DJ-Pult aufgebaut ist. In der Blauen Lagune findet die Airwaves-Hangover-Party statt. “It’s the best place I’ve ever been”, sagt ein Amerikaner. Und: Er hat nicht übertrieben. Es gibt heißes Wasser von unten, Nieselregen von oben, kaltes Bier in der Hand und Electrohouse aus den Boxen.

Es ist (zumindest für uns) der letzte Abend in Reykjavik. Und der natürlich zum Scheitern verurteilte Versuch, so viel wie möglich mitzunehmen an Eindrücken. Zum Schluss ein paar Impressionen: Ljósvaki macht alleine mit seinem Drumcomputer schönen Electropop.

BB & Blake setzen auf die große Optik und auf Musik, die gerne ein bisschen wie die von The Kills wäre. Das gibt aber leider nur schöne Bilder. Musikalisch ist das eher langweilig.

Man trifft hier abends in den großen Clubs oft auf Künstler, von denen man sich schon am Nachmittag in Kaffeehäusern und Plattenläden der Stadt einen ersten Eindruck machen konnte. Eberg ist zusammen mit Rosé von Sometime Feldberg. Ob sie da schon jemals waren? Ihre Musik könnte jedenfalls noch so manchen Indieberg erklimmen.

Neben all den up-and-coming-Bands beim Airwaves ist aber auch ein bisschen Legendentum angesagt. Bei Ghostigital spielt Einar Örn von den Sugarcubes mit. Die Musik ist sehr brachial, sehr laut und mixt Rammstein mit Drum’n'Bass. Da darf man auch mal ein bisschen mit den Elfenklischees aufräumen, wenn man weiß, dass Rammstein auch auf Island recht viele Platten verkaufen.

Auf den Straßen geht es keineswegs leiser zu. Einfach so mitten auf der Straße steht da auf einmal ein Lastwagen mit Band und Feuerspuckern darauf.

Thecocknbullkid gilt als britische Pophoffnung des Jahres. Und das, was Anita Blay mit ihrer Band, im Kunstmuseum veranstaltet, ist grundsympathischer Pop mit Handclaps und tollen Melodien. Könnte was werden. Es bleibt Hoffnung!

Die verrückteste Party des Abends findet aber im Nasa statt, wo es kein Durchkommen, aber auch kein Rauskommen mehr gibt, weil enttäuschte Fans die Türen verbarrikadieren. Erst Retro Stefson, die schwer angesagten Lokalmatadoren, die Ska, Soul und Indie mixen, dann die noch angesagteren FM Belfast. Alle tanzen, jeder kann Zeile für Zeile mitsingen. FM Belfast könnte man irgendwo zwischen Mediengruppe Telekommander und MGMT verorten. Muss man aber nicht.

Was bleibt, sind die CDs im Koffer und schwerste Übermüdung. Und eine Airwaves-Compilation, die man sich hier für umme herunterladen kann.

Fotogalerien folgen übrigens die Tage.

Wie viel ist einem Musik wert? Nicht in isländischen Kronen gerechnet, sondern in vollem Körpereinsatz. Die Kings Of Convenience sind ganz schön vielen Menschen sehr viel wert. So viel, dass sie für ein Konzert der beiden auch eineinhalb Stunden vor dem Plattenladen Skifan in der Schlange stehen. Ältere Menschen wundern sich, fragen nach, was die jungen Leut’ denn hier machen. Antwort: “We wanna get tickets for a very popular band.” So sieht’s aus.

Das Problem an dem Konzert der Kings Of Convenience: Es findet in einer Kirche statt. Auf Wunsch der Band. Dafür gibt es 500 Plätze. Deshalb heißt es anstehen, bibbern und auf ein Armbändchen hoffen. First come, first serve.

So kann man auch seinen Vormittag vertüddeln.  Aber ja: Es hat sich gelohnt. Davor noch ein bisschen die Off-Locations abklappern. Wie etwa im Klamotten-Laden Naked Aped, wo die Cuties von Sykur Electroclash am Nachmittag darbieten.

Im putzigen Häuschen in XS des Plattenladens 12 Tonar spielt Eberg, Islands Evan Dando quasi – und singt traurige Lieder über das isolierte Inselleben.

Man kann Touristen und Isländer übrigens auch ganz leicht, an ihren Essengewohnheiten unterscheiden.

Die Touris gehen in die Hafenkneipe Saegraffin, um die beste Hummersuppe ever mit Plastiklöffeln zu schlürfen und geräucherten Wal und fermentierten Hai angeboten zu bekommen.

Die Isländer hauen sich nachts um drei einfach noch einen Hot Dog rein. Man muss sich stärken für die Nacht. Es ist Wochenende. Man merkt es auf den kleinen Straßen, in denen so verdammt viel los ist.

Und was ist das alles für ein Kontrastprogramm zu Kings Of Convenience in der Frikirkjan. “No alcohol, no pictures for the first 30 minutes and turn off cellphones”, meint der Securitytyp sehr ernst. Das ist alles natürlich sehr weit weg von Rock’n'Roll, aber es ist schon allein toll, wie  Eirik Glambek Bøe und Erlend Øye Arm in Arm durch den Mittelgang Richtung Altar schreiten. Standing Ovations für die Trolle aus Bergen. Und die Indiemädchen-Augen leuchten. Vor allem, als Erlend seine Hände bei einem in der ersten Reihe wärmt. Man wünscht sich, dass die beiden doch das Gleiche noch einmal in der Johanneskirche in S-West wiederholen würden. So bezaubernd, herzerwärmend und schön ist der Simon&Garfunkel-Pop der Beiden.

Reykjavik ist aber eigentlich im Ausnahmezustand. Vier Tage wach sozusagen. Das Art Museum verwandelt sich in einen der coolsten Clubs der Stadt, in dem unter anderen The Drums aus New York mit tollen Tanzeinlagen und Indierock à la Vampire Weekend überzeugen.

Die Mädchen von Pascal Pinon schmachten in der ersten Reihe, obwohl man sich fragt, was die um diese Uhrzeit noch in Clubs machen.

Andere rasten aus im Kollektiv. Da ist nach den Kings of Convenience mit Metronomy aus Großbritannien Kontrastprogramm galore geboten. Für Metronomy steht das schöne Wörtchen “bouncy” im Booklet. Das passt perfekt.

Downtown 101, Reykjavik. Tag 3 der Reise, Tag 2 des Festivals.

Man kann durchaus ein bisschen neidisch auf die Isländer sein. “Jeder spielt hier in fünf, sechs Bands”, erzählt David Berndsen. Er hat nur eine, ist noch Soundtechniker bei einem lokalen Radiosender. Mit zwei ganz wunderbaren Videos (u.a. “Supertime”) hat er es zu etwas Berühmtheit gebracht. “Mein dritter Job ist es jetzt, Emails zu beantworten”, sagt Berndsen und grinst. Der grundsympathische Rotbart wird heute Abend in der Batteriid (Entschuldigung, für alle “falschen” Buchstaben) mit seinen Young Boys aufspielen.

Doch zuvor ist ein kleiner Spaziergang vorbei am schicken Design-Rathaus und See angesagt. Hinaus in eine der Off-Venues im Universitätsviertel. Das Nordic House mit Restaurant, Bücherei und Auditorium ist quasi ein Gemeindehaus in cool, das so auch in Eglosheim stehen könnte. Man würde sich das zumindest wünschen. Überhaupt: Nachmittagskonzerte mit Kaffee, Belegtem und bequemen Sofas sind eine sehr gute Erfindung.

Vor allem, wenn da Hafdis Huld, eine Isländerin aus dem Bilderbuch, aufspielt. Sie macht elfengleichen Zuckerwattepop und ist derzeit auf Platz 1 der isländischen  Radiocharts mit “Synchronised Swimmers”. Popmusik als Krisenbewältigung? Mit Hafdis Hulds Happy-Go-Lucky-Pop, ihrem Perlweißlächeln und Ukulele-Sounds scheint’s zu funktionieren.

Wie alle Isländer hatte auch sie schon mit 15 ihre Band und war als Teenager mit GusGus auf Tour.

Hraun sind ganz anders. Verschrobene Typen, mit einem Sänger, der sehr lange, sehr schlecht drauf war. Aber das tut der Musik ganz gut. Das ist so traurig und so schön, dass man am hellichten Nachmittag weinen könnte. Und auch, wenn es sich ein wenig nach Esoscheiß anhört, möchte der Sänger, übrigens isländischer Jack-Black-Lookalike, dass alle mitsingen. Einfach ein paar “la”. Weil: “La is the most important word in the universe. You can put all the meaning you want in it.”

Der Abend ist wieder anstrengend: Man stolpert vom wichtigen Plattenladen 12Tonar zum Reykjavik Art Museum, wo Rökkurrö mit kontemplativer Musik verzaubern, vom schönen Idno direkt am See Tjörnin (hier spielen Tenderfoot), dann mal wieder ins Nasa (wieder Hafdis Huld) und ins Batteriid zu Berndsen And The Young Boys. Auf dem Iceland Airwaves lässt man sich Treiben, mitreissen davon, irgendwo in den Clubs tolle Bands zu entdecken und hat trotzdem das Gefühl, das Aufregendste zu verpassen.

Im Batterid ist man mittendrin. Berndsen spielt den Anti-Krisen-Song “Supertime” und alle singen mit: “You’ve got to hoooold on!”. Zu kurz aber war der Auftritt von Berndsen And The Young Boys. Die Bandbuben mussten weiter, um ein weiteres Konzert zu geben. Es spielt ja jeder hier in fünf, sechs Bands.

Ach ja: Der Schwede Juvelen spielt auch wieder auf und nimmt das komplette Batteriid auseinander. Könnte was werden mit der Popstar-Karriere! Im Plattenladen Skifan warten sie minütlich auf die heiße Importware.

Kennt jemand noch das Party-Team “Techno Hochburg Stuttgart” (THS)? Die machten Anfang der 90er ihrem Namen alle Ehre, die machten mächtige Technoparties. Die kauften dann irgendwann ein Unimog, um ihren Kram transportieren zu können…

Zu Beginn mach’ ich mich gleich zwei mal angreifbar:
1) Ich these, dass die Veranstalter von “Stuttgart kaputtraven 6″, die “Wir nennen es Party” heißen, die legitimen Nachfolger von THS sind.
2) Ich habe am heutigen Abend den ersten Act Freakatronic verpasst, weil ich mich vom grottigen Deutschen Fernsehpreis nicht losreissen konnte; dafür bin ich spätestens jetzt Fan von Anna Fischer.

Einstieg erfolgt also bei Captain Capa: Hey, die gehen ab. Ohne intellektuellen Überbau machen die Elektro-Punk-Rave, schnell, schmissig, tanzbar. Die beiden jungen Herren rufen ihre Sequenzen brav vom Laptop ab, effekten dann aber ordentlich mit Korg & Co drüber und geben eine Gesangs- und Performancevorstellung wie vor ein paar Monaten Friendly Fires im Keller Klub. Britisch, unbeschwert, mit Freude und Herzblut dabei. Klingt ein bisschen wie Digitalism mit einem aufgewachten Robert Smith (The Cure) als Sänger. Dabei kommen beiden aus Thüringen. Das hört man ein bisschen, als einer der beiden (war es Tobias Rapp oder Hannes Naumann) bei der Ansage zum nächsten Song angeblich einen Zuhörer lachend mit den Worten zitiert: “Halt dein Maul und Spiel”. Es folgt das für mich interessanteste Stück. Captain Capa steigt ab vom gallopierenden Techno-Spaß-Pferd und geht mit schwerem Gerät zu Fuß weiter, in monotonem Mid-Tempo, aggressiv-verzerrtem Gesang, in bester EBM-Manier. Davon hätte ich mir etwas mehr gewünscht, aber so war’s auch toll. Dem Publikum hat es ordentlich gefallen, das ging mindestens genauso ab wie Captain Capa.

Zwischen Capa und den Headlinern Acidkids legen Prinzip Elektro aus Stuttgart auf. Sie zeigen wie aus dem Handgelenk geschüttelt, wie sich modernes Techno-Elektro anhört, Respekt. Ich bin gespannt auf ihre EP, die bald kommen soll.

Mit dem DJ-Team Acidkids wird’s hart, bretthart. Die fahren erst mal die tribale Schiene, Gerade-aus-Beats, zwischengarniert mit ein paar bekannten Tunes. Im Web wird ihre Musik mit folgenden Worten betitelt: Techno, Bastardpop, Hooligan Disco. Kann man alles stehen lassen. Mr. Oizo winkt lächelnd vom Balkon.
Die Herren Acidkids stehen mit ihrer CD-Plattentellermiene auf der kleinen Bühne inmitten der euphorierten Tanzgemeinschaft und fallen dennoch auf: Sie sind über dreißig und sie haben die Menge eisenhart im Griff. Sie spielen mit der Menge, ihre Tracks werden immer vielseitiger, die Rhythmen variieren zunehmend, ein verstörendes Trancebreak gaukelt kurz falsche Sicherheit vor, um umso unverfrorener die nächste Keule bratzender Betonschläge schwingen zu können. Da muss ich schon grinsen. Ein Track mit Bostich-Trommeln (Yello, 80er) trifft auf eine Aufarbeitung des legendären Pull Over Remix (Speedy J, 90er) und wird mit staubtrockenen Beats nach vorne getrieben (Wasweissich, 00er). Treffen der Generationen der elektronischen Tanzmusik. Oder interpretiere ich da zu viel hinein, so Max-Frisch-mäßig? Wie auch immer, die Acidkids kennen sich sehr gut aus, die machen das alles richtig gut. Und das Publikum ergibt sich, Stuttgart ravet sich kaputt, im besten Sinne. Wir nennen es Party.

Apropros Publikum: der Keller Klub ist voll, angenehmerweise mit sehr unterschiedlichen Leuten. Junge Technokids, Ü30-Spexleser , Punks, Goths (oder sind das am Ende Visual Keis?) Beeindruckend.
Mich irritieren allerdings immer die vielen Stoffschuhe, da bin ich mit meinen alten Docs fast allein. Allein? Nicht ganz: am Schluss entdecke ich ein junges Mädchen mit CEM-grünen Doc Martens, Treffen der Generationen der Subkulturschuhmode, der Abend ist gerettet.

Mehr Fotos vom Abend gibt’s hier.