ACHTUNG, ACHTUNG: Scream sind zurück! Bitte mal alle fest anschnallen: Anarcho-Schockwellen türmen sich auf, am Horizont der totglobalisierten Welt, brennt ein Inferno aus markerschütterndem Hardcore Punk! Die Absurdität der ganzen gottverdammten Anpassung wird einem Generalangriff unterzogen. So wie das einst bei der Entstehung vom Punk-Rock war, als The Clash und die Sex Pistols die Welt revolutionierten, oder dieses zumindest versuchten.

Nein, Punk hat die Menschheit nicht von der Anbetung des Mammon befreit. Aber die großen alten Punk-Rocker von Scream (berühmt geworden durch das Independent Label Dischord Records) wollen das nicht hinnehmen und versuchen es einfach weiter, versuchen es wieder und das nach fast 20 Jahren. Die neue Scheibe (nur auf Vinyl erhältlich) Complete Control Sessions war nach der unerwarteten Reunion eine erfreuliche Überraschung. Mit dem differenzierten, teils ganz neuen und doch brachial punkigen Sound überzeugt die Scheibe und begeistert die Fans. Die alten Platten sind im Zuge der Neuveröffentlichung praktisch ausverkauft. Das nenne ich eine Wiederauferstehung!

Nun gehen die Brüder Pete (Vocals) und Franz (Lead-Guitar) Stahl mit Bassist Skeeter Thompson und Drummer Kent Stax (also in der Gründungsformation) auf große Europa-Tournee. Heute machen sie in Stuttgart im Schocken Station. Mit an Bord, ein Neuer: Gitarren Virtuose Clint Walsh (der den zeitweiligen Gittaristen Robert Lee Davidson ersetzt).

Manche Fans werden Dave Grohl von den Foo Fighters vermissen. Grohl war bei Scream am Schlagzeug (als sich Stax eine Auszeit nahm) und hatte die Band stark beeinflusst. Aber ein bisschen scheint sein Geist Scream weiter zu begleiten, das neue Album wurde in seinem Studio 606 aufgenommen. Irgendwie scheint die Band mit der Vergangenheit ihren Frieden gemacht zu haben.

Und wenn eine Band ihrem Namen alle Ehre macht, dann Scream. So schreit sich Pete gleich zu Beginn die Seele aus dem Leib und ist nach zwei Songs schweißgebadet. Die Geräuschlawine aus verzerrten Gitarren und ohrenbetäubendem Schlagzeug-Gedonner zieht einen in ihren Bann. Bei Scream wird Anarchie musikalisch durch-dekliniert. „Keep the spirit up!“ wird ins Publikum gegrölt und die Menge antwortet mit kollektivem Head-Banging. Pete geht dabei ganz direkt auf die Leute zu, springt von der Bühne, schreit einem ins Gesicht und treibt mit rudernden Armbewegungen die Menge näher an die Bühne. Entkommen? Zu spät! Aus der Erfahrung nicht!

This side up! (vom zweiten, gleichnamigen Album der Band) gibt einem das Gefühl, dass das Schocken gleich abhebt, weil für all die extremen Emotionen einfach nicht genug Raum zu sein scheint. Pete verbiegt seinen Leib, seine Halsschlagadern pochen. Sich festklammernd am Gerüstbalken, hört er nicht auf himmelwärts zu schreien: What can we do? Begleitet von Gitarrensoli der Verzweiflung. Neue Nummern wie Stopwatch gehen durch Mark und Bein. No Money – Feel like that lässt die Band mit den Fans verschmelzen.

Zwischen Wut und Hass kommt immer wieder ein trauriges Wehklagen zum tragen. Reggae und Blues schimmern da deutlich hervor. Besonders bei dem Song für den am gestrigen Tage verstorbenen Don Cornelius (einer US-Musiklegende, die vielen farbigen Musikern zum Durchbruch verhalf). Cornelius hat den Freitod gewählt. Scream verbeugt sich mit einem Song. Pete: “For the guy who is now somewhere out there.” Punk ist halt immer auch hart am Tod gebaut.

Da wird dann Hardcore plötzlich zur tiefschürfenden Suche nach dem Sinn des Seins. Gerade weil so einfach brutal und gnadenlos laut. Scream schreit einem die Ursuche nach dem eigenen Weg, dem Streben nach einem besseren Sein, jenseits der vorgezeichneten Bahnen, erbarmungslos grausam ins Bewusstsein zurück. Die Vergänglichkeit und Sinnlosigkeit eines marktkonform herunter gelebten Lebens, wird da mit Akkord-Trommelfeuern offen gelegt. Was bleibt, ist der Kampf dagegen. Was bleibt, ist der nie enden wollende Schrei.

Hinterher bleiben mehr Fragen als Antworten: Meint er das ernst? Wenn nicht, wieso macht er das dann schon so lange? Wenn doch, was will er uns damit sagen? Egal, unterhaltsam ist das allemal, was der, und das glaube ich nun sicher sagen zu können, wahnsinnige Andreas Dorau mit der quäkenden Mickey-Mouse-Stimme und seine beiden nicht minder, aber anders verballerten Musiker Matthias Strzoda (Schlagzeug und, äh, Gesang?) und Tim Lorenz (Laptops und, äh, Gesang) da am Samstagabend produzieren.

Inkonsequent, so auch der Titel des ersten Songs, sind sie jedenfalls nicht: Hart an der zu ertragenden Schiefheits- und Lautstärkegrenze intonieren Dorau und Co. äußerst konsequent und mit viel Körpereinsatz viele neue Hits vom aktuellen Album Todesmelodien, aber zum Beispiel auch die pralle Eurodance-Nummer Girls in Love von anno dazumal.

Vielleicht ist das das Dorau-Rezept: Er orientiert sich immer an den aktuellen Poptrends, so gab’s in den 80er den New Wave-Hit Fred vom Jupiter, in den 90ern die Girls in Love, und jetzt clevere, zeitgemäße Elektro-Beats. Diese Trends reproduziert er aber nicht einfach, sondern dreht sie durch seine sektgetränken Synthies und textet dazu Strophen und Refrains, bei denen man sich fragt (wieder eine ungeklärte Frage), ob die jetzt entweder total profan oder doch verschmitzt philosophisch sein sollen.

Zum Beispiel die witzige Shuffle-Nummer Stimmen in der Nacht, hier der komplette Text, der dann endlos wiederholt wird:

Ein halbdunkles Zimmer, braunes Gebälk,
an der Wand die Tapete, die dir so gefällt.
Die Lichter der Straße stolpern herein
Ich hör deine Stimme, das kann doch nicht sein.
Stimmen in der Nacht, ich bin aufgewacht
Stimmen in der Nacht, haben mir was mitgebracht

„Der Sänger ist nicht alles“, erklärt er zwischendurch mal seinem Schlagzeuger. Da könnte man denken, dass er sich selber nicht so ganz ernst nimmt, aber in der Vehemenz, mit der er seine Texte schmettert und die Bühne im Griff hat, erkennt man eher große Ernsthaftigkeit und Überzeugung als spaßigen Ulk. Das spiegelt sich bei ihrer scheinbaren Profanität auch in den Texten wieder, Todesmelodien heißt das Album ja auch nicht umsonst. Irre übrigens, dass diese Stimme auch live tatsächlich so klingt wie auf Platte, der singt einfach so wie ein zehnjähriger Junge und sieht auch ein bisschen so aus, zumindest sehr jung für seine 48 Jahre.

Probiertipp: Nach den schweißtreibenden Performances, etwa vom Opener Größenwahn vom aktuellen Album, erfrischt sich Dorau mit einer durchaus inspirierende Getränkeauswahl, Sekt aus dem Weizenglas mit Eiswürfeln, dazu ab und an einen Underberg. Kann man mal ausprobieren. Das prima kuratierte Pop Freaks Festival im Merlin erlebt jedenfalls hier seinen Freak-Peak, verschrobener wird’s nicht mehr.

Zurück zu den ganzen Anfangsfragen: Was das alles bedeuten soll? Immer noch keine rechte Ahnung, aber das ist so eigen, dass das ziemlich Kunst ist. Und bevor man anfängt zu arg zu grübeln, kann man zu Dorau auch prima wippen, einen Underberg stürzen und an nichts denken.

Wenn Dich von den Wänden Deiner Stadt eine schöne Frau mit kaputtem Brillenglas  traurig-melancholisch-entfernt anschaut, macht man sich als Hornbrillenträger einfach Sorgen und muss der Sache auf den Grund gehen. Als mir auf dem Schulhof der Rohracker Grundschule bei einem gewagten Experiment, für welches ein Skateboard eine richtig schiefe Ebene und ein gleichaltriger waghalsiger Mitschüler nötig waren, mal so richtig die Sehhilfe zu Bruch ging, habe ich folgendes gelernt: Beton ist ganz schön hart, ein Skateboard mit zwei Jungs fährt richtig schnell, die Zeit heilt alle Wunden und durch so eine Splitterbrille sieht die Welt ganz interessant aus. Was ist wohl ASA passiert? Denn diese Dame schaute mich von ihren Konzertplakaten durch ein halbdemoliertes Nasenfahrrad an. Was hat sie wohl gelernt? Werden wir heute Abend davon hören?

Bilderzauberer Andi hat den digitalen Film eingelegt, mein Bleistift ist spitz, der gelbe Blitz hatte keinen Kolbenfresser, es kann also losgehen. Als Vorgruppe spielt Y’akoto aus Hamburg. Vier Jungs umspielen gekonnt ihre singende Frontfrau im lustigen kleinen gelben Lampenschirmkleidchen, die beim Publikum gleich von Anfang an punktet, weil sie den Herrn an der Lichtregie charmant bittet, das Saallicht etwas aufzudrehen, da sie uns sehen möchte. Sie singt irgendwo zwischen Skye Edwards und Macy Gray und die starke halbe Stunde macht Lust auf mehr. Im März kommt das Album.

Als nach einer Viertelstunde dann Asa die Bühne betritt, bin ich natürlich erst mal erfreut, dass die Brille wieder ganz ist und sie ein Malcom X-Gestell mit unzerbrochenen Gläsern auf der Nase hat. Dann wird’s überraschend. Beim Vorhören hatte ich manchmal ein bisschen befürchtet, dass das Konzert eine glatte Neosoulangelegenheit mit afrikanischen Klangtupfern für Gepakaffeetrinker und Gesinnungsleinentaschenträgerinnen werden könnte. Mit geschlossenen Augen wähnt man sich jedoch eher bei Melissa Etheridge oder einer anderen klanglich verwandten Rockröhre. Die beiden Gitarristen legen ordentlich los und wissen sogar, dass man beim saitenquälenden Zwischensolo immer in die Knie zu gehen hat. Der Schlagzeuger haut ganz ordentlich auf seine furztrocken aufgezogenen Fell und treibt das Ganze gewaltig voran. Das Publikum ist aus dem Häuschen und Asa kann den Hit „Why can’t we“ vom neuen Album, den schon ziemlich viele kennen, früh und schnell verfeuern, denn die Chefin hat den Laden hier und heute im Griff. Was wir dann zu hören bekommen, ist eine Musikmischung, wenn mir das jemand vorhergesagt hätte, wäre ich überzeugt gewesen, dass das nie funktionieren kann. Reggaeelemente, Afrorock, eine Ballade in Youruba und fiese Diskokeyboardklänge fusioniert die Dame im Ballettrock zu einem sehr fröhlichen Abend. Als sie die Bühne zwischendurch den Herren der Band überlässt und die sich in ganz gewagte Pink Floydartige Gitarrenduelle versteigen, ist das immer noch gut. Asa kommt mit einer Babytrompete zurück, steigt mit ein und der Mischer legt noch mehr Hall drauf, als bei Jan Gabarek in der Tübinger Stiftskirche. Ich sag’s verwundert: Das hat funktioniert und Spaß gemacht.

Ganz klar ist, dass es heute heftiger zugehen soll, als auf der Platte. Die ist ausschließlich für daheim und den Sessel. Life und in Farbe wird gerockt, dass es kracht. Wenn es mal ruhiger zugeht klingt Asas Stimme brüchig wie Billie Holiday, was mir bei den ruhigeren und melancholischen Momenten sehr gut gefällt. Mir fällt keine andere Sängerin ein, der ich so schnell verziehen habe, dass sie auf der Bühne die Schuhe auszog und wie ein bekiffter Waldorfschüler ihre Liedtexte tanzte. Irgendwann verschwindet sie hinter der Bühne, kommt mit Fußglöckchen zurück und führt einen Ausdrucksstampftanz auf bei dem Joaquin Cortes und Michael Flatley neidisch werden könnten. Bei der zweiten Zugabe hat es Asa dann geschafft, dass der komplette Saal steht und sie lautstark beim improvisierten Kuss-Song unterstützt. Dazu und zur gewagten Musikmischung kann man der charismatischen großen kleinen Dame aus Nigeria nur gratulieren. Ich hab noch nie gehört, wie jemand so gekonnt Musiken gemischt hat und auf so schmalem Kitschgrat wanderte, ohne abzustürzen oder dass jemand mit schmerzverzerrter Miene „Crossover-Alarm“ geschrien hätte. Chapeau! (Ob’s wohl an der neuen Hornbrille lag…?)

Dominique Dillon de Byington staunt. Mit charmanter, mädchenhafter Schüchternheit steht sie im Halbdunkel der Bühne und staunt mit großen Kulleraugen in die Runde. Vermutlich wundert sie sich. Wie kann es sein, dass derart viele Menschen sie sehen wollen, an diesem nasskalten Dezemberabend im komplett ausverkauften Rocker 33? Genau wie die Tage davor in Frankfurt, Köln, Hamburg.

Haben alle ihr hochgelobtes Debütalbum “This Silence Kills” im Schrank? Liegt es daran, dass alle erleben wollen, wie ein kommender Star zum letzten Mal in kleinen Clubs spielt? Jetzt, wo sich die Musikkritiker angesichts ihres Albums darin überbieten, sie mit berühmten und noch berühmteren Kolleginnen zu vergleichen, wo die Versuche, ihre Musik zu kategorisieren, zu erstaunlichen Wortschöpfungen wie “Indie-Operette” führen?

Oder liegt es nur daran, dass alle ein letztes Mal einem der besten Stuttgarter Clubs ihre Aufwartung machen wollen, bevor er dank Stuttgart 21 geschlossen wird. Da wäre ein düster-melancholisches Konzert doch die ideale Einstimmung auf den kommenden Abriss.

Bereits um Dreiviertelacht ist die Eingangshalle jedenfalls rammelvoll. Im gnadenlosen Neonlicht kann man das Publikum studieren: relativ jung ist es, schick, urban, hohe Hornbrillen-Dichte. Es dauert geschlagene eineinhalb Stunden, bis die Rocker-Crew den Andrang bewältigt und viele nach Hause geschickt hat. Und als dann auch die Konzertbeobachter der großen Stuttgarter Tageszeitungen eingelassen sind, kann der Abend beginnen.

Ganz unprätentiös beginnt das Konzert. Ein wenig Nebel, ganz wenig blaues Licht und eine Bühne, die in der Mitte leer ist. Am rechten Rand steht Dillon mit Ihrem Piano, am linken ihr musikalischer Begleiter mit zwei MacBooks und weiterem elektronischen Equipment. Mit wummernden Elektrobeats wird eröffnet, zwei Titel später kommt leise Begeisterung im Publikum auf, als sie ihren Hit “Thirteen Thirtyfive” anstimmt. Aber auch bei diesem Konzert gehen große Teile der musikalischen Darbietung im lautstarken Getratsche derer unter, denen es zwar wichtig war, bei diesem Hipster-Event dabei zu sein, sich aber herzlich wenig für die Musik interessieren.

Und diese Musik ist, mit Verlaub, lange nicht so einzigartig, wie uns die Lobhudeleien glauben machen wollen. Das ist bestenfalls eine zeitgemäße Mischung aus Triphop, ein wenig zuviel Elektronik und zugegebenermaßen griffigen Melodien. Nichts jedenfalls, was den Hype um diese Musikerin erklären könnte. Es ist Dillons Gesang, die Stimme, die zwischen Kleinmädchen-Gesang und großer Geste changiert, das kaum wahrnehmbare, aber sehr sympathische Lispeln. Nur leider kann sich an diesem Abend nicht der Zauber entfalten, den dies auf der Platte hat. Und das liegt nicht nur an den Labertaschen, die jegliche Atmosphäre totquatschen sondern auch an den allzu lauten und irgendwie deplatzierten Elektronik-Effekten. Die Leere auf der Bühne findet sich auch in der Musik wieder, Dillon und ihr Piano und die Loops und Samples vom linken Bühnenrand finden einfach nicht zusammen.

Höhepunkt des Konzerts ist “Tip Tapping”. Dillon wagt sich ins Scheinwerferlicht am Bühnenrand und animiert die “Ladies und Gentlemen” zum Singen des Refrains, während sie die Melodie darüber singt.

Manche halten es dann auch für einen schlechten Scherz, als Dillon nach einer knappen Dreiviertelstunde erklärt, dass dies nun alles gewesen sei, sie nun von der Bühne gehen und diese wieder betreten könne und stattdessen nun gleich die Zugabe spiele. Drei Songs später ist auch diese vorbei und das kürzeste Konzert des Jahres endet so plötzlich wie es begonnen hat. Das ist frech. Die bis hierhin lautstark labernden Gäste im hinteren Teil des Saals vermissen die Geräuschkulisse, haben den kleinen Scherz wohl verpasst, und verlangen nach einer Zugabe. Zu spät.

Ich stelle mir vor, wie dieses Konzert wohl gewesen wäre, wenn es ohne all den Szene-Stress nur mit Dillon und ihrem Piano im kleinen, persönlichen Rahmen, z.B. im Café Galao, stattgefunden hätte. Ich glaube, es wäre zum Heulen schön gewesen. Und vielleicht irgendwann, wenn sich die ganze Aufregung wieder gelegt hat, wird es ein solches Konzert auch wirklich mal geben. Ich freu mich drauf.

Bei Kvelertak kann man sich auch mal anbrüllen. Bei William Fitzsimmons wird nicht geredet. Und nicht genießt. (Nicht mit genossen oder gar Genossen verwechseln). Meine Konzertnachbarn blicken das nicht. Die reden. Waren wohl noch nie bei Fitzsimmons. Ich zwar auch nicht, mag aber seine Musik. Auch das aktuelle Album „Gold In The Shadow“. Außerdem: Blinde Eltern – studierter Psychotherapeut – Multiinstrumentalist – noch nicht lang von seiner Frau geschieden. Paar Fakten schaden nie. Der Bart sitzt.

Das LKA ist nicht zum Bersten gefüllt, etwa 700 Besucher sind hier. Warm ist es trotzdem. Männer halten ihre Frauen-, Männer Ihre Männer- und Frauen ihre Frauen im Arm, während Fitzsimmons mit rotem Holzfällerhemd, langem Bart und Brille die Bühne betritt. Präsent ist er. Als die ersten Töne seiner Gitarre durchs LKA klingen, kann man die Gänsehautwellen spüren. Alle sind still. Bis auf meine Nachbarn. Er sei heute hier, um Musik zu machen, sagt Fitzsimmons. Und das macht er. Sein „The Tide Pulls from her Moon“ scheint magisch. Sogar mit redenden Nachbarn und geschwollenen Füßen. In der Schweiz hat ein Konzertbesucher einem Bandmitglied ‘nen Hut ins Gesicht geworfen. Kann nicht verstehen, warum. Der Bart sitzt.

In seinen Songs geht es um den Verlust von geliebten Menschen. Die Scheidung seiner Eltern und seine eigene wird thematisiert. Harter Tobak, der von Fitzsimmons glücklicherweise immer wieder aufgelockert wird, sogar auf Deutsch. Er sagt „vielen Dank“, „Prost“ und „ein William Fitzsimmons- Lied kann tödlich sein“. Vielen Dank. Das wäre sonst alles viel zu „fucking depressing“. Je leiser er spielt, desto leiser ist das Publikum. Bis auf meine Nachbarn. Einer pfeift. Der Bart sitzt.

Die Bandmitglieder sind auch alle Multiinstrumentalisten. Mindestens zwei beherrscht jeder. Sei es auch nur das „big and small piano“. Trotzdem sauber. Sie begleiten Fitzsimmons bei den meisten Liedern und erzeugen einen schönen Sound. Getanzt und gesprungen wird hier zwar nicht, aber wenn dann mal ein nicht vollkommen depressiver Song wie „The Winter from her Leaving“ gespielt wird, lassen die Techniker sogar die Bühnenbeleuchtung aufblitzen. Der Bart sitzt.

In der Psychiatrie, in der er arbeitete, sei es „awesome“ gewesen. Vielleicht fast so awesome wie dieses Konzert. Man muss sich einlassen auf ihn und seine Songs. Sonst wird es langweilig und ermüdend. „Beautiful Girl“ und „Ever Could“ folgen. Bei einem der letzten Songs stellt sich die Band im Halbkreis auf und begleitet Fitzsimmons beim Refrain. Nur mit Gitarre und Banjo. Ganz großes Kino. Der Bart sitzt.

„Pretty fucking sad“ seien seine Songs, sagt Fitzsimmons. Das sind sie. Aber eben auch wunderschön. Let’s get sad again.

I have sailed the World, beheld its wonders,
From the Dardanelles,
To the mountains of Peru,
But there´s no place like London!
(Sweeney Todd)

Es ist Freitagabend. Ein süßlicher, verruchter Duft liegt über der Camden High Street und dringt durch die Eiseskälte in unsere Nasen. Wir sind nicht in einem der Nobel-Viertels in London. Nein, wir befinden uns in Camden. Hier herrscht der Rock´n Roll. An allen Ecken sieht man junge und alternde Punks, Jungs in engen, zerrissenen Jeans mit verschmiertem Make-up und auftoupierten Haaren; Mädchen, die weniger Stoff an sich haben als die Queen an ihren Händen. Sie wäre sicherlich „not amused“. Hier stört das Niemanden. Man freut sich gemeinsam mit Bier, Weed und schmutzigen Witzen auf ein tolles Konzert.

Wednesday 13, der schon Anfang des Jahres mit Joey Jordison und den Murderdolls London unsicher gemacht hat, lädt zum Abschluss seiner „Something wicked this way comes“ UK-Tour in den berühmt berüchtigten Electric Ballroom ein. Mit im Gepäck hat er niemand geringeren, als die finnische Sleaze und Glam-Ikone Michael Monroe. Bekannt als Frontmann Hanoi Rocks´, begibt dieser sich nun nach deren Auflösung solo auf die Jagd. Mütter schließt eure Töchter ein, die Teufel sind in der Stadt.

Überpünktlich betreten Crashdiet aus Schweden die komplett in Nebel getauchte Bühne, um die beinahe erfrorene Masse im ausverkauften Ballroom auf Temperatur zu bringen. Mit ihrem neuen Sänger Simon Cruz, der den leider schon jungen tragisch verstorbenen Dave Lepard ersetzt, starten sie ihr Set mit dem Adept-Cover „Riot in Everyone“. Sowohl musikalisch als auch optisch passen sie perfekt in das heutige Line-up und erhalten verdienter Maßen auch eine überaus positive Resonanz. Schmutzige Punk-Riffs treffen hier auf den typisch schwedisch melodie-lastigen Metal-Sound, der es mit KISS in einem Hinterhof treibt.
Nur 30 Minuten dürfen die Skandinavier die Menge bearbeiten, nutzen diese aber mehr als genug um mit Songs wie „Generation Wild“ oder „Breaking the Chainz“ die sehr an Faster Pussycat und Mötley Crüe erinnern, sicherlich mehr als nur einen neuen Fan heute Abend für sich zu gewinnen. Ja, Glam-Rock ist wieder am kommen. Ass tight!

Hat man nun in Deutschland die Gelegenheit sich in der Umbaupause ein Bier zu holen, so arbeitet man hier in London wohl etwas schneller. Binnen 10 Minuten wurde das eine Set ab – und das nächste aufgebaut. Kein Bier. Sehnsüchtig wird Michael Monroe erwartet. In der Menge tauchen mehr und mehr blond auftoupierte Jungen und Mädchen auf, man kann im abgedunkelten Licht nicht mehr erkennen, wer nun welchem Geschlecht angehört. Die 80er lassen grüssen.

Pünktlich wie die morgendliche Wachablösung am Buckingham Palace gehen die Lichter wieder aus. Mr Monroe betritt die Bühne. Mehr Kajal und Haarspray hat sicherlich auch Nikki Sixx in seiner Blütezeit nicht auflegen können. Das wird was Großes!
Los legen die Finnen mit ihrem Opener „Trick of the Wrist“. Die Menge ist nicht mehr zu halten und so lässt es sich Monroe auch nicht nehmen, ein ordentliches Bad darin zu nehmen und lässt jeden in der ersten Reihe mal ins Mikro grölen. Zwischendurch greift er immer wieder zum Saxophon, sehr abwechslungsreich und unterhaltsam das Ganze. Mehr und mehr kristallisiert sich für mich heraus, Monroe ist das Musterbeispiel eines Frontmanns. Keine Sekunde verliert er die Aufmerksamkeit des Publikums. Natürlich lässt er sich mehr feiern als eigentlich nötig, aber bei so einer Show ist das ja auch mit inbegriffen. Jetzt spielt er auch noch Mundharmonika! „Modern Day Miracle“, “Nothin´s allright”, “Back to Mystery City”, die Fans kennen alles, sie lieben es. Mittlerweile stellt sich mir die Frage ob nicht doch mehr Leute Monroes’ wegen hier sind. Ein wirklich total sympathischer, authentischer Kerl, der sich auf der Bühne für nichts zu schade ist, was auch für den Rest der Band gilt.
Als die letzten Töne von “Malibu Beach Nightmare” verklingen, fordert die Menge lautstark nach mehr. Die Roadies sind bereits am abbauen, da betritt die Band nochmals, mit Sicherheit spontan, da schon 3 Becken am Schlagzeug fehlen, die Bühne, um die Gier mit ihrem Hit „ Dead, Jail or Rock´n Roll“ zu stillen. Danach ist dann wirklich Schluss. Man kann jetzt schon sagen, das wird schwer für Wednesday 13, diesen Auftritt noch zu toppen.

Es wird Zeit für die Gruselstunde. Solange darf Wednesday 13 auf der Bühne sein Unwesen treiben und über seine liebsten Horrorfilme und Kindheits-Erinnerungen zu singen.

Es braucht nicht viel, um die Stimmung weiter aufzuheizen. Man sollte einfach sein Gehirn an der Garderobe abgeben, nicht allzu hohe Ansprüche an Text und Songstruktur stellen und schon kann es losgehen. Die Lichter erlöschen und das Intro „Blood Fades to Black“ vom neuen Album „ Calling all Corpses“ erklingt. Bereits als die Band die Bühne betritt, stellt man fest, dass Wednesday das trashige redneck Auftreten abgelegt hat. Zerissene Hosen und Shirts mit Zombie-Aufdrucken, oder sogar kitschige Oma-Kleidchen zu Zeiten seiner Jugendband, den „Frankenstein Drag Queens from Planet 13“, mussten sauberen schwarzen Jeans und Hemden weichen. Man wird eben doch irgendwann erwachsen. Nichtsdestotrotz rocken die 5 Ghouls aus Kalifornien mit dem Album gleichen Songtitel „Calling all Corpses“ nach vorne. Camden tanzt. Bei „ I walked with a Zombie“ besingt Wednesday 13 eine untote Geliebte, das Publikum tut es ihm im Refrain gleich. Das ist simpel, eingängig und macht trotzdem jede Menge Spaß. So zieht es sich auch immer weiter durch das gesamte Set. Auch Wednesday möchte immer wieder vom Publikum beklatscht und bejubelt werden, so impulsiv wie bei Michael Monroe fällt dies allerdings nicht aus. Es fällt auch auf, dass nur Wednesday auf der Bühne in Bewegung ist. Der Rest der Band spielt das Set eher emotionslos herunter.

Es wird einen Gang härter. Mit „Scream Baby Scream“ des „Skeleton“ Albums wagt man sich nun eher in den Metal-Bereich vor, was vom Publikum sehr wohlwollend aufgenommen wird, immer wieder unter den Anfeuerungen Wednesdays. Dieser wechselt alle 2 Lieder immer mal wieder das Outfit, mal mit Cowboy Hut oder Schirmmütze. Mit der Homage „ I wanna be cremated“ an den Ramones-Klassiker „ I wanna be sedated“ feiert Wednesday einen weiteren Mitgröhl-Song mit dem begeisterten Publikum, welches wohl innerhalb der letzten 2 Monate das komplette neue Album auswendig gelernt haben muss. „Happily ever Cadaver“, „Rambo“, „Till Death do us Party“, all die eingängigen Ohrwurm-Hits, die ein Wednesday 13 Konzert braucht, die ein Wednesday 13 Konzert ausmachen, werden dem Publikum serviert. Oft sind es die einfachen, unkomplizierten Dinge, um Menschen zu begeistern. Egal wohin man im Ballroom blickt, man sieht Freunde zusammen lachen, man singt jeden Song Arm in Arm mit. Da stört es auch nicht, dass Wednesday das Konzert nicht mit dem von allen Seiten lauthals verlangten „I love to say Fuck“ abrundet, sondern mit der neuen, gleichwertigen Rausschmeisser-Hymne „Something wicked this way comes“.

Um Punkt 21.45 gehen die Lichter im Electric Ballroom wieder an. Recht ungewohnt, aber andere Länder, andere Sitten. Nur eines bleibt das gleiche, der Spaß den man zusammen auch an den einfachen, unkomplizierten Dingen haben kann. Seien es auch nur Songs mit 3 Akkorden. Und nun wieder hinaus in die kalte, sündige Nacht Camdens.

Wir müssen gefährlich sein!

Crashdiet

Michael Monroe

Wednesday 13

Ausnahmeweise rollen wir das Feld mal von hinten auf, auch weil ich die Vorband Gross Magic wegen *setzehierausredeein* leider verpasst hab, deshalb hier zu Anfang direkt Stimmen von nach dem Konzert. Da sagen manche: Echt, es war so fett, so ichmussnocheinerauchengut, alle haben voll hingerissen gewippt, manche sind total abgegangen, des hat sich so übel gelohnt, Metronomy ist das neue Schwarz, ich trage das ab heute immer. Andere: Na toll, so ein typisches Hype-Ding, Stunde vor Konzertbeginn da gewesen, noch ’ne Karte auf dem Schwarzmarkt bekommen, weil seit Tagen ausverkauft, rein, zwei Stündchen irgendwie halbgare Performance, gelangweilt, böh.

Und diese Zweiteilung in der Publikumsmeinung ist durchaus nachvollziehbar, denn:

Begeisterte Zuschauer freuen sich, dass sie überhaupt mal drin sind, darüber hinaus, dass sie vielleicht ebenso schön sind wie alle anderen, denn das sind die meisten unzweifelhaft (unglaublich schön!), dass eine Karriere als Modeblogger in dieser Sekunde des Lebens nicht unrealistisch erscheint, dass die Musik eigentlich ganz geil ist, dass die Jutetasche so straight sitzt wie der Dutt und der Undercut, vom Glanze des Lippenstifts der Nebensteherin beleuchtet, im Takt freudig wippt. Dazu gibt es in Minute 34 und 38 (geschätzt) zwei unzweifelhaft umwerfende Hits direkt hintereinander, die man locker in alle Jahrescharts der Welt wählen könnte. Ärger-Potenzial höchstens: Mit High Heels im Kies vor den Wagenhallen umgeknickt.

Nicht so überzeugte Zuschauer freuen sich auch:

Sie sehen die beste schönste Schlagzeugerin aller Zeiten der Welt, die es jemals gab, und ebenfalls natürlich die beiden umwerfenden Hits. Darüber hinaus allerdings zu wenig, um das Ganze zu einem tatsächlich guten Konzert zu machen. Das ist nicht mal der Band vorzuwerfen, die einwandfrei performed, so wie sie auch auf den hyperstilisierten, geleckten Bandfotos oder in den Neureichen-Yacht-Golf-Pool-Videos immer wie ein Indie-Barbie-Ken-Verschnitt posiert. Leider springt, bei allem hübschen Drumherum, der musikalische Funke heute Abend aber nicht über. Zu viel gleiches Zeug, zu leise für echte Party, der eigentlich gute Beat mit immer viel Disco-Uff-Tschakk will im Publikum nicht ankommen. Weiß man am Ende gar nicht recht, wem man da die Schuld dran geben soll, Sound, Band, Leute, Wochentag, Location, Hype, alles?

Popkulturelles Fazit: Die ambivalenten Wahrnehmungen der zwei Publikumslager sind berechtigt und gründen wohl insgesamt in der Tatsache, dass es Metronomy, mit fast gleicher Besetzung, eigentlich zwei Mal gibt: Heute produzieren sie poppige Hipster-Hits vom Top-Album „The English Riviera“ für laue Sommernächte, früher gabs von denen mal was ganz anderes, witzig-nervige Indietronics, die eher dafür geeignet sind, die Kids im Keller Klub zur Eskalation zu bringen. Eine Band, die momentan mitten im einem relativ krassen Umbruch steht – mit dem Songmaterial musste dann erstmal ein konsistentes Konzert hinkriegen, hat aber eher nicht so geklappt. Wegen den ganzen schönen Leuten und den beiden spitzenmäßigen Hits von Songwriter Joseph Mount kommen wir vielleicht aber auch nächstes Mal wieder vorbei, eventuell sind es dann ja schon vier oder fünf. Das Bier war eigentlich auch erstaunlich okay.

Wie umgeht man sie nur? Also die übliche Klischeeleier. Und bitte ja kein Gefasele von wegen “der passende Soundtrack zum November” oder “die ideale Begleitmusik zum Suizid”. Letzteres natürlich kompletter Humbug. Über den Freitod philosophieren kommt mir vielleicht bei Ukuleleversionen von Vampire Weekend Songs oder so was in den Sinn, bestimmt nicht beim Lauschen der morbiden Schönheit der Musik von Bohren & Der Club Of Gore.

Sparzwang ist ja gerade der heiße Scheiss in Europa, bei den Mülheimern allerdings schon länger Methode. Sparen an Beats pro Minute, an Licht, an medialer Prostitution. Aber da wir hier von Musik reden, sagen wir doch lieber Reduktion, irgendwie an allem.
Nicht an der Zuschauerzahl allerdings. Das Schocken ist sehr gut gefüllt als kurz vor 22 Uhr die Lichter ausgehen…und eigentlich auch ausbleiben. Nur drei farblich wechselnde, schwache Lichtsäulen bilden den optischen Showpart. Halt, nicht ganz, es gibt noch einen weiß beleuchteten Schriftzug der Band, samt kokett posierender Dame im 50er Jahre Style und ein angedeutetes umgedrehtes Kreuz dazu. Guter Style, guter Humor.

Die ersten mächtigen Bassschläge im gefühlten Minutenabstand erschüttern den Raum. Leider auch die an der Decke hängenden Aluschächte, die munter mitscheppern und den Soundeindruck ein wenig trüben. Rhodes-Piano und bedrohliche Ambientflächen füllen den reichlichen Raum zwischen den Rhythmusmarkierungen.

Wenn man das Falsche dächte, könnte man sich dabei ganz schön ins Hemd machen, so intensiv und unheilvoll klingt die Musik. Man kann aber auch die schemenhaften Gestalten bei ihren zeitlupenhaften Bewegungen erahnen, und sich vorstellen, dass wir uns auf einem anderem Planeten mit unfassbar starker Gravitation befinden, und solche Musik, so ein Konzert eben die Konsequenz dessen ist.

Beim zweiten Stück kommt ein Saxophon zum Einsatz, dessen verloren klingende Einsamkeit auch kein großer Euphoriebringer ist, aber dafür auch von berührender Schönheit. Musik, irgendwo aus dem Spannungsfeld Chet Baker, Miles Davis zu “Ascenseur Pour L’échaufaud” Zeiten, und v.a. den nix Gutes verheißenden Momenten von Badalamentis Hintergrundgrummeln bei Lynchs Werken. Allerdings mächtig unter Valium gesetzt das Ganze.

Songtitel konnte ich mir bei Bohren noch nie merken, also dann so: der dritte Song ist jetzt sogar ein wenig flotter, man kann fast schon mitzählen und den Beat in Gedanken treffen. Unser Fotograf klickt sogar punktgenau im Takt. Profi! Stimmungsmäßig ändert sich natürlich nichts. Was langweilig wirken könnte, entpuppt sich aber als Stärke. Die Monotonie des Ganzen, optisch wie musikalisch, schafft eine intensive, einzigartige Stimmung. Therapieunterstützend bei Depressionsbehandlungen sollte man die Musik zwar tunlichst vermeiden, aber trotzdem fühlt man sich hier gut und gemütlich aufgehoben, trotz allem Eis im Genick. Das könnte auch an den Ansagen liegen.

Die haben einen eigenen Absatz verdient. In ähnlicher Langsamkeit und Ruhe vorgetragen wie die Musik, bekommt man dabei solche Sachen zu hören:

Das nächste Stück ist von unserer letzten Tonträgerin und handelt von Häusern, die nach Rosenkohl riechen, und deswegen abgerissen werden müssen. “Zombies Must Die”.

Den Dreiklang aus Versagen, Trinken, Jammern kennen alle.

Das nächste Stück “Beileid” ist komponiert nach dem Motto “Keine Möbel aber eine Putzfrau.”.

Vernunft ist ein Edelstein, wenn er in Demut gefasst ist.

Die erste Zugabe soll dann auch ein Protestlied gegen gut aussehende Mütter sein. Absurd trockener Humor trifft auf intensivst traurige, beunruhigende Musik. Seltsame Kombination, tolle Kombination.

Zurück in der Außenwelt nach halb zwölft nimmt einen dann das reale Grauen wieder in Empfang: der Weihnachtsmarkt wuchert in bisher davon verschont gebliebene Sträßchen. Da möchte man doch wieder zurück in den Schoß von Mama Bohren.

Zu sagen die Brenz Band sei unkonventionell, trifft das Ganze nur unzulänglich. Denn seit über 34 Jahren stehen die Grenzgänger für gelebte Integration, für gute Laune, musikalische Anarchie und für den Aufbruch zu neuen Ufern. Behinderte musizieren mit vermeintlich Nichtbehinderten, Alte mit Jungen, Musikanten mit Ausbildung harmonieren mit Autodidakten. Entstanden als Schulprojekt in der damaligen Schule für Behinderte in der Brenzstraße in Ludwigsburg ist die Kombo mit der besonderen Note längst zu einem Aushängeschild der ganzen Region geworden, und das mit einem großen Sendebewusstsein.

Schon im Jahre 2001 reisten die 16 Musiker auf Konzertreise in den Libanon, im Jahre 2005 wurden sie in Paris zu UNESCO-Botschaftern für den Frieden ernannt, und mittlerweile unzählige Tourneen führten sie in Länder wie Polen, die Ukraine und die Schweiz, um nur einige zu nennen. Das ist die Vorgeschichte zu einem 9-tägigen musikalischen Siegeszug durch Chinas Metropolen. Bandgründer und ehemaliger Schuldirektor Horst Tögel war schon als Kind von den Erzählungen in seinen Abenteuerbüchern über die Dschunken und Opiumhöhlen Shanghais begeistert und träumte seit Jahren davon als Missionar des gelebten Miteinanders aller Menschen auch im Land der aufgehenden Sonne den traditionellen “Zillertaler”, oder das italienische Volkslied “Marina” mit der Brenz Band zum Besten zu geben. Finanziell unterstützt von verschiedenen Stiftungen machten sich 16 Musiker, ein kleines Filmteam, ein Reiseleiter und ich als Fotograf auf den Weg nach Peking, der ersten Station der Reise.

Bereits vier Stunden nach Ankunft stand das erst Konzert auf dem Programm. Ich war sehr skeptisch, wie die Resonanz sein würde. Interessiert das hier überhaupt jemanden? Das fragte ich mich im Vorfeld der Reise immer wieder. Alle Bedenken waren gleich am ersten Abend hinfällig. Mehrere hundert, meist junge Besucher, feierten mit der Band ein großes Fest. Fast alle Konzerte der Reise fanden auf Vermittlung einer norddeutschen Stiftung in Universitäten statt und die Offenheit und die Neugierde auf die deutschen Gäste war immens. Nach dem Konzert mussten unzählige Hände geschüttelt werden, viele Autogrammwünsche erfüllt und unzählige Erinnerungsfotos gemacht werden.

Gleich am zweiten Tag fuhren wir früh morgens von Peking Richtung Norden zur Großen Mauer. Aber nicht nur um den obligatorischen Touristenbesuch abzustatten, sondern natürlich gab die Brenz Band dort auch ein Spontankonzert und die erst verblüfften Anwesenden mischten sich sofort unter die Band, um Teil der Geschichte zu sein und sich gemeinsam fotografieren lassen. Es war als wären wir von einem anderen Stern und jeder wollte eine Erinnerung an die Außerirdischen.

Die “incredible strange musicians”, wie sie schon vor Jahren liebevoll vom Magazin Rolling Stone, anlässlich der Buchveröffentlichung “Makel los- Die unglaubliche Geschichte der Brenz Band” genannt wurden, setzten mal wieder eine Duftmarke. Auf dem Heiligtum der Chinesen, der Großen Mauer, spielen zu dürfen, bedarf es unglaublich guter Kontakte. Die Brenz Band hat sie.

Nach zwei weiteren Tagen in Peking und Konzerten in einer weiteren Elite-Hochschule und der deutschen Botschaft, bei dem auch chinesische Künstlergruppen mit behinderten Mitgliedern auftraten, fuhren wir mit dem Zug zur nächsten Station Qingdao. Während Stuttgart noch unversöhnlich über das Bahnfahren der Zukunft streitet, gibt es der chinesischen Hauptstadt schon längst „Peking 21“ Ein Bahnhof, der aussieht wie ein Flughafen und anlässlich der Olympischen Spiele 2008 gebaut wurde, wartet mit seinen unterirdischen Superschnellzügen auf Reisende aus aller Welt.

Wir fuhren nach Qingdao, einer Stadt mit 6 Mio. Einwohnern, direkt am Chinesischen Meer gelegen, die in Deutschland weit gehend unbekannt ist. Hier blieben wir aber nur für ein Konzert und schon am Folgetag ging es mit dem Flugzeug weiter nach Shanghai. Und ganz ehrlich: Da wollte ich schon lange hin!!!! Es wurde schon dunkel als wir in die Stadt fuhren, und beim Blick aus dem Busfenster wurden alle immer stiller. Straßenschluchten, Wolkenkratzer, riesige leuchtende Webetafeln auf Hochhäusern. Shanghai erfüllt alle Klischees einer pulsierenden Weltstadt. Da wir aber nicht auf Erholungsreise waren, wartete gleich am Abend schon die nächste Hochschule und das nächste Konzert.Und wieder standen an der Halle schon viele hundert Menschen. Wie ein Lauffeuer verbreitete sich, dass da eine ganz besondere Musikkapelle aus dem fernen Deutschland einen Campus nach dem anderen in Grund und Boden spiele.

Konzerte der Brenz Band sind schwer nur mit Worten zu beschrieben, denn das Berührende liegt eindeutig im Charme, mit dem die Musiker zu Werke gehen. Deshalb versuche ich jetzt auch nicht, was mir eh nicht gelingt, sondern verweise auf brenzband.de, da stehen die nächsten Konzerttermine.

Nach drei weiteren Tagen in Shanghai, die neben den letzten Konzerten auch noch Zeit ließen sich die Stadt anzuschauen, flogen wir wieder nach Hause. Um viele Begegnungen reicher, und schon stellt sich die Frage, wohin wohl die nächste Reise geht. Grenzen gibt es für diese Band keine.

Wahnsinn, diese Stimme! Man kann eigentlich gar nicht glauben, was da in die Schorndorfer Manufaktur gekommen ist. Dabei habe ich Anna Calvi schon Monate vorher auf der Fahrt zu Swans nach München kennengelernt – die Musik meine ich, nicht die Frau. Es hat nur zwei Songs gedauert, bevor ich mich entschlossen habe, auf jeden Fall mit aufs Konzert zu gehen. Obwohl ich einräumen muss, dass mich die Platte nicht auf das vorbereiten konnte, was ich dann zu hören bekomme.

Als Vorprogramm gab es allerdings zunächst Jim Kroft, einen in Berlin ansässigen schottischen Singer/Songwriter, der nach seinen Banderfahrungen mit Myriad Creatures nun auf Solopfaden wandelt. Im Gepäck hat er sein zweites Album „The Hermit And The Hedonist“. Leider kann er schon ohne den direkten Vergleich mit Anna Calvi nicht wirklich überzeugen, denn zu sehr verlässt er sich beim Komponieren auf vielgeschrittene musikalische Gangarten und Klischees, die langweilen.

Sympathisch wirkt er mit seinem beständigen Wechsel zwischen Deutsch und Englisch ja schon. Die häufig mehrstimmigen Gesangspassagen sind durchaus nicht einfach und umsomehr gekonnt wiedergegeben. Und ich möchte Jim Kroft auch abnehmen, dass er mit seinen Stücken jene tatsächlich empfundene Emotionalität ausdrücken möchte, die es im Pop so selten gibt. Wenn man einen Mangel an Inhalt mit zu hochtrabenden Mitteln ausdrückt, läuft man ja Gefahr, in Schwulst abzudriften. Mein Eindruck bei Jim Kroft dagegen war, dass er ein großes Maß an Inhalt mit ausgelutschten Mitteln rüberbringen möchte, was schade ist, aber immerhin nicht so fade, wie einen Mangel an Inhalt mit einem Mangel an musikalischen Mitteln zu paaren, wie das viele tun. Empfehlenswert ist es da, sich die chronisch unterbewerteten Anathema mal genauer anzuhören – für das Publikum wegen der großartigen Musik, die es zu entdecken gilt, und für Jim Kroft wegen der musikalischen Ketten, die er abzuschütteln lernen könnte. Naja, oder man wartet einfach ein paar Minuten, bis Anna Calvi auf die Bühne kommt.

Da geht zwischen den Songs so ein Raunen durch das Publikum: „großartig“, höre ich da, „hammermäßig“ oder „unglaublich“. Ja, genau. Auf so etwas konnte uns selbst das Album oder der Arte-Bericht nicht vorbereiten. Wie es dort heißt, höre sie nur Musiker, deren Musik sie wirklich bewegte und die von sich beim Singen alles gaben. So wollte sie selbst auch werden – und nun scheint genau das eingetreten zu sein: Das tendenziell grau-melierte Publikum in der fast vollständig ausverkauften Manufaktur ist schon nach dem ersten Song sichtlich berührt und der Sängerin schlichtweg ausgeliefert. Dass diese zierliche, kleine Frau indes alles in Ihre Musik legt, kann man einfach hören. Wie sonst sollte sich eine solche Stimme entfalten können?

Sie ist so warm, dass man erzittert, bestechend zart, erotisch hingehaucht oder so voll, dass jeder andere Gedanke aus dem Saal verdrängt wird. Diese Stimme macht Anna Calvi zu einer Lola Lola, die jeden Professor Rath ins Unglück stürzen könnte. Wenn sie ins Mikrophon haucht, sieht man sie als Femme Fatale in verrauchten Clubs der Vierzigern, wie sie in keinem Chandler-Roman fehlen dürfte. Daneben aber stehen diese druckvollen Passagen, die eher an Sinéad O’Connors Big-Band-Album „Am I not Your Girl“ oder an Anna Calvis Vorbild Édith Piaf erinnern.

Gepaart ist diese Stimme jedoch keineswegs mit irgendwelcher gewöhnlicher, abgenudelter Musik, wie sie uns Jim Kroft geboten hatte. Diese nämlich enthält gerade noch so viele eingängige Passagen, um den großen Erfolg des selbstbetitelten Debütalbums mit elf Top-Hundert-Platzierungen in europäischen Album-Charts – davon sieben in der Top-Vierzig, einer in der Top-Ten – zu erklären. Immerhin wird Anna Calvi 2012 mit dem European Border Breakers Award geehrt werden, wie ihre Website verrät.

Zwischen diesen eingängigen Passagen ist die Musik völlig eigenständig und spielt mit musikalischen Vorbildern jeder Couleur. Man meint die Pop-Geschichte des 20. Jahrhunderts an sich vorbei rauschen zu hören, und kann doch kaum jemals konkrete Referenzen benennen, am deutlichsten vielleicht David Bowie in „Desire“. Im Gitarrenspiel hört man vage Einflüsse von Jimi Hendrix oder Mark Knopfler, findet Strukturen wie in Neil Youngs „Dead Man“-Soundtrack oder Melodien wie in spanischer Folklore oder Blues. Man hört ein bisschen Nick Cave und ein bisschen Swans. Dabei kitzeln Anna Calvi, ihr Schlagzeuger Daniel Maiden-Wood und ihre Keyboarderin und Percussionistin Mally Harpaz alles an Varianzen aus den Instrumenten heraus, ohne jemals in klischeehafte Bahnen zu geraten. Live wird einem das noch bewusster, während die Musik zugleich emotional unmittelbarer und eindruckvoller wird. Die einzige Singer/Songwriterin, die derzeit ähnlich Originelles, wenngleich musikalisch noch Druckvolleres bietet, ist die Britin Rose Kemp, an welche ich mich wiederholt erinnert fühle, wobei deren Gesang anders als Anna Calvis gekünstelter und weit weniger natürlich wirkt.

Vor der Musikerin werden wir zu Getriebenen durch die Melodien des live fast bedrohlich wirkenden Refrains von „Blackout“, das doch nie die Pfade hochwertigen Pops verlässt. Wir werden gehetzt durch „I‘ll Be Your Man“, das sicherlich im Soundtrack des nächsten Quentin Tarantino-Filmes Verwendung finden wird, bevor sie einen bei „First We Kiss“ oder den Melodiebögen von „The Devil“, das ein wenig an Jex Thoths Side-Project Sabbath Assembly erinnert, von einer Gänsehaut zur nächsten jagt. Bei „Morning Light“ und meinem persönlichen Favoriten „Love Won’t Be Leaving“ zeigt Anna Calvi die komplette Spannbreite ihrer Musik komprimiert: Von vollständiger Reduzierung mit Flüstern zu einzelnen Beckenklängen oder atmosphärischen Einzeltönen mit scharfen metallischen Geräuschen bis zum – anders kann man es nicht ausdrücken – musikalischen Donnerschlag, bei dem uns der Refrain mit voller Wucht trifft, hat Sie das Publikum fest in der Hand.

Als eine Frau lauthals nach „Jezebel“ ruft, flüstert die Sängerin nur „It’s coming“. Und tatsächlich findet der Abend mit diesem nach Elvis Presleys „Surrender“ und TV On The Radios „Wolf Like Me“ dritten großartigen Cover – hier eines Songs von Wayne Shanklin – zu einem monumentalen Abschluss, bei dem uns Anna Calvis Stimme um mehr bereichert verlässt, als ich das zu hoffen gewagt hätte.