ACHTUNG, ACHTUNG: Scream sind zurück! Bitte mal alle fest anschnallen: Anarcho-Schockwellen türmen sich auf, am Horizont der totglobalisierten Welt, brennt ein Inferno aus markerschütterndem Hardcore Punk! Die Absurdität der ganzen gottverdammten Anpassung wird einem Generalangriff unterzogen. So wie das einst bei der Entstehung vom Punk-Rock war, als The Clash und die Sex Pistols die Welt revolutionierten, oder dieses zumindest versuchten.

Nein, Punk hat die Menschheit nicht von der Anbetung des Mammon befreit. Aber die großen alten Punk-Rocker von Scream (berühmt geworden durch das Independent Label Dischord Records) wollen das nicht hinnehmen und versuchen es einfach weiter, versuchen es wieder und das nach fast 20 Jahren. Die neue Scheibe (nur auf Vinyl erhältlich) Complete Control Sessions war nach der unerwarteten Reunion eine erfreuliche Überraschung. Mit dem differenzierten, teils ganz neuen und doch brachial punkigen Sound überzeugt die Scheibe und begeistert die Fans. Die alten Platten sind im Zuge der Neuveröffentlichung praktisch ausverkauft. Das nenne ich eine Wiederauferstehung!

Nun gehen die Brüder Pete (Vocals) und Franz (Lead-Guitar) Stahl mit Bassist Skeeter Thompson und Drummer Kent Stax (also in der Gründungsformation) auf große Europa-Tournee. Heute machen sie in Stuttgart im Schocken Station. Mit an Bord, ein Neuer: Gitarren Virtuose Clint Walsh (der den zeitweiligen Gittaristen Robert Lee Davidson ersetzt).

Manche Fans werden Dave Grohl von den Foo Fighters vermissen. Grohl war bei Scream am Schlagzeug (als sich Stax eine Auszeit nahm) und hatte die Band stark beeinflusst. Aber ein bisschen scheint sein Geist Scream weiter zu begleiten, das neue Album wurde in seinem Studio 606 aufgenommen. Irgendwie scheint die Band mit der Vergangenheit ihren Frieden gemacht zu haben.

Und wenn eine Band ihrem Namen alle Ehre macht, dann Scream. So schreit sich Pete gleich zu Beginn die Seele aus dem Leib und ist nach zwei Songs schweißgebadet. Die Geräuschlawine aus verzerrten Gitarren und ohrenbetäubendem Schlagzeug-Gedonner zieht einen in ihren Bann. Bei Scream wird Anarchie musikalisch durch-dekliniert. „Keep the spirit up!“ wird ins Publikum gegrölt und die Menge antwortet mit kollektivem Head-Banging. Pete geht dabei ganz direkt auf die Leute zu, springt von der Bühne, schreit einem ins Gesicht und treibt mit rudernden Armbewegungen die Menge näher an die Bühne. Entkommen? Zu spät! Aus der Erfahrung nicht!

This side up! (vom zweiten, gleichnamigen Album der Band) gibt einem das Gefühl, dass das Schocken gleich abhebt, weil für all die extremen Emotionen einfach nicht genug Raum zu sein scheint. Pete verbiegt seinen Leib, seine Halsschlagadern pochen. Sich festklammernd am Gerüstbalken, hört er nicht auf himmelwärts zu schreien: What can we do? Begleitet von Gitarrensoli der Verzweiflung. Neue Nummern wie Stopwatch gehen durch Mark und Bein. No Money – Feel like that lässt die Band mit den Fans verschmelzen.

Zwischen Wut und Hass kommt immer wieder ein trauriges Wehklagen zum tragen. Reggae und Blues schimmern da deutlich hervor. Besonders bei dem Song für den am gestrigen Tage verstorbenen Don Cornelius (einer US-Musiklegende, die vielen farbigen Musikern zum Durchbruch verhalf). Cornelius hat den Freitod gewählt. Scream verbeugt sich mit einem Song. Pete: “For the guy who is now somewhere out there.” Punk ist halt immer auch hart am Tod gebaut.

Da wird dann Hardcore plötzlich zur tiefschürfenden Suche nach dem Sinn des Seins. Gerade weil so einfach brutal und gnadenlos laut. Scream schreit einem die Ursuche nach dem eigenen Weg, dem Streben nach einem besseren Sein, jenseits der vorgezeichneten Bahnen, erbarmungslos grausam ins Bewusstsein zurück. Die Vergänglichkeit und Sinnlosigkeit eines marktkonform herunter gelebten Lebens, wird da mit Akkord-Trommelfeuern offen gelegt. Was bleibt, ist der Kampf dagegen. Was bleibt, ist der nie enden wollende Schrei.

Als ich gestern Leonies Artikel gelesen habe, spürte ich ein wenig dem Eingangszitat nach und fand diesen Artikel, in welchem die nicht ganz neue Parabel von den drei Blinden erzählte wird, die einen Elefanten beschreiben sollen, den sie nur ertasten können: Der erste betastet den Rüssel und beschreibt das Tier als Schlange, der zweite, am Schwanz, hält ihn einem Seil für ähnlicher, während der dritte – er steht an einem der Beine – ihn mit einem Baum vergleicht.

Etwa so kommt man sich vor, wenn man die Melvins erfassen möchte – und zwar auch, wenn man alle fünf Sinne beieinander hat. Der Elefant, den ich da sehe und höre, ist fünfeckig, janusköpfig, neunarmig und muss von der Tarantel gestochen sein, denn er trampelt manisch umher und zerdeppert das ganze Porzellan.

Macht aber nichts, denn es war wahrscheinlich ohnehin zu schön, zu wohlgeformt, zu gefällig, zu Standard, um mit dieser Art von Elefant in einen Raum zu passen. Und während es noch so scheppert, entsteht eine Trash-Ikone, ein Berg der Bedeutungslosigkeit – genauso, nur anders wie in diesem Jugendbuch. Für viele der Anwesenden ist sie offensichtlich Gegenstand der Anbetung. Vor allem aber trifft sie stilsicher eine Ästhetik des Abseitigen, Absonderlichen, Grotesken. Man muss sich ja nur mal die Albumcover ansehen. Sie stellen größtenteils – mit Ausnahme vor allem der „Trilogy“ bestehend aus „Maggot“, „Bootlicker“ und „Crybaby“ – irgendwelche Abfallprodukte der Mainstream-Kultur zur Schau: vom Poesiealbumbildchen über die Kitsch-Tapete bis zu Cowboy und Indianer. Wer sonst würde eine LP-Box in Form einer Pizza-Schachtel veröffentlichen? Perfekt!

Und weil sich diese Abkehr vom Gefälligen, Gewöhnlichen und allgemein Akzeptierten auch auf die Musik erstreckt, sind sie im Schoße von u. a. Mike Pattons nach der Brechpflanze benannten Plattenfirma Ipecac Recordings auch hervorragend aufgehoben, haben die es sich doch gerade zur Aufgabe gemacht, das musikalisch Grenzgängerische zu veröffentlichen. Dafür stehen Signings wie Fântomas oder Bohren und der Club of Gore, die uns am 23. November im Schocken beehren, oder eben die Melvins.

Das hat auch alles seine Richtigkeit, sonst hätten wir nicht die Möglichkeit der kreativen Freiheit von Musikern wie Buzz Osborne zu lauschen, der – äußerlich nicht minder frei – im schwarzen Cordsamtkleid, dessen Passe ein buntes, verdächtig nach Kinderschlafanzug aussehendes Pferdchenmuster zeigt, mit seinen eng bei einander stehenden Füßen und den breiten Schultern irgendwie aussieht wie ein auf der Spitze stehendes Dreieck, inklusive – von wegen der weißen Mähne – einem Püschel oben. Dazu trägt er Schal und eine durchsichtige Gitarre mit Aluminium-Griffbrett. Passt alles nicht zusammen? Na eben. Darum geht es. So wie in der Musik. Und warum sich Schranken auferlegen? Nur so herum wird kein Schuh draus, sondern eine der einflussreichsten Bands im, äh, Rock-Underground – das mit der Etikettierung funktioniert hier nämlich nicht so richtig, denn die Melvins-Maschine wird vorne mit Punk und Hardcore gefüttert, während hinten fünfeckige Würfel herauspurzeln, die von anderen Bands zu Grunge, Stoner, Sludge – als dessen Erfinder die Melvins gelten – et cetera weiterverarbeitet werden oder wieder in die Ausgangsmaterialien eingehen. Wie sollte man das Erzeugnis also nennen? Glücklicherweise brauchen wir kein anderes Label als eben „Melvins“.

Sie spielen 19 Stücke von ihren 18 Alben. Die ältesten: „It’s Shoved“ und „Ligature“ von „Bullhead“ (1991). Sieben der Stücke sind von den letzten drei Platten. Insgesamt wohl eine gute Mischung. Da ist alles dabei, von den punkigeren zu den sludgeigeren zu den metallischeren Enden des Schaffens. Buzz hat oben auf die Orange-4 x 12“ einen Ventilator gestellt. Der pustet mir den kratzig scharfen Gitarren Sound über die zwei Meter Luftlinie nochmal verstärkt um die Ohren. Ja, ich weiß: Das ist musiktechnischer Quatsch, was ich das schreibe. Kein Quatsch ist, dass die drei Mikrophone zur Abnahme der Gitarre deren Klang entscheidend verdichten. Mehr Wumms! Vielleicht ist das bei Jared Warrens Bass auf der anderen Seite genauso – ich kann das nicht sehen –, jedenfalls würde das erklären, warum an den wenigen ruhigen Stellen der mächtige Sustain des Viersaiters die Bierflaschen auf den Tieftönern links und rechts hörbar mitscheppern lässt, unterbrochen nur durch das gelegentliche Klirren, wenn eine herunterfällt.

Aber der Bass steht nur selten so im Vordergrund wie beim letzten Stück „Shevil“. Den meisten Krach macht sonst sicherlich die Gitarre, egal ob Buzz im ersten Stück bei 180 bpm mit dem Mittelfinger auf eine Saite eintrommelt, ob er drauf los schreddert oder komplexere Riffs runterzockt, ob er mal kontrolliertere, meist anarchischere Soli spielt. Melodien braucht es da nicht. Man hat ja auch zwei Schlagzeuger. Das gibt ein wenig die Richtung vor: vertrackt, rhythmisch, mit vielen Breaks. Daran sparen die Melvins sowieso nicht: Nur nichts Gewöhnliches bringen. Und das Publikum dankt es. Einer der grandiosesten Momente ist wohl, als es bei „The Water Glass“ vom neuen Album „The Bride Screamed Murder“ den Beweis antritt, dass es selbst die irrwitzigsten Gesangsfolgen des Ruf-und-Antwort-Spielchens zwischen Buzz und seinen Mannen mitsingen kann. Und zwar im Timing. Nicht so wie bei dem Dave Gilmour-Konzert, auf dem ich mal war: „Wish You Were Here“ plus/minus zwei Viertel im Takt mitgesungen. Schon peinlich. Hier aber: sauberer Punk-Gospel.

Das Kernelement der Musik bilden aber wohl die zwei Schlagzeuger Dale Crover und Coady Willis. Die haben mich auf jeden Fall am meisten beeindruckt, denn zwei Drummer, die parallel das Gleiche spielen, müssen schon sehr genau auf dem Punkt sein, damit etwas Anderes als Soundbrei dabei heraus kommt. Dieses Handicap haben sie aber noch gesteigert, indem sie über weite Stecken doch recht abgefahrene Fills und mehr noch Rhythmuswechsel einbauen. Dennoch sind sie unglaublich tight. Selbst wenn sie langsam das Tempo verändern. Ich bin baff. Dementsprechend richte ich mein Augenmerk auch über weite Strecken auf die beiden in ihren Phantasieuniformen und kurzen Röckchen. Sie wurden in dem neuen Stop-Motion-Video zu „Electric Flower“ ganz richtig dargestellt: ein Wesen mit zwei Gesichtern. Nur die neun Arme wurden vergessen, denn nicht nur geben sie dem Rhythmus durch synchrones Spiel mehr Druck, sie nutzen auch die Vorteile ihrer größeren Anzahl von Gliedmaßen: Das Ganze ist mehr als seine Teile. Und warum nicht auch den Dubblebass von Füßen spielen lassen, die nicht weiter oben zusammengewachsen sind?

Da schlackern mir nachher die Ohren. Pausen werden ja keine gemacht. Wer braucht schon Applaus? Das Publikum weiß ohnehin nicht, wie ihm geschehen ist. Auch Ansagen gibt’s keine. Das macht wohl nur, wer es nötig hat, dem Publikum zu gefallen. Und so geht Buzz mitten im letzten Song von der Bühne. Und genauso kommentarlos die anderen. Und Schluss. Wow!

Schweißnass, jeder. Bestimmt “a Subbrsach” weiß Gott wo, aber eher bedenklich beim Konzert, es sind schließlich hauptsächlich wildfremde Leute anwesend. Da schlägt schnell die Stunde, in der irgendwie alles toller ist, als denen zu nahe zu kommen. Hier im ausverkauften LKA funktioniert das aber nicht. Da kleben einem ständig Haare von blonden Frauen oder Remsecker Headbangern am Arm. Wahlweise auch ihre Arme, ihre Rücken oder dann halt doch gleich ganze Menschen.

Eine patschnasse Frau, umarmt ihren Freund, ihr Make Up ist verlaufen, und sie sieht ein bisschen aus wie das Cover der “Around The Fur”-Platte der Deftones. Ihr Freund fasst sie an den Hüften und zieht sie noch näher an sich heran. Dann küssen sie sich. “Mein lieber Herr Gesangsverein. DAS muss dann wohl Liebe sein”, will ich rufen.

Chino Moreno, Sänger der Deftones ist schneller: “I really wish these snakes were your arms”. Ein Romantiker wird der nicht mehr, so viel ist sicher. Egal. Man weiß gar nicht, wo man sich zu erst bedanken möchte, aber am Donnerstagabend hat Moreno tatsächlich einen guten Tag erwischt. Da steht er auf seinem Podest, rudert mit den Armen, singt erschreckend sicher, schreit und kreischt mit allem Zubehör. Und er lässt sich feiern. Zu Recht. Der Kerl sieht endlich aus wie einer, der mit sich ins Reine kommt.

Das ist gut. Denn in genau diesen Momenten holen die Deftones die Sterne einzeln vom Himmel und hauen jedem aufs Maul, der versucht, sie daran zu hindern. Ist Moreno mies aufgelegt, dann ist sein Gewimmer schier unerträglich. Da bleibt dann nur der Gedanke, wie gut das eigentlich auf Platte klingt. Doch schöne Erinnerungen alleine sind halt eine nutzlose Währung, wenn man das Leben damit bezahlen soll. Die Deftones haben in den vergangenen Jahren viel Kredit verspielt.

“Diamond Eyes”, der Opener – passender geht’s kaum. Kurz mal mit der Faust auf den Tisch schlagen. “Diamonds reign across the Sky” singt Moreno. Den Himmel kann man im LKA leider nur erahnen, ist schließlich ein Dach drauf. Unter dem staut sich jetzt aber schon die Hitze. Scheissdrauf, weiteratmen, weil’s Sinn macht.

“Be Quiet & Drive”, der Pophit von “Around The Fur. “I don’t care where, just far away” – auch das kann ein Reiseziel sein. Trotzdem: Lieber da bleiben, denn das hier wird von Minute zu Minute besser. Auch wenn der Sound dumpf klingt und Moreno so viel Hall auf der Stimme hat, dass er klingt, als würde er in der Stiftskirche singen – die Wucht ist spürbar. “My Own Summer”, ein Kinnhaken. ”Hey you, big star, tell me when it’s over” – Arschlecken, hier ist noch lange nix zu Ende.

Ab und an machen die Kalifornier noch in Sportrock und erinnern an die schlimmen Zeiten, als Trottel in Rockbands, HipHopper sein wollten, obwohl sie schlechter als DJ Bobo rappten. Linkin Park haben eine Karriere daraus gemacht, die Deftones ihren Hals würdevoll aus der Schlinge gezogen – Nu Metal ist tot. Zu Recht. Die Deftones: lebendiger als sie das in den vergangenen Jahren je waren.

Ein Kerl im Limp Bizkit T-Shirt filmt das alles mit dem Handy. Das ist sehr zynisch. Hoffentlich schickt er das Filmchen an Fred Durst und schreibt dazu: “Seggl. So geht das!”

“Beauty School”, ist zum Umarmen schön. “You’ve Seen The Butcher”, ein grobes sperriges Ding. Eines dieser Lieder, zu denen nur Menschen tanzen würden, die wirklich nicht alle Latten am Zaun haben. Doch die ganze Halle wippt im Takt, einige springen, andere halten die Augen geschlossen. Abtauchen. Toll.

Dazwischen zeigt Abe Cunningham, wie das mit dem Schlagzeug geht. Der Mann bringt Steine zum Tanzen. Stephen Carpenters unwirtlich verzerrte Gitarre klingt mittlerweile auch wie eine Walze. “Auuufff gehht’s”, schreit Shavy Eggmann neben mir. Recht hat er. Auf geht’s.

“Sextape”, macht endgültig den Sack zu und auch noch einen Knopf dran. Das ist Liebe, das ist Leidenschaft. “Take me one more time, take me one more wave, take me for one last ride, I’m out of my head”. Verdammtundzugenäht, ist das schön, man möchte Konfetti werfen. “The Sound of Waves Collide”. Konfrontation auf einem ganz anderen Level ist das. Selten machte der Tippfehler “Leid” statt “Lied” mehr Sinn – ein Schützenfest ist das, jeder Schuss ein Treffer.

Da stimmt’s an allen Ecken und Enden. Auch rechts außen auf der Bühne. Da steht Sergio Vega, ein Traum von einem Bassisten, mit einer Baseballmütze, die Leute in seinem Alter normalerweise nicht mehr tragen. Der Mann lenkte schon bei den famosen Quicksand die Lieder, ohne großes Getue. Er macht das einfach.

Es ist trotzdem zum Kotzen. Chi Cheng, eigentlicher Bassist der Deftones, liegt seit November 2008 im Koma. Autounfall. Niemand weiß, ob er je wieder erwachen wird. Und was sein wird, falls er es je tun sollte. Ein Freund auf Stand-by, nur er selbst kann sich wieder anschalten, nicht Gott – gäbe es einen, hätte er es längst getan. Sergio Vega, ein anderer Freund, steht da, um das Loch wenigstens ein bisschen zu erhellen. Er macht das großartig. “Change (in The House of Flies)”, klang selten besser. “Minerva”, “The Earth”, “Feiticeira” oder “Passenger” ebenso.

Das ist Tragik, kein Fingerbreit witzig – und dennoch passt es zur brachialen Hoffnungslosigkeit, die das Quintett aus Sacramento seit Jahren konserviert. Nur halt schlimmer als immer erwartet. Besonders weil die Deftones nie besser waren als an diesem Abend.

Irgendwas ist da passiert. Vielleicht sind da Narben, wo früher Wunden waren. Auch das ist Fortschritt. Oder zumindest ein Schritt in die richtige Richtung.

P.S.: Die Vorgruppe Animals as Leaders – ich geb’s zu: hab nur zwei Lieder mitbekommen. Es war schön, aber Progfusionjazzmetal – das ist nix für alle Tage. Donnerstag war so einer.

Animals As Leaders

Deftones

Samstagabend, Zeit für Liebe oder fürs Verdrängen. Dafür gibt’s kaum bessere Orte als die Altstadt. Die nimmt einen, wie man ist. So wie der Winter, das singt zumindest Stephan Trinkl von Hoch/Tief. Und die Stuttgarter Postcore Band, weiß vermutlich nicht einmal, dass sie der perfekte Samstagabend ist. Da ist Leben drin.

“Der Frühling hat Fragen, der Sommer will nur spielen, der Herbst sagt ‘Alles Mist’, nur der Winter nimmt dich wie du bist”. Topzeilen im milden Winter, der eigentlich Sommer sein will. Draußen vor der Kiste spielt Gott sein zynisches Spiel, drinnen stehen Stephan Trinkl, Ingo Koch und Jochen Heimbach und spielen die Lieder für die, die’s längst wissen. Früher waren sie mal Upfront, Boiler und Cargo City. Heute sind sie Hoch/Tief und besser als je zuvor, obwohl sie heißen wie ein marodes Bauunternehmen.

Grobe Referenz: “Emo” als das noch kein dummfrisiertes Schimpfwort war. Texas Is The Reason, Fugazi, Quicksand, ein bisschen Far und halt AC/DC. Bekümmert, trotzdem ohne Helm, dafür mit ordentlich Angriffsfläche, wenn man denn unbedingt eine braucht – so geht das mit den echten Emotionen. Bestens aufgehoben sind sie bei Arctic Rodeo Recordings, dem Stuttgarter/Hamburger Plattenlabel, das ständig Platten veröffentlicht von Bands, die früher schon mit Tarnkappe gespielt haben. Liebhaberzeug.

“Ich mache mir Sorgen”, sagt Sänger und Gitarrist Stephan Trinkl. Eine Frau torkelte Minuten vorher an der kleinen Bühne vorbei zur Toilette. Seitdem hat man nichts mehr von ihr gesehen. Wird schon nix passiert sein.

Sauheiß ist es in der Kiste. Schlagzeuger Ingo tanzt trotzdem fast beim Spielen, Bassist Jochen shoegazed in seiner eigenen Welt, obwohl er keine schönen Schuhe trägt und Trinkl haut Zeilen raus, die nirgendwo zu hauser sind, als eben in der Altstadt. Das rollt, das hüpft manchmal – nur ab und an wäre etwas mehr Druck noch toll. Besonders dann, wenn Hoch/Tief fast nebenbei noch mehr Leidenschaft in die Waagschale werfen und die Schraube anziehen. “Ich fühl’ mich heut’ so independent. So Westberlin.” Wieder eine Zeile zum Einrahmen.

“Im Prinzip ganz gut, aber trotzdem Laaannnggweilig”, ruft eine ältere Dame mit schnittiger Kurzhaarfrisur und Weinglas in der Hand. Grob 50 Leute in der Kiste quittieren diese brachiale Fehleinschätzung mit sehr lautem Gelächter. Egal. Mund abputzen und weiter. Die Dame versucht die Umstehenden zum Tanzen zu animieren. Geht doch. Später erzählt einer, sie würde in der Pathologie arbeiten.

Eine andere Frau schüttelt den Kopf und sagt, sie würde sich hier fühlen wie in einem Tarantino-Film. Aus dem Nachbarhaus wurde ein paar Stunden zuvor eine Leiche rausgetragen. Sie hat’s gesehen. Ich nicht. Gottseidank. Dafür darf ich sehen, wie sich bei “Gekommen, um zu gehen” plötzlich Quicksand und AC/DC vereinen. Tarantino hätte das nicht hinbekommen.

“Hallo Panik, schön dich zu sehen.” Wer Lieder wie “Alarm” schreibt, darf gerne einen Dicken machen. Hoch/Tief tun’s trotzdem nicht. Understatement, wo man auch hinschaut. Doch hört man genauer hin, dann ist das groß und bunt. Immer wieder schummelt das Trio fast beiläufig große Momente und Melodien in seine Lieder. Toll.  Lieder über das Leben von denen, die halt hinschauen, weil wegschauen zu viel Arbeit wäre. Leider lebensnahe. Da wird sogar die Brücke vom Milchkaffee zum Schaumschläger gebaut – ”Late Muchacho”, ihr Ficker. Tolle Lieder, tolle Band.

Schnell mal Luftschnappen vor der Kiste, kostet ja nix. Nebenan schlägt einer gerade einem Typen aufs Maul, der eh nicht mehr stehen wollte. Der kracht gegen ein parkendes Auto. Seine Freunde beglückwünschen Klitschko zum Coup und klopfen ihn auf die Schulter. Er hat nichts verstanden. Ein alter Mann mit Broccoli-Nase brabbelt derweil unverständliches Zeug, auf seine Stirn ist sehr groß “666″ tättowiert. Die Geschichte dazu möchte ich lieber nicht wissen. Drinnen in der Kiste gehen Hoch/Tief in die Verlängerung, erzählen noch ein bisschen vom Leben bis Ingo das Schlagzeug kaputt schlägt. Irgendwann ist immer Schluss.

“Zu viel gelacht, zu viel getrunken”, singt Trinkl in “Oblomow”, als ob man tatsächlich zu viel lachen könnte. “Lass uns abhauen”.

Selbst zwischen all den Klagen über den zu kalten Sommer dieses Jahres ist der plötzliche, wenn auch nur akustische Wintereinbruch, welchen das LKA am Samstag erlebt, überraschend – zumal für mich, der ich mit dem neurotischen Hauptakt nicht allzu vertraut bin. Doch der Reihe nach.

Den Abend eröffnen die Piemonteser Ufomammut mit einer grob geschrotenen Ladung psychedelisch angehauchten Sludges. Sie spielen ellenlange vielteilige Stücke, deren tragendes Instrument häufig der Bass von Urlo ist. Er gibt der Musik ihren über weite Strecken stark rhythmischen Charakter. Und Vita hämmert jede Note mit seinem langsamen Schlagzeugspiel derart in den Boden, dass man tatsächlich an den Fußfall eines Mammuts denken muss. Entscheidend für den Gesamteindruck ist aber weniger diese drückende Schwere, sondern der Klang, in welchen Sie gekleidet ist: Der Viersaiter ist derart stark verzerrt, dass man den Eindruck gewinnt, sein Sound würde in faustgroße Klumpen zerfallen.

Das wird, wie spätere Diskussionen mit der großen Zahl mir bekannter Konzertbesucher zeigt, vielfach als Problem angesehen. “Zu dumpf, zu matschig”, sei der Bass gewesen. Es ist auch richtig, dass er der Gitarre und den irritierenden psychedelischen Elektroniksounds von Poia wenig klanglichen Raum lässt. Im Gegensatz zu den Alben stampft der Großsäuger live zu undifferenziert über uns hinweg. Selbstverständlich gibt es auch in den Studioaufnahmen Passagen, welche einen solchen Drone-artigen Charakter haben. Man kennt so etwas auch von Bands wie Black Shape of Nexus, die ihren Gitarrensound durch Runterstimmen und den Einsatz von Subwoofern in den Frequenzbereich des Rhythmusinstrumentes Bass bringen, oder von Bunkur, die gleich mit zwei Bässen aber ohne Gitarre auftreten. Auf den Ufomammut-Platten indes bieten Gitarre und Elektronik eben zusätzlich eine ganze Menge Soundtüfteleien, welche die Band so interessant machen und die heute zu kurz kommen. Dabei sieht man Poia während des Konzertes mit mehreren mit umfangreichen Schemata beschrifteten A3 Seiten hantieren, die offenbar eine Art Partitur darstellen. Assoziationen zu Karlheinz Stockhausen liegen nahe.

Klanglich sind Ufomammut also eigentlich Tüftler, selbst wenn sie live mehr auf die wuchtige Sludge-Komponente ihrer Musik vertrauten. Diese Tüftelei erstreckt sich allerdings auch auf die Optik. Wie bei Neurosis später laufen während des gesamten Auftritts auf der Rückwand der Bühne verfremdete Filme und Bildkollagen ab. Man sieht stilisierte nackte Leiber, die sich in Flammen und Lava winden, sodass man an Darstellungen des Jüngesten Gerichts oder mehr noch an Luzifers Schätze denken muss. Später werden bewegte Bildstrukturen wie durch ein Kaleidoskop projiziert. Das Optische liegt bei Ufomammut allerdings auch nahe, denn zwei der Musiker, Poia und Urlo, gehören zu der Künstlergruppe Malleus, welche vom Jugendstil beeinflusste Plakatkunst erschafft und schon wiederholt offizielle Serien für das Roadburn gestaltet hat.

Und dann also Neurosis. Vielleicht ist es ja der schieren Masse selbst nur der guten Plattenveröffentlichungen zu schulden, dass ich der Band bislang kaum Aufmerksamkeit geschenkt habe, obwohl ich irgendwie den Verdacht hatte, dass es sich lohnen könnte. Es ist nicht das erste Mal, dass ich an etwas Gefallen finde, was ich auch schon früher für mich hätte entdecken können. Ich hoffe mal, das geht nicht nur mir so. Einigen der Die hard-Fans in meiner Begleitung war es jedenfalls völlig unverständlich, wieso ich noch nicht mal ein Konzert von der Band gesehen habe, schließlich haben sie ja auf dem Roadburn gespielt. Und selbst da habe ich sie missachtet und mir zeitgleich etwas anderes angesehen. „Das ist jetzt mein achtes Neurosis-Konzert.“ – „Ich hab‘ die schon 13 Mal gesehen.“ –„Ich werd‘ nie vergessen, wie ich sie das erste Mal sah. Ich bin gespannt, was Du nachher sagst“, heißt es da. „Und?“ Also, schau’n wir mal:

Nach einer umfangreichen Umbaupause kommt Keyboarder Noah Landis auf die noch dunkle Bühne, stellt sich vorne an den Rand und reißt einfach beide Arme hoch, womit er scheinbar den Power-Schalter des Publikums getroffen hat, denn lauter Jubel ist die sofortige Reaktion. Das erste Stück beginnt er daraufhin mit elektronischen Störgeräuschen in der Art aufeinander reibender Glasscherben. Nachdem sich das vielleicht zwanzig, dreißig Sekunden hingezogen hat, gibt Jason Roeder am Schlagzeug den Einsatz und Dave Edwardson greift in seine vier, Scott Kelly sowie Steve von Till in ihre jeweils sechs Saiten. Die beiden Gitarristen brüllen zugleich „Rise“, das erste Wort der Lyrics. Doch was sich dort erhebt, ist weniger der „Locust Star“, so der Titel des Stücks, sondern eine Art apokalyptische Kaltfront, die einem durch und durch geht. Noah hämmert mit seinen Fäusten auf digitale Schlagzeug-Pads, welche er oben an seinem Keyboard-Ständer angebracht hat; die Gitarren klingen kalt und scharf wie ein Schneesturm, sind aber dennoch dicht und dräuend; die Texte aber werden aus vollem Leibe geschrien und klingen gleich nach Vereinzelung, Verheerung und Verzweiflung.

Das sind auch die Themen, um welche sie sich drehen und mit denen wir uns das Konzert über konfrontiert sehen. Neurosis sind so eine Art musikalisches Äquivalent zu Cormac McCarthy. Was dort die einfache Sprache ist, ist hier der Sound. Die emotionale Wertigkeit ist dieselbe. Man sieht vor dem geistigen Auge denselben bleigrauen Himmel und dieselbe tote, äscherne Winterlandschaft, welche die Lektüre von „The Road“ (2007) hervorgerufen hat. Landschaftsbeschreibungen in den Lyrics sind ganz ähnlich:

The land here absorbs light
Inverting false hopes to night
(aus: At the End of the Road)

Dabei liefern Neurosis mit ihrem festen nicht-musikalischen Bandmitglied Josh Graham gleich eigene Bilder mit, die während des gesamten Sets auf die Band und den Hintergrund projiziert werden. Es sind Bilder vom Vogelflug, oder Bildstörungen, die an ein Ultraschallbild erinnern, oder Feuerkaskaden und ausbrechende Vulkane, weit aufgerissene Augenpaare oder Skelette und Hirschgeweihe, die sich aus dichtem Rausch schälen, während sich die Riffs aufbauen, wie Gewitterwolken. Man sieht Nonnen und Jesus. Und später, als ich die erste Reihe verlasse, um mir das Ganze mal von hinten anzusehen, wo man einfach mehr von den Bildern mitbekommt, wird nochmal deutlicher, wie sehr diese auf die Musik abgestimmt sind. Da ist zum Beispiel eine Stelle in „Through Silver in Blood“, an welcher Jason einzelne Trommelschläge über einer von Noah generierten Fläche aus elektronischem Rauschen spielt. Dazu synchron sehen wir oben Blitze aus Gewitterwolken schlagen. Und als dann die ganze Wucht der Band zu den letzten beiden Songzeilen wieder einsetzt, sieht man passgenau den Feuerball einer riesigen Explosion aufsteigen.

Der Auftritt von Neurosis ist mit etwa anderthalb Stunden nicht besonders lang, aber er beansprucht den Zuschauer gehörig. Dazu bräuchte es die Bilderflut gar nicht – doch sie trägt ihren Teil dazu bei. Weitgehend im Dunkeln stehend und von wenig mehr als dem Beamer in ein gerastertes Licht getaucht, breiten sie ihre musikalische Meteorologie aus vom Eisregen bis zum Blizzard: Ob Steve während der ausgedehnten Drone-Passagen in „At the End of the Road“ die Gitarre durch Schwenken oder Draufschlagen zum Klingen bringt oder gegen seinen Verstärkerturm stemmt, ob Post-Hardcore-Riffs im down oder mid tempo-Bereich auf uns einprasseln oder ob Noah ganz atmosphärische Dark Ambient-artigen Klanglandschaften aus dem Synthesizer, Rauschen, elektronischen Störgeräuschen und Samples von kreischenden Metallteilen und Ähnlichem erbaut, wie man sie bei Peter Anderssons Raison d’être und Konsorten findet, ob die Vocals mal mit rauher Stimme geflüstert oder geschrien werden, die Eiseskälte zieht einem immer bis in die Knochen.

„Und?“ – Ich würde sagen, der Auftritt hat einen nachhaltigen Eindruck hinterlassen – und das scheint auch bei den anderen so gewesen zu sein, egal, ob sie „jedes Mal wieder beeindruckt“ waren oder in Stuttgart „die drittbeste [von 14] Neurosis-Shows“ gesehen haben. Die Band ist vielleicht nicht die einzige, aber eine mögliche Wahl für einen Soundtrack zur Apokalypse. Und während die zwei neuen Stücke „At the well“ und „Killing Elk“ den Langzeit-Fans eine Perspektive für ein elftes Studioalbum geben, kann ich mich erst Mal damit beschäftigen, den Back-Katalog zu entdecken. Das wird sicherlich helfen, kühlen Kopf zu bewahren, falls der Sommer doch noch richtig heiß werden sollte.

Schon Tage vor dem Southside habe ich angefangen zu beten. Dafür, dass ich dieses Jahr meine Eintrittskarte finde, dafür dass ich nicht schon wieder beklaut werde (oder die Diebe zumindest auf frischer Tat stellen und brutal bestrafen kann) und dafür, dass wetter.de Recht hat. Die hatten nämlich, im Gegensatz zu wetter.com, einigermaßen passables Wetter vorausgesagt. Eventuell leichte Regenschauer und so. Aber am Arsch, das Wetter – die Sau – hat es schon wieder getan.

Für die Festivalgänger hieß das mal wieder 3 Tage in Schlamm, Regen und Dreck leben. Aber zum Glück ist der Mensch sehr anpassungsfähig. Manchmal wunder ich mich selbst darüber, dass ich unter solch widrigen Umständen Spaß haben kann. Aber ist das Reinlichkeitsempfinden erst mal bis aufs Nötige runtergeschraubt und der Geist betäubt, geht der Rest von ganz allein. Nur sollte man auf gar keinen Fall seine Gummistiefel vergessen. Die sollten genau wie im vergangenen Jahr zum wohl wichtigsten Utensil werden.

17.06.2011

Wir kommen nachmittags gut gelaunt auf dem Parkplatz des Southside an. Das Wetter ist tatsächlich gar nicht schlecht. Schlamm ist nirgends zu sehen. Es wird doch wohl nicht etwa trocken bleiben? Ich schreibe ein paar triumphierende SMS in die Heimat. Etwas voreilig wie sich später rausstellen wird. Bevor man aber wirklich ankommt, steht erst noch die ekelhafte Schlepperei auf dem Programm. Da nimmt man schon keine Fressalien mit, beschränkt seine Alkoholvorräte auf in der Preis-Leistung unschlagbare Spirituosen, mietet sein Zelt so richtig schön dekadent und dennoch – sich vollgepackt und verschwitzt zum Zelt durchkämpfen gehört wohl einfach dazu. Auf halbem Weg kommt mir einer entgegen, schaut auf mein Gepäck und ruft: „Also Du will ich jetzt aber nicht sein“. „Recht hat er“, denke ich. Als er aber näher kommt und ich sein verbeultes, mit Pflastern notdürftig versorgtes Gesicht samt komplett zugeschwollenem lila Auge sehe, bin ich mir da nicht mehr so sicher. Ich glaub, da bin ich doch lieber ich.

Vorbei geht es an den üblichen Extrovertierten. Menschen in Bärenkostümen, mit mäßig lustig-frivolen Schildern ausgestattete Bierdosenkicker, vollgemalte Teenies und so weiter. Mir alles egal, will nur endlich meinen Scheiß abladen. Und dann ist es geschafft, einer der alljährlich schönsten Momente des Southside. Das Zelt erreicht, seinen Krempel verstaut und das erste Bier in der Hand. Jetzt sind wir wirklich da und das Southside 2011 kann beginnen. Und da meine Mitstreiterinnen recht umtriebig sind, geht es schon bald aufs Konzertgelände, obwohl ich mir die erste Band erst für 22.30 Uhr angestrichen habe. Aber warum nicht, noch scheint ja auch die Sonne. Das muss man ausnutzen. Wir hören uns An Horse an. Wirklich nette Musik und auch eine ziemlich sympathische Band. Klingt ein wenig nach Tegan and Sara. Genau das Richtige für den Start. Weiter geht’s mit Boysetsfire und ihrem US-Post-Hardcore. Auch ganz nett. Melodisch rockig, es darf auch mal geshoutet werden.

Mein erstes wirkliches Highlight sind aber The Subways. Bis dahin ist aber noch Zeit, da kann man nochmal zum Zelt zurück und den Tetrapack auffüllen. Um 22.30 Uhr geht’s dann in Königslaune zur grünen Bühne. The Subways halten was ich mir versprochen habe: feiner Indierock einer tollen Band. Nur das Wetter ist mittlerweile umgeschlagen. Es regnet wie bescheuert und auch die ersten Matschsuhler treiben ihr Unwesen. Vor denen muss man sich hüten. Möchte echt nicht wissen, wie es bei denen im Zelt aussieht. Apropos Zelt, da zieht es uns jetzt hin. Denn im roten Konzertzelt ist es erstens trocken und zweitens spielen Bright Eyes. Die wollte ich schon lange mal live sehen und ich muss sagen: Es lohnt sich. Herzschmerz und Melancholie vom Feinsten, was Connor Oberst da von sich gibt. Toller Typ. Danach geht es schnurstracks durch den noch stärker gewordenen Regen zurück zum Zelt. Der ein oder andere Absacker hilft, dass ich gut schlafen kann.

18.06.2011

Der Samstag beginnt in etwa wie der Freitag aufgehört hat – kalt und klamm. Ein Kaffee und ein etwas fades Rührei bessern die Stimmung gleich ganz gewaltig. Kauend beobachten wir einen wirklich völlig verstrahlten Festival-Besucher. Ständig hebt er sich sein belegtes Baguette ans Ohr und redet dabei wirres Zeug. Keine Ahnung, wen er am anderen Ende vermutet. Auch beim öffentlich auf den Boden urinieren, gibt er ein eher unwürdiges Bild ab, legt er doch sein Brötchentelefon direkt vor sich auf den Boden. Ziemlich unschöne Sache das Ganze. Hier scheint ganz eindeutig Chemie am Werk zu sein.

Da meine Festival-Mitstreiterinnen sich wohl irgendwie im Wetter vertan haben müssen, führt unser erster Weg ins nahe gelegene Tuttlingen. Dichte Gummistiefel, Regenjacken und auch ein schicker Leoparden-Regenponcho werden gekauft. Während die Damen shoppen, mache ich ein Nickerchen im warmen und trockenen Auto. Vor lauter Gemütlichkeit unterläuft mir dabei ein riesiger Fehler – ich nutze die sicher um Längen sauberere Kaufhaustoilette nicht. Später werde ich mich dafür verfluchen. Ziemlich unflätig und laut. Denn Dixi-Klos sind etwas, an das ich mich auch nach so vielen Festivals immer noch nicht gewöhnen kann. Ich habe mal erlebt, wie ein paar Spaßvögel eines umgekippt haben. Der Typ, den wir anschließend aus der braunen Hölle befreien mussten, hatte pure Mordlust in den Augen. Hätte fast uns vermöbelt, weil er nicht wusste, wohin mit all dem Hass. Ich bete, dass ich sowas nie erleben muss.

Die erste Band, die ich heute unbedingt sehen will, sind die Blood Red Shoes aus Brighton. Die haben vor einer Weile mal im Schocken gespielt, tolles Konzert war das. Und auch auf dem Southside sind sie wirklich klasse. Was Schlagzeuger und Sänger Steven Ansell und seine bildhübsche  Bandkollegin Laura-Mary Carter spielen, ist gepflegter Indie Rock. Und für nur zwei Leute auf der Bühne geht das ganz gut in die Beine. Auch das Wetter zeigt mittlerweile ein etwas freundlicheres Gesicht. Es regnet nur noch ab und an. Ändert zwar nichts am Schlamm, hebt aber trotzdem die Stimmung. Gut gelaunt geht es also zu Portugal. The Man. Spitzentypen aus Alaska sind das mit tollen Texten und melancholischem Gesang. Macht mir nicht mal was aus, dass sie dabei immer ein wenig hippieesk klingen. Und das ist eigentlich gar nicht meine Musik. Nach einer kleinen Stärkung am Zelt geht es dann zu einem weiteren echten Highlight – den Schotten von Glasvegas.

Die sind schon ein Original. Sänger James Allan sieht in seinen weißen Prollklamotten aus, als wolle er in einem kleinen schottischen Kaff Drogen verticken. Passend dazu macht er sich auch mal über den ein oder anderen Fan lustig oder fragt nach,  ob es Hitlerfans im Publikum gibt. Das aber immer mit einem Augenzwinkern und diesem sausympathischen schottischen Akzent. Wenn Allan dann mit großer Stimme und noch größeren Gesten in Songs “It’s my own cheating heart” oder “Daddy’s gone” die Schattenseiten des Lebens besingt, merkt man, dass er nicht nur Prolet sondern auch Poet ist. Tolle Sache, nur leider viel zu schnell vorbei.

Jetzt wird sich am Asia-Stand erst mal wieder mit rotem Thai-Curry versorgt, dem meiner Meinung nach besten Essen, das man hier für Geld kaufen kann. Zu viert haben wir es in 3 Tagen auf gut und gerne 13 Portionen geschafft. Frisch gestärkt schauen wir uns Portishead an und genießen nach so viel Rock die großartigen leisen Momente. Einfach nur bewegend wie Sängerin Beth Gibbons mit geschlossenen Augen am Mikro steht und nicht nur von Weltschmerz singt, sondern ihn auch verkörpert.

Mit Eels wird es leider nix auf der roten Zeltbühne. Rappelvoll ist es und schon im Eingangsbereich wird gedrängelt und gedrückt. Nichts für mich. Also führt uns der Weg erst mal zurück zum Zelt vorbei an allerlei unzurechnungsfähigen Gestalten. Besonders herzig: ein Mädel, das sich den Weg aufs Dixi-Klo sparen will. Hinter einem Zaun auf der anderen Seite eines Hauptweges ist sie in Stellung gegangen, weil sie wohl dachte, dass der komplett mit Plakaten abgedeckt ist. Zielsicher findet sie aber die einzige Lücke zwischen den Plakaten und lässt ihren blanken Hintern im Scheinwerferlicht leuchten, sehr zur Belustigung einiger männlicher Zeitgenossen.

Den Rest des Abends schaffen wir es nicht mehr vor, obwohl ich die Chemical Brothers eigentlich gern gesehen hätte. Stattdessen sitzen wir im Trockenen vor dem Zelt und geben uns alle Mühe, den Pegel zu halten. Ist ja auch wichtig. Die Nacht wird kurz, da unsere Zeltnachbarn bestens gelaunt  und mit einer Inbrunst, die ihresgleichen sucht, stundenlang den gleichen Song, oder genauer, immer nur den Refrain eines Songs singen. “My hero” von den Foo Fighters. Das und der hämmernde Elektro von was weiß ich woher schaffen es, dass ich erst am frühen Morgen wirklich Schlaf finde. Am nächsten Tag gibt’s zum Frühstück noch eine Zugabe unserer Zeltnachbarn. Trotz allem ganz nette Typen übrigens.

19.06.2011

Den musikalischen Sonntag beginnen wir mit einem Kurzaufenthalt bei den Metallern von Kvelertak. Rockig geht es dann auch weiter und zwar mit Monster Magnet, einer echten Legende. Wundert mich, dass die schon um  15.30 Uhr spielen müssen. Frontmann Dave Wyndorf ist in die Jahre gekommen. Nichtsdestotrotz rockt er immer noch recht dreckig und ist so von sich überzeugt, dass wir es einfach auch sein müssen. Coole Sau.

Die nächste coole Sau lässt nicht lange auf sich warten. Maja Ivarsson ist mal wieder mit ihrer Band The Sounds da. Ich sehe sie zum gefühlten tausendsten Mal und bin tatsächlich schon wieder begeistert. Erstens weil der Poppunkrock der Schweden die Füße locker macht, zweitens weil Maja Ivarsson immer die besten Bühnenoutfits trägt und drittens weil der Auftritt einfach Spaß macht. Maja raucht, trinkt Bier, flucht und zieht ihren doch schon recht schlampigen Style gekonnt selbstironisch durch. Einen Gefallen sollen wir ihr beispielsweise tun: “If I say “jump”, I want you to say “How high, Bitch?”. Ja, Humor hat sie. The Sounds bringen die Masse und auch uns mit Hits wie “No one sleeps while I’m awake” und “We’re not living in America” zum tanzen. Maja und auch ich erinnern uns an ihren ersten Southside-Auftritt. Der war mittags und es waren nicht gerade viele da, um sich den Auftritt anzuschauen. Das sieht mittlerweile ganz anders aus, sauvoll ist es hier.

Im Anschluss schauen wir auf den Tipp einer meiner Begleiterinnen Two Door Cinema Club an, von denen ich dachte, dass ich sie gar nicht kenne. Irrtum, werden sie doch des Öfteren auf Motor FM gespielt  und auch beim FIFA 2011 wird gern damit untermalt. Recht cooler Indierock, da kann man nicht maulen. Die gute Laune geht also weiter.

Auch bei Gogol Bordello, die der Menge mit ihrer Mischung aus traditioneller Sinti- und Romamusik, Punk, Dub und Ska ordentlich einheizen. Mittlerweile ist es sogar warm und die Sonne lässt sich blicken. Lustig, während der Schlamm unten noch matschig an den Füßen klebt fliegt er einem oben in anderem Aggregatszustand schon wieder um die Ohren und brennt wie Sand in den Augen.

Die letzte Band meines Southside 2011 werden die Briten von Kasabian. Kannte ich vorher auch nicht wirklich, begeistern mich aber. Sick Of It All hätte ich ganz gern gesehen, ich bin aber viel zu kaputt. Und außerdem haben sie ja erst neulich in Stuttgart gespielt. Wir wollen jetzt nur noch nach Hause, wo eine Dusche, ein warmes Bett und saubere Klamotten warten. Das Southside hat sich wie die Jahre zuvor wirklich gelohnt. Viele gute Bands, nette Leute und ordentlich was zu lachen. Diesmal ist uns außer einem Campingstuhl auch nichts geklaut worden, toll. Nächstes Jahr sind wir aller Voraussicht nach wieder dabei. Aber dann bitte bitte bitte mal wieder mit Sonne und ohne Gummistiefel.

Sagen wir, wie’s ist. Der dritte Tag ist in etwa so wie der Kater danach. Drei Tage Matsch zeigen ihre Spuren. Aber hey: Die Sonne scheint, als The Vaccines spielen. Eine erfrischende Band. Und es spielt Kvelertak im Zelt, über die Michael Setzer hier schon alles gesagt hat.

Der Fotograf konnte noch ein bisschen, der Gummistiefel des Schreiberlings steckte jedoch im Schlamm. Deshalb hier ein Best-Of des sonntäglichen Programms in Bildern. Und mit Fotos von The Sounds schnellen unsere Zugriffszahlen immer nach oben…

Mist. Glockenheller Samstagabend und ich laufe mitten in eine Schlägerei rein. Wir waren sehr viele, hatten aber trotzdem nicht den Hauch einer  Chance: Sechs Norweger haben uns den Arsch versohlt. Kvelertak heißt die Gang.

Deren gleichnamiges Debüt war eine der besten Ideen, die die Grobmeierei in den vergangenen Jahren hatte. Produktion: Kurt Ballou, Artwork: John Dyer Baizley, der Rest: jetzt schon ein Klassiker. Metal, Punkrock, Blackmetal und etwas Seventies-Rock – unwiderstehlich und sackesexy in akzentfreiem Norwegisch gebrüllt.

Kvelertak, das sagen Leute, die’s wissen, heißt “Würgegriff”, so was wie “Schwitzkasten” – und Etikettenschwindel kann man diesen Norwegern in der Tat nicht vorwerfen. Haben Wort gehalten. Auch Samstagabend im vollgepackten Universum.

Comeback Kid, The Ghost Inside, Gravemaker und Social Suicide – alle irgendwie ganz okay, alle Teil der “Through The Noise”-Tour werden heute aber Opfer des Wochenend-Freizeitstressessess:

“Kvelertak anschauen, dann ins Zwölfzehn, Plattenauflegen?”
“So wird’s gemacht”, sagt Frank Gasoline. Typen, die so heißen, wissen wo’s langgeht und gleich stasimäßig ausspioniert, wann Kvelertak spielen: schon um 20 Uhr. Auf Höhe Karstadt kommt die SMS von Brunner aus dem Universum: “Die fangen jetzt an”. 19.40 Uhr. Gravemaker spielen nicht. Kvelertak müssen deshalb bereits als zweite Band ran. Ein Musiker von Gravemaker schien am  Vortag in Saarbrücken zu dumm zum Argumentieren. Jetzt muss er der Polizei in Stuttgart davon erzählen.

Um die Sache abzukürzen: Während wir hastig ins Universum reinrennen, kniedeln sich Maciek Ofstad, Vidar Landa und Bjarte Lund Rolland längst durch die wahnwitzig schönen Melodien von “Blodtørst”. Drollige Namen, keine Frage –  die Gewalt aber ist übermächtig. Jeder Ton eine Backpfeiffe mit der flachen Hand. Wahnwitzige Breaks, voll von Spielfreude und trotz aller Kraft versiert gespielt und glasklar gereicht – muss man auch erstmal anbieten können. Denn Aggression, die sich auf die bloße Gewalt bezieht, ist biologisch abbaubar – das hier hat Substanz. Bleibt.

Erlend Hjelvik – ein kleiner und vorbildlich vollbebarteter Waldschrat mit Wampe brüllt gerade die ersten Reihen an. Alle schreien zurück, recken die Fäuste, lächeln und rempeltanzen sich freundlich gegenseitig über den Haufen. Einige Zeitgeist-Hardcore Kids schauen überrascht zur Bühne, wippen aber munter mit. “Cool” ist das eigentlich nicht auf der kleinen Bühne, da ackern eigentlich nur sechs Norweger und vergessen dabei die Posen und die gespielte Gruppendynamik, die Hardcore-Konzerte manchmal so ärgerlich machen. Trotzdem: Ein Tollhaus aus Armen, Instrumenten, Haaren, Bandshirts, Schweiß und Energie. Vor der Bühne und auf der Bühne.

Ab und an hasten Leute herein und trotz der höllischen Lautstärke hört man sie sagen: “Scheiße! Seit wann spielen die denn schon?”. Keine Ahnung. Aber wie schlaue Menschen das tun, gilt alle Aufmerksamkeit dem, was gerade passiert. Zeit, sich in den eigenen Arsch beißen wird in den nächsten Tagen noch mehr als genug sein.

“Offernaaaaaaaaatt”, schreit der Waldschrat Hjelvik. “Yeaaahhhh,” alle anderen und die Party geht mit furiosem Geriffe und schon wieder dieser Wucht reibungsvoll weiter. Kvelertak können scheinbar gar nicht anders. Mittendrin im Rempelpulk steht meinen alter Freund Rapha. Selig lächelnd. Der wusste schon früher beim Harakiri-Fanzine, was Sache ist und geht prinzipiell nicht auf Konzerte von mittelmäßigen Bands. Wenn es Gerechtigkeit auf dieser Welt geben sollte, dann sind diese Norweger bald größer als Lady Gaga. Geiler sind sie schon lange.

Bassist Marvin Nygaard ist auch der Knaller. Da tätowiert, wo andere Schmerzen oder Bedenken haben, spielt der Kerl seinen Bass im Sinne des Erfinders: Naturgewalt. Der Typ schiebt alles weg, rollt mit den Augen, manchmal lächelt er und zwischendrin tritt er wahllos Ärsche.

“Ulvetid”, ist ein fieses Tarnmannöver: Punkrockeinstieg und gerade wenn man lostanzen will, dreht sich das Monster in einen lupenreinen Blackmetal Staubsauger, dann wieder zurück zum Rock’n'Roll-Partyhit. Irre. Ganz ohne Corpsepaint. Oh, fast vergessen: Kjetil, der mit Nachnamen Gjermundrød heißt, wird von seinen Bandkollegen hoffentlich mit “Sir” angesprochen. Hätte er sich zumindest verdient. Er ist Dirigent, Peitsche und Ruhebereich in einem.

Hjelvik schwimmt nochmal kurz über die Menge, in der jeder einzelne mindestens genauso schwitzt wir er, dann wird das Finale eingebimmelt: “Mjød”, der Partykracher mit dem Zombievideoclip. Der hält all’ das was Turbonegro in den letzten zehn Jahren versprachen aber nicht einhalten konnten: Brüllrefrain, Hüftschwung, Humor – ja – und halt die Wucht. Kvelertak bleiben nichts davon schuldig.

Dann sind sie weg. Nur das Klingeln im Ohr bleibt. Frank Gasoline sagt, er müsse jetzt erstmal Axe verklagen, weil das mit dem “Anti-Transpirant” glatt gelogen sei.

Hab jetzt die vergangenen Stunden ein bisschen rumexperimentiert und bin zu folgendem Schluss gekommen: Kvelertak lässt sich zu Hause locker nachbauen – Schmutzwäsche anziehen, zwei Liter Espresso auf Ex, in eine Pfütze setzen und dann die Steckdose leidenschaftlich zungenküssen. Müsste klappen. Notfalls tut’s vielleicht auch das: In eine Bikerkneipe reinrennen und laut “Hey, Mädels! Wem von euch gehört die rosa Vespa im Parkverbot?” rufen.

Ja, da hat der Osterhase aber ein dickes Ei gelegt. Blood For Blood sind schon wieder in town. Und Eric „Buddha“ Medina und seine Mannen haben auch wieder ordentlich Verstärkung mitgebracht, um die Fans, die Wasted Youth Crew, in Wallung zu bringen. H2O aus New York beispielsweise oder die Rostocker Crushing Caspars. Insgesamt sieben Bands spielen beim Pirate Satellite Festival in der Röhre, und allesamt machen sie keine Gefangenen. Das Ganze gibt es auch noch zu einem wirklich fairen Abendkassenpreis von 25 Euro. Prima auch zum Osterpfunde abspecken.

Vor der Röhre ist an diesem Ostersonntag auch schon ordentlich was los. Punks, Skins, Hardcore-Kids und allerlei buntes Volk tummeln sich in geselliger Runde, um schon mal das ein oder andere Bier zu trinken, bevor es dann irgendwann nach drinnen geht. Man trifft alte Bekannte, sitzt in der Sonne und genießt den schönen Tag. Manche sitzen hier schon seit dem Nachmittag, wir haben es erst gegen 20 Uhr hergeschafft. Ja gut, wir verpassen also die ersten beiden Bands Obtrusive und Turn Away. Aber wir sind auch keine 20 mehr, da reichen fünf Bands allemal.

Drinnen ist es noch relativ leer. Dabei geben Dear Landlord auf der Bühne schon mächtig Gas. Flotter mehrstimmiger Ami-Punkrock mit Highschool-Stimmen. So richtig vom Hocker gerissen hat mich die Art von Musik schon lange nicht mehr, aber hier ist sie genau richtig zum mitwippen, Bier trinken und in Stimmung kommen. Muss ja nicht gleich das volle Brett in die Fresse sein. Bin schließlich eben noch an der österlichen Familientafel gesessen. Wir gehen dann auch nochmal raus ein wenig Luft schnappen und schauen, was draußen so los ist. Eine Menge Tätowierungen sind zu sehen und machen Lust auf den nächsten Gang in das Studio des Vertrauens.

Mit der nächsten Band My City Burning nimmt der Abend dann langsam Fahrt auf. Es wird heftiger. Die Amsterdamer brüllen und shouten was das Zeug hält und bleiben trotz aller Ruppigkeit doch immer auch abwechslungsreich. Sogar den ersten Tänzer zieht es nach vorne. Drehkickschwingend wirbelt er mit dem Fuß in Kopfhöhe über die Bühne und genießt den Platz, den er spätestens bei H2O nicht mehr haben wird. Auch wir sind immer besser gelaunt und Ostern scheint schon mindestens ein Jahr her zu sein.

Mit den Rostockern Crushing Caspars wird dann konsequent auf meinen persönlichen Höhepunkt und Hauptact Blood For Blood hingeleitet. Sänger Snoopy und seine Mannen liefern richtig derbe Musik ab, die sie selbst als Baltic Sea Hardcore bezeichnen, den sie mit einer ordentlichen Prise Metal und Oldschool-Punk gewürzt haben. Mit ihrer charmant norddeutschen Art kriegen sie auch allmählich das immer zahlreicher erschiene Publikum in ihren Griff. Es wird mitgeshoutet, die Fäuste in die Luft gereckt und auch die Schubskreissektion schickt langsam ihre Vorhut aus. Die Crushing Caspars machen klar, was sie von Faschos halten, ehren Johnny Cash und ernten dafür viel Beifall. Mit dem Agnostic Front-Cover von „Gotta go“ legen die Rostocker nochmal eine ordentliche Schippe oben drauf. Sehr schön.Insgesamt richtig gelungener Auftritt würde ich sagen.

Als H2O dann die Bühne betreten, kocht die Röhre schon recht ordentlich. Ein Gang zur Toilette wird zur echten Herausforderung, muss man sich doch einige Minuten durch die Menge schieben. Leider bleibt das nicht aus, denn Hardcore/Punk passt doch so gut zu Bier und Alkohol im Allgemeinen. Jaja, ich weiß, hier sind auch einige Straight Edger unterwegs, meines Wissens nach auch H2O-Frontmann Toby Morse, aber meine Tasse Tee ist das eben nicht. Ist ja auch egal, Spaß scheinen jedenfalls alle hier zu haben.

Melodic Hardcore wird die Musik der New Yorker oft genannt, die seit 1995 ihr Unwesen treiben. Geht aber doch schon auch ordentlich in die Punkrock-Richtung. Jedenfall geht’s jetzt richtig rund. Der Schubskreis formiert sich, es darf weggeboxt und weggetreten werden, was einem so in die Quere kommt. Ich frag mich mal wieder wie sowas jemandem vorkommen muss, der zum ersten Mal Zeuge einer zünftigen Schubskreis-Boxerei wird und für den die weinselige Rempelei damals beim Schulball zum Sound von Bon Jovi schon wie eine echt wilde Sache vorkam. Auch ins Publikum gesprungen wird von Song zu Song immer häufiger. Immer wieder ein Wunder, dass hier nichts passiert, denn manch einer findet mit traumwandlerischer Sicherheit genau die Lücke zwischen den Leuten. Hat Gott tatsächlich ein Herz für Punkrocker? Ach so ja, den gibt’s ja gar nicht. Muss also andere Gründe haben. Jedenfalls brennt die Hütte jetzt lichterloh, die Stimmung ist vom Feinsten.

Der Weg für Blood For Blood ist bereitet. Als Wonneproppen Eric „Buddha“ Medina und seine Mitstreiter die Bühne betreten, kann ich es kaum erwarten. Die waren zwar erst im Dezember da, aber wenn man erstens bedenkt, dass mit „White Trash“ Rob Lind schon ein wichtiger Teil der Band weggebrochen ist und zweitens Frontmann Buddha nicht unbedingt den Eindruck erweckt, als wolle er 75 Jahre alt werden, kann man sich schon mal Sorgen machen, dass man nicht mehr allzu oft in den Genuss kommen wird. Immerhin, mit Billy Graziadei von Biohazard hat man einen vernünftigen Ersatz gefunden. Und wer weiß, vielleicht entdeckt Mr. Medina ja noch den Sport für sich. Für heute heißt die Devise jedenfalls mal wieder mit nach oben gereckter Faust wahrhaft unchristliche Texte mitzugröhlen und dabei nie die Deckung vernachlässigen. Voll gut.

Vom ersten Ton an geht, wie nicht anders zu erwarten, die Post ab. Blood For Blood geben Vollgas und das Publikum nimmt es dankend an. White Trash Hardcore Rock’n’Roll Fuck you! So sieht’s aus. Beine, Fäuste und ganze Menschen fliegen durch die Luft während Eric „Buddha“ Medina musikalisch irgendwo zwischen Hardcore und Streetcore die Gesellschaft an den Pranger stellt und vom Leben auf der Schattenseite des amerikanischen Traumes singt.

Und bei allem negativen Output wirken Blood For Blood irgendwie immer sympathisch und liebenswert. Wer die Bühne entert, darf auch mal ein bisschen mitsingen, bevor er kopfüber in der Menge verschwindet. Es wird Wasser gereicht oder auch mal den ganzen Mikroständer. Die Mitglieder der anderen Bands stehen im Hintergrund und schauen ich den Auftritt ehrfurchtsvoll an. Die Crushing Caspars haben scheinbar “Bühnendienst” und kümmern sich darum, dass die Mikros immer auf der richtigen Höhe bleiben und auch sonst alles glatt läuft. Leider geht das Konzert, wie auch schon im Dezember, viel zu früh zu Ende. Was Positives wollen sie uns noch auf den Weg geben, verspricht Eric „Buddha“ Medina. Angestimmt wird „Piss all over your hopes and dreams“. Lustig. Mit “Going down the bar”, der einzigen Zugabe des Abends (soweit ich mich erinnern kann), ist dann endgültig Schluss. Eric „Buddha“ Medina sitzt noch eine Weile auf der Bühne und unterhält sich mit ein paar Fans. Wir treten den Heimweg an. Uns tut alles weh. Und morgen ist ja auch wieder Ostern.

Blood For Blood:

Der Herr sei gepriesen! Meine absoluten Lieblings-Hardcore-Hooligan-Streetpunk-Rock’n’Roller Blood For Blood sind nochmal in town, und ich darf live dabei sein. Und weil Geschenke in der besinnlichen Vorweihnachtszeit gern auch mal ein bissel größer sein dürfen, gibt es Sick Of it All gleich noch oben drauf. Seltsam nur die Rahmenbedingungen: Wer sich das Spektakel der Persistence Tour 2010 nicht entgehen lassen will, muss an den Arsch der Welt nach Filderstadt fahren - und das auch noch unter der Woche. Einlass um 17.30 Uhr… Grundgütiger, da muss ich ja noch arbeiten. Na gut, mein Pech. Dann verpasse ich eben gleich mal die ersten drei Bands Vera Cruz, Casey Jones und Cruel Hand. Kenne ich eh nicht, also hält sich der Verlust in Grenzen.

Ist schon ein seltsames Gefühl, als wir die Filharmonie Filderstadt betreten. In dem Ambiente erwartet man eher gehobenes Publikum in gesetztem Alter. Stattdessen wird das Konzerthaus bevölkert von schwer tätowierten Hardcore-Leuten, Punks und Metallern in bester Laune. Hat man ja auch nicht alle Tage so ein Brett von einem Konzert. Wir kommen gerade richtig, denn wir haben uns noch nicht mal richtig akklimatisiert, da legen auch schon Evergreen Terrace aus Florida los. Sympathisch, haben die sich doch anstelle eines blutrünstigen, gewalttätigen Namens tatsächlich nach der Straße benannt, in der die Simpsons wohnen. Wobei… Blood for Blood klingt doch cooler. Evergreen Terrace kannte ich bislang nicht, gefällt mir aber richtig gut. Flotter Metalcore mit melodischen Gesangspassagen des zweiten Sängers und reichlich Gebrüll des zierlichen Sängers Andrew Carey, dem man das auf den ersten Blick gar nicht zutrauen würde. Erinnert von weitem ein bisschen an Robert Stadlober. Anbrennen lässt er aber nichts. Das steckt an, denn die ersten potenziellen Unruhestifter zieht es dann auch Richtung Tanzfläche, wo sie mit hubschraubergleichen Faustschwingern auf andere treffen, die gepflegte Beinarbeit in Form von Kicks bevorzugen. Der erste Circle Pit bildet sich, in dem gestandene Männer glücklich wie Kinder im Kreis rennen und schauen, wem sie eine mitgeben können. Würdiger Auftakt würde ich sagen. Für uns zumindest, viele andere sind ja schon länger da.

Unearth hören wir fast nur von draußen, wo man beim Plausch mit alten Bekannten das ein oder andere Bier trinkt und neidisch die Körperverzierungen der Anderen betrachtet. Mentale Notiz an mich selbst: ein neues Tattoo muss her. Währenddessen dreschen drinnen die US-Amerikaner auf ihre Instrumente ein. Nicht so ganz mein Ding, diese Mischung irgendwo zwischen Metalcore, Trashmetal und Deathmetal. Scheint aber ganz gut anzukommen. Die Tanzfläche ist gut gefüllt und der Schubskreis nimmt langsam richtig Formen an. Alles scheint bereit zu sein für Blood For Blood.

Als das Banner mit dem Totenkopf heruntergelassen wird, bekomme ich eine leichte Gänsehaut. Dann ist es soweit, ich darf Eric “Buddha” Medina und seine Mannen nochmal live sehen. Vielleicht das letzte Mal, denn schon jetzt treten Blood For Blood nicht in Original-Besetzung an. Die letzte Veröffentlichung liegt viele Jahre zurück und der Kontakt zum Gitarristen und zweiten Sänger Rob „White Trash“ Lind ist laut offizieller Verlautbarung abgebrochen. Also wurde kurzerhand ein würdiger Ersatz für die Tour gesucht und in Billy Graziadei von Biohazard gefunden. So schön das natürlich ist, lässt es einen als Fan nicht gerade positiv in die Zukunft blicken. Egal, heute ist heute und wir sind hier.

Blood for Blood machen von Anfang an das was sie am Besten können – auf die Kacke hauen. Wonneproppen Eric „Buddha“ Medina shoutet heraus, was er der Welt zu sagen hat. Und das ist nichts Gutes. Es geht um zerbrochene Träume, den Hass auf die Gesellschaft, den Schmerz des Lebens und um rohe Gewalt. Als er einen Song als lebensbejahend und positiv ankündigt, muss er selbst lachen: Es folgt „Piss all over your hopes and dreams“. Erhobene Fäuste, vom Mitbrüllen verzerrte Gesichter, sich von der Bühne stürzende Stagediver und sich gegenseitig malträtierende Hobby-Nahkämpfer prägen das Bild. Spätestens bei der Streetpunk-Hymne „Some kind of hate“ brechen alle Dämme, und ich hasse es doppelt und dreifach, dass mich dieser verfi….. Bänderriss dazu zwingt am Rand zu stehen und den Rest um seine Unversehrtheit zu beneiden.

“You call me antisocial
you’re fucking right,
‘cause I hate this goddamn world
and every motherfucker inside.”

Das ist nichts für Musikfeingeister, sondern einfach nur die blanke Wut von Blood For Blood. Ihre Fans aber haben sie lieb. Das sagen sie oft und wem will man sowas abnehmen, wenn nicht ihnen. Als Dank reichen sie dem treuen Anhang becherweise Getränke von der Bühne. Ansonsten geben sie einfach nur Vollgas. Was für ein Brett. Doof nur, dass das kein Solokonzert ist. Eine knappe Dreiviertelstunde ist einfach zu wenig und ich vermisse haufenweise Songs, wie beispielsweise „Redemption Denied“ oder „White Trash Anthem“. Trotzdem, ich bin dankbar. Und ein wenig traurig.

Warum D.R.I. nach Blood for Blood spielen dürfen, ist mir ein Rätsel und der Stimmung nach vielen anderen auch. Klingt uninspiriert und lau. Die Tanzfläche leert sich und wir ziehen es auch vor im Vorraum nochmal die Getränkebecher zu füllen.

Vielleicht ist die abgeflaute Stimmung schuld daran, dass Sick Of It All – nicht weniger als eine Legende – ein paar Songs brauchen, bis der Funke überspringt. Beim Opener „Death or jail“ reagieren die Fans noch verhalten. Allzulange dauert es allerdings nicht, bis die New Yorker da anknüpfen, wo Blood For Blood aufgehört haben. Die Fetzen fliegen, der Circle Pit dreht seine Runden und im Schubskreis ist oben ohne angesagt. Selbst ein paar Damen lassen es sich nicht nehmen die Shirts auszuziehen. Pete Koller kickt wie ein Derwisch gitarrespielend im Kreis, während sein Bruder Lou Hits wie „Uprising Nation“ und „Take the night off“ ins Mikro shoutet. Wir sollen alles da draußen vergessen, mahnen Sick Of It All. Jetzt sei es nur wichtig, die Sau rauszulassen und Spaß zu haben. Nicht ganz einfach, wenn man weiß dass man am nächsten Tag früh aus dem Bett muss, aber ich gebe mein Bestes. Die da oben auch und das steckt an. Bei „Scratch the surface“ lassen die New Yorker ihre Fans dann standesgemäß in der Wall of Death aufeinander los. Zum Abschluss entert der Anhang dann versammelt die Bühne, um Arm in Arm und überglücklich mit den großen Idolen gemeinsam zu singen. Ein tolles Bild und ein toller Abschluss. Gegen 0.30 Uhr ist dann Feierabend und Sick Of It All entlassen ihre Fans in die verregnete Nacht. Klasse Sache die Persistance Tour 2010. Bin jetzt schon gespannt, wer 2011 auf der Bühne stehen wird.

Sick Of It All:

Blood for Blood