Auf vier der Veröffentlichungen von Nine Inch Nails ließ Trend Reznor Remix-Alben folgen. In den 1990ern hatte er es sich dabei zur Angewohnheit gemacht, dem Remix-Album einen Titel zu geben, der sich auf den Originaltitel zurückbezieht. So folgte 1992 auf „Broken“ „Fixed“, was – seltsam genug – noch einen Übergang zum Positiven bedeutet. Das Gegenteil war dann bei „Things Falling Apart“ (2000) der Fall, seiner Antwort auf „The Fragile“ aus dem Vorjahr. Erscheint ja auch folgerichtig. Vom Weg alles Irdischen geht da schon das geflügelte Wort. Wenn Bands, welche das besingen – wie eben auch NIN – häufig ziemlich kaputt klingen, erscheint das abermals folgerichtig.

Daran, dass ich überhaupt auf solche Musik stehe, haben zwei schlecht gelaunte Bands aus Brooklyn, NY, Mitschuld, deren erste ich im Sommer 1992 entdeckte. In beiden saß Sal Abruscato am Schlagzeug: Type O Negative (R. I. P.) und Live of Agony (R. I. P.?). Am Sonntag spielte der Depri-Rocker dann auf der Beerdigung der Stuttgarter Röhre (R. I. P.) – mit seiner neuen Band, die passenderweise A Pale Horse Named Death heißt.

Es ist schon eine ziemlich kaputte Angelegenheit, dem Schwanengesang auf eine Konzerthalle beizuwohnen. Dementsprechend ist die Röhre auch der Gegenstand der meisten Unterhaltungen, die man aus dem Publikum aufschnappt. Die Stimmung ist zwiegespalten zwischen Bedrücktheit und Vorfreude auf das Konzert. Es fühlt sich schmutzig an. Ein Niedergang. Das Ende einer Ära. Kaputt eben. Und völlig kaputt ist auch Sals Stimme, wie nach den ersten Tönen des Eröffnungsstücks „To Die in Your Arms“ klar wird. Ein heiserer Schwanengesang wird das. Es klingt wie Verfall. Es könnte nicht besser passen. „I’m a little bit fucked with my voice“, entschuldigt er sich. Langsam kommt der vierte Reiter der Apokalypse (Offenbarung 6, 8.) daher, schwer, wie Sals ältere Bands düster, aber melancholischer, tiefer. Teilweise langsam und klebrig wie eine Fliegenfalle.

Wie schon die leidlich gute Vorband Blood Runs Deep, die schweizerischen Doom-Metaller, von denen eigentlich nur Gitarrist Stefan Vida heraussticht, betont auch Sal, wie geehrt er ist, das Abschlusskonzert in der Röhre spielen zu dürfen. Einen „full circle“ bilde es, dass er hier 1991 schon mit Type O Negative auf deren erster Deutschland-Tour gespielt hat. Bei „Heroin Train“ klingt er derweil wie Jim Morrison auf dem Boden einer Whisky-Flasche. Gut für die Stimme kann das nicht sein. Als Hilfsmittel ordert er von Publikum Jack Daniels: „If I can’t sing, I might as well get drunk.“ Das klappt. Er bekommt einige Gläschen, deren erstes er mit dem Worten „Happy deathday“ runter kippt und dann an die Wand wirft. Man wird es ohnehin nicht mehr brauchen. Aber man wird eine Menge Alkohol brauchen, um zu verkraften, dass das „Die Röhre / für immer / kein S21“-Plakat, das von der nachmittäglichen Demonstration draußen hängen geblieben ist, einen unerfüllbaren Wunsch darstellt. „As Black As My Heart“ ist der richtige Soundtrack zur Katerstimmung. Da hilft nur Konterbier.

In eine ähnliche Richtung schlägt dann aber noch eine Ansage, die er an einen ihm bekannten Fan im Publikum richtet: „No Life of Agony for you, Jens. Somebody had to become a girl.“ Das klingt tatsächlich als stürbe der Musikszene noch etwas Wichtiges weg, zumal er hinzufügt: „I was sick of playing the drums anyway.“ Das Aus also auch für Life of Agony? Erst vor zwei Jahren starb ja Type O zusammen mit ihrem Sänger Peter Steele, dem „You always die alone“ gewidmet wird. „I’m gonna play another shitty version of one of my songs“, hatte Sal vorhin mal gesagt. Jetzt ist die Stimme so weit kaputt, dass jemand aus dem Publikum auf die Bühne springt und sich das Backing Vocals-Mikrophon schnappt, um dem Angeschlagenen zur Seite zu stehen. Der Band gefällt das. „Who the fuck is this?“, fragt Sal. Ja, man stirbt allein, allerdings nicht immer, nicht hier, nicht heute.

Langsam geht alles dahin. Das Konzert neigt sich dem Ende. „… that you are falling apart“ singt Sal im einzigen Zugaben-Song. Unterdessen ist er im Zuge des allgemeinen Verfalls und dank der vielen Medizin aus Tennessee so betrunken, dass er sich an der Gitarre völlig verspielt, einen Lachkrampf bekommt und sich folglich darauf beschränkt seiner Stimme das Letzte abzuverlangen. Von Profis erwartet man Anderes. Und unter anderen Umständen wäre das auch ätzend. Aber heute will man ihm verzeihen. Er hat es vergeigt. Aber haben wir das nicht alle? Es ist aus. Vorbei. Die Herren Sal Abruscato, Johnny Kelly und Konsorten verlassen die Bühne. Das letzte Publikum fließt aus der Röhre.

Man kann noch ein letztes Bier trinken. Noch ein letztes Mal hier aufs Klo gehen, wo schon mit dem Abriss angefangen wurde. Letzte Woche waren es noch zwei Waschbecken. Ein letztes Mal beim Pogen zu Boden gegangen bin ich schon letzte Woche. Das kann ich mir also sparen. Die Musik ist aus. Langsam geht das Licht an. Man kann noch ein allerletztes Bier trinken. Aber dann? Dann geht plötzlich nochmal das Licht aus. Jemand steigt auf die DJ-Kanzel hoch und spielt einen einzigen Song. Es ist „Hurt“, das alte Nine Inch Nails-Stück, in der Version von Johnny Cash. Wahrscheinlich der beste Song, der jemals geschrieben wurde. Schmerzhaft, kaputt. „And you could have it all“, heißt es da, „my empire of dirt.“

Das Neonlicht gibt das Zeichen zum Gehen. Eine Zeile aus „Hurt“ schwingt mir noch im Ohr: „I am still right here“ …

1996 hatten wir in der Orkus-Redaktion eine Kontroverse bezüglich der Bilder für einen Rammstein-Artikel. Es ging um ein Live-Photo von Till Lindemann, auf welchem ihm ein riesiger Penis aus der Hose ragte, mit dem er sich selbst ins Gesicht ejakulierte – oder ob der Flüssigkeitsmenge wohl eher pisste (weshalb mancher Redakteur das Bild intern liebevoll ironisch „Till Pisser“ nannte). Die Frage war: Würde jemand auf die Idee kommen, dass es sich dabei um das echte erigierte Körperteil handelt, und würden wir infolgedessen Probleme wegen des Abdrucks bekommen? Natürlich bekamen wir keinen Ärger, und auch die Band bekam keinen. Aber nur ein paar Jahrzehnte zuvor noch hatte Jim Morrison in Miami noch die Erfahrung gemacht, dass man auch mit obszönen Aussage und angedeuteter Masturbation eine Gefängnisstrafe von sechs Monaten riskierte.

Heute wie in den 90ern kann Till Lindemann unter den Augen der natürlich anwesenden Polizei auf der Bühne mit seinem Dildo herumspielen, Selbstbefriedigung vortäuschen und literweise ins Publikum spritzen wie Gwar. Es stört keinen und interessiert nur diejenigen, die es unten in der Menge als gute Show bejubeln wollen.

Überhaupt muss man Rammstein ja nicht lieben. „This is not a love song“, heißt es ja in Anlehnung an den PiL-Klassiker schon in Rammsteins „Amerika“. Man kann argumentieren, dass sie in obszöner Weise um Aufmerksamkeit buhlen, wie sie es selbst in „Ich will“ besingen. Und dann diese Gier bei den Eintrittspreisen! Da muss es auch vielen eingefleischten Fans vergangen sein, auch wenn die Schleyerhalle ausverkauft ist. Wehe, wenn dafür nicht ein einigermaßen angemessener Gegenwert geboten wird. Etwas zum Meckern wird sich leicht finden lassen.

Der Jubel, mit dem das Publikum auf das verlöschende Licht reagiert, geht unter in Zischen und metallischem Greinen, als sich eine etwa 25 Meter lange Brücke Funken sprühend und Dampf ausstoßend von der Hallendecke herunter senkt, um die Bühne mit einem vielleicht fünf mal sieben Meter großen Podest in der Hallenmitte zu verbinden. Die Security bahnt einen Pfad diagonal durch den hinteren Teil des Publikums. Nacheinander ziehen die Berliner – eine Fackel sowie die Baden-Württembergische und die Rammstein-Fahne tragend – in die Halle ein und ersteigen dieses Podest, das langsam abhebt. Gemessen schreiten die Musiker über die Brücke zur riesigen Bühne mit ihren seitlich erhöhten Plattformen und dem Drumriser in voller Breite. Hier beziehen Schlagzeuger Christoph Schneider, Keyboarder Flake Lorenz und Bassist Oliver Riedel Platz, während sich Sänger Till und die Gitarristen Richard Kruspe und Paul Landers vorne platzieren. Die Brücke verschwindet wieder an der Decke. Es kann losgehen.

Und dann beginnt tatsächlich ein Konzert, das Rammstein vom Verdacht der Hybris zunehmend rein wäscht und ihnen das Sigel beeindruckender Gigantomanie aufdrückt.

Zuerst mal das Kleinklein: Der Trick, mit einem Schlauchboot über das Publikum zu fahren, ist ja schon recht alt – tatsächlich habe ich Ähnliches 1995 schon mit Surfboard bei Dog Eat Dog gesehen –, und es gehörte ursprünglich zu dem Stück „Seemann“, das allerdings nicht gespielt wird. Heute macht Flake zu „Haifisch“ (achtes Stück) eine Rundfahrt durch die vordere Hallenhälfte. Während das noch beinahe jede Band nachmachen könnte, und man in der Regel auch mit Beleuchtung rechnen kann, sind die frei beweglichen runden und kreuzförmigen Scheinwerferblöcke über der Bühne schon etwas dicker aufgetragen. Diese werden schon beim ersten Stück „Sonne“ eifrig in Gruppen mal hoch, mal runter gezogen und gekippt. Bei „Links 2 3 4“ (zehntes Stück) kommen nochmal vier Scheinwerferquadrate an der Bühnen Rückseite dazu.

Neben den Scheinwerfern und der Brücke hat Rammstein noch ein weiteres bewegliches Teil in petto, nämlich einen großen Ventilator, der – sechs Meter im Durchmesser – zu „Mein Herz brennt“ (16. Stück und erstes der Zugabe) unvermittelt von der Decke klappt. Er bläst Nebel von oben auf die Bühne und passt mit seinen beleuchteten Rotorblättern und seiner rostigen Großindustrie-Optik gut ins Gesamtbild der Bühne. Backdrops dagegen sind nichts, was man nicht schon gesehen hätte, auch wurden sie schon von anderen Bands wie Machine Head als Projektionsfläche verwendet. Origineller ist es allerdings, wenn in jener gelegentlich projizierten Stadtkulisse im Stile eines expressionistischen Stummfilmes plötzlich Licht aus einzelnen Fenstern strahlt wie ebenfalls zu „Links 2 3 4“ oder wenn Lichtbänder von hinten durch das Backdrop scheinen wie bei „Du hast“ (elftes Stück).

Und dann das Konfetti: Auch Stone Sour haben sich ja damit probiert – beim Stuttgarter Auftritt gar als der große Knalleffekt am Ende der Show. Rammstein dagegen ballern allein bei „Amerika“ (17. Stück) fünf Mal so viel ins Publikum. Weniger geht nicht. Auch sind es keine weißen Fetzen, sondern rot Glitzerndes. Man produziert Dampfwolken zu „Asche zu Asche“ (fünftes Stück) oder nutzt Rauchwerfer während „Keine Lust“ (drittes Stück).

Dann aber wird es brenzlig: Ein bisschen Funkenregen über der Bühne zu „Mutter“ (siebtes Stück) und deutlich mehr zu „Ich will“ (18. Stück); ein paar Raketen, die aufsteigen zu „Wollt ihr das Bett in Flammen sehen“ (zweites Stück) oder – effektvoller noch –, die zu „Du hast“ quer durch die Halle fliegen und in einen Kasten einschlagen, von wo aus sofort neue zurück zur Bühne schnellen. Es rumst und brennt: So steht bei „Sehnsucht“ (viertes Stück) der Bühnenrand in grünen Flammen, bei „Asche zu Asche“ die Mikrophonständer und bei „Du riechst so gut“ (neuntes Stück) die Gitarren, die anschließend in Richtung Publikum entsorgt werden. Das bengalische Feuer, das Till bei „Mein Herz brennt“ in der Hand hält, nimmt sich dagegen nachgerade putzig aus.

Wer schon mal In Flames live gesehen hat, weiß, dass auch die gerne zündeln und ihrem Namen alle Ehre machen – wenn es auch nicht immer klappt. Aber Rammstein hat sich eben schon früh einen Namen mit ihrer Pyromanie gemacht, deren Meisterschaft sie sich von den Schweden nicht streitig machen lassen. Zwar steht Till nie in Flammen, aber er sprüht schon mal Funken aus den Armen und steht in einem Kreis aus Feuerstößen wie bei „Wollt ihr das Bett in Flammen sehen“, hat riesige stählerne Engelsflügel, an deren Enden Flammenwerfer speien und die schließlich ganz von aberdutzenden kleiner Explosionen überzogen werden bei „Engel“ (19. Stück und erstes der zweiten Zugabe) oder schnallt sich und den Gitarristen Flammenwerfer vor die Gesichter, mit denen sie dann die Bühne einheizen („Feuer frei!“, sechstes Stück). So nah trauen sich andere Bands nicht ans Feuer dran.

Glorreiches Highlight ist es dann, als Till eine riesige Gulaschkanone auf die Bühne schiebt, um eine Alice Cooper-artige Mordszene zu inszenieren, zu welcher er ein riesiges Messer bei sich trägt, dessen Griff zugleich Mikrophon ist. Gut geeignet für „Mein Teil“ (achtes Stück). In der Feldküche brutzelt, wie sich herausstellt, Flake. Und nachdem dieser vom Topf aus erst noch munter auf einem Keyboard mitgespielt hat, heizt ihm Till mit einem Flammenwerfer ordentlich ein. Doch das nützt nichts: Der Widerporst will nicht sterben, weshalb ein deutlich größerer Flammenwerfer herhalten muss, dessen Stoß nicht nur die linke Bühnenhälfte entzündet, sondern auch mit mehreren Explosionen gepaart wird. Die Hitze ist noch durch die halbe Halle deutlich zu spüren.

Abgesehen von diesen gibt es noch andere Feuerfontänen en masse, am dringlichsten beim Opener „Sonne“, wo man natürlich noch um die Sympathien des Publikums wirbt. Da wechseln sich vorne acht und hinten vier Flammenwerfer in kürzer werdendem Wechsel ab. Dick aufgetragen, muss man sagen. Rammstein lassen alles anbrennen. Gut, natürlich können sie mit dem Budget nicht mithalten, das eine Band wie Metallica allein für das Intro von „One“ verfeuert – beispielsweise in Gelsenkirchen. Aber die machen das eben (in der Regel) nur bei dem einen Song.

Nach dem ganzen Feuerwerk und der Technik bildet es den richtigen Kehraus, wenn Till zum 20. und letzten Stück „Reise Reise“ das Publikum vorne noch mit einer Schaumkanone einseift.

In der Summe gibt es nur sehr wenige Bands, die bei diesem Technikaufgebot mithalten können, für das immerhin elf Sattelzüge vonnöten sind. Rush fällt einem da ein, mit ihrer gigantischen Lightshow, ihren einspielten Kurzfilmen und den ganzen Projektionen des Bühnengeschehens. Aber mal ehrlich und bei allen Sympathien: Rammstein machen da schon mehr. Und auch wenn Metallica auf originell geformten Bühnensonderanfertigungen gespielt und auch die Fantastischen Vier sich mitten ins Publikum vorgewagt haben, ist an dem Trick mit der Brücke und der kleinen Plattform doch etwas mehr dran: Beim Intro zu „Bück dich“ (13. Stück) treibt Christoph Schneider in Kittelschürze und mit Perücke den Rest der Band auf allen Vieren hinüber, wo sie dann – nach Entfernen der Brücke wie in einem Club auf einer Minibühne – außer diesem Stück noch „Ohne dich“ spielen. Hier kann Till dann auch wieder seinen Plastikpenis auspacken und ins Publikum spritzen. Ob Morrison da neidisch würde? Obszönitäten hin oder her: Der Abend hat sich gelohnt. In der Summe also fällt mir nur eine Band ein, die ich live oder im Live-Mitschnitt gesehen habe, die Rammstein was Showeffekte angeht ohne Probleme in die Tasche stecken kann: Und das ist natürlich Pink Floyd.

Und die Musik? Die wird heute zur Nebensache, zum schmückenden Beiwerk. Wenn sonst die Liveshow mit Licht und Effekten inszeniert wird, damit die Musik gut ankommt, ist sie hier nur noch der Soundtrack zwischen all dem unterhaltsamen Augenzucker. Sie ist nur noch Taktgeber für die begeistert mitgesungenen Texte. Wozu braucht Rammstein auch einen Sänger? Sie haben 13.000. Keinen von denen wird jetzt noch der Kartenpreis reuen. Am Ende erscheint es dann ganz richtig, dass heute eine Textzeile bei „Amerika“ weggelassen wurde: „This is not a love song.“ Für die Leute da draußen ist es genau das.

I have sailed the World, beheld its wonders,
From the Dardanelles,
To the mountains of Peru,
But there´s no place like London!
(Sweeney Todd)

Es ist Freitagabend. Ein süßlicher, verruchter Duft liegt über der Camden High Street und dringt durch die Eiseskälte in unsere Nasen. Wir sind nicht in einem der Nobel-Viertels in London. Nein, wir befinden uns in Camden. Hier herrscht der Rock´n Roll. An allen Ecken sieht man junge und alternde Punks, Jungs in engen, zerrissenen Jeans mit verschmiertem Make-up und auftoupierten Haaren; Mädchen, die weniger Stoff an sich haben als die Queen an ihren Händen. Sie wäre sicherlich „not amused“. Hier stört das Niemanden. Man freut sich gemeinsam mit Bier, Weed und schmutzigen Witzen auf ein tolles Konzert.

Wednesday 13, der schon Anfang des Jahres mit Joey Jordison und den Murderdolls London unsicher gemacht hat, lädt zum Abschluss seiner „Something wicked this way comes“ UK-Tour in den berühmt berüchtigten Electric Ballroom ein. Mit im Gepäck hat er niemand geringeren, als die finnische Sleaze und Glam-Ikone Michael Monroe. Bekannt als Frontmann Hanoi Rocks´, begibt dieser sich nun nach deren Auflösung solo auf die Jagd. Mütter schließt eure Töchter ein, die Teufel sind in der Stadt.

Überpünktlich betreten Crashdiet aus Schweden die komplett in Nebel getauchte Bühne, um die beinahe erfrorene Masse im ausverkauften Ballroom auf Temperatur zu bringen. Mit ihrem neuen Sänger Simon Cruz, der den leider schon jungen tragisch verstorbenen Dave Lepard ersetzt, starten sie ihr Set mit dem Adept-Cover „Riot in Everyone“. Sowohl musikalisch als auch optisch passen sie perfekt in das heutige Line-up und erhalten verdienter Maßen auch eine überaus positive Resonanz. Schmutzige Punk-Riffs treffen hier auf den typisch schwedisch melodie-lastigen Metal-Sound, der es mit KISS in einem Hinterhof treibt.
Nur 30 Minuten dürfen die Skandinavier die Menge bearbeiten, nutzen diese aber mehr als genug um mit Songs wie „Generation Wild“ oder „Breaking the Chainz“ die sehr an Faster Pussycat und Mötley Crüe erinnern, sicherlich mehr als nur einen neuen Fan heute Abend für sich zu gewinnen. Ja, Glam-Rock ist wieder am kommen. Ass tight!

Hat man nun in Deutschland die Gelegenheit sich in der Umbaupause ein Bier zu holen, so arbeitet man hier in London wohl etwas schneller. Binnen 10 Minuten wurde das eine Set ab – und das nächste aufgebaut. Kein Bier. Sehnsüchtig wird Michael Monroe erwartet. In der Menge tauchen mehr und mehr blond auftoupierte Jungen und Mädchen auf, man kann im abgedunkelten Licht nicht mehr erkennen, wer nun welchem Geschlecht angehört. Die 80er lassen grüssen.

Pünktlich wie die morgendliche Wachablösung am Buckingham Palace gehen die Lichter wieder aus. Mr Monroe betritt die Bühne. Mehr Kajal und Haarspray hat sicherlich auch Nikki Sixx in seiner Blütezeit nicht auflegen können. Das wird was Großes!
Los legen die Finnen mit ihrem Opener „Trick of the Wrist“. Die Menge ist nicht mehr zu halten und so lässt es sich Monroe auch nicht nehmen, ein ordentliches Bad darin zu nehmen und lässt jeden in der ersten Reihe mal ins Mikro grölen. Zwischendurch greift er immer wieder zum Saxophon, sehr abwechslungsreich und unterhaltsam das Ganze. Mehr und mehr kristallisiert sich für mich heraus, Monroe ist das Musterbeispiel eines Frontmanns. Keine Sekunde verliert er die Aufmerksamkeit des Publikums. Natürlich lässt er sich mehr feiern als eigentlich nötig, aber bei so einer Show ist das ja auch mit inbegriffen. Jetzt spielt er auch noch Mundharmonika! „Modern Day Miracle“, “Nothin´s allright”, “Back to Mystery City”, die Fans kennen alles, sie lieben es. Mittlerweile stellt sich mir die Frage ob nicht doch mehr Leute Monroes’ wegen hier sind. Ein wirklich total sympathischer, authentischer Kerl, der sich auf der Bühne für nichts zu schade ist, was auch für den Rest der Band gilt.
Als die letzten Töne von “Malibu Beach Nightmare” verklingen, fordert die Menge lautstark nach mehr. Die Roadies sind bereits am abbauen, da betritt die Band nochmals, mit Sicherheit spontan, da schon 3 Becken am Schlagzeug fehlen, die Bühne, um die Gier mit ihrem Hit „ Dead, Jail or Rock´n Roll“ zu stillen. Danach ist dann wirklich Schluss. Man kann jetzt schon sagen, das wird schwer für Wednesday 13, diesen Auftritt noch zu toppen.

Es wird Zeit für die Gruselstunde. Solange darf Wednesday 13 auf der Bühne sein Unwesen treiben und über seine liebsten Horrorfilme und Kindheits-Erinnerungen zu singen.

Es braucht nicht viel, um die Stimmung weiter aufzuheizen. Man sollte einfach sein Gehirn an der Garderobe abgeben, nicht allzu hohe Ansprüche an Text und Songstruktur stellen und schon kann es losgehen. Die Lichter erlöschen und das Intro „Blood Fades to Black“ vom neuen Album „ Calling all Corpses“ erklingt. Bereits als die Band die Bühne betritt, stellt man fest, dass Wednesday das trashige redneck Auftreten abgelegt hat. Zerissene Hosen und Shirts mit Zombie-Aufdrucken, oder sogar kitschige Oma-Kleidchen zu Zeiten seiner Jugendband, den „Frankenstein Drag Queens from Planet 13“, mussten sauberen schwarzen Jeans und Hemden weichen. Man wird eben doch irgendwann erwachsen. Nichtsdestotrotz rocken die 5 Ghouls aus Kalifornien mit dem Album gleichen Songtitel „Calling all Corpses“ nach vorne. Camden tanzt. Bei „ I walked with a Zombie“ besingt Wednesday 13 eine untote Geliebte, das Publikum tut es ihm im Refrain gleich. Das ist simpel, eingängig und macht trotzdem jede Menge Spaß. So zieht es sich auch immer weiter durch das gesamte Set. Auch Wednesday möchte immer wieder vom Publikum beklatscht und bejubelt werden, so impulsiv wie bei Michael Monroe fällt dies allerdings nicht aus. Es fällt auch auf, dass nur Wednesday auf der Bühne in Bewegung ist. Der Rest der Band spielt das Set eher emotionslos herunter.

Es wird einen Gang härter. Mit „Scream Baby Scream“ des „Skeleton“ Albums wagt man sich nun eher in den Metal-Bereich vor, was vom Publikum sehr wohlwollend aufgenommen wird, immer wieder unter den Anfeuerungen Wednesdays. Dieser wechselt alle 2 Lieder immer mal wieder das Outfit, mal mit Cowboy Hut oder Schirmmütze. Mit der Homage „ I wanna be cremated“ an den Ramones-Klassiker „ I wanna be sedated“ feiert Wednesday einen weiteren Mitgröhl-Song mit dem begeisterten Publikum, welches wohl innerhalb der letzten 2 Monate das komplette neue Album auswendig gelernt haben muss. „Happily ever Cadaver“, „Rambo“, „Till Death do us Party“, all die eingängigen Ohrwurm-Hits, die ein Wednesday 13 Konzert braucht, die ein Wednesday 13 Konzert ausmachen, werden dem Publikum serviert. Oft sind es die einfachen, unkomplizierten Dinge, um Menschen zu begeistern. Egal wohin man im Ballroom blickt, man sieht Freunde zusammen lachen, man singt jeden Song Arm in Arm mit. Da stört es auch nicht, dass Wednesday das Konzert nicht mit dem von allen Seiten lauthals verlangten „I love to say Fuck“ abrundet, sondern mit der neuen, gleichwertigen Rausschmeisser-Hymne „Something wicked this way comes“.

Um Punkt 21.45 gehen die Lichter im Electric Ballroom wieder an. Recht ungewohnt, aber andere Länder, andere Sitten. Nur eines bleibt das gleiche, der Spaß den man zusammen auch an den einfachen, unkomplizierten Dingen haben kann. Seien es auch nur Songs mit 3 Akkorden. Und nun wieder hinaus in die kalte, sündige Nacht Camdens.

Wir müssen gefährlich sein!

Crashdiet

Michael Monroe

Wednesday 13

Opeth-Konzerte sind phantastisch. Die Band liefert sogar die journalistische Aufbereitung gleich mit:

„We are Opeth from Stockholm, Sweden. What we do is, we entertain people by playing music. We put out records, then we play live and I tell jokes. This pretty much sums up our whole career.“

Eigentlich alles gesagt, oder? Aber Musik-Fans wollen ja immer mehr und mehr!

In der Tat ist es ja eine beachtliche Karriere, welche die Band seit ihrem Debüt „Orchid“ (1995) hingelegt hat. Nicht nur, weil sie großen internationalen Erfolg erreichte und sich damit den Musikertraum erfüllen konnte, von der Musik auch leben zu können, sondern weil sie nie in jene gefährliche Falle für Künstler aller Gattungen tappte, sich nur noch selbst zu kopieren. Bevor man sich musikalisch selbst kopieren kann, muss man sich allerdings erst zwischen der Musik positionieren, die es bereits gibt. Opeth haben auch da nicht (nur) kopiert, was es schon gab, sondern sich von der Death Metal-Konkurrenz abgesetzt, indem sie deren Schaffen überboten und stilistisch so weit abwichen, dass sie sich eine eigene Stilnische schufen, in welcher sich bis heute fast nur Bands tummeln, die ihrerseits Opeth in der einen oder andere Weise nacheifern wie Behind the Scenery oder Dark Suns, um zwei deutsche Beispiele zu nennen.

Seit „Morningrise“ (1996) wurde die Überbietung – so der rhetorische Fachbegriff – zum zentralen Gestaltungsprinzip von Nachfolgealben – gepaart mit einer stetig leichten Abweichung – noch so ein Fachbegriff –, durch welche die Band anderen immer eine Nase voraus war und ihnen etwas gab, woran sie sich abarbeiten konnten. Das muss man aber auch schaffen: Ein hohes Niveau nicht nur zu halten, sondern immer wieder zu überbieten. Dazu braucht man schon einen Songwriter wie Mikael Åkerfeldt. Man kennt ja diese Das-erste-Album-war-eh-das-beste-Bands. Aber Opeth haben es ausnahmslos geschafft mit jedem Album die Frage aufzuwerfen, was da jetzt noch Besseres kommen soll, um beim nächsten Album etwas vorzulegen, bei dem einem wieder die Kinnlade runter klappt und man sich dieselbe Frage stellen muss. Überbietung allenthalben. Des Eigenen und der Anderen.

„There’s plenty to choose from“, formuliert Åkerfeldt das Problem der Songauswahl als ihn das Publikum mit Wünschen überhäuft. Das älteste Stück, welches die Schweden dabei herausgreifen ist „Credence“ von „My Arms, Your Hearse“ (1998), etwas früher schon im Set spielen sie „Face of Melinda“ von „Still Life“ (1999). Als Leser viktorianischer Romane hat mich die Stimmung, die Opeth hier generiert, immer fasziniert: dieses Düstere, Romantische, etwas Melancholische, das man nicht nur bei den Brontës findet, sondern beispielsweise auch in Wilkie Collins Roman „The Woman in White“, der auf einem Landsitz names „Blackwater Park“ spielt. Heimlich hatte ich ja immer die Vermutung oder Hoffnung gehegt, das gleichnamige Opeth-Album (2001) wäre nach diesem Anwesen benannt, zumal die Musik so passend und deren Cover-Ästhetik allgemein in diese Richtung deutbar ist. Seit heute jedenfalls weiß ich, dass eine deutsche Band Namenspate war. Woher die den Titel haben, muss wohl vorerst unklar bleiben. Wie dem auch sei: Das Wechselspiel großartiger melancholischer Melodien – gespielt durch Keyboard oder Gitarre oder gesungen mit der warmen Stimme Åkerfeldts – und den Death Metal-Passagen mit dementsprechendem Gesang ist ein perfekter Soundtrack zu dieser Literatur.

Auch „Deliverance“ (2002), von dem wir heute „A Fair Judgement“ hören, blieb dieser Überbietungsstrategie treu, während „Damnation“ (2003) dahingehend eine Abweichungsstrategie bevorzugte, dass man erstmals alle Death Metal-Elemente weg ließ. Von diesem Album spielt Opeth „Closure“. Auch hier gilt natürlich: „There’s plenty to choose from“ – man will ja auf keines der Stücke verzichten, aber das eine oder andere hätten sie schon noch zusätzlich spielen können. Und während „Ghost Reveries“ (2005) übersprungen wird, kommt „Watershed“ (2008) mit dem wunderschönen „Porcelain Heart“ und „Hex Omega“ zum Zuge. Auf diesen letzten beiden Alben mischte sich ein interessantes neues Element in die Musik: Während Opeth weiterhin ihr eigenes Schaffen nach dem Platte-raus-Kinn-runter-Prinzip überboten, wichen sie von den Vorgängeralben durch zunehmende 70er-Einflüsse stilistisch ab, ohne dass man sie deshalb als anders denn als progressive Death Metal-Band mit einem ausgesprochenen Hang zu Klargesang und großartigen Melodien hätte einordnen müssen.

Mit der Veröffentlichung von „Heritage“ (2011) ändert sich das schlagartig. Weitgehende Abweichung. Nicht ohne sich selbst zu überbieten, freilich. Jetzt muss man von Opeth – keine ganz unerwartete, aber doch eine überraschend schnelle Entwicklung – als von einer Progressive Rock-Band sprechen, weil typische Metal-Trademarks durch solche des Rock eingetauscht wurden, allem voran die Death-Growls. Diesem Album gilt ein Großteil des Abends: Der Opener ist „Devil’s Orchard“, gefolgt von „I Feel the Dark“, später „Nepenthe“, das Ronny James Dio gewidmete „Slither“ und in der Zugabe „Folklore“. Außerdem gespielt wurde „Throat of Winter“ aus dem Soundtrack für das Computerspiel „God of War II“ (2011), ein Stück, das offensichtlich nicht nur mir bislang unbekannt war.

Wer jetzt aufgepasst hat und das Repertoire kennt, hat bemerkt: Opeth spielen live keinen einzigen Song mit Death Metal-Vocals. Das gab es auch zu „Deliverance“-Zeiten nicht. Ist das ein Statement bezüglich der oben beschriebenen Veränderung der Band? Wir werden sehen.

Für den Moment beachtenswerter ist wohl noch, wie die Stücke vorgetragen werden. Da geht Opeth um einiges weiter als bislang, denn es werden Passagen in Stücke eingefügt, Riffs werden angerissen, doch bevor sie sich richtig entfalten wird noch eine Wiederholung eingeschoben, Strukturen lösen sich in endlosen Melodiefolgen auf – so schön, dass es weh tut. In „Porcelain Heart“ wird ein langes Drum-Solo eingefügt, bei dem Martin Axelrot aber nicht nur einfach drauflos knüppelt, so wie man das sonst bei Metal-Konzerten oft hört: möglichst viel, möglichst schnell. Nein, es gibt eine Struktur aus Motiven und Schlagfolgen, die sich langsam aufbaut, variiert und verändert wird. Das Solo schwillt in Geschwindigkeit und Lautstärke an und ab, wird durchdringender und durchscheinender, donnert und dekonstruiert sich schließlich, bis die Gitarre leise auf die „Porcelain Heart“-Melodie zurück führt. Das passt perfekt, denn die Stücke selbst funktionieren ja ebenso. Immer wieder finden sich völlig transparente Stellen, in welchen nur ein Melodieinstrument oder nur die Stimme zu hören ist, vielleicht gar als Flüstern. Man denke nur an Stücke wie „Nepenthe“. Müßig zu sagen, dass das Ganze spielsicher, perfekt, lässig und sympathisch rüber gebracht wird, als wären die Stücke ein Klacks.

Apropos sympathisch. Vergessen werden darf natürlich nicht, was aus Mikael Åkerfeldt geworden wäre, wenn es Opeth nicht gäbe: Stand-Up-Comedian. Ich bin mir ganz sicher. Bei jedem der Konzerte, die ich bisher besucht habe, hat er sich in irgendwelchen so kurzweiligen wie originellen Witzen ergangen. Ganz locker, sympathisch. YouTube ist voll davon. Und auch die Live-Mitschnitte wie „Roundhouse Tapes“ oder „Lamentations“ machen da keine Ausnahme. Ich sage nur: „My name is Baba Smith“.

Heute hat er es vor allem mit Kassetten. Nach einigem Geplänkel verkündet er, dass er für seine Freundinnen früher immer Kassetten zusammen gestellt habe. Diese hätten sich auch sehr gefreut, nur dass er ihnen ausschließlich völlig obskuren Prog Rock drauf gespielt habe. Trotzdem haben sie sich gefreut, hat er sich doch so viel Arbeit für sie gemacht. Nicht wahr? „I also had a double tape deck, where you could copy cassettes. So when I was done with one girl, I just copied the same cassette for the next girl.” Kein echter Charmeur. Mehr ein Pragmatiker also. Außerdem hat er es heute mit Burt Reynolds. Ich habe keine Vorstellung, wie er darauf gekommen ist, jedenfalls zwingt er das Publikum, mehrmals hintereinander: „We love Burt Reynolds“, zu brüllen, und fügt dann hinzu: „There is nothing gay about Burt Reynolds. I have a mustache, too.“ Irgendjemand ruft: „I love Hello Kitty!“ Das beendet den Spuk fürs erste.

Jeder, mit dem ich nach dem Konzert gesprochen habe, war von dem Auftritt begeistert. Und sehr viele dieser Leute haben, wie ich, schon einige Auftritte von Opeth gesehen, in kleinen und in großen Hallen oder auf Festivals. Opeth schlägt ein hohes Niveau an – man wird da schon verwöhnt –, aber die Band lässt einen dennoch nie hängen. Uns „unterhalten“ zu haben, wie Mikael Åkerfeldt zu Anfang sagte, wird der Sache da wenig gerecht. Besser trifft es ein Besucher, dem an einer leisen Stelle von „Porcelain Heart“ ein: „Zu geil!“, über die Lippen rutscht. So ist es! Dem ist jetzt aber wirklich nichts mehr hinzuzufügen.

Was man am Sonntagabend in der Stuttgarter Schleyerhalle sieht, könnte man als die Lebensalter des Rock’n’Roll auffassen: geboren, verblasst, vergöttert – Graveyard, Duff McKagan und Motörhead. Letztere haben als dienstältesten schon alle Phasen durchlaufen. Der Rest wird sich zeigen.

Für die Schweden Graveyard ist die Schleyerhalle eine noch ungewohnt große Location, war doch ihr letztes Konzert in Stuttgart im damals ausverkauften 1210. Den Rest haben sie jetzt vorübergehend übersprungen, wobei es – wenn überhaupt – natürlich noch lange dauern wird, bis sie solche Hallen alleine meistern können. Hier haben sie die Möglichkeit ihren Seventies Retro Rock einem neuen Publikum vorzustellen, nachdem sicherlich die wenigsten wegen dieser Band hier sind. Wie schon im Partyzelt des Summer Breeze‘ verfehlen sie ihre Wirkung nicht.

Irgendetwas da trifft einfach den Nerv. Ich weiß nicht, was es ist, seien es die wirklich guten Songs wie „Ain’t Fit to Live Here“, „No Good, Mr Holden“, „Hirsingen Blues“, „Uncomfortably Numb“ … warte mal, zähle ich da gerade alle Songs von „Hirsingen Blues“ auf? – oder diese unglaubliche Whisky-Stimme, die einfach Durst macht. Aber der Aufforderung kommen die Leute hier natürlich gerne nach. Mitsingen kann man natürlich auch wunderbar, vorausgesetzt man kennt die Refrains mit ihren eingängigen Melodien schon. In „Ungrateful are the Dead“ singt Joakim Nilsson: „My path leads to hell“ – wenn es da so klingt, will man ja gerne mitgehen.

Trotzdem muss ich mir zwischendrin mal überlegen, ob ich die Band eigentlich wirklich auf einer so großen Bühne sehen will. Solche Läden wie das Münchner 59:1, wo sie für Witchcraft eröffneten oder unser 1210, wo man von wegen des oben erwähnten Durstes mit zwei Schritten zwischen Bühne und Bar pendeln kann, sind da doch irgendwie zu bevorzugen. Dennoch – vielleicht ist es ja der Anfang einer längeren und größeren Karriere – ist mir auch die große Halle recht, solange ich Songs wie „Bying Truth“ mitsingen kann: „When was the last time that you felt alive?“ – Graveyard sind und bleiben einfach „Satans Finest“.

Ganz „So Fine“ läuft es bei Duff McKagan seit seinem Ausstieg bei Guns N’Roses 1997 dagegen nicht. Ist ein Venue wie die Schleyerhalle für Graveyard neu und für Motörhead ein alter Hut, war der Amerikaner im vorletzten Jahrzehnt Anderes gewohnt. Sein Süppchen vermiesen lässt er sich dadurch allerdings nicht. Gut gelaunt geht die Band auf die Bühne. Leider meint es der Sound-Mann nicht so gut mit ihnen, denn das Ganze ist so tiefenlastig, dass man ganz vorne eigentlich gar nichts hört und auch ganz hinten in der Halle klingt Loaded nicht wirklich berauschend. Die Halle ist nun schon merklich voller. Das macht es, finde ich, merklich schwerer, abzuschätzen, wie gut die Band beim Publikum wirklich ankommt. Natürlich gehen in absoluten Zahlen deutlich mehr Leute mit als bei der ersten Band, aber ebenso gibt es eine sehr große Menge Leute, welche den Eindruck erwecken, sich bis Motörhead nur die Beine in den Bauch zu stehen und Loaded relativ wenig abgewinnen zu können. In jedem Fall erscheint McKagans abschließender Dank: „best audience ever“ eher traurig als nahe an der Wahrheit.

Das dürfte die vorne allerdings wenig interessieren. Die beschäftigen sich mehr mit dem geraden Sleaze-angehauchten Rock, dem man die GN’R-Vergangenheit von McKagan schon anhört. Musikalisch entstand dabei weder zu Poppiges noch andererseits wünschenswert Griffiges. McKagan, hier an der Gitarre, singt einen „Song about fucking“ oder über seine Abneigung gegen Los Angeles, wo er doch ein „Seattle Head“ ist. Die Riffs sind mal mid-, mal uptempo und grooven auch gelegentlich. Auffallend sind vor allem die sauberen Gitarrensoli, die – auch das meine ich schon von Axl Rose gehört zu haben – mit der Ansage „Guitar, come on“ heraufbeschworen werden. In der Summe aber erscheint mir die Band luftleer. Das ist sicherlich nicht McKagans Karrierehöhepunkt, auch wenn sein Name natürlich groß genug ist, um damit für „Duff McKagan’s“ Band Werbung zu machen. Als Loaded von der Bühne gehen, ist die Vorfreude sicherlich größer als das Bedauern. Aber es wird nicht das letzte sein, was wir von McKagan heute sehen.

Dass Motörhead ein echter Crowdpleaser sind, selbst wenn Lemmy heute, wie manche sagen, vielleicht ein wenig zu betrunken ist und die Band auch in Stuttgart schon bessere Shows abgeliefert hat, zeigt sich von Anfang an. Die Leute drücken nach vorne, rumstehen ist nicht mehr, es wird begeistert mitgesungen, und die traditionellen Spielchen wie die Suche nach der „loudest crowd ever“ mitgespielt. Motörhead ziehen eben die Massen, was trotz der immensen Bekanntheit ihres Protagonisten wohl nicht zu allen Zeiten so gewesen ist, wenn man den einschlägigen Lexika glauben darf. Die Phase, in der Duff McKagan steckt, haben sie auf jeden Fall hinter sich. Als unzweifelhaft eine der angesehensten, wenn auch nicht kommerziell erfolgreichsten Metal-Bands haben sie und umso mehr die lebende Legende am Bass und Mikrophon ihren Platz im Olymp sicher.

Den brauchen sie sich heute also weder zu erspielen noch zu verteidigen. Sie spielen solide, mit sichtbarem Spaß und mit allen Klischees, die man mit der Band verbindet, wie die Widmung insbesondere an die Fans „with those beautiful tits“ oder der Fliegeralarm, mit dem das Konzert beginnt. Und die Fans machen alles mit. Das ist genau die „sklavische Ergebenheit“, von der ich gestern schon geschrieben habe. Natürlich wird auch an die Ehre appelliert: Als die erste Antwort auf: „How are you doing“, nicht laut genug ausfällt, sagt Lemmy nur: „You are Stuttgart, right?“ Na bitte, es klappt doch. Mit Stuttgart kennt sich Motörhead überhaupt gut aus, so stellt Wizzo fest: „Stuttgart is the home of Claus, right?“ Damn well it is!

Motörhead sind die Fortsetzung des Rock’n’Roll mit anderen Mitteln. Während böse Zungen ihnen nachsagen, dass sie seit 1977 dieselbe Platte aufnehmen, bieten sie eine ganze Menge abwechslungsreichen Rock im Sound-Gewand des Metal. Harter, weil mit Plektrum gespielter Bass, bellender Gesang, frickelnde Soli. Die obligatorischen Gitarren- und Schlagzeugsoli. Und die Fans freuen sich über all diese Songs, die sie schon hunderttausend Mal gehört haben und noch hören werden: „Metropolis“, „Going to Brazil“ oder „Damage Case“ und „One Night Stand“, das mir besonders im Ohr hängen bleibt. Viel Bier später – auch Motörhead machen schließlich durstig – werden sie alle zufrieden sein, die Teens mit ihren neuen Kutten, auf welchen der Motörhead-Patch nur mit Nadeln befestigt ist, weil sie noch nicht nähen können, wie jeder Metaller, dessen Mama so etwas nicht ins Haus kommt, die Fans mittleren Alters, die etwas verwetterten Gestalten, denen man zwanzig oder dreißig Jahre Rock’n’Roll ansieht, und die Pärchen, die man wohl als ältere Ehepaare bezeichnet. Zufrieden sind auch die jüngsten, zwei Mädchen mit ihren jeweiligen Vätern, wohl zwölf und vierzehn. Die einzigen, die wohl nicht da waren, sind „those of you with the walking sticks“, von denen Lemmy mal auf einem anderen Konzert sprach. Auch das Publikum also vereinigt alle Lebensalter des Rock’n’Roll.

Bei „Killed by Death“ sehen wir dann auch Duff McKagan wieder, der hier die zweite Gitarre übernimmt. Wie schon seit 1995 nicht mehr, sind Motörhead damit für einen Moment wieder zu viert. Nach „Ace of Spades“, der lange erwarteten Ansage „We are Motörhead. And we play Rock’n’Roll“, und, ich glaube, „Crazy Like a Fox“ endet das Konzert schließlich mit einer Verbeugung Arm in Arm. Auch da ist McKagan nochmal kurz zu sehen, bevor die vier vermutlich erst mal was gegen diesen verdammten Durst tun müssen.

Graveyard:

„For young people“, sagt die Soziologin Donna Gaines in Sam Dunns Dokumentation „Metal. A Headbanger’s Journey”, „metal is a place to belong where you can experience other possibilities and transcend everyday life in a very glorious way“. „Metal“, ergänzt der Sänger Rob Zombie, „is all the weird kids in the same place.” Das Konzert, das am Samstag in der Ludwigsburger Arena stattfindet, liefert den lebenden Beweis.

Während des Wartens auf die zweite Band DevilDriver setze ich mich – ganz uncool – auf die für die Presse reservierten Plätze in einem kleinen Block rechts von der Bühne. Dort stehen herunterklappbare Tische zum Schreiben zur Verfügung, sodass man sich irgendwie fühlt wie an der Uni, nur dass man vorne keiner Vorlesung, sondern einer Metal-Show lauschen kann. Ich mache mir ein paar Notizen zu Darkest Hour, von denen wir leider nur noch den letzten Song gesehen haben, was ich schade finde, denn der Ersteindruck der Melodic Death Metal- bis Metalcore-Band ist ganz positiv, wenn auch zu kurz, um sich wirklich eine Meinung zu bilden. Die Band ist heute irgendwie das Kettenglied, welches die Metalcoreler Bring Me the Horizon mit den beiden Thrash Metal-Bands stilistisch verbindet.

Zu DevilDriver will ich dann wieder runter gehen, sobald Sue Real aus dem Fotograben zurück ist. Was ich allerdings während der folgenden Minuten von hier aus beobachten kann, bewegt mich dazu, mich den Rest des Abends von Bands und Publikum in den Bann schlagen zu lassen: Knapp zwei Meter über dem Innenraum hat man einen hervorragenden Überblick über das Geschehen. Man kann beobachten, wie das Publikum sich vorne immer dichter drängt, wie es seinen Charakter wechselt, welchen Ritualen es folgt. Selbst zwar etwas entrückt, gibt das einem einen perfekten Einblick in die Seele des Metal-Publikums.

„Von Anfang an“, schreibt der Motörhead-Sänger Lemmy Kilmister in seiner Autobiographie „White Line Fever“, „riefen wir in den Leuten diese verdammte sklavische Ergebenheit hervor.“ Er erzählt da von einem Soundmann, der lieber Lemmy treu blieb, als für Black Sabbath zu arbeiten. Ganz so scheint es auch bei der Stage hand zu sein, die für DevilDriver den Soundcheck am Mikrophon macht. Selbst offensichtlich mit einer großartigen Rock-Stimme ausgestattet, singt er ein paar Zeilen, wofür er Applaus bekommt, und verabschiedet sich dann mit den Worten „DevilDriver is the best Band in the world“, wofür er noch mehr Applaus bekommt. Zustimmung unisono. Und als die Band dann beginnt, beginnt mit ihr der jetzt gut gefüllte Innenraum zu toben. Vorne quetschen sich die Körper, die Arme mal hochgereckt, die Haare meistens fliegend. Alltag raus, Metal rein. Sieht ungemütlich aus. Ist es auch. Schließlich will Frust abgearbeitet und der Band die Verehrung demonstriert werden. „Open the fuckin’ floor“, schreit Sänger Bradley James Fafara, „you pussies.“ Gleich darauf formiert sich das erste Circle pit des Abends.

Musikalisch kann ich die Begeisterung bei dieser Thrash Metal-Band nicht ganz teilen, denn obschon sie ordentlich Gas geben, etwa bei „End of the Line“ mit seinem Feuerwerk aus Schlagzeugtriolen – die starke Rhythmusorientierung ist für die Band ja repräsentativ – fehlt mir die Abwechslung zu den Vollgaspassagen. Das macht aber nichts. Viel wichtiger ist, dass das Publikum genau das will: Vollgas. Demensprechend tobt auch der Saal. Und zwar nicht nur auf den ersten paar Metern mit gelegentlichem zaghaften Kopfnicken bei den Leuten weiter hinten. Von hier oben kann man das gut sehen.

„Metal“, sagt der Lamb of God-Sänger Randy Blythe zu Sam Dunn, „is purging. I think it performs that task: Letting us get rid of a lot of tension. It’s a catharsis.“ „Dead of Rights“ oder „You Make Me Sick“: Das Publikum ist dabei. Die Jungs und Mädels unten sehen aus wie bei einem kollektiven Tobsuchtsanfall: Da wird mit wutverzerrter Miene der Text mitgebrüllt und ohne Rücksicht auf Verluste gepogt oder bangt. Und wenn sie anschließend aus dem Pit kommen, haben sie ein Grinsen drauf von einem Ohr bis zum anderen.

Genauso geht es jetzt bei Bring Me the Horizon weiter, die allerdings erst mal für einen Besetzungswechsel vor der Bühne sorgen. Die Leute, die sich jetzt dort versammeln, sind aus einer ganz anderen Generation als jene bei DevilDriver, so als müssten die Fans immer derselben Altersgruppe angehören wie die Bandmitglieder – und übrigens auch die Roadies. Jedem das seine, muss es wohl heißen, und so gehört dies hier den Jüngeren, während die Älteren eine Dreiviertelstunde lang Bier holen gehen. „This”, sagt Tom Morello von Rage against the Machine, „is something that is mine and that I own. And fuck you I won’t do what you tell me.“

Im Vergleich zu RATM sind BMTH allerdings noch etwas wütendere und jüngere Männer. Oli Sykes schreit, dass man jedem Moment damit rechnet, dass er seine Lunge gleich mit auskotzt. Zugleich bleibt er mit seinem Kätzchen-T-Shirt schön selbstironisch. Eigentlich spielen Sie alles, was ich hören möchte: „Diamonds Aren’t Forever“ – gleich als Opener –, „Chelsea Smile“ und vor allem „Sleep With One Eye Open“ mit der abschließenden Liedzeile „Best friends means forever … cunt!“ Dass das nicht für alle so ist, die Erfahrung macht wohl jeder mal. BMTH ist dann das Ventil, um die Wut wieder los zu werden. „We”, sagt der Slipknop-Drummer Joey Jordison, „get letters all the time – from these kids that say how our songs help them and that they go home after a show feeling better.“

Die Anleitung liefern BMTH auch gleich in den Lyrics von „Football Season Is Over“ mit: „Party til you pass out, drink til you’re dead. Dance all night til you can’t feel your legs.” Und was nicht in den Lyrics steckt, kommt als donnernder Befehl von der Bühne: „Show me a fucking pit“, gleich zu Anfang oder: „Everyone, let’s fucking go!“ Etwas hysterischer dann: „Circle pit! Circle pit! C I R C L E   P I T!“ Das bekommt er dann auch. Und was für eins. Aber eigentlich bekommt er die ganze Zeit, was er will, egal ob es um erhobene Mittelfinger geht, darum, dass der ganze Saal springen soll, oder schließlich um die aus erhöhter Perspektive umso interessanter anzusehende Wall of Death. „Metal“, sagt Rob Zombie, „is music for outsiders.“ Dann muss aber auch der Schriftsteller Chuck Klosterman angesichts dieser Halle voll von Metallern, voll von Menschen, die sich immer wieder in den Armen liegen, Head bangen oder singen, Recht haben: „Metal“, sagt er in Sam Dunns Dokumentation, „is not a way to understand your loneliness, it’s sort of a way to feel as though you are part of something that is larger than yourself, because everything about metal is larger than it is in live.”

Bei Songs wie „Blessed With a Curse“ aber fühle ich mich dann von dem Ganzen ausgeschlossen. Das ist mir zu poppig. Und noch etwas stört mich ehrlich gesagt an dem Auftritt, denn während sich die Band möglichst anarchisch gibt, Sykes permanent ausspuckt oder einfach mal das Mikro fortwirft, ist die Inszenierung zu durchgestylt. Klar haben auch die anderen Bands perfekte Lightshows etc. – und bei Machine Head wird da nochmal einer drauf gesetzt. Aber angesichts permanent eingespielter Tonspuren, welche die Stücke mit Synthies auffüllen und teilweise schon Backing vocals enthalten, fehlt es mir doch an Authentizität. Schade eigentlich. So bleibt ein fahler Beigeschmack nach einem guten Auftritt.

„Mit meiner Freundin“, erzählt mir ein Konzertbesucher, „bin ich seit zwei Jahren zusammen. Als ich dann gesehen habe, dass Machine Head auf Tour kommen, habe ich für uns beide zum Jahrestag die Karten gekauft. Und sie hat sich tierisch gefreut!“ Das sind Zeichen der Liebe unter Metallern. Aber Machine Head funkelt ja auch mehr als ein Ring. Weniger im als durch das viele Scheinwerferlicht. Mussten BMTH noch mit zwölf Moving heads auskommen, sind es jetzt 40. Außerdem kommen 19 Stroboskope und ein Haufen Stage blinder hinzu. Nicht dass es vorher wenig Licht gegeben hätte. Nicht zu vergessen die zwei kleinen und eine große Video-Projektionswand. Aber da ist nicht nur Technik. Die können auch was. Beeindruckend ist einmal mehr Rob Flynns Stimme, die zwischen vollem, warmem Klang bis zu satten Growls in die eine und einer astreinen Kopfstimme in die andere Richtung für Abwechslung sorgt. Gitarrist Alan Duce und Bassist Phil Demmel singen teilweise mit, einmal, bei „This Is the End“, bilden sie sogar einen Mini-Kanon.

„Metal”, sagt der 17-jährige Eric Bryan, von Sam Dunn interviewter Metal-Fan, “is something that I can always count on. Live is a rollercoaster. Sometimes things are good or bad. I mean whether you had a good day or a bad day the music is going to be there for you. That’s very important.“ Angesichts des Auftritts von Machine Head verblasst alles Schlechte an dem Tag ohnehin. 110 Minuten lang fegen die vier Thrash Metaller alles von den Beinen. Die Menge tobt schon vor dem ersten Song. Danach, auf die Frage: „Are you ready“, sieht man erhobene Arme bis wörtlich in die letzte Reihe an der Rückwand kurz unter der Decke. Eine Halle wie ein Mann. Es ist völlig gleich, ob er Fäuste, Mittelfinger oder die Mano cornuta sehen will. Sie machen alle mit. Die Leute stehen auf den Rängen und bangen oder springen, einer in der drittletzten Reihe spielt Luftschlagzeug, selbst der Einzelne in dem leeren Block hinten links klatscht frenetisch Beifall. Ob „Old“ oder „Locust“, im Innenraum gibt es ein Circle Pit nach dem anderen und Crowsurfing en masse. Das Publikum gibt alles.

„A lot“, sagt Metal-Fan Joe Bottiglieri zu Sam Dunn, „of the lyrics spoke to me on a personal level.” Gemeinsame Erfahrungen werden da geteilt – und beschworen, etwa wenn Rob Flynn über Heuschrecken spricht: „Locusts … they fly, they float, looking for the next harvest. They land, they devour everything in sight. Then they take of and leave you with the aftermath. Do you know people like that, Ludwigsburg?” Und natürlich kennen sie sie. Man hat etwas gemeinsames, nicht nur Erfahrung und den Metal, auch die Vorliebe für die Drinks. Klar, es ist Samstagabend. Keiner muss morgen aufstehen, auch die Band nicht. „Professional drinkers“, sieht Rob im Publikum – und ich auch. Leute, die immer ein Bier in der Hand haben. Einen hat er sich dabei besonders ausgeguckt. Dem spendiert der Kalifornier dann auch einen Drink von der Bühne runter. Und zwar auf die spektakulärste Weise, die ich je gesehen habe. Rob nimmt diesen halbvollen Becher mit irgendeiner dunklen Flüssigkeit und wirft ihn mit einer Drehung 20 Meter weit ins Publikum – ohne dass etwas raus läuft. Und der Typ links am Ausgang fängt den Becher tadellos. „Professional drinkers“, konstatiert Rob, „I love it.“ Das scheinen Sie wahrlich zu sein, alle beide – und viele andere hier. Gemeinsam.

„We“, sagt Rob Flynn in der Ansage zu „Darkness Within“, „were the outcasts. We didn’t fit in with the rest of them. And somehow the music did give us something to relate to. The Music reflected the way we felt – all the anger and pain. It told us that we were not alone.“ Das ist Metal.

DevilDriver:

Als ich gestern Leonies Artikel gelesen habe, spürte ich ein wenig dem Eingangszitat nach und fand diesen Artikel, in welchem die nicht ganz neue Parabel von den drei Blinden erzählte wird, die einen Elefanten beschreiben sollen, den sie nur ertasten können: Der erste betastet den Rüssel und beschreibt das Tier als Schlange, der zweite, am Schwanz, hält ihn einem Seil für ähnlicher, während der dritte – er steht an einem der Beine – ihn mit einem Baum vergleicht.

Etwa so kommt man sich vor, wenn man die Melvins erfassen möchte – und zwar auch, wenn man alle fünf Sinne beieinander hat. Der Elefant, den ich da sehe und höre, ist fünfeckig, janusköpfig, neunarmig und muss von der Tarantel gestochen sein, denn er trampelt manisch umher und zerdeppert das ganze Porzellan.

Macht aber nichts, denn es war wahrscheinlich ohnehin zu schön, zu wohlgeformt, zu gefällig, zu Standard, um mit dieser Art von Elefant in einen Raum zu passen. Und während es noch so scheppert, entsteht eine Trash-Ikone, ein Berg der Bedeutungslosigkeit – genauso, nur anders wie in diesem Jugendbuch. Für viele der Anwesenden ist sie offensichtlich Gegenstand der Anbetung. Vor allem aber trifft sie stilsicher eine Ästhetik des Abseitigen, Absonderlichen, Grotesken. Man muss sich ja nur mal die Albumcover ansehen. Sie stellen größtenteils – mit Ausnahme vor allem der „Trilogy“ bestehend aus „Maggot“, „Bootlicker“ und „Crybaby“ – irgendwelche Abfallprodukte der Mainstream-Kultur zur Schau: vom Poesiealbumbildchen über die Kitsch-Tapete bis zu Cowboy und Indianer. Wer sonst würde eine LP-Box in Form einer Pizza-Schachtel veröffentlichen? Perfekt!

Und weil sich diese Abkehr vom Gefälligen, Gewöhnlichen und allgemein Akzeptierten auch auf die Musik erstreckt, sind sie im Schoße von u. a. Mike Pattons nach der Brechpflanze benannten Plattenfirma Ipecac Recordings auch hervorragend aufgehoben, haben die es sich doch gerade zur Aufgabe gemacht, das musikalisch Grenzgängerische zu veröffentlichen. Dafür stehen Signings wie Fântomas oder Bohren und der Club of Gore, die uns am 23. November im Schocken beehren, oder eben die Melvins.

Das hat auch alles seine Richtigkeit, sonst hätten wir nicht die Möglichkeit der kreativen Freiheit von Musikern wie Buzz Osborne zu lauschen, der – äußerlich nicht minder frei – im schwarzen Cordsamtkleid, dessen Passe ein buntes, verdächtig nach Kinderschlafanzug aussehendes Pferdchenmuster zeigt, mit seinen eng bei einander stehenden Füßen und den breiten Schultern irgendwie aussieht wie ein auf der Spitze stehendes Dreieck, inklusive – von wegen der weißen Mähne – einem Püschel oben. Dazu trägt er Schal und eine durchsichtige Gitarre mit Aluminium-Griffbrett. Passt alles nicht zusammen? Na eben. Darum geht es. So wie in der Musik. Und warum sich Schranken auferlegen? Nur so herum wird kein Schuh draus, sondern eine der einflussreichsten Bands im, äh, Rock-Underground – das mit der Etikettierung funktioniert hier nämlich nicht so richtig, denn die Melvins-Maschine wird vorne mit Punk und Hardcore gefüttert, während hinten fünfeckige Würfel herauspurzeln, die von anderen Bands zu Grunge, Stoner, Sludge – als dessen Erfinder die Melvins gelten – et cetera weiterverarbeitet werden oder wieder in die Ausgangsmaterialien eingehen. Wie sollte man das Erzeugnis also nennen? Glücklicherweise brauchen wir kein anderes Label als eben „Melvins“.

Sie spielen 19 Stücke von ihren 18 Alben. Die ältesten: „It’s Shoved“ und „Ligature“ von „Bullhead“ (1991). Sieben der Stücke sind von den letzten drei Platten. Insgesamt wohl eine gute Mischung. Da ist alles dabei, von den punkigeren zu den sludgeigeren zu den metallischeren Enden des Schaffens. Buzz hat oben auf die Orange-4 x 12“ einen Ventilator gestellt. Der pustet mir den kratzig scharfen Gitarren Sound über die zwei Meter Luftlinie nochmal verstärkt um die Ohren. Ja, ich weiß: Das ist musiktechnischer Quatsch, was ich das schreibe. Kein Quatsch ist, dass die drei Mikrophone zur Abnahme der Gitarre deren Klang entscheidend verdichten. Mehr Wumms! Vielleicht ist das bei Jared Warrens Bass auf der anderen Seite genauso – ich kann das nicht sehen –, jedenfalls würde das erklären, warum an den wenigen ruhigen Stellen der mächtige Sustain des Viersaiters die Bierflaschen auf den Tieftönern links und rechts hörbar mitscheppern lässt, unterbrochen nur durch das gelegentliche Klirren, wenn eine herunterfällt.

Aber der Bass steht nur selten so im Vordergrund wie beim letzten Stück „Shevil“. Den meisten Krach macht sonst sicherlich die Gitarre, egal ob Buzz im ersten Stück bei 180 bpm mit dem Mittelfinger auf eine Saite eintrommelt, ob er drauf los schreddert oder komplexere Riffs runterzockt, ob er mal kontrolliertere, meist anarchischere Soli spielt. Melodien braucht es da nicht. Man hat ja auch zwei Schlagzeuger. Das gibt ein wenig die Richtung vor: vertrackt, rhythmisch, mit vielen Breaks. Daran sparen die Melvins sowieso nicht: Nur nichts Gewöhnliches bringen. Und das Publikum dankt es. Einer der grandiosesten Momente ist wohl, als es bei „The Water Glass“ vom neuen Album „The Bride Screamed Murder“ den Beweis antritt, dass es selbst die irrwitzigsten Gesangsfolgen des Ruf-und-Antwort-Spielchens zwischen Buzz und seinen Mannen mitsingen kann. Und zwar im Timing. Nicht so wie bei dem Dave Gilmour-Konzert, auf dem ich mal war: „Wish You Were Here“ plus/minus zwei Viertel im Takt mitgesungen. Schon peinlich. Hier aber: sauberer Punk-Gospel.

Das Kernelement der Musik bilden aber wohl die zwei Schlagzeuger Dale Crover und Coady Willis. Die haben mich auf jeden Fall am meisten beeindruckt, denn zwei Drummer, die parallel das Gleiche spielen, müssen schon sehr genau auf dem Punkt sein, damit etwas Anderes als Soundbrei dabei heraus kommt. Dieses Handicap haben sie aber noch gesteigert, indem sie über weite Stecken doch recht abgefahrene Fills und mehr noch Rhythmuswechsel einbauen. Dennoch sind sie unglaublich tight. Selbst wenn sie langsam das Tempo verändern. Ich bin baff. Dementsprechend richte ich mein Augenmerk auch über weite Strecken auf die beiden in ihren Phantasieuniformen und kurzen Röckchen. Sie wurden in dem neuen Stop-Motion-Video zu „Electric Flower“ ganz richtig dargestellt: ein Wesen mit zwei Gesichtern. Nur die neun Arme wurden vergessen, denn nicht nur geben sie dem Rhythmus durch synchrones Spiel mehr Druck, sie nutzen auch die Vorteile ihrer größeren Anzahl von Gliedmaßen: Das Ganze ist mehr als seine Teile. Und warum nicht auch den Dubblebass von Füßen spielen lassen, die nicht weiter oben zusammengewachsen sind?

Da schlackern mir nachher die Ohren. Pausen werden ja keine gemacht. Wer braucht schon Applaus? Das Publikum weiß ohnehin nicht, wie ihm geschehen ist. Auch Ansagen gibt’s keine. Das macht wohl nur, wer es nötig hat, dem Publikum zu gefallen. Und so geht Buzz mitten im letzten Song von der Bühne. Und genauso kommentarlos die anderen. Und Schluss. Wow!

Ein Konzert von Sunn O))) könnte wahnsinnig langweilig sein: Zu sehen gibt es nichts, die – laut Setlist – rund 20 Stücke klingen wie eines und sind eigentlich nur unstrukturierter Lärm, der sich über zwei Stunden kaum verändert. Bis auf die abnorme Lautstärke klingt das einschläfernd. Im Gegenteil aber tritt in keinem Moment Langeweile ein: Zu überwältigend und nuanciert ist der Sound, und zu stimmig ist das Konzept – inklusive Teileinsturz der Halle.

Sunn O))), der bekanntesten Drone Doom-Band, eilt ein großer Ruf voraus. Es ist die am meisten beachtete Band ihres Genres. Und auch auf gig-blog ist sie schon von Tox und bertramprimus gewürdigt worden. Nun ist Drone Doom nicht gerade die Musikrichtung, die Bands den größten musikalischen Spielraum lässt. Tatsächlich ist sie mehr ein Spiel mit dem Sound: Sie ist beschränkt auf einen Halteton, den Bordun, welcher musiktheoretisch nur als Begleitung einer Melodie dient. Diese Melodie aber wird hier weggelassen. Dafür wird der Halteton, mit der runter gestimmten Gitarre oder dem Bass erzeugt, an Lautstärke ins Unermessliche gesteigert, bis die gesamte Wahrnehmung von diesem Dröhnen erfüllt ist. Außer dem Klang selbst wird dabei alles weggelassen, was üblicherweise Musik auszeichnet.

Angesichts dieses Minimalismus davon zu sprechen, dass Sunn O))) – oder irgendeine andere Band des Genres – die Beste sei, halte ich für überzogen, denn woran sollte sich das messen lassen? An der Wahl der Verstärker und Effektgeräte? An der Leistung des Mischers? Insofern bin ich durchaus der Ansicht, dass Sunn O))) überbewertet sind – relativ zu anderen Bands des Genres versteht sich. Dass diese ganze Art von Musik (oder Klang) Geschmackssache ist, ist selbstverständlich. Also, ich mag’s.

Wenn alles außer dem Klang weggelassen wird, ist der Klang alles, das A und O. Und genau als solches wird er hier auch verehrt. Ein Sunn O)))-Konzert hat eine quasi-religiöse Dimension. Und dementsprechend treten die Musiker auch wie die Priester einer Klangreligion auf: Ohnehin schon in übergroßen Mönchsroben gekleidet, erheben die beiden amerikanischen Gitarristen Stephen O‘Malley und Greg Anderson immer wieder die Arme in einer Anbetungsgeste in die Höhe. Gegenstand dieser Verehrung ist das, was aus den zwölf Boxentürmen mit Topteilen heraus wummert, die wie ein elektrisches Soundhenge im Halbkreis um sie errichtet sind. Perfekt ausgedrückt wurde das eigentlich von einer ganz anderen Band: Auf einem Black Shape of Nexus-T-Shirt sehen wir Jesus als Cristo Redentor mit ausgebreiteten Armen vor einem Verstärkerturm stehen. Der Sound ist Gott. Unser Gott ist der Sound.

An diesem Abend hat er drei Phasen: In der ersten, 25 Minuten währenden, beschert uns der australische Synthesizer-Artist Oren Ambarchi erst ein Stück aus verfremdeten, Didgeridoo-artigen Sounds mit gebetartigem, unnatürlich tiefem Murmelgesang, bevor eine Kakophonie aus unterschiedlichen Blasinstrumenten losbricht, die nach und nach durch tiefe Streicher und zupfbare Saiteninstrumente unterschiedlicher Art sowie schließlich Klavier angereichert wird. Das Ganze findet in einem derart dichten Nebel statt, dass ich mir nicht sicher bin, ob überhaupt jemand auf der Bühne steht. Auch später werde ich von Oren nur die Hände sehen, denn alles andere verschwindet unter der Mönchsrobe, welche auch die beiden Gitarristen tragen, die ich schließlich im Nebel erkennen kann.

Sie stimmen die zweite Phase des Konzertes an: Eine einzige Homage an den Sustain, jene wunderbare Eigenschaft, welche erst die Erfindung der E-Gitarre möglich gemacht hat, dass sie nämlich dank Rückkopplung endlos klingen kann, ohne wieder angeschlagen zu werden. Herbert Grönemeyer hat einmal diesen schlimmen Popsong geschrieben:

„Sie mag Musik nur, wenn sie laut ist
Wenn Sie in den Magen fährt“

Bei Sunn O))) hätte sie auf jeden Fall vergessen, dass sie taub ist. Sie sind ausschließlich tieffrequent. Und sie sind so laut, dass man die Musik nicht nur mit dem Magen, sondern selbst mit den Zählen hören kann. Gehörschutz ist da Pflicht. Und deshalb tragen die Musiker unter ihren Mönchsroben auch ganz unprätentiösen Kapselgehörschutz wie die Bauarbeiter. Ich habe ein echtes Faible für den Klang der E-Gitarre. Vielleicht geht mir deshalb bei so etwas derart das Herz auf. Sunn O))) ist gewissermaßen die musikalische Entsprechung zum Abstrakten Expressionismus eines Mark Rothko. Sich mit dieser Kunst und Musik zu befassen, ist eine fast meditative Handlung. Man kann ganz im Klang aufgehen. Mehr macht das Publikum freilich auch nicht. Es steht einfach da. Wie wollte man sich zu einem schwebenden Ton, welcher das Gebäude bis in die Grundfesten erschüttert, auch bewegen?

In der 57. Minute betritt schließlich der Ungar Attila Csihar die Bühne und deutet damit den Beginn der dritten Phase des Konzertes an. Mehr als eine Andeutung ist es aber nicht, denn erst in der 75. Minute fällt der Stupor von ihm ab, und er wendet sich dem Mikrophon zu. Zuvor jedoch erreicht der zweite Teil seinen eindringlichsten Abschnitt, in welchem man befürchten muss, dass das Oropax versagt. Es ist eine ungeheuerliche Wand aus purem Klang, so voll, so dicht, man weiß nicht, wie man’s nennen soll. In diesem Moment scheppern sogar die Bleche der Scheinwerfer an der Decke. Außer dass man das Beben der Kleidung auf dem Leib spürt, bleibt aber alles unbeweglich: im Publikum und auf der Bühne.

Attila, der mit Mayhem noch in einer zweiten Band spielt, die wie Sunn O))) ganz weit oben auf der Liste des Krassesten steht, was Musiker bisher hervorgebracht haben, steuert dann den für ihn typischen vielschichtigen Gesang bei, wobei er zwischen gesprochenen, gesungenen und mal einatmend, mal ausatmend gegrowlten Passagen wechselt oder Black Metal-typisches Keifen von sich gibt. In dieser dritten Phase des Konzertes kommt dann auch die meiste Abwechslung in die Musik. Eine Abwechslung, die zumeist darin besteht, dass Synthesizer und Gitarren um die Vorherrschaft in diesem Gewitter obskurer Sounds streiten, worin die beiden vorherigen Phasen folgerichtig aufgehen.

Und es ist auch hier, in der 113. Minute, dass ich schmerzhaft von einem mittelgroßen Blechteil an der Schulter getroffen werde, dass sich aus seiner Verankerung in der Decke gelöst hat und zu Boden stürzt. Recht zügig leert sich dieser Abschnitt des Saales, da offensichtlich ist, dass demnächst noch mehr der Deckenlampen auseinanderfallen werden. Das Jubez ist also offensichtlich nicht für Sunn O))) gebaut. Anders das Publikum, das nach dem plötzlichen Abreißen der Soundwand in der 124. Minute lauthals nach einer Zugabe schreit. Vergeblich allerdings. Leider! Aber Sunn O))) werden wieder kommen. Dann wieder dabei zu sein, ist unerlässlich.

Schweißnass, jeder. Bestimmt “a Subbrsach” weiß Gott wo, aber eher bedenklich beim Konzert, es sind schließlich hauptsächlich wildfremde Leute anwesend. Da schlägt schnell die Stunde, in der irgendwie alles toller ist, als denen zu nahe zu kommen. Hier im ausverkauften LKA funktioniert das aber nicht. Da kleben einem ständig Haare von blonden Frauen oder Remsecker Headbangern am Arm. Wahlweise auch ihre Arme, ihre Rücken oder dann halt doch gleich ganze Menschen.

Eine patschnasse Frau, umarmt ihren Freund, ihr Make Up ist verlaufen, und sie sieht ein bisschen aus wie das Cover der “Around The Fur”-Platte der Deftones. Ihr Freund fasst sie an den Hüften und zieht sie noch näher an sich heran. Dann küssen sie sich. “Mein lieber Herr Gesangsverein. DAS muss dann wohl Liebe sein”, will ich rufen.

Chino Moreno, Sänger der Deftones ist schneller: “I really wish these snakes were your arms”. Ein Romantiker wird der nicht mehr, so viel ist sicher. Egal. Man weiß gar nicht, wo man sich zu erst bedanken möchte, aber am Donnerstagabend hat Moreno tatsächlich einen guten Tag erwischt. Da steht er auf seinem Podest, rudert mit den Armen, singt erschreckend sicher, schreit und kreischt mit allem Zubehör. Und er lässt sich feiern. Zu Recht. Der Kerl sieht endlich aus wie einer, der mit sich ins Reine kommt.

Das ist gut. Denn in genau diesen Momenten holen die Deftones die Sterne einzeln vom Himmel und hauen jedem aufs Maul, der versucht, sie daran zu hindern. Ist Moreno mies aufgelegt, dann ist sein Gewimmer schier unerträglich. Da bleibt dann nur der Gedanke, wie gut das eigentlich auf Platte klingt. Doch schöne Erinnerungen alleine sind halt eine nutzlose Währung, wenn man das Leben damit bezahlen soll. Die Deftones haben in den vergangenen Jahren viel Kredit verspielt.

“Diamond Eyes”, der Opener – passender geht’s kaum. Kurz mal mit der Faust auf den Tisch schlagen. “Diamonds reign across the Sky” singt Moreno. Den Himmel kann man im LKA leider nur erahnen, ist schließlich ein Dach drauf. Unter dem staut sich jetzt aber schon die Hitze. Scheissdrauf, weiteratmen, weil’s Sinn macht.

“Be Quiet & Drive”, der Pophit von “Around The Fur. “I don’t care where, just far away” – auch das kann ein Reiseziel sein. Trotzdem: Lieber da bleiben, denn das hier wird von Minute zu Minute besser. Auch wenn der Sound dumpf klingt und Moreno so viel Hall auf der Stimme hat, dass er klingt, als würde er in der Stiftskirche singen – die Wucht ist spürbar. “My Own Summer”, ein Kinnhaken. ”Hey you, big star, tell me when it’s over” – Arschlecken, hier ist noch lange nix zu Ende.

Ab und an machen die Kalifornier noch in Sportrock und erinnern an die schlimmen Zeiten, als Trottel in Rockbands, HipHopper sein wollten, obwohl sie schlechter als DJ Bobo rappten. Linkin Park haben eine Karriere daraus gemacht, die Deftones ihren Hals würdevoll aus der Schlinge gezogen – Nu Metal ist tot. Zu Recht. Die Deftones: lebendiger als sie das in den vergangenen Jahren je waren.

Ein Kerl im Limp Bizkit T-Shirt filmt das alles mit dem Handy. Das ist sehr zynisch. Hoffentlich schickt er das Filmchen an Fred Durst und schreibt dazu: “Seggl. So geht das!”

“Beauty School”, ist zum Umarmen schön. “You’ve Seen The Butcher”, ein grobes sperriges Ding. Eines dieser Lieder, zu denen nur Menschen tanzen würden, die wirklich nicht alle Latten am Zaun haben. Doch die ganze Halle wippt im Takt, einige springen, andere halten die Augen geschlossen. Abtauchen. Toll.

Dazwischen zeigt Abe Cunningham, wie das mit dem Schlagzeug geht. Der Mann bringt Steine zum Tanzen. Stephen Carpenters unwirtlich verzerrte Gitarre klingt mittlerweile auch wie eine Walze. “Auuufff gehht’s”, schreit Shavy Eggmann neben mir. Recht hat er. Auf geht’s.

“Sextape”, macht endgültig den Sack zu und auch noch einen Knopf dran. Das ist Liebe, das ist Leidenschaft. “Take me one more time, take me one more wave, take me for one last ride, I’m out of my head”. Verdammtundzugenäht, ist das schön, man möchte Konfetti werfen. “The Sound of Waves Collide”. Konfrontation auf einem ganz anderen Level ist das. Selten machte der Tippfehler “Leid” statt “Lied” mehr Sinn – ein Schützenfest ist das, jeder Schuss ein Treffer.

Da stimmt’s an allen Ecken und Enden. Auch rechts außen auf der Bühne. Da steht Sergio Vega, ein Traum von einem Bassisten, mit einer Baseballmütze, die Leute in seinem Alter normalerweise nicht mehr tragen. Der Mann lenkte schon bei den famosen Quicksand die Lieder, ohne großes Getue. Er macht das einfach.

Es ist trotzdem zum Kotzen. Chi Cheng, eigentlicher Bassist der Deftones, liegt seit November 2008 im Koma. Autounfall. Niemand weiß, ob er je wieder erwachen wird. Und was sein wird, falls er es je tun sollte. Ein Freund auf Stand-by, nur er selbst kann sich wieder anschalten, nicht Gott – gäbe es einen, hätte er es längst getan. Sergio Vega, ein anderer Freund, steht da, um das Loch wenigstens ein bisschen zu erhellen. Er macht das großartig. “Change (in The House of Flies)”, klang selten besser. “Minerva”, “The Earth”, “Feiticeira” oder “Passenger” ebenso.

Das ist Tragik, kein Fingerbreit witzig – und dennoch passt es zur brachialen Hoffnungslosigkeit, die das Quintett aus Sacramento seit Jahren konserviert. Nur halt schlimmer als immer erwartet. Besonders weil die Deftones nie besser waren als an diesem Abend.

Irgendwas ist da passiert. Vielleicht sind da Narben, wo früher Wunden waren. Auch das ist Fortschritt. Oder zumindest ein Schritt in die richtige Richtung.

P.S.: Die Vorgruppe Animals as Leaders – ich geb’s zu: hab nur zwei Lieder mitbekommen. Es war schön, aber Progfusionjazzmetal – das ist nix für alle Tage. Donnerstag war so einer.

Animals As Leaders

Deftones

Selbst zwischen all den Klagen über den zu kalten Sommer dieses Jahres ist der plötzliche, wenn auch nur akustische Wintereinbruch, welchen das LKA am Samstag erlebt, überraschend – zumal für mich, der ich mit dem neurotischen Hauptakt nicht allzu vertraut bin. Doch der Reihe nach.

Den Abend eröffnen die Piemonteser Ufomammut mit einer grob geschrotenen Ladung psychedelisch angehauchten Sludges. Sie spielen ellenlange vielteilige Stücke, deren tragendes Instrument häufig der Bass von Urlo ist. Er gibt der Musik ihren über weite Strecken stark rhythmischen Charakter. Und Vita hämmert jede Note mit seinem langsamen Schlagzeugspiel derart in den Boden, dass man tatsächlich an den Fußfall eines Mammuts denken muss. Entscheidend für den Gesamteindruck ist aber weniger diese drückende Schwere, sondern der Klang, in welchen Sie gekleidet ist: Der Viersaiter ist derart stark verzerrt, dass man den Eindruck gewinnt, sein Sound würde in faustgroße Klumpen zerfallen.

Das wird, wie spätere Diskussionen mit der großen Zahl mir bekannter Konzertbesucher zeigt, vielfach als Problem angesehen. “Zu dumpf, zu matschig”, sei der Bass gewesen. Es ist auch richtig, dass er der Gitarre und den irritierenden psychedelischen Elektroniksounds von Poia wenig klanglichen Raum lässt. Im Gegensatz zu den Alben stampft der Großsäuger live zu undifferenziert über uns hinweg. Selbstverständlich gibt es auch in den Studioaufnahmen Passagen, welche einen solchen Drone-artigen Charakter haben. Man kennt so etwas auch von Bands wie Black Shape of Nexus, die ihren Gitarrensound durch Runterstimmen und den Einsatz von Subwoofern in den Frequenzbereich des Rhythmusinstrumentes Bass bringen, oder von Bunkur, die gleich mit zwei Bässen aber ohne Gitarre auftreten. Auf den Ufomammut-Platten indes bieten Gitarre und Elektronik eben zusätzlich eine ganze Menge Soundtüfteleien, welche die Band so interessant machen und die heute zu kurz kommen. Dabei sieht man Poia während des Konzertes mit mehreren mit umfangreichen Schemata beschrifteten A3 Seiten hantieren, die offenbar eine Art Partitur darstellen. Assoziationen zu Karlheinz Stockhausen liegen nahe.

Klanglich sind Ufomammut also eigentlich Tüftler, selbst wenn sie live mehr auf die wuchtige Sludge-Komponente ihrer Musik vertrauten. Diese Tüftelei erstreckt sich allerdings auch auf die Optik. Wie bei Neurosis später laufen während des gesamten Auftritts auf der Rückwand der Bühne verfremdete Filme und Bildkollagen ab. Man sieht stilisierte nackte Leiber, die sich in Flammen und Lava winden, sodass man an Darstellungen des Jüngesten Gerichts oder mehr noch an Luzifers Schätze denken muss. Später werden bewegte Bildstrukturen wie durch ein Kaleidoskop projiziert. Das Optische liegt bei Ufomammut allerdings auch nahe, denn zwei der Musiker, Poia und Urlo, gehören zu der Künstlergruppe Malleus, welche vom Jugendstil beeinflusste Plakatkunst erschafft und schon wiederholt offizielle Serien für das Roadburn gestaltet hat.

Und dann also Neurosis. Vielleicht ist es ja der schieren Masse selbst nur der guten Plattenveröffentlichungen zu schulden, dass ich der Band bislang kaum Aufmerksamkeit geschenkt habe, obwohl ich irgendwie den Verdacht hatte, dass es sich lohnen könnte. Es ist nicht das erste Mal, dass ich an etwas Gefallen finde, was ich auch schon früher für mich hätte entdecken können. Ich hoffe mal, das geht nicht nur mir so. Einigen der Die hard-Fans in meiner Begleitung war es jedenfalls völlig unverständlich, wieso ich noch nicht mal ein Konzert von der Band gesehen habe, schließlich haben sie ja auf dem Roadburn gespielt. Und selbst da habe ich sie missachtet und mir zeitgleich etwas anderes angesehen. „Das ist jetzt mein achtes Neurosis-Konzert.“ – „Ich hab‘ die schon 13 Mal gesehen.“ –„Ich werd‘ nie vergessen, wie ich sie das erste Mal sah. Ich bin gespannt, was Du nachher sagst“, heißt es da. „Und?“ Also, schau’n wir mal:

Nach einer umfangreichen Umbaupause kommt Keyboarder Noah Landis auf die noch dunkle Bühne, stellt sich vorne an den Rand und reißt einfach beide Arme hoch, womit er scheinbar den Power-Schalter des Publikums getroffen hat, denn lauter Jubel ist die sofortige Reaktion. Das erste Stück beginnt er daraufhin mit elektronischen Störgeräuschen in der Art aufeinander reibender Glasscherben. Nachdem sich das vielleicht zwanzig, dreißig Sekunden hingezogen hat, gibt Jason Roeder am Schlagzeug den Einsatz und Dave Edwardson greift in seine vier, Scott Kelly sowie Steve von Till in ihre jeweils sechs Saiten. Die beiden Gitarristen brüllen zugleich „Rise“, das erste Wort der Lyrics. Doch was sich dort erhebt, ist weniger der „Locust Star“, so der Titel des Stücks, sondern eine Art apokalyptische Kaltfront, die einem durch und durch geht. Noah hämmert mit seinen Fäusten auf digitale Schlagzeug-Pads, welche er oben an seinem Keyboard-Ständer angebracht hat; die Gitarren klingen kalt und scharf wie ein Schneesturm, sind aber dennoch dicht und dräuend; die Texte aber werden aus vollem Leibe geschrien und klingen gleich nach Vereinzelung, Verheerung und Verzweiflung.

Das sind auch die Themen, um welche sie sich drehen und mit denen wir uns das Konzert über konfrontiert sehen. Neurosis sind so eine Art musikalisches Äquivalent zu Cormac McCarthy. Was dort die einfache Sprache ist, ist hier der Sound. Die emotionale Wertigkeit ist dieselbe. Man sieht vor dem geistigen Auge denselben bleigrauen Himmel und dieselbe tote, äscherne Winterlandschaft, welche die Lektüre von „The Road“ (2007) hervorgerufen hat. Landschaftsbeschreibungen in den Lyrics sind ganz ähnlich:

The land here absorbs light
Inverting false hopes to night
(aus: At the End of the Road)

Dabei liefern Neurosis mit ihrem festen nicht-musikalischen Bandmitglied Josh Graham gleich eigene Bilder mit, die während des gesamten Sets auf die Band und den Hintergrund projiziert werden. Es sind Bilder vom Vogelflug, oder Bildstörungen, die an ein Ultraschallbild erinnern, oder Feuerkaskaden und ausbrechende Vulkane, weit aufgerissene Augenpaare oder Skelette und Hirschgeweihe, die sich aus dichtem Rausch schälen, während sich die Riffs aufbauen, wie Gewitterwolken. Man sieht Nonnen und Jesus. Und später, als ich die erste Reihe verlasse, um mir das Ganze mal von hinten anzusehen, wo man einfach mehr von den Bildern mitbekommt, wird nochmal deutlicher, wie sehr diese auf die Musik abgestimmt sind. Da ist zum Beispiel eine Stelle in „Through Silver in Blood“, an welcher Jason einzelne Trommelschläge über einer von Noah generierten Fläche aus elektronischem Rauschen spielt. Dazu synchron sehen wir oben Blitze aus Gewitterwolken schlagen. Und als dann die ganze Wucht der Band zu den letzten beiden Songzeilen wieder einsetzt, sieht man passgenau den Feuerball einer riesigen Explosion aufsteigen.

Der Auftritt von Neurosis ist mit etwa anderthalb Stunden nicht besonders lang, aber er beansprucht den Zuschauer gehörig. Dazu bräuchte es die Bilderflut gar nicht – doch sie trägt ihren Teil dazu bei. Weitgehend im Dunkeln stehend und von wenig mehr als dem Beamer in ein gerastertes Licht getaucht, breiten sie ihre musikalische Meteorologie aus vom Eisregen bis zum Blizzard: Ob Steve während der ausgedehnten Drone-Passagen in „At the End of the Road“ die Gitarre durch Schwenken oder Draufschlagen zum Klingen bringt oder gegen seinen Verstärkerturm stemmt, ob Post-Hardcore-Riffs im down oder mid tempo-Bereich auf uns einprasseln oder ob Noah ganz atmosphärische Dark Ambient-artigen Klanglandschaften aus dem Synthesizer, Rauschen, elektronischen Störgeräuschen und Samples von kreischenden Metallteilen und Ähnlichem erbaut, wie man sie bei Peter Anderssons Raison d’être und Konsorten findet, ob die Vocals mal mit rauher Stimme geflüstert oder geschrien werden, die Eiseskälte zieht einem immer bis in die Knochen.

„Und?“ – Ich würde sagen, der Auftritt hat einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen – und das scheint auch bei den anderen so gewesen zu sein, egal, ob sie „jedes Mal wieder beeindruckt“ waren oder in Stuttgart „die drittbeste [von 14] Neurosis-Shows“ gesehen haben. Die Band ist vielleicht nicht die einzige, aber eine mögliche Wahl für einen Soundtrack zur Apokalypse. Und während die zwei neuen Stücke „At the well“ und „Killing Elk“ den Langzeit-Fans eine Perspektive für ein elftes Studioalbum geben, kann ich mich erst Mal damit beschäftigen, den Back-Katalog zu entdecken. Das wird sicherlich helfen, kühlen Kopf zu bewahren, falls der Sommer doch noch richtig heiß werden sollte.