Früh wird man geprägt und verdrahtet. Bei mir ist z.B. die Kombination Synthiepop + Kanada erstmal immer positiv besetzt. Liegt an Men Without Hats, war ich damals großer Fan von, und hab sie auch nicht in meiner Metalphase verleugnet. Aus der besagten borealen Nadelwaldgegend kommen auch Diamond Rings und Junior Boys. Ersterer schon ein etwas älterer Bekannter auf diesem Blog.

Das Schocken ist so mittel gefüllt, als gegen halb zehn der 26 Lenze zählende John O’Regan aka Diamond Rings die Bühne betritt. Schirmmütze und weiße Jacke mit viel bling-bling und Glitzer, Sonnenbrille, lackierte Fingernägel. Für den Anfang wohl etwas zuviel an glamouröser, sexuell uneindeutiger Ausstrahlung für das Publikum, da vor der Bühne ein riesiges Loch klafft. Aber der Mann zeigt sich unbeeindruckt, zieht seine Show mit choreographierten Bewegungen konsequent durch. Band gibt es keine, nur er und ein AKAI MPK 61 (Hinweis an die sehr gute Firma AKAI: bitte mich noch mal anrufen wegen der Geschäftsmodalitäten.). Geboten wird ein kühler 80ies-Synthiepop, geprägt von der eher tiefen Stimme Diamond Rings, die auch gerne mal etwas an diverses Zeug aus den frühen 80ern aus England erinnert. Hat was, definitiv.

Beim zweiten Song macht er einen Ausflug ins Publikum, und ganz langsam, Stück für Stück, zieht er das Publikum auf seine Seite. Beim vierten Stück kommt eine Gitarre zum Einsatz und die Mütze weg, und ein adretter Popperhaarschnitt kommt zum Vorschein. Aber die Musik gibt den Ton an, die ist nämlich gut, hat eine eigene Kraft. Auch beim darauf folgenden Stück bleibt die Gitarre im Einsatz, und gibt den Rhythmus für das fast schon Ramones-artige Stück vor. Tolles Lied! Das Gejohle im Publikum wird lauter, v.a. als er beim nächsten Stück die Jacke auszieht. Die Frequenz des Gejohles lässt auf einen weiblichen Ursprung schließen, aber die Hand lege ich dafür nicht ins Feuer (siehe oben: lackierte Fingernägel usw.). Bei diesem Lied bedient er auch E-Drums, spackt noch richtig schön im Publikum ab, und spätestens jetzt ist klar, dass er Großteile des Publikums für sich gewonnen hat. Bemerkenswerter Auftritt, irgendwie eine ganz wohltuende Abwechslung zu dem sonstigen, engbehosten Gitarrenindiekrempel, den man sonst so inflationär um die Ohren gehauen bekommt.

In der Pause zeigt sich Fotograf Michi als extrem großer Diamond Rings Kenner und Fan. Erzählt was von Körpergröße des Künstlers, und dass eine Verwandte, die wohl auch Schminke herstellt, beim Merchandise aushilft. Die Grenzen zwischen Fan- und Stalkertum sind ja fließend. Immer wenn man denkt, man würde eine Person etwas besser kennen…

Die Junior Boys kommen in Trio Formation gegen halb elf auf die Bühne. Schlagzeuger und videoanimierter Bühnenhintergrund schaden live nie, und bringen zusätzlich noch etwas Dynamik in die Geschichte. Bemerkenswert finde ich den Auftritt wegen einiger Aspekte. Die Band pflegt einen unaufgeregten, eher ruhigen 80ies Popsound, getragen von den auch betont gelassenen Gesangspassagen Jeremy Greenspans. Er selbst sieht zwar aus wie der Kfz-Mechaniker um die Ecke, hat aber wirklich eine sehr, sehr gute und charismatische Stimme. Hört man selten so was.

Die Songs haben mehr oder minder alle die gleiche Stimmung, ähnliches Tempo, ab und an bringt eine leicht funkige Gitarre von Greenspan ein paar neue Nuancen in den Sound. Und trotz des eher relaxten Gesamteindrucks der Musik und der Band, tanzen und bewegen sich Großteile des Publikums von Anfang an, sind begeistert. Muss man wahrscheinlich so sehen: packt einen der Sound von Beginn an, ist das Konzert ein einziger, nicht enden wollender Höhepunkt. Findet man ihn “nur” ok, wie in meinem Fall, konstatiert man, dass einen der sehr reife und auch erwachsene Sound gerne mal an Tears For Fears, oder bei den souligeren Gesangsmomenten sogar an Hall & Oates erinnert, was ich absolut positiv meine, man sich vielleicht aber etwas mehr Aufs and Abs wünschen würde wie bei Diamond Rings, obwohl letzterer im Vergleich natürlich etwas unfertiger rüberkommt.

Aber man darf ja mal ein Konzert einfach nur gut finden, ohne komplett auszurasten. Die letzten beiden Stücke samt Zugabe packen mich dann auch noch mal richtig. Und wie oben schon geschrieben, eine wirklich wohltuende Abwechslung mal einen ganzen Abend lang so eine Art Musik überhaupt live dargeboten zu bekommen. Ich würde wieder kommen.

Diamond Rings

Junior Boys

“Mailand oder Madrid, Hauptsache Italien.”

Mit Fitness Forever-Konzerten ist es wie mit Heroin guten Brezeln: geht immer, auch ganz viel davon. Da kann man auch mal der Krise auf den Kopf kacken und per Lufthansa nach Madrid fliegen. Nebenbei kann man auch kontrollieren, ob der Spanier sich gefälligst den Arsch (culo) abspart und nicht etwa doch noch etwas Spaß oder Lebensfreude über hat.

Kurzer Eindruck von Madrid: die Hauptfußgängerzonen sind in der Vorweihnachstzeit genau so schlimm überlaufen wie bei uns, aber die Leute haben kaum Einkaufstaschen, also wohl doch Krise. Weiteres Zeichen: Wir erblicken irgendwann eine Menschenschlange, deren Ende nicht abzusehen ist. Während wir diesen endlosen Lindwurm ablaufen, um zu wissen, wo er hinführt, raten wir schon mal, was der Grund sein könnte. Julio Iglesias Autogrammstunde? Christiano Ronaldo präsentiert nackt ein neues Haargel? Als wir dann nach Ewigkeiten ankommen: Lotto-Annahmestelle.

Der Auftrittsort Siroco befindent sich in einem Viertelchen mit engen Gassen, vielen alternativen Läden und einem Haufen junger Menschen. Gegen 22 Uhr werden wir eingelassen. Im Untergeschoss befindet sich der Auftrittsort, angenehme Größe, seltsamerweise kein Sekt im Angebot, aber positiverweise strikt eingehaltenes Rauchverbot. Wahrscheinlich weiß der uncoole Mediterraneer einfach nicht die Vorzüge einer tagelang nach abgestandenem Aschenbecher schmeckenden Kehle zu schätzen.

Guille Milkyway, der Mann hinter La Casa Azul, dem Aushängeschild von Elefant Records, ist derweil als DJ tätig. Madame P. und ich haben es ja schon geahnt, dass der Mann als DJ bestimmt großartig ist. Wenn man all seine Produktionen oder auch mal ein Mixtape vom ihm gehört hat, bekommt man schon eine Ahnung, dass Guille extrem guten Geschmack, mit Stilsicherheit und profundesten pophistorischen Kenntnissen verbindet. Sein DJ-Set bestätigt das alles. Nur Hits, obwohl man fast nichts kennt, keine Scheuklappen was Genres oder sonstwas angeht. Genau so stell ich mir das perfekte Pop DJ-Set vor, super fantasticos!

Die erste Band des Abends ist das Duo und Paar Papa Topo. Die Beiden haben mit argen technischen Problemen zu kämpfen, der Sound ist unausgewogen. Dass sie noch nicht allzu oft live gespielt haben, merkt man daran, dass diese Geschichten sie etwas verunsichern, aber sie reagieren mit netten Ansagen, und im Publikum nimmt ihnen das eh keiner übel. Fitness Forever-Mastermind Carlos kommt für ein Stück auf die Bühne und begleitet die Papas an der Gitarre. Und trotz dieses alles andere als perfekten Konzerts, kommen wir etwas überraschend zu dem Schluss: die sind ja super! Und das liegt einfach an den starken Songs, an den guten Ideen, an der schönen Stimme von Paula. Die uns bekannten Oso Panda  und Lo Que Me Gusta Del Verano Es Poder Tomar Helado wären vielleicht hervorzuheben, aber eigentlich sind alle Songs stark. Wir warten gespannt auf das erste vollständige Album.

Pause, noch ein Schwätzchen mit Supersimpaticus Carlos, der sehr tollen Nick Rivers, den Feststellungen, dass man mit 1,80m Körpergröße hier besten Blick auf die Bühne hat, bzw. dass die Mädels “alle wie Sophia Coppola oder Charlotte Gainsbourg” (Madame P.) aussehen, und schon geht es weiter mit einem überraschenden Zwischenprogrammpunkt. Cristina Quesada, ein zierliches Mädel, die aussieht wie eine zu heiß gewaschene Charlotte Roche, kommt samt Ukulele auf die Bühne, und singt vier uns unbekannte Cover, die aber das Publikum wohl bestens kennt. Ukulele finde ich ja im Normalfall so angenehm wie einen Proktologen mit eiskalten Wurstfingern, aber die Songs sind halt so hübsch, sie singt so niedlich, und überhaupt sieht die Ukulele an der kleinen Person wie eine normal proportionierte Gitarre aus, also passt das schon. Arg charmantes Zwischenspiel.

Mittlerweise ist es Mitternacht, und Fitness Forever kommen auf die Bühne. Mit “Probabilmente”, dem Stück mit dem melancholischten Akkordwechsel seit Ewigkeiten am Anfang, geht es los. Der Plan war eigentlich, das komplette, neue Album “Cosmos” das erste Mal live zu präsentieren. Aber die Aufnahmen des noch unveröffentlichten Werks sind leider noch nicht soweit, und die Stücke auch so komplex, dass man lieber nochmal das “alte” Set spielt wie in Stuttgart. Beschweren tun wir uns nicht, wenn die Lieblingsband unsere Lieblingshits spielt. Sara und Nicoletta sehen bezaubernder aus als je zuvor und sind sehr gut bei Stimme, die Band ist tight wie immer. Man merkt einfach, dass Basser Luigi Schlagzeuger Andrea, Gitarrist Ernesto und Keyboarder Antonio Profimusiker sind. Da wackelt nix, und obwohl auch hier der Sound nicht perfekt ist, lässt sich die Band davon nicht beirren. Das Publikum ist begeistert und kann überraschend gut die italienischen Texte mitsingen. Fitness Forevers Musik, der Soundtrack eines utopischen Retro-Italiens, funktioniert auch in Spanien bestens. Bei den zwei spanischprachigen Stücken “Palma De Mallorca” und “Bottellón” dürfen Papa Topo auf die enge Bühne und sie begleiten. Im Gegenzug begleiten Fitness Forever die Beiden bei einem neuen Papa Topo Stück.

Wie in Stuttgart auch wird das fantastische “Gorni Koala” von Giorgio Tuma gespielt, sowie die zwei supertollen neuen Stücke “Il Cane Ciuff” und “Gino Vanelli” (vorläufiger Arbeitstitel). Ansonsten das ganze Hit-Programm mit “Anarchica Pugliese”, “Mondo Fitness”, “Monica”…naja, alle Songs von Fitness Forever eben. Ein Fitness Forever Song ist eben immer ein Hit in meinem Paralleluniversum. Und um im Thema Paralleluniversum zu bleiben. Bei “Bacharach” lasse ich mal meinen Blick nach links schweifen, und sehe in meinen Blickfeld Guille Milkyway, Band A Part, Elefant Records-Chef Luis Calvo und diverse Mitglieder von Cola Jet Set und Nick Rivers mitsingen und mittanzen. Sieht nach Pop-Utopia aus, eine Idee einer besseren Welt. Ganz großartig das alles!

Irgendwann gegen eins ist es vorbei, und Guille Milkyway lässt uns als DJ nochmal wissen, dass wir alles richtig gemacht haben, indem wir hierher gekommen sind, um einen Abend fantastischen Pop zu erleben.

Ausnahmeweise rollen wir das Feld mal von hinten auf, auch weil ich die Vorband Gross Magic wegen *setzehierausredeein* leider verpasst hab, deshalb hier zu Anfang direkt Stimmen von nach dem Konzert. Da sagen manche: Echt, es war so fett, so ichmussnocheinerauchengut, alle haben voll hingerissen gewippt, manche sind total abgegangen, des hat sich so übel gelohnt, Metronomy ist das neue Schwarz, ich trage das ab heute immer. Andere: Na toll, so ein typisches Hype-Ding, Stunde vor Konzertbeginn da gewesen, noch ’ne Karte auf dem Schwarzmarkt bekommen, weil seit Tagen ausverkauft, rein, zwei Stündchen irgendwie halbgare Performance, gelangweilt, böh.

Und diese Zweiteilung in der Publikumsmeinung ist durchaus nachvollziehbar, denn:

Begeisterte Zuschauer freuen sich, dass sie überhaupt mal drin sind, darüber hinaus, dass sie vielleicht ebenso schön sind wie alle anderen, denn das sind die meisten unzweifelhaft (unglaublich schön!), dass eine Karriere als Modeblogger in dieser Sekunde des Lebens nicht unrealistisch erscheint, dass die Musik eigentlich ganz geil ist, dass die Jutetasche so straight sitzt wie der Dutt und der Undercut, vom Glanze des Lippenstifts der Nebensteherin beleuchtet, im Takt freudig wippt. Dazu gibt es in Minute 34 und 38 (geschätzt) zwei unzweifelhaft umwerfende Hits direkt hintereinander, die man locker in alle Jahrescharts der Welt wählen könnte. Ärger-Potenzial höchstens: Mit High Heels im Kies vor den Wagenhallen umgeknickt.

Nicht so überzeugte Zuschauer freuen sich auch:

Sie sehen die beste schönste Schlagzeugerin aller Zeiten der Welt, die es jemals gab, und ebenfalls natürlich die beiden umwerfenden Hits. Darüber hinaus allerdings zu wenig, um das Ganze zu einem tatsächlich guten Konzert zu machen. Das ist nicht mal der Band vorzuwerfen, die einwandfrei performed, so wie sie auch auf den hyperstilisierten, geleckten Bandfotos oder in den Neureichen-Yacht-Golf-Pool-Videos immer wie ein Indie-Barbie-Ken-Verschnitt posiert. Leider springt, bei allem hübschen Drumherum, der musikalische Funke heute Abend aber nicht über. Zu viel gleiches Zeug, zu leise für echte Party, der eigentlich gute Beat mit immer viel Disco-Uff-Tschakk will im Publikum nicht ankommen. Weiß man am Ende gar nicht recht, wem man da die Schuld dran geben soll, Sound, Band, Leute, Wochentag, Location, Hype, alles?

Popkulturelles Fazit: Die ambivalenten Wahrnehmungen der zwei Publikumslager sind berechtigt und gründen wohl insgesamt in der Tatsache, dass es Metronomy, mit fast gleicher Besetzung, eigentlich zwei Mal gibt: Heute produzieren sie poppige Hipster-Hits vom Top-Album „The English Riviera“ für laue Sommernächte, früher gabs von denen mal was ganz anderes, witzig-nervige Indietronics, die eher dafür geeignet sind, die Kids im Keller Klub zur Eskalation zu bringen. Eine Band, die momentan mitten im einem relativ krassen Umbruch steht – mit dem Songmaterial musste dann erstmal ein konsistentes Konzert hinkriegen, hat aber eher nicht so geklappt. Wegen den ganzen schönen Leuten und den beiden spitzenmäßigen Hits von Songwriter Joseph Mount kommen wir vielleicht aber auch nächstes Mal wieder vorbei, eventuell sind es dann ja schon vier oder fünf. Das Bier war eigentlich auch erstaunlich okay.

Wie umgeht man sie nur? Also die übliche Klischeeleier. Und bitte ja kein Gefasele von wegen “der passende Soundtrack zum November” oder “die ideale Begleitmusik zum Suizid”. Letzteres natürlich kompletter Humbug. Über den Freitod philosophieren kommt mir vielleicht bei Ukuleleversionen von Vampire Weekend Songs oder so was in den Sinn, bestimmt nicht beim Lauschen der morbiden Schönheit der Musik von Bohren & Der Club Of Gore.

Sparzwang ist ja gerade der heiße Scheiss in Europa, bei den Mülheimern allerdings schon länger Methode. Sparen an Beats pro Minute, an Licht, an medialer Prostitution. Aber da wir hier von Musik reden, sagen wir doch lieber Reduktion, irgendwie an allem.
Nicht an der Zuschauerzahl allerdings. Das Schocken ist sehr gut gefüllt als kurz vor 22 Uhr die Lichter ausgehen…und eigentlich auch ausbleiben. Nur drei farblich wechselnde, schwache Lichtsäulen bilden den optischen Showpart. Halt, nicht ganz, es gibt noch einen weiß beleuchteten Schriftzug der Band, samt kokett posierender Dame im 50er Jahre Style und ein angedeutetes umgedrehtes Kreuz dazu. Guter Style, guter Humor.

Die ersten mächtigen Bassschläge im gefühlten Minutenabstand erschüttern den Raum. Leider auch die an der Decke hängenden Aluschächte, die munter mitscheppern und den Soundeindruck ein wenig trüben. Rhodes-Piano und bedrohliche Ambientflächen füllen den reichlichen Raum zwischen den Rhythmusmarkierungen.

Wenn man das Falsche dächte, könnte man sich dabei ganz schön ins Hemd machen, so intensiv und unheilvoll klingt die Musik. Man kann aber auch die schemenhaften Gestalten bei ihren zeitlupenhaften Bewegungen erahnen, und sich vorstellen, dass wir uns auf einem anderem Planeten mit unfassbar starker Gravitation befinden, und solche Musik, so ein Konzert eben die Konsequenz dessen ist.

Beim zweiten Stück kommt ein Saxophon zum Einsatz, dessen verloren klingende Einsamkeit auch kein großer Euphoriebringer ist, aber dafür auch von berührender Schönheit. Musik, irgendwo aus dem Spannungsfeld Chet Baker, Miles Davis zu “Ascenseur Pour L’échaufaud” Zeiten, und v.a. den nix Gutes verheißenden Momenten von Badalamentis Hintergrundgrummeln bei Lynchs Werken. Allerdings mächtig unter Valium gesetzt das Ganze.

Songtitel konnte ich mir bei Bohren noch nie merken, also dann so: der dritte Song ist jetzt sogar ein wenig flotter, man kann fast schon mitzählen und den Beat in Gedanken treffen. Unser Fotograf klickt sogar punktgenau im Takt. Profi! Stimmungsmäßig ändert sich natürlich nichts. Was langweilig wirken könnte, entpuppt sich aber als Stärke. Die Monotonie des Ganzen, optisch wie musikalisch, schafft eine intensive, einzigartige Stimmung. Therapieunterstützend bei Depressionsbehandlungen sollte man die Musik zwar tunlichst vermeiden, aber trotzdem fühlt man sich hier gut und gemütlich aufgehoben, trotz allem Eis im Genick. Das könnte auch an den Ansagen liegen.

Die haben einen eigenen Absatz verdient. In ähnlicher Langsamkeit und Ruhe vorgetragen wie die Musik, bekommt man dabei solche Sachen zu hören:

Das nächste Stück ist von unserer letzten Tonträgerin und handelt von Häusern, die nach Rosenkohl riechen, und deswegen abgerissen werden müssen. “Zombies Must Die”.

Den Dreiklang aus Versagen, Trinken, Jammern kennen alle.

Das nächste Stück “Beileid” ist komponiert nach dem Motto “Keine Möbel aber eine Putzfrau.”.

Vernunft ist ein Edelstein, wenn er in Demut gefasst ist.

Die erste Zugabe soll dann auch ein Protestlied gegen gut aussehende Mütter sein. Absurd trockener Humor trifft auf intensivst traurige, beunruhigende Musik. Seltsame Kombination, tolle Kombination.

Zurück in der Außenwelt nach halb zwölft nimmt einen dann das reale Grauen wieder in Empfang: der Weihnachtsmarkt wuchert in bisher davon verschont gebliebene Sträßchen. Da möchte man doch wieder zurück in den Schoß von Mama Bohren.

„Indie is dead“ – wer am Freitag bei The Kooks in der Ludwigsburger Arena war, würde diesen in letzter Zeit allzu oft propagierten Satz so wohl nicht unterschreiben. Vielmehr würde „indie is tired“ zutreffen: Macht Sänger Luke Pritchard zwar den Eindruck, als habe er Spaß auf der Bühne, so wirken seine Bewegungen, seine Blicke, seine Posen allesamt recht einstudiert. Doch auch beim Publikum merkt man, was ankommt und was nicht: Während bei Songs wie „Naive“ die schwitzenden Körper aneinandergepresst werden oder bei „Ooh La“ Arm in Arm mit fremden Menschen getanzt wird, so nutzen doch viele der Besucher die Songs vom neuen, dritten Album „Junk of the Heart“ eher, um eine kleine Verschnaufpause einzulegen.

„Viel zu kommerziell“, „langweilige 08/15-Musik“ – das sind die Reaktionen auf das neue Album, die man in der langen Schlange am Eingang der Halle aufschnappt, von all den zurechtgemachten Mädchen mit ihren Absatzschuhen, von den Jungs mit Röhrenjeans und V-Ausschnitt. Später werden auch sie wissen, dass ihr Aufstylen völlig sinnlos war, es gibt wohl an diesem Abend niemanden, der nicht verschwitzt aus der Arena herauskommt.

Pünktlich um 19.30 Uhr eröffnet die erste Vorband, Auletta aus Mainz, das Konzert. Eine von mittlerweile unzähligen deutschsprachigen Indie-Pop-Bands, ein bisschen wie Madsen in glatt und brav, irgendwann wiederholt sich eben alles. Sie singen ein wenig, sie spielen ein wenig Gitarre, die Sorte von Musik, die man eben so nebenher hört. Und sie kommen gut an.

Als jedoch die zweite Vorgruppe, Morning Parade aus Essex in England, angekündigt wird, hört man vereinzeltes Stöhnen aus der Masse: „Oh nee, ich bin doch für die Kooks hier, nicht für 100 Vorbands!“ Jedoch: Morning Parade haben richtig was drauf, ihr Britpop, gepaart mit Elektro-Elementen, geht in die Beine. Nach und nach fangen die Leute zögerlich an, im Takt mitzuwippen, doch spätestens bei ihrem dritten Song haben die Briten, deren Musik auch schon in „The Vampire Diaries“ lief, alle mit sich gerissen.

Als dann schließlich The Kooks– nachdem sie sich ordentlich Zeit gelassen haben – auf die Bühne treten, gibt es endgültig kein Halten mehr. Es wird gekreischt, es wird mitgesungen, es wird getanzt, zu Liedern wie „Shine on“ oder „Always where I need to be“. Alles schön rücksichtsvoll, in der Indie-Szene ist man schließlich lieb und nett und gefühlvoll.

Auch The Kooks scheinen Rücksicht auf ihre Fans zu nehmen. Dafür, dass das dritte Album eigentlich der Anlass zur Tour ist, spielen sie beachtlich wenige Lieder daraus, was die meisten Fans wohl freut, denn so bleibt mehr Zeit für ältere Hits wie etwa „Do you wanna“ oder auch den „Sofa Song“. In diesen Momenten ist der ausverkaufte Innenraum der Halle ein einziges Springen, ein Tanzen, ein Klumpen aus miteinander verschmolzenen, sich zur Musik bewegenden Körpern. Dazu führt Luke seine Tanzschritte aus, die er offenbar zuhause vor dem Spiegel geübt hat. Nichtsdestotrotz nimmt man ihm die Rolle des süßen Indie-Jungen noch immer ab, obgleich Mr. Pritchard mittlerweile das 27. Lebensjahr erreicht hat. Während er so auf der Bühne andauernd von rechts nach links und wieder zurück rennt, damit auch jeder etwas von ihm hat, zwinkert er dem weiblichen Publikum immer mal wieder zu, woraufhin dieses in Jubelschreie ausbricht – klar, wo sie doch schon kein Wort verstehen von dem, was er mit seinem Brighton-Akzent von sich gibt.

Die vielen Lichter und Laser, die während der Show durch die Halle scheinen, sollen wohl die Tanzlaune anregen, sollen zeigen, dass das, was da gerade in der Arena abgeht, eine ganz große Party ist. An sich keine schlechte Idee, jedoch zur Musik von The Kooks extrem unpassend und fast schon peinlich. Die Indie-Szene will keine großen Inszenierungen, sie will Authentizität. Was man hier bräuchte, wäre eine einfache Bühnenbeleuchtung ohne bunte Farben – irgendetwas, was die Natürlichkeit und Normalität der vier Musiker unterstriche. Vielleicht hofft die Band jedoch, mit einer imposanten Lightshow den ein oder anderen musikalischen Mangel unbemerkbar machen zu können. Selbstverständlich waren nach den Alben „Inside in/Inside out“ und „Konk“ die Erwartungen groß, und The Kooks sind leider weit dahinter zurückgeblieben. Nur ganz selten hört man in den neuen Songs noch das Trotzige, Unsaubere, dieses „Es kommt wie es kommt“. Das Album „Junk of the Heart“ ist an vielen Stellen einfach zu glatt, The Kooks verlieren ein Stück ihrer Natürlichkeit mit diesem Album, an dem alles am richtigen Fleck sitzen muss. Vielleicht sind daran aber nicht mal The Kooks allein schuld: Man lässt die Band in großen Hallen spielen, obwohl sie – besonders bei Akustikstücken wie „Seaside“ – viel besser in kleineren Etablissements aufgehoben wären.

Beinahe zwei Stunden stehen The Kooks auf der Bühne und nehmen die Besucher komplett für sich in Anspruch. Das Publikum hat Spaß, zweifellos. Doch The Kooks sind erwachsen(er) geworden und haben damit ein Stück ihrer Echtheit verloren. Trotzdem ist Indie noch lange nicht tot. Es ist nur ein wenig müde.

“Ich hab’ hier schon richtig gute Bands gesehen, bei denen gerade mal eine Hand voll Leute vor der Bühne stand. Und die haben nicht mal die Hälfte gekostet”, staunt mein Begleiter kopfschüttelnd, als er sich im relativ vollen Zwölfzehn umschaut. “Ich weiß gar nicht mehr, warum wir überhaupt hier sind”, wundert er sich kurz darauf über sich selbst. Vor allem der stattliche Eintrittspreis bereitet ihm sichtlich Magenschmerzen. Hat er nicht ganz Unrecht, denn die Comedy-Stunt-Bartrick-Show von Jackass-Oberfreak Steve-O kostet immerhin rund 30 Euro. Und was einen heute erwartet, weiß eigentlich auch keiner so genau. Hat man nicht eigentlich auch alles schon mal gesehen? Wird er sich seinen Hodensack diesmal ans Ohrläppchen tackern? Wird er im Strahl ins Publikum kotzen? Wird er irgendwen mit runtergelassener Hose bespringen? Wir werden sehen. Die Stimmung im durchaus jugendlichen Publikum, das den Auftritt der Blödelikone mit Steve-O-Sprechchören vehement fordert, scheint jedenfalls bestens sein.

Pünktlich um neun Uhr ist es dann soweit: unter dem Applaus seiner Fans betritt Steve-O die Bühne. Und mir fällt auch gleich wieder einer der Gründe ein, warum ich hier bin. Der Typ sieht einfach so sympathisch durch den Wind aus, den muss man einfach liebhaben. Da sorgt nicht mal sein Auftritt bei Germany’s Next Top Model für einen Punktabzug in der B-Note. Mit seinem typischen breiten Grinsen begrüßt er das Publikum und lässt mit seiner ersten Frage in die Runde erahnen, wohin die Reise heute Abend gehen wird: “What has four thumbs and fucking loves blowjobs?” Während ich noch krampfhaft überlege, was das denn nun sein kann, zieht Steve-O sein Shirt aus und präsentiert seinen tätowierten Rücken. Für die, die das Meisterwerk noch nicht kennen: es zeigt ihn selbst mit erhobenen Daumen und dem Spruch “Yeah Dude, I rock!”. Für alle Spätzünder löst er das Rätsel dann auf: “I have four thumbs and I fucking love blowjobs.” Das Publikum johlt und ich mit. Muss ja nicht immer subtiler, intellektueller Humor sein. Schon gar nicht, wenn man ein paar Bier intus hat. Außerdem steckt die Stimmung an.

Steve-O erzählt noch ein bisschen darüber, dass er seit mehr als drei Jahren keinen Tropfen Alkohol zu sich nimmt und schon gar keine anderen Drogen mehr. Sogar vegan will er nun leben. “I do healthy shit now”, freut er sich. Dabei sieht er gar nicht mal so gesund aus, aber das sind wohl nur die Spuren eines schnellen Lebens. Er plaudert ein wenig über Jackass, Johnny Knoxville und darüber, wie unglaublich er es findet, mit dem Mist, den er macht, auch noch berühmt geworden zu sein. Das ließe Rückschlüsse auf die Gesellschaft zu. Von einer Downward Spiral spricht er, womit er wohl nicht ganz Unrecht hat.

Recht schnell findet er dann aber auch wieder die Kurve zum eigentlichen Thema des Abends: Blowjobs, Groupies, seinem Penis und der dazugehörigen Spermaflugbahn. Und das ist anfangs auch wirklich lustig. Beispielsweise die Zote, als er den Penis eines Kumpels geküsst hat. Schwul sei das nicht gewesen, weil er erstens nur die Eichel geküsst hat, zweitens keinen Augenkontakt dabei hatte und drittens in Russland war. Alles in allem also rein platonisch. Das Publikum ist begeistert und lacht sich auch schlapp als er in die Runde fragt, zu welchen Internet-Porno-Seiten seine männlichen Fans am häufigsten onanieren, erzählt wie ihm eine Transe einen geblasen hat und nicht vergisst zu erwähnen, wie unglaublich schnell er beim Sex kommt. Seinen Groupies sei das egal, er sei ja schließlich berühmt. Schon ein lustiger Typ dieser Steve-O, aber langsam beginne ich mich doch zu fragen ob er heute noch mehr auf der Pfanne hat als diese Kanonade von versauten Schenkelklopfern.

Und tatsächlich, jetzt scheint doch noch der spektakuläre Part der Show zu beginnen. Ich bin auf Bahnbrechendes vorbereitet. Okay, die Messer-auf-dem-Gesicht-Balancier-Nummer war sicher nur zum Warmwerden. Denn jetzt zerschlägt Steve-O eine Glühbirne und beteuert folgenden Stunt nur zu machen, weil er sein deutsches Publikum so liebt. Ja ja, okay, sei’s drum. Ich frage mich was für eine Sauerei er mit den Scherben machen will. Ah okay, die Zunge aufschneiden… einmal längs, einmal quer, nochmal längs, nochmal quer… mit dem Blut malt er sich dann in bester Braveheart-Manier  das Gesicht an. Hmm, lustig ist das nicht, spektakulär auch nicht unbedingt, tut halt weh nehme ich an. Irgendwem im Publikum sackt beim Anblick des blutverschmierten Grinsegesichts dann noch kurz der Kreislauf weg. Hätte lieber mal live gesehen, wie er Raketen aus seinem Arsch abfeuert oder irgendwas in der Richtung. Ordentlich Applaus kriegt er trotzdem.

Jetzt noch kurz der angekündigte Bartrick, der einem Freigetränke in jeder Bar verschaffen soll. Alles was es dazu braucht, ist ein Depp, der mit einem wettet, dass man es nicht schafft, ein Glas, das auf dem eigenen Kopf steht, leer zu trinken ohne dabei die Hände zu benutzen. Steve-O setzt sich also den Becher auf die Ömme, geht langsam in die Knie, legt sich vorsichtig über einen Tisch und… dann kann ich ihn wegen der Leute vor mir nicht mehr sehen. Sicher akrobatisch was der ehemalige Student eines Clown Colleges da vorführt. Aber so richtig jucken tut’s mich nicht. Bin eh nicht so der Turnertyp. Die Chancen stehen also schlecht, dass ich genau jetzt in diesem Augenblick meine große Chance verpasse, mich in Zukunft jederzeit und überall für umme besaufen zu können. Und dann ist es auch schon rum. Ein Blick auf die Uhr sagt mir, das der Auftritt gerade mal eine Stunde gedauert hat. Puh, was soll man da sagen. Für zehn Euro wäre es sicher nett gewesen, aber für einen Preis, für den sich andere Komiker oder gestandene Bands schon mal zwei Stunden den Arsch wund spielen, war das irgendwie ein wenig mau. Aber so ist das wohl mit Popstars: die werden oft nach Bekanntheitsgrad bezahlt. Und Steve-O hat ja erwähnt, wie schnell bei ihm alles vorbei ist.

Kakkmaddafakka. Schöner Name. Klingt je nach aktueller Assoziationslaune mal nach einer auf die Schnelle ausgedachten Beleidigung eines Fünfjährigen, oder dem Namen einer Band, die man so im Hintergrund hört, während man in Norwegen an seinem wirren 1600 Seiten Pamphlet schreibt. Muss an den Ehrfurcht einflößenden Doppel Ks liegen.

Skandinavischer Abend in Stuttgart, zeitgleich spielen Roxette in der kuscheligen Schleyerhalle, während, für mich überraschend, viele Personen in der Röhre auf den Beginn des Konzerts der Norweger warten. Noch etwas Zeit also zu erwähnen, dass die Band aus dem The Whitest Boy Alive Stall kommt, soll heißen, gleiches Label namens Bubbles. Und da es immer noch nicht losgeht, bleibt auch noch Zeit zu konstatieren, dass zumindest sauftechnisch die jungen Mädels eine 100% Angleichung an die Männerwelt vollzogen haben. Immerhin, Emanzipation auch das irgendwie.

Um Zehn vor Neun kommen acht Norweger zu Hip Hop Beats auf die mit verschiedenem Gebüsch ausstaffierte Bühne, ein paar von den sehr jungen Herren haben auch eine Fliege umgebunden. Ein wenig ungewöhnlich auch die Instrumentierung, von Gitarre, Bass, Schlagzeug und Tasten mal abgesehen, spielt einer noch ein Cello, drei andere bilden einen Männerchor. Die Musik der Band folgt dann auch nicht unbedingt ganz festgezurrten Schemata. Das ist zwar schon alles irgendwie Indie, der ohne Probleme Samstagabends aufgelegt werden könnte, ohne die Tanzfläche zu leeren, aber hier mal ein Housebeat, dort ein Ska-Bass, dann wieder ein Salsa-Piano, lockern das Ganze doch immer wieder auf. So bleibt der Sound trotz aller Ohrwurmqualität immer noch interessant genug, um ihn vom Indie-Einheitsbrei abzuheben.

Sympathisch auch der Spaß mit dem die Jungs an die Sache rangehen. Keine affektierten Coolnessattitüden, und auch kein Problem damit ihre Musik nicht super bierernst rüberkommen zu lassen. Gitarrist und Hauptsänger Axel Vindenes sieht sehr nach einem Lausbub irgendeiner Astrid-Lindgren-Verfilmung der 70er aus, wahlweise könnte er auch in Gregory’s Girl mitspielen. Die haben da auch so sympathisch-grobe Frisuren.  Der Chor glänzt derweil weniger mit Gesang, als eher mit einer toller Choreographie. Hat was von Männeraerobic oder -jazztanz. Bei dem Weg, heißt das wirklich Jazztanz, oder frage ich mich seit dem Gegaffe vor 25 Jahren im Schulsport vergeblich, warum die Mädels damals nicht zu Miles Davis rumgesprungen sind?

Kakkmaddafakka verbraten derweil ihre Hits. Subtil ist das oftmals nicht, aber live funktionieren Songs wie “Touching”, “Cool”, “Your Girl” oder “Gangsta” blendend. Musikalisch gefallen mir die ruhigeren, entspannteren Sachen wie “Is She” oder “Self Esteem” besser, in denen die Band beweist, dass sie ein feines Gespür für Pop hat. Egal, die Röhre feiert und hat 90 Minuten ihren Spaß. Wer das daheim nachmachen will, kann das auch auf der Haus-Bontempi ausprobieren, da die Band netterweise auch die Akkorde ihrer Songs auf ihre Homepage gestellt hat.

Sollte es die nächsten Jahre mal ein Indie-Bierzelt auf dem Wasen geben, kann man Kakkmaddafakka problemlos als Liveact empfehlen. Und das nicht nur, weil das “Party-Animal” heißt.

Wenn mich der Soundteppich einer Gegenwartsband einfach nur weghaut, dann der von Handsome Furs. Virtuoses Gitarren-Gekreische, Drumbeats und eine heftige Keyboard-Bass-Wumme, die bis zum Anschlag reinknallt, garniert mit orgelnden Melodien. Seitdem sich das Paar Dan Boeckner und Alexei Perry von Montreal/Kanada aus auf die Reise gemacht hat, hat ihre Musik von Anfang an einen ganz eigenen Klangraum an sich gerissen. Heute machen Handsome Furs Station im Schocken in Stuttgart.

Drei Alben bisher: Plaque Park, Face Control und (gerade rausgebracht) Sound Kapital. Alle drei verpassen einem diesen zärtlichen Kick in die Eingeweide, den man von gutem Indie-Rock erwarten kann Alle drei sind liebevoll gebastelt und doch hammerhart in der Wirkung. Man kann kaum glauben, dass der unverwechselbare Sound nur von zwei Leuten performt wird. Ist aber so. Wenn man sie live hört, glaubt man’s. Dan Boeckner und Alexei Perry verbrechen diesen Angriff auf die Sinne ganz alleine. Er mit Stimme und E-Gitarre in allen Variationen. Sie mit Drum-Machine und Keyboard. Eine unglaubliche Energie wird da freigesetzt.

Der Sound basiert auf Dans Gitarren-Wahnsinn und dem Keyboard-Zauber von Alexei. Stets vorwärts getrieben von einer anrührend altmodisch stampfenden Drum-Machine. Nicht dass diese nicht donnern könnte, je nachdem ob Alexei sie wahlweise streichelt oder brachial traktiert, aber der Grundbeat ist manchmal fast ein bisschen Disco. Dazu passt der beleuchtete 70er-Jahre Boden im Keller vom Schocken hervorragend. Die quadratischen, bunten Lichtflecken zucken munter unter den Füßen der Zuhörer. Was den beiden zu Beginn der Show auch gleich auffällt und viel Spass macht, Dan: „And the yellow ones are poison.“

Nach dem sympathischen Sirenengesang der Vorgruppe The little Sream (der Name – akustisch eine Untertreibung) ist der gut gefüllte Rockkeller vom Schocken gut vorgeglüht. Die beiden legen sogleich heftig los mit „When I get back! When I get back! When I get back, I won’t feel the same!“ Bereits nach einem Song ist Alexeis Frisur punkartig zerstört und die Highheels sind verloren gegangen. Ihr barfüßiger Spreizbeintanz hat was begeisternd theatralisches. Sie hüpft hoch und runter, wie ein lebendes Trampolin. Dazwischen, mit ausgestreckten Armen, Gesten der Abwehr, Gesten der Zuneigung. Die beiden spielen sich an, spielen mit und gegen einander. Gitarre gegen Keyboard, Bass kontra Drum-Machine.

Dan begrüßt die Menge und entschuldigt sich: „Ich schwitze…How do you say in German?…Wie ein Schwein?…Ok…Ich schwitze wie ein Schwein!“ Die Stimmung im Keller vom Schocken ist schweißtreibend. Die beiden hocken sich kurz auf den Boden und besprechen sich: „Sorry. Short band meeting!“ Und weiter geht’s mit Damage und Memories of the future.

Texttechnisch schwanken die beiden zwischen mystisch Metamophorischem und Gesellschaftsprotest. In I’m confused geht es um Zwei die „aus dem Wasser“ kamen, um sich zu finden. In Serve the people wird den Herrschenden entgegen geschrienen: „You don’t serve the people!“ Die Themen reichen weit, vom phantastisch, imaginären Officer of hearts. Über das Radio, als der tatsächlichen Heimat: In the radios hot sun. Bis zum unbeugsamen Repatraited mit seinem Kampfruf: „I will never be repatriated!“

Das Konzept der Songs, ist der Tritt in die Magengrube. Oft erreicht, durch die Zweiteilung der Songs. Die Übergänge sind mal abrupt, mal melodisch, aber immer hat man das Gefühl, da wird ein Stück perfektioniert. Durch eine Ergänzung, nach der der erste Teil des Songs geradezu geschrieen hat. Schon auf Plaque Park mit der Düsterhymne Dumb Animals. Dieser Abgesang auf die Menschheit erinnert im zweiten Teil ein wenig an A great big gig in the sky von Pink Floyd. Nur halt in den infernalischen Tiefen der Unterwelt. Nicht nach oben, sondern nach unten geschraubt.

What about us? ist dann auch höhepunkt-verdächtig und eben so ne Nummer mit zwei Teilen. Zuerst der rockig-rotzige: „Was wird aus uns?“ Danach der orgelnd, romantische: „Brech mir mein Herz!“ Dann erschallt Repatriated, in einer extra-starken Version. Das Keyboard hämmert die Töne markerschütternd raus. Der Boden bebt, die Kleidung vibriert, der Refrain „I will never be repatiated!“ donnert im Gewölbe. Schließlich, der reinste Gitarren-Keyboard-Orgasmus: „You don’t serve the people!“

Dan und Alexei: “Thank you! You were fucking great!” Bleibt nur zu sagen: Yes – you too!

Im einem Paralleluniversum hätte Art Brut vielleicht einen Sänger gehabt, der diesen Namen verdient. Dann hätte das Debüt bestimmt wie eine Bombe eingeschlagen. Danach wären die bemitleidenswerten, imaginären Art Brut dieses Paralleluniversums aber genauso in den ewigen Indiejagdgründen verschwunden und vergessen worden wie ihre Leidensgenossen von The…äh…The…The Dings.

So aber, mit dem mal rezitierenden, mal dozierdenden, leicht aufgedunsenen Dandy Eddie Argos an der Spitze, der alles außer singen tut, hat das Debütwerk “Bang Bang Rock’n'Roll” damals nur so halb eingeschlagen, Art Brut wurden nicht ganz in den Indie-Himmel katapultiert, um dort mit Hurra an der Betonwand aka zweites Album zu zermatschen, und haben sich seither eine so solide Fanbase erspielt, dass das furchtbar heiße Schocken auch an einem Montagabend aus allen Nähten platzt.

Warum Eddie Argos nicht singt? Weil er es erstens nicht kann, das aber, zweitens und viel wichtiger, im Gegensatz zu anderen auch eingesehen hat und es deshalb konsequent lässt. Das ist sowieso fast das beste an Art Brut: Die Musik ist schon okay, guter Indierock mit bisschen Punk-Gewürz, kann man nichts sagen. Aber diese ständigen Kommentare über die eigene Mittelmäßigkeit, das ist schon eine mutige Sache im Dicke-Eier-Rock-Business, wo es nicht selten darauf ankommt, die eigenen Werke ernsthaft und mit einer ordentlichen Portion Leid und Pathos im Hundeblick vorzutragen, um damit den schweren Prozess des künstlerischen Schaffens zu unterstreichen: Kunst ists nur, wenns weh getan hat, das Notenblatt mit Blut und Tränen getränkt. Alltagstaugliche Metapher: Kunst ist ein Toilettengang mit Verstopfung, Chart-Pop ist Durchfall.

Los geht’s mit Formed a band, dem Opener des ersten Albums, dann sofort My Little Brother mit der Liedzeile “Oh why don’t our parents worry about us?”, zu der es den ersten Exkurs gibt. Argos erläutert, dass sein kleiner Bruder mittlerweile 29 und Lehrer ist, er selber, Argos, sei nun Objekt der Sorge seiner Eltern, obwohl er schon 32 sei. Das Rezept to make your parents worry about you: “First, start a band. Second, release four albums, of which only the first one is known.” Freut sich über die gelungene Referenz an sich selbst, eine Seilspring-Einlage mit dem Mikrokabel. Und so geht es weiter: Die Lieder werden bis zur Bridge durchgespielt, die Band verharrt im Hintergrundmodus und lacht sich scheckig  über das, was Argos vorne minutenlang erläutert, erklärt, improvisiert, an Parolen rauslässt.

Art Brut wissen, dass sie musikalisch nichts neu erfunden haben. Aber sie wissen auch, dass poppiger Indiepunk das, allein von seinen Zutaten her, auch gar nicht wirklich zulässt, sondern eine riesige Spielwiese für eine Menge Spaß sein kann, wenn man sich selbst nicht so ernst nimmt. Emily Kane über die erste Liebe, Sealand über Sealand, TOTP über die eigene Eignung für TOTP: Eine spaßige Lesung mit musikalischer Untermalung, könnte man auch sagen. Ohne Sprecher Eddie Argos wäre es niemals so weit gekommen.

Zugegeben: Die beiden ersten Festivaltage fordern am finalen Sonntag ihren Tribut. Ich schwänze Livemusik. Nachdem Heiner Müllers Quartett mit FM Einheit und zwei Schauspielerinnen der Stuttgarter Staatsoper krankheitsbedingt abgesagt wurde, schenke ich mir den frühen Einstieg in den Festivaltag. Alles muss man ja auch nicht gesehen haben, sagt mir mein Gewissen, das eigentlich auf Vollständigkeit besteht. Limpe Fuchs wird es nicht bemerken, dass ich nicht mit geschlossenen Augen, scheinbar in ihre Musik kriechend, aber eigentlich eher müde, in einem der Sofas des Zelts abhänge. Die Avantgardistin unter den Schlagwerkerin wird auch ohne mich auf Holz, Stein oder klingender Bronze klöppeln. So ist es.

Nach spannenden Improvisationen und behutsamen musikalischen Annäherungen der in Brooklyn lebenden, deutschen Saxofonistin Ingrid Laubrock und des Schweizer Schlagwerkers Christian Wolfarth gibt sich auf der großen Bühne OY die Ehre. Joy Frempong hat Spaß daran, live aus Klangschnipseln und Sound-Loops Pop-Songs entstehen zu lassen – in Echtzeit, mit Puppen-Unterstützung und mehr oder weniger gewitzten Texten. Ein Großteil des Publikums ist gefesselt oder amüsiert sich köstlich.

Zum Heimspiel wird das Konzert von Bob Rutman’s Steel Cello Ensemble. Großartig, das zum zwei Meter hohen Metallsegel geformte Streichinstrument des 80-jährigen Klangerfinders, der die Töne mit Streicherbögen aus Angelschnur erzeugt und immer wieder zwischen den dünnen Platten hindurchlinst, um Kontakt zu den Mitmusikern zu halten. Unterstützt wird er von Christoph Hahn, der mit dem Ebow und Delays auf der Slidegitarre schöne Klangflächen und Melodien baut und von Keyboarder Hans Joachim Irmler. Hier spielt der Chef selbst und zwar mit großer Begeisterung und trimmt den Sound in eine Richtung, die den guten alten Krautrock hochleben lässt. Hinzukommt das Maulgetrommele von Mike Hentz, der wahlweise auch etwas für vokalistische Eruptionen übrig hat, und die omnipräsente Schlagzeugarbeit von Kersten Ginsberg. Das klingt zwar so, als habe der Mann in seiner Jugend eine Überdosis „Ummagumma“ abbekommen, peitscht die ganze Sache enorm nach vorne. En typisches und wortwörtliches Klangbad-Konzert, begeistert bejubelt. Rutman lässt sich eine Zugabe nicht nehmen, verspricht Gänsehaut-Feeling, meint aber wohl eher die Haare, die einem zu Berge stehen. Heftiges Gesäge auf Metall wird mit dem schmutzigen Text von „Dry Fuck“ verschmolzen. Und Rutman legt mit Limericks ähnlicher Machart nach.

Für ein großartig eintöniges Finale des Festivals sorgen dann Elektro Guzzi aus Wien, die in der klassischen Rocktrio-Besetzung analogen und definitiv tanzbaren Techno zelebrieren. Die Clubmeister bewegen das Klangbad-Publikum und es freut sich an der immer stärker werdenden Sogwirkung der handgemachten Beats. Ohne Sounds aus dem Off und Laptops zelebrieren Bernhard Hammer, Jakob Schneidewind und Bernhard Breuer die Magie der Monotonie, die sie in der Vergangenheit bis zum Sonar-Festival nach Barcelona gebracht hat. In den letzten fünf Minuten dieses mehr als einstündigen Tracks bricht die Soundhölle los. Klasse.

Da bleibt Klangbad-Chef Irmler nur der Dank an alle Mit-Organisatoren des Vereins, die Stadt Scheer und die hundert ehrenamtlichen Helfer aus nah und fern. Und dem Publikum dankt er mit Rührung in der Stimme: „Ihr seid die schönste Familie die man sich wünschen kann und so schnell gewachsen. Ich werde euch vermissen.“

Fortsetzung folgt, allerdings erst wieder im Sommer 2013. Mehr Infos unter Klangbadfestival.