Bei Kvelertak kann man sich auch mal anbrüllen. Bei William Fitzsimmons wird nicht geredet. Und nicht genießt. (Nicht mit genossen oder gar Genossen verwechseln). Meine Konzertnachbarn blicken das nicht. Die reden. Waren wohl noch nie bei Fitzsimmons. Ich zwar auch nicht, mag aber seine Musik. Auch das aktuelle Album „Gold In The Shadow“. Außerdem: Blinde Eltern – studierter Psychotherapeut – Multiinstrumentalist – noch nicht lang von seiner Frau geschieden. Paar Fakten schaden nie. Der Bart sitzt.

Das LKA ist nicht zum Bersten gefüllt, etwa 700 Besucher sind hier. Warm ist es trotzdem. Männer halten ihre Frauen-, Männer Ihre Männer- und Frauen ihre Frauen im Arm, während Fitzsimmons mit rotem Holzfällerhemd, langem Bart und Brille die Bühne betritt. Präsent ist er. Als die ersten Töne seiner Gitarre durchs LKA klingen, kann man die Gänsehautwellen spüren. Alle sind still. Bis auf meine Nachbarn. Er sei heute hier, um Musik zu machen, sagt Fitzsimmons. Und das macht er. Sein „The Tide Pulls from her Moon“ scheint magisch. Sogar mit redenden Nachbarn und geschwollenen Füßen. In der Schweiz hat ein Konzertbesucher einem Bandmitglied ‘nen Hut ins Gesicht geworfen. Kann nicht verstehen, warum. Der Bart sitzt.

In seinen Songs geht es um den Verlust von geliebten Menschen. Die Scheidung seiner Eltern und seine eigene wird thematisiert. Harter Tobak, der von Fitzsimmons glücklicherweise immer wieder aufgelockert wird, sogar auf Deutsch. Er sagt „vielen Dank“, „Prost“ und „ein William Fitzsimmons- Lied kann tödlich sein“. Vielen Dank. Das wäre sonst alles viel zu „fucking depressing“. Je leiser er spielt, desto leiser ist das Publikum. Bis auf meine Nachbarn. Einer pfeift. Der Bart sitzt.

Die Bandmitglieder sind auch alle Multiinstrumentalisten. Mindestens zwei beherrscht jeder. Sei es auch nur das „big and small piano“. Trotzdem sauber. Sie begleiten Fitzsimmons bei den meisten Liedern und erzeugen einen schönen Sound. Getanzt und gesprungen wird hier zwar nicht, aber wenn dann mal ein nicht vollkommen depressiver Song wie „The Winter from her Leaving“ gespielt wird, lassen die Techniker sogar die Bühnenbeleuchtung aufblitzen. Der Bart sitzt.

In der Psychiatrie, in der er arbeitete, sei es „awesome“ gewesen. Vielleicht fast so awesome wie dieses Konzert. Man muss sich einlassen auf ihn und seine Songs. Sonst wird es langweilig und ermüdend. „Beautiful Girl“ und „Ever Could“ folgen. Bei einem der letzten Songs stellt sich die Band im Halbkreis auf und begleitet Fitzsimmons beim Refrain. Nur mit Gitarre und Banjo. Ganz großes Kino. Der Bart sitzt.

„Pretty fucking sad“ seien seine Songs, sagt Fitzsimmons. Das sind sie. Aber eben auch wunderschön. Let’s get sad again.

“Katzenjammer, die vier unscheinbaren Jungs aus Norwegen, haben einen ganz bemerkenswerten Sound. Eine wilde Mischung aus Rock’n'Roll, Country, Walzer, Gospel, Ragtime, Soul, Irish Folk und vielem mehr. Trotzdem haben sich an diesem trüben Novemberabend nur wenige Besucher ins LKA verirrt…”
So oder ähnlich würde wahrscheinlich eine Konzertbesprechung beginnen, wenn Katzenjammer aus den vier (fiktiven) Brüdern von Marianne Sveen, Turid Jørgensen, Solveig Heilo und Anne Marit Bergheim bestehen würde. Nun haben sich aber durch eine glückliche Fügung eben keine Jungs, sondern diese vier Musikerinnen gefunden, die – unabhängig von ihrer unbestrittenen Virtuosität – in erster Linie mit ihrem unwiderstehlichen Charme und frechen Witz jedem Publikum den Kopf verdrehen.

Begeisterte Kritiken aller Orten, ausverkaufte Hallen, Lieblinge der Feuilletons und Frauenzeitschriften, Top-Platzierung in den SWR3-Hörercharts (noch vor Grönemeyer und Coldplay). Das alles sind Hinweise, dass es voll werden könnte im LKA an diesem trüben Novemberabend. Und es wird voll, proppenvoll. Wo vor zwei Jahren noch der beschauliche Beat Club reichte, wird man nächstes Jahr wohl schon die Porsche-Arena buchen müssen.

Aber langsam. Natürlich lässt sich der kritische Musik-Blogger nicht so einfach um den Finger wickeln. Er wird  objektiv und sachlich über die musikalischen Darbietungen dieses Abends berichten. Und so ärgert er sich gleich zu Beginn, dass der vermutlich sehr schöne Gesang von Unni Wilhelmsen, die das Vorprogramm zu bestreiten hat, im lautstarken Getratsche des freudig erregten Publikums komplett untergeht.

Gegen neun Uhr ist es dann endlich so weit. Elfengleich schweben die vier Damen die LKA-Showtreppe herab auf die Bühne, wo sie begeistert empfangen werden. Schick sind sie, in ihren eigenwillig kombinierten Klamotten. Besonders auffällig: Marianne Sveen im hautengen knallgrünen Schlauchkleid und ausladender Wischmop-Perücke – Norwegens Antwort auf Beth Ditto? Und schon geht’s los mit “A Kiss Before You Go”, dem Opener Ihres aktuellen Albums. Man staunt, wie mühelos jede der Musikerinnen jedes der reichhaltig vorhandenen Instrumente spielt. Manchmal auch zwei oder drei gleichzeitig. Da wird der musikalische Vortrag fast schon zur Jahrmarktsattraktion. Es sind solch selten gehörte Instrumente wie die Bass-Balalaika, der Blecheimer am Schlagzeug oder das Kinder-Glockenspiel, die den Katzenjammer-Sound prägen.

Und dann sind da noch vier Singstimmen, die derart gut zusammenpassen, dass man kurz den Verdacht hegt, dass diese Band gecastet sein könnte. Der Harmoniegesang, insbesondere in den Passagen, die an skandinavische Volkslieder erinnern, ist wirklich unwiderstehlich zart schmelzend. Überhaupt: Es sind die leisen, gerne im Dreivierteltakt gehalten Titel wie “Lady Marlene”, bei denen eine ganz besondere Atmosphäre entsteht.

Und trotz aller Perfektion, freundlicher Konversation mit dem Publikum und vollem Einsatz auf der Bühne mag der Laden nicht in die endgültige Euphorie geraten. Nicht umsonst ruft die Band auf, so zu tun, als ob Samstag sei. Als hierauf eine eher mäßige Reaktion aus dem Publikum kommt, kommt die freche Replik: “Oh mein Gott, wie müssen dann erst Sonntage in Stuttgart sein?” Also singen alle tapfer mit bei “To The Sea”, und als nach einer Stunde die markant-schräge Fanfare aus “A Bar in Amsterdam” ertönt und gleich noch “Le Pop” nachgeschoben wird, gerät das Publikum dann doch noch ordentlich in Bewegung. Schade nur, dass dies auch praktisch schon das Ende des Konzerts einläutet. Mit einem dämonisch vorgetragenen “Hey Ho On The Devil’s Back” endet nach siebzig Minuten der offizielle Teil. Zwei weitere Titel gibt’s in der Pflicht-Zugabe, dann ist der Katzenjammer-Spaß vorbei.

Dieser Bericht ist gewissermaßen eine Auftragsarbeit. An einem schönen Juliabend des fast vergangenen Jahres haben Schnellkipser Andi Meinhardt und ich den Pogues auf der Freilichtbühne zugehört und darüber einen Bericht gebastelt. Maren Katze schrieb folgenden Kommentar dazu:

„Wow – tolle Fotos, tolle Typen. Inzwischen sehen die Pogues aus – bis auf die Bärte – wie früher die Dubliners! Oh Gott, wie sehen denn dann jetzt die Dubliners aus? Das solltet Ihr beiden am 3.11. im Theaterhaus rausfinden!“

Erstmal herzlichen Dank für so ein nettes Lob meine Liebe an dieser Stelle!

Bilderschütze Meinhardt meinte damals nur: „Wenn die Dame sagt, wir sollen zu den Dubliners, dann müssen wir!“ Zwei Stimmen gegen eine und so bin ich halt mit. Nun ja, mit Händen und Füßen habe ich mich auch nicht gerade gewehrt. Es ist nur so, arg viel mehr als diese Vinyl-Best-of-Scheibe, die bei meinem Vater im Plattenschrank steht und der Tatsache, dass die Jungs Iren sind, weiß ich nicht von der Kapelle.

Liest man im deutschen Wikipedia-Eintrag herum, findet sich dieses Schmankerl des virtuellen Laienenzyklopädismus zur Beschreibung der Tatsache, dass es in der seit 49 Jahren aufspielenden Truppe eine höhere Musikerfluktuation gab:

„Die Wechsel in der Besetzung hatten unterschiedliche Gründe: Einzelne Mitglieder, wie Kelly, Drew, Lynch und McCann, verließen die Band zeitweise oder auf Dauer, um Soloprojekten nachzugehen, andere zogen sich aus dem aktiven Musikleben zurück. Ciarán Bourke erlitt 1974 während eines Auftritts in Bournemouth eine Gehirnblutung, an deren Folgen er 1988 starb. Luke Kelly starb 1984 an den Folgen eines Hirntumors. Ronnie Drew starb am 16. August 2008 in Dublin an Kehlkopfkrebs.“

Hirntumore, Gehirnblutungen und Kehlkopfkrebse mit tödlichem Ausgang sind wirklich echte Gründe von der Bühne abzutreten, ich müsste den Bericht hier sicherlich auch nicht mehr schreiben, wenn ich mir heute noch spontan die Pfoten amputiert hätte! Das sollte und könnte doch noch etwas eleganter formuliert werden liebe Wikipedisten.

Wie läuft’s denn musikalisch in Stuttgart? Nun, das „geriatric quintett“ hat in der Landeshauptstadt eindeutig ein Heimspiel. Dafür hätten sie nicht den Anfang der „Schwäbischen Eisenbahn“ anstimmen müssen, aber das hilft natürlich ungeheuer. Fast ausverkauft ist der größte Saal am Pragsattel und um mich rum hocken nur fröhliche Fans, die eifrig mitklatschen und bei jedem Song miteinander tuscheln, ob der vor einem Jahr auch schon gespielt worden wäre. Die Gemeinde der Suebo-Iren ist komplett anwesend und hier haben sich heute alle zum Abendbrot die Laugenbrezeln mit Kerry Gold geschmiert.

Aber auch mein erstes Mal ist schön. Die Herrschaften auf der Bühne wissen ganz genau wie’s geht. Jeder Ton sitzt. Gesangs- und Instrumentalstücke wechseln sich ab. In der ersten Hälfte gibt es die etwas unbekannteren „great little Songs“, die Hits kommen erst nach der Pause. Es geht natürlich um das Erwartete und Gewünschte: Trinken und Feiern,  untreue Frauen, schöne Frauen, Seeleute, die den Heimathafen nie mehr wiedersehen und um den Pub, dem das Bier ausging. „Wild Rover“, „Whisky in the Jar“ kennt hier jeder und „Dirty Old Town“ ist natürlich auch dabei. Beeindruckend ist, wie gut Barney McKenna, der einzige von der Urbesetzung mit den anderen Vieren mithalten kann, der Mann ist immerhin Jahrgang 1939. Da weht schon ein Hauch von Folkmusikgeschichte durch den Saal.

Als nach gut zweieinhalb Stunden das Licht angeht, gibt’s Standing Ovations –  einige müssen sicherlich auch die ersten in der Bahn sein oder haben von den vielen Trinkliedern einen enormen Durst bekommen, das Spiel kennt man ja. Den 2. November 2012 haben sich sicher einige schon im Kalender ganz dick und rot umkringelt angestrichen, da sind sie wieder in Stuttgart und feiern ihr fünfzigjähriges Bühnenjubiläum und wären dann die erste irische Band im besten Schwabenalter!

Kaum zu glauben, dass dieser Kurt Vile mit “Smoke Rings for my Halo” schon sein viertes Album am Start hat, so unbeholfen stakst der Prototyp des Physikstudenten im 18. Semester auf die sparsam beleuchtete Bühne der Manufaktur. Dabei gilt er unter Folk-Freunden, abseits der armen Fans der ewiggestrigen Fleet Foxes, Noah & the Whales und wie sie momentan alle heißen, längst nicht mehr als Geheimtipp, eher als Songwriter der Stunde, und das schon seit Monaten.

Weil: Grundehrlich verpennt sind seine Songs, polaroidig verwaschen, so, als wenn man aus einem erholsamen Schlummer erwacht, dann merkt, dass man den Tag ja frei hat, und deshalb einfach zufrieden weiterschlummert. Ist nicht von mir, ist von Kurt Vile. Hört sich in etwa so an, wie das Video seines Baby’s Arms aussieht und klingt. Und gilt auch nur für die Studioalben, denn für Live-Konzerte hat der Mann gelegentlich seine drei Freunde von den Violators dabei, die so klingen wie sie heißen. Leute, die dazu schlummern, will man nicht kennen.

Die Sonntag-Nachmittag-Schlummersongs der Alben sind in den Violator-isierten Versionen mit drei Gitarren und dem fantastisch rumpelnden Schlagzeug so abgrundtief ver-lo-fi-rockt, dass manche Fans sie vielleicht noch am Text wiedererkennen können. Eigentlich ist das hier aber ein zweites Paar Schuhe.

Die Violators erzeugen eine laute wabernde Wand aus sich überlagernden Gitarren, auf einen Bass wird verzichtet, diese Rolle übernimmt Meat Loafs kleiner Bruder am Schlagzeug; er hat drei oder vier  Floortoms um sich herum aufgebaut, auf die er mit Maracas oder der bloßen Hand eindrischt und so ein fantastisch treibendes Tieftongeboller erzeugt, das die Wände zum Wackeln und den Magen zum Grummeln bringt wie eine Portion Sri-lankisches Curry. Vile nuschelt dazu immer noch so verträumt wie auf Platte, bloß bekommt das durch die durchgehende Huldigung des vollaufgedrehten Verstärkers nun einen fesselnden psychedelischen Charakter, Zeit ist plötzlich egal, eigentlich könnten die vier ewig so weitermachen.

Wie viele Lieder sie am Ende gespielt haben, keine Ahnung. Jedes Stück wird würdig zuende gejammt, toller Spannungsaufbau wechselt mit minutenlangem Auskosten aller Rückkopplungs-Effekte, die man mit einer E-Gitarre und einem Verstärker so erzeugen kann. Voll Sechziger denkt man, voll Mick-Jagger-Genöle, aber auch voll heute, voll locker, voll eigen, voll einfach gemacht und deshalb voll gut. Unkompliziert. Unbeschwert. Einmal fragt jemand zwischenrein, wie er das deutsche Bier findet, da grinst er nur, schwankt dann ein bisschen herum, tut beschwipst, freut sich über diese prima Antwort diebisch einen in seine Haarpracht hinein und stimmt das nächste Lied an.

Am Ende der Freak Train, das kennt man wieder, flotter Indie-Folk zum Autofahren im Sommer, dabei Rauchen. Das Publikum, erst verhalten, klatscht KV&TV für eine Zugabe auf die Bühne, und dann, da ist schon das Saallicht und Hintegrundmusik an, für noch eine. Macht er, klar, entspannt.

Der Samstag ist beim Klangbadfestival immer der große Publikumstag. Abends sind auf dem Platz, der einst für die Lagerung von Holz genutzt wurde, geschätzte 2000 Besucher – vielleicht auch mehr und es ist nahezu trocken. Tagsüber allerdings tröpfeln eher die Musikspezialisten zu den Konzerten. Zum Beispiel zum Gig der Trembling Bells, denen man nachsagt, dass sie den Folkrock-Faden fortspinnen, der die legendären „Fairport Convention“ einst zum Erfolg führte. Hörer des frühnachmittaglichen Konzerts kommen ins Schwärmen, beklagen allerdings Soundprobleme.

Mit Moebius + Tietchens verzaubern dann im Zelt zwei Altmeister der elektronischen Musik, die sich nie dem Erfolg um jeden Preis verschrieben haben. Nix da mit Anpassung. Moebius, seit Jahren ein Freund des Klangbads und Weggefährte des Machers Hans Jochen Irmler, kennt man unter anderem von Cluster. Asmus Tietchens ist Noise-Avantgardist und elektro-akustischer Vorreiter. Ambient, elektronische Klangflächen, gefilterte und zur Komplexität verdichtete Sounds kommen hier zusammen. Und dann ist da noch die Moskauer Elektro-Rockband T.Bird, die ihren Space-Rock schon vor recht großem Publikum zelebrieren kann. Treibende Drumbeats und pulsierende Bässe, Gewerkele an verschiedenen Synthie-Kisten und Effekten. Krautrock-Feeling made in Russia. Da gibt’s Zugabenrufe und im Publikum wird eine Seifenblasen-Maschine angeworfen.

Im Zelt wird das musikalische Gemisch mit den aus Birmingham angereisten Micronormous noch bunter. Vor der etwas unsortiert wirkenden Bilderwelt, die Pram-Filmemacher Scott Johnston (Film Ficciones) an die Wand wirft, entwickelt
Matt Eaton, Gitarrist der Band Pram, eine ganz eigenwillige Klangwelt. Elektronische Frickelei, Pop, reichlich bearbeitete globale Folklore aus dem Laptop, Jazz-Big-Band-Feeling – da kommt einiges zusammen, Höhen und Tiefen inklusive. Kalter Kaffee und skurriles Wagnis liegen sehr nahe zusammen. Die in Scheer unvermeidliche Melodika kommt zum Einsatz. Hier arbeiten gebeugte Männer im Heimkino. Im überfüllten Zelt ist die Begeisterung groß.

Die Goldenen Zitronen standen bereits länger auf dem Wunschzettel der Klangbad-Füller. Nun waren sie also da, die Grundsteinleger der Hamburger Schule, die sich 1984 auf den Weg machten, um mit Punk den Schlagerkarren bewusst in den Dreck zu fahren und mit witzigem, leicht abgedrehten Text-Drive die deutsche Wohlstandsrealität anzupissen. In bizarren, handgeschneiderten Kaftans und Flügelklamotten machen sie wahr, was Sänger und Rezitator Schorsch Kamerun bereits beim Soundcheck mit einer „warmen Stimme mit einem schützenden Klang“ ankündigt: „Hier wird gearbeitet auf der Bühne – ein Gegenwert.“

Auf ihren jüngsten Scheiben bewegten sich die Hamburger in Richtung Elektro-Beats, verquastem Hiphop und Klangexperiment, ohne dabei ihren politischen Krawall-Auftrag zu vergessen. In Scheer setzten sie live mehr auf den bewährten Rumpelsound früherer Jahre. Klare Sache, die Herren wollten bei diesem Familienausflug in den Süden an erster Stelle Spaß haben, lassen sich vom Publikum schon mal das eine oder andere Schnäpschen aus dem Flachmann einschenken und geben in Sachen Punk und Co dafür auch eine ordentliche Lokalrunde aus. Die einst so radikal wirkenden Stücke sind heute bisweilen eher ein nostalgischer Spaß, andere kratzen noch immer am Lack der Gegenwart. „Die Menschen sind ehrlich und somit sind sie gefährlich“, stellen sie fest und fühlen sich in einen Turnschuh hinein, checken die Notbeleuchtung, verstricken sich in „Widersprüche“ und feieren sich selbst: „Ein toller Erfolg.“ Bereits nach 50 Minuten und andauernder Instrumenten-Rochade gehen sie von der Bühne ab. Das Publikum will mehr, und Schorsch Kamerun widmet den Applaus den USA: „Die heißen ab heute USB. Wie eine Schweizer Bank, die auch ihre Probleme hat.“ Kompagnon Ted Gaier kritisiert zwar diese US-Kritik, doch Kamerun kontert, er betrachte die Situation rein ökonomisch und gebe sein Rating ab. Der Songsatz zur Ansage: „Menschen haben keine Ahnung.“ Und da das so ist, muss im letzten Lied die nackte Wahrheit in die Nacht geplärrt werden. Mit „Angst und Bange am Stück“ für ein geschocktes Klangbad und dem definitiven Kantinen-Kernsatz: „Es gibt keine einzige Mahlzeit, die keinen Preis hat.“

Um Mitternacht treten dann noch Wire auf, denn beim Klangbadfestival wird auch fast vergessenen Bands eine Bühne bereitet. In diesem Fall ist es diese aus London stammende Band, der nachgesagt wird, sie habe den Postpunk kreiert, als es diesen noch gar nicht gab. Heute nennt man so etwas Alternative oder einfach nur Rock. Gitarrist Colin Newman und Bassist Graham Lewis, die abwechselnd und gemeinsam singen, sind seit dem Start im Oktober 1976 dabei. In all den Jahren bewegte man sich vom Punk in Richtung komplexerer Rockmusik, baute auf „Chairs Missing” Synthesizer in die Songs mit ein, um sich dann mit viel Spiellust und -wut auch Drumcomputern und elektronischem Kram zuzuwenden. Über die Jahre wurde aus Wire sogar Wir. In Scheer waren’s dann nicht Wi, sondern wieder Wire.

Kantige Rockriffs, mit Effekten aufgepimpte Gitarren- und Basssounds, relative durchsichtige Songstrukturen – Wire sind verglichen mit den Zitronen sicherlich nicht der Headliner des Abends. Das klingt bemüht, bisweilen auch anachronistisch. Darüber können auch die in großer Stückzahl aus der blauen Ikea-Tasche geholten Effekt-Tretminen nicht hinwegtäuschen. Besonders die Stimmen der beiden Ur-Mitglieder haben über die Jahre hörbar gelitten, und die Band versteht es leider viel zu selten, die vokalistische Brüchigkeit gewinnbringend einzusetzen. Dann klingt es ein wenig nach David Byrne in Rock. Aber naja. So darf dieser Auftritt eher unter der Rubrik gelebte Pop-Geschichte eingeordnet werden. Man ist dabei gewesen. Für einen größeren Nachhall sorgten die meisten Songs nicht.

Zunächst der stille Fluch: Wann endlich darf ich in diesem Jahr ein Open Air ohne Regengüsse und Matschebatsche erleben? Bereits der Weg übers Land von Ulm nach Scheer, mal näher, mal weiter von der Donau entfernt, lässt die Stimmungskurve fast so rapide sinken wie die der internationalen Börsen. Je näher an Scheer, desto heftiger der Regen, Freitagsfahrer blockieren die Straße, bereits jetzt weiß ich, dass ich beim Klangbad Festival 2011 Audiac verpassen werde. Okay, Christy & Emily samt Band konnte ich verschmerzen. Schließlich zählen die Girls aus New York City mit ihrem „Urban Folk“ zu den Stammgästen in Scheer und machen sich ja auch sonst live nicht gerade rar. In Scheer angekommen höre ich noch die letzten Klänge aus dem völlig überfüllten Zelt, das sonst eher für mittelgroße Bierfeste genutzt wird und wie all die Jahre mit einer Sofalandschaft vollgestellt ist. Hier darf gechillt werden, und bei den melancholischen Songs der beiden Audiacs Niklas David und Alexander Wiemer war das wohl auch der Fall.

Im Zelt tritt nun Gudrun Gut auf. Für Künstler immer ein wenig gewöhnungsbedürftig, aber beim Klangbad sehr häufig der Fall: Der Soundcheck findet vor Publikum statt, und in diesem Fall ist der Klangraum brechend voll. Jedes Fleckchen, an dem man nicht nass wird, ist in den Abendstunden gefragt. Vielleicht bleibt’s auch aus diesem Grund so lange voll, als Gudrun Gut, die in Scheer nur als Gudrun Befriedigend durchgehen kann, loslegt. Auch wenn bei diesem Festival oft mit schneller Nadel gestrickt werden muss, von der Perfektion ist die nette Lady unglaublich weit entfernt.
Gudrun Bredemann , die bereits vor gut 30 Jahren mit der Performanceband „DIN A Testbild“ und als Mitbegründerin der Einstürzenden Bauten oder der Band Malaria! für Furore sorgen konnte, hat von diesem Legendentum als Laptop-Solistin nicht viel in die Gegenwart herüberretten können. Wenn Sie in ihren elektronischen Kosmos Rock und Blues von Canned Heat oder Grand Funk einführte dann klang das eher nach flüchtigen Computerskizzen eines Moby, die dieser allerdings wohl wieder verwerfen würde. Zudem wirkten die Filme und grafischen Streifen, die im Hintergrund abliefen, wenig ambitioniert. Irgendwo zwischen House, Ambient und E-Experiment ging’s durch den „Blätterwald“.

Zu den Klängen des mit Antye Greie produzierten Albums „Baustelle“ näherte sie sich der Sinnlichkeit der Mischmaschine und des Betongießens an, rhythmischer, bewegter, bewegender. „Wir wollen tanzen“, rief eine Dame aus der Sofalandschaft. Und Frau Gut servierte die Überbleibsel eines Monika-Abends in Polen, der im Wodkarausch endete. Gute Momente, aber nicht gut genug, um nach 50 Minuten nicht doch lieber den Regenguss vorzuziehen. Im Regen traf ich Programm-Macher und Initiator Hans Jochen Irmler, vielen als Tastateur von „Faust“ bekannt, der mit Sandalen durch die Pfützen lief und eine knappe Zwischenbilanz zog. „Stimmung gut, Füße nass“.

Das Klangbadfestival bot dann dem Komponisten und Hörspielmacher Felix Kubin eine große Bühne. In kompakten und verzwickten Computerwerken, die von Sounds des Analog-Synthies unterstützt wurden, beschäftigte er sich mit Kopernikus oder dem Atomium und wünschte sich „Geh raus aus meinem Traum, Donald Duck“. Tja, im Hotel Super Nova ging’s lustig, verkopft und mit spitzen Texten zur Sache. Kaum hatte der Mann, der einst mit „Die Egozentrischen 2“ erste Gehversuche im Musikbusiness unternahm, die Ansage „Die Feuchtigkeit folgt mir seit drei Monaten überall hin“ gemacht, hörte so langsam auch das Tröpfeln auf. Und Kubins Sound? Der Nachhall der Neuen Deutsche Welle inklusive DAF war da bisweilen zu hören, Eisler wurde benutzt und interpretiert, kurze Anspielungen, musikalische Gimmicks, der Musiker als Dirigent und Showmann – Kubin hatte den elektronischen Bogen raus. Er blies zum großen „Lausangriff“ mit einem Kunstfilm von Martha Colburn im Rücken, erkannte „Ihr seid nicht wirklich hier“, war den Würmern auf der Spur, widmete die Trilogie „Idiotenmusik“ seinen alten Klassenkameraden und bot mit „Bandits One Five“ gar eine Coverversion der „Swell Maps“. Pop pur und mit Kubins einzigem kommerziellen Hit „There is a Garden“ wurde es sogar romantisch. Mit Klaus Nomis Hit „Lightning Strikes“ drückte Kubin noch mehr auf die Tube. Großer Beifall, doch eine Zugabe war zeitlich bedingt leider nicht mehr drin.

Höhepunkt des Abends wurde allerdings der Auftritt von Red Snapper. Die Briten, einst als Erneuerer des Jazz gefeiert, packten im Quartettformat sofort energetisch an. Soll heißen, mit reichlich Groove und Beats, die man eher dem Pop und Rock als dem Jazz zuordnen würde. Bisweilen klang das wie eine Rockabilly-Band nach einer Gehirnwäsche. Nach sieben Jahren kehrten sie wieder zurück auf eine deutsche Bühne. Gut so, denn inzwischen haben zwar längst auch andere Musiker dem Crossover von Jazz und Pop ganz individuelle Seiten abgewonnen, doch Red Snapper leben ihren Sound. Sie schütten Adrenalin aus, berauschen sich selbst am kollektiven Sound, der niemals langatmige Soli in den Mittelpunkt stellt, sondern die Power der Band. Dank diverser Effekte und Laptops war der Sound stets variabel. Drummer Richard Thair trieb die Truppe mit reichlich Verve an, Bassist Ali Friend gab nicht nur am Tieftöner den Ton an, sondern auch als Sänger und Shouter, und Gitarrist David Ayers weitete den psychedelischen Raum. Dazu gab’s jede Menge Sax-Power. Alte Schule, neue Sounds – nicht alles wurde da zwischen TripHop, Progressive und Jazz neu erfunden, aber mit Biss wurde es immer gespielt. Ein guter Einstieg in die Sternennacht, in der DJ Fett und die Bleepgeeks-Crew bis in die Morgenstunden für Tanzbares sorgten.

Ach ja – Tag 2 begann mit Sonnenschein. Sonnenbad beim Klangbad.

Später, am Promostand: “When we’re not touring, I sometimes work for my friends The Decemberists”, lässt Corrina Repp mal kurz lässig im Nebensatz fallen, als wir mit ihr und Bandkollege Joe Haege noch über die griechische Staatskrise und Portland vs. Stuttgart palavern.

So was kann man halt nur normal finden, wenn man aus Portland, OR, kommt, der gar nicht mehr heimlichen Indie-Hauptstadt der Welt, aus der neben den genannten Decemberists oder Rumpel-Folkern (nicht verwechseln mit Rumpel-Volker, Kalauer am Rande) wie The Builders and the Butchers auch die gewieften Multiinstrumentalisten Tu Fawning kommen, die Anfang März bereits in der Schorndorfer Manu gastierten und deren Masterminds Repp und Haege uns verschwitzt signierte CDs verkaufen.

Weil es in Portland sehr oft regnet, wage ich ihnen gegenüber die These, dass dort so viele Bands herkommen, weil man außer im Bandkeller zu hocken einfach nichts anderes machen kann. Zum Beispiel fallen so spaßige, aber unproduktive Aktivitäten wie Freibad oder den ganzen Tag im Straßencafé hängen und dabei 16 Espressen reinleeren weg. Dazu würde ja auch passen, dass aus Italien, Spanien oder Französisch-Guayana schon länger nichts rechtes mehr kommt, versuche ich einen kleinen Scherz und ernte Ratlosigkeit. Um mich wieder einzuschleimen lobe ich noch kurz die stilvolle Konzertkleidung und bekomme die Information, dass das andere weibliche Bandmitglied Lisa Rietz in ihrer Freizeit Mode entwirft und grade von der Berlin Fashion Week kommt. Haben wohl echt zu viel Zeit und zu viel Druck auf der Kreativenblase. Angeber-Seggl, die.

Vorausgegangen war ein sympathisches, veschrobenes und leider viel zu kurzes Konzert des von Toussaint Perrault komplettierten Quartetts. Zu ihrem Album Hearts on Hold habe ich mal eine schauderhafte Rezi geschrieben, in der ich verträumt herausstellte dass das „Songwriting athmosphärisch dicht“ sei und ein „Ritt in die Abgründe des Pop“. Heute abend sind die Spezialisten für komische Instrumente (Klangholz, die längste Trompete der Welt) nicht so finster und abgründig unterwegs wie ich sie in Erinnerung hatte, mehrstimmiger Arcade Fire-mäßiger Gesang und wirklich nette Melodien, trotz dauerrumpelndem und prägnant nach vorne gemischtem Schlagzeug wie bei einer Probe der Feuerwehrkapelle Backnang.

Mein Nebenmann bemängelt zwischendurch, dass ihm das jetzt zu pappig sei; er geht deshalb zur Bar im vielleicht halbvollen Schocken. Pappig ist eine interessante Vokabel, die ich im Zusammenhang mit einem Livekonzert so noch nie gehört habe. Ich überlege, dass der Kerl ja wirklich sehr geile und witzige, neue Metaphern erfinden kann und ob ich ihn fragen soll, ob er vielleicht diesen Artikel schreiben will. Später finde ich zufällig heraus, dass er poppig sagte und ich mich verhört hatte. War ja auch Quatsch, pappig sind Tu Fawning echt nicht, sondern schon recht poppig, die hauen trotz manchmal sehr sperrigen Songstrukturen paradoxerweise einen Ohrwurm nach dem anderen raus. Außer ihm sind auch alle Anwesenden begeistert und machen oft Wooo.

Manchmal scheppert das träge daher wie bei Multiply a house oder I know you know, manchmal geht’s folk-rockiger nach vorne wie bei I felt Sense, immer mit dem Pop im Hinterkopf und der Hand am Verschrobenheitshebel. Beeindruckend auch, dass sie neben ihrem geschmirgelten Äußeren, dem Nebenjob bei den Decemberists oder der Modebloggertätigkeit auch noch jeder so viele Instrumente spielen können und sich mit der Bedienung derselben ständig abwechseln. Bin jedenfalls gespannt auf Album Nummer Zwei und eine hoffentlich wieder scheußlich kitschige Rezension desselben.

Schon im gelben Blitz den Berg hinauf kann man sehen, wer heute hier spielen wird. Es wird Guinnes aus der Dose getrunken, der eine oder die andere hat brav das Bandshirt angezogen, die anderen tragen Grün oder was mit dem Totenkopf dieser norddeutschen Klamottenmarke. Der Rest ist in praktisches Räuberzivil gewandet. Ganz stilecht fällt eine Truppe aus Mühlheim auf. Das dreckige Dutzend hat sich wohl im letzten Fasching den Fluch der Karibik zum Motto genommen und trägt die Gewänder heut wieder auf. Schaut lustig aus und die haben Spaß.

Mit einem kalten Bier im Pfandbecher setze ich mich an die Seite und harre der Dinge die da kommen werden. Als wir mitbekommen, dass die Band im Backstagebereich eincheckt kommt im weiten Rund Stimmung auf. Shane MacGowan konzentriert sich hinter seiner Sonnenbrille und schafft den Abstieg mühelos. „Wasser ist zum Waschen da.“ Dass der Mann eher selten Tee trinkt, ist Allgemeinwissen und dafür wird er ja auch schliesslich geliebt. Zwanzig Minuten später betritt die Band die Bühne und legt los. Die sieben Herren sind famos aufeinander eingespielt und bieten Folk-Punk vom Feinsten und das genau ist es was alle hier wollen. Innovation ist woanders, hier gibt’s Popgeschichte. Shane hat ein nettes Bistrotischchen neben dem Mikro, da stellt er seine zwei Gin Tonics ab und nach einer unverständlichen Ansage singt er wacker mit. Das geht gut und obwohl er nach jedem Song nachlädt wird sein Gesang nicht schlechter, im Gegenteil. Eigentlich hält er sich nur durch Singen und Rauchen vom Trinken ab. Natürlich hat das Leben äußerlich seine Spuren hinterlassen, ein bisschen zugelegt hat er auch, aber insgesamt ist er mit seinen 54 Jahren halbwegs gut in Schuss. Frau Winehouse sollte den Mann mal anrufen und sich Nachhilfe im Drogenmissbrauchen geben lassen, hier macht das jemand richtig.

Zweimal verschwindet der Chef. Einmal übernimmt der Flötenspieler das Singen, beim zweiten Mal steht ein Instrumentalstück auf der Playlist und da hat der Sänger gattungsgemäß Pause und Zeit für sein heisses Wasser mit einem Schuss Milch hinter der Bühne. Ich bin jetzt keiner, der alle Poguesplatten auswendig kennt, aber die wichtigen Sachen spielen die Jungs: Waltzing, Mathilda, Sunny side of the street, A rainy night in Soho undsoweiter alles dabei Dirty old town natürlich auch. Das Publikum ist sehr angetan, vor der der Bühne wird engstehend gehüpft und gehopft, weiter hinten sieht man den einen oder anderen schwäbischen Michael Flatley mit den Füßen wedeln, alle haben Spaß bei diesem großen Kindegeburtstag vom Altpunkt, zum Irlandreisenden und der Rockabilly in Zivil mit dem Sohnemann im Grundschulalter auf der Schulter ebenso. Nach einer Stunde verschwindet die Band das erste Mal hinter der Bühne, lässt sich aber noch für zwei Zugabenblöcke wieder auf die Bühne locken.

Grandioses Finale und letzter Song ist „Fiesta“ das Lied vom Dorffest in Almeria mit Brandy, Corona, leichten Damen, Makkaroni, crazy Gringos und Eingeborenen mit mächtigen Cochones, halt eine Riesensause mit allem, was das Herz begehrt. Die Truppe gibt nochmal gewaltig Gas und Shane und der Flötist hauen sich mit Pizzablechen auf die Köpfe, dass es beim Zuschauen schon arg weh tut, aber hübsch klingt. Als sie danach als Sieger abrauschen trifft genau das ein, was hinten unten auf dem diesjährige käuflichzu erwerbenden Tourleibchen geschrieben steht:

When the band finished playing
They howled out for more

Schon Tage vor dem Southside habe ich angefangen zu beten. Dafür, dass ich dieses Jahr meine Eintrittskarte finde, dafür dass ich nicht schon wieder beklaut werde (oder die Diebe zumindest auf frischer Tat stellen und brutal bestrafen kann) und dafür, dass wetter.de Recht hat. Die hatten nämlich, im Gegensatz zu wetter.com, einigermaßen passables Wetter vorausgesagt. Eventuell leichte Regenschauer und so. Aber am Arsch, das Wetter – die Sau – hat es schon wieder getan.

Für die Festivalgänger hieß das mal wieder 3 Tage in Schlamm, Regen und Dreck leben. Aber zum Glück ist der Mensch sehr anpassungsfähig. Manchmal wunder ich mich selbst darüber, dass ich unter solch widrigen Umständen Spaß haben kann. Aber ist das Reinlichkeitsempfinden erst mal bis aufs Nötige runtergeschraubt und der Geist betäubt, geht der Rest von ganz allein. Nur sollte man auf gar keinen Fall seine Gummistiefel vergessen. Die sollten genau wie im vergangenen Jahr zum wohl wichtigsten Utensil werden.

17.06.2011

Wir kommen nachmittags gut gelaunt auf dem Parkplatz des Southside an. Das Wetter ist tatsächlich gar nicht schlecht. Schlamm ist nirgends zu sehen. Es wird doch wohl nicht etwa trocken bleiben? Ich schreibe ein paar triumphierende SMS in die Heimat. Etwas voreilig wie sich später rausstellen wird. Bevor man aber wirklich ankommt, steht erst noch die ekelhafte Schlepperei auf dem Programm. Da nimmt man schon keine Fressalien mit, beschränkt seine Alkoholvorräte auf in der Preis-Leistung unschlagbare Spirituosen, mietet sein Zelt so richtig schön dekadent und dennoch – sich vollgepackt und verschwitzt zum Zelt durchkämpfen gehört wohl einfach dazu. Auf halbem Weg kommt mir einer entgegen, schaut auf mein Gepäck und ruft: „Also Du will ich jetzt aber nicht sein“. „Recht hat er“, denke ich. Als er aber näher kommt und ich sein verbeultes, mit Pflastern notdürftig versorgtes Gesicht samt komplett zugeschwollenem lila Auge sehe, bin ich mir da nicht mehr so sicher. Ich glaub, da bin ich doch lieber ich.

Vorbei geht es an den üblichen Extrovertierten. Menschen in Bärenkostümen, mit mäßig lustig-frivolen Schildern ausgestattete Bierdosenkicker, vollgemalte Teenies und so weiter. Mir alles egal, will nur endlich meinen Scheiß abladen. Und dann ist es geschafft, einer der alljährlich schönsten Momente des Southside. Das Zelt erreicht, seinen Krempel verstaut und das erste Bier in der Hand. Jetzt sind wir wirklich da und das Southside 2011 kann beginnen. Und da meine Mitstreiterinnen recht umtriebig sind, geht es schon bald aufs Konzertgelände, obwohl ich mir die erste Band erst für 22.30 Uhr angestrichen habe. Aber warum nicht, noch scheint ja auch die Sonne. Das muss man ausnutzen. Wir hören uns An Horse an. Wirklich nette Musik und auch eine ziemlich sympathische Band. Klingt ein wenig nach Tegan and Sara. Genau das Richtige für den Start. Weiter geht’s mit Boysetsfire und ihrem US-Post-Hardcore. Auch ganz nett. Melodisch rockig, es darf auch mal geshoutet werden.

Mein erstes wirkliches Highlight sind aber The Subways. Bis dahin ist aber noch Zeit, da kann man nochmal zum Zelt zurück und den Tetrapack auffüllen. Um 22.30 Uhr geht’s dann in Königslaune zur grünen Bühne. The Subways halten was ich mir versprochen habe: feiner Indierock einer tollen Band. Nur das Wetter ist mittlerweile umgeschlagen. Es regnet wie bescheuert und auch die ersten Matschsuhler treiben ihr Unwesen. Vor denen muss man sich hüten. Möchte echt nicht wissen, wie es bei denen im Zelt aussieht. Apropos Zelt, da zieht es uns jetzt hin. Denn im roten Konzertzelt ist es erstens trocken und zweitens spielen Bright Eyes. Die wollte ich schon lange mal live sehen und ich muss sagen: Es lohnt sich. Herzschmerz und Melancholie vom Feinsten, was Connor Oberst da von sich gibt. Toller Typ. Danach geht es schnurstracks durch den noch stärker gewordenen Regen zurück zum Zelt. Der ein oder andere Absacker hilft, dass ich gut schlafen kann.

18.06.2011

Der Samstag beginnt in etwa wie der Freitag aufgehört hat – kalt und klamm. Ein Kaffee und ein etwas fades Rührei bessern die Stimmung gleich ganz gewaltig. Kauend beobachten wir einen wirklich völlig verstrahlten Festival-Besucher. Ständig hebt er sich sein belegtes Baguette ans Ohr und redet dabei wirres Zeug. Keine Ahnung, wen er am anderen Ende vermutet. Auch beim öffentlich auf den Boden urinieren, gibt er ein eher unwürdiges Bild ab, legt er doch sein Brötchentelefon direkt vor sich auf den Boden. Ziemlich unschöne Sache das Ganze. Hier scheint ganz eindeutig Chemie am Werk zu sein.

Da meine Festival-Mitstreiterinnen sich wohl irgendwie im Wetter vertan haben müssen, führt unser erster Weg ins nahe gelegene Tuttlingen. Dichte Gummistiefel, Regenjacken und auch ein schicker Leoparden-Regenponcho werden gekauft. Während die Damen shoppen, mache ich ein Nickerchen im warmen und trockenen Auto. Vor lauter Gemütlichkeit unterläuft mir dabei ein riesiger Fehler – ich nutze die sicher um Längen sauberere Kaufhaustoilette nicht. Später werde ich mich dafür verfluchen. Ziemlich unflätig und laut. Denn Dixi-Klos sind etwas, an das ich mich auch nach so vielen Festivals immer noch nicht gewöhnen kann. Ich habe mal erlebt, wie ein paar Spaßvögel eines umgekippt haben. Der Typ, den wir anschließend aus der braunen Hölle befreien mussten, hatte pure Mordlust in den Augen. Hätte fast uns vermöbelt, weil er nicht wusste, wohin mit all dem Hass. Ich bete, dass ich sowas nie erleben muss.

Die erste Band, die ich heute unbedingt sehen will, sind die Blood Red Shoes aus Brighton. Die haben vor einer Weile mal im Schocken gespielt, tolles Konzert war das. Und auch auf dem Southside sind sie wirklich klasse. Was Schlagzeuger und Sänger Steven Ansell und seine bildhübsche  Bandkollegin Laura-Mary Carter spielen, ist gepflegter Indie Rock. Und für nur zwei Leute auf der Bühne geht das ganz gut in die Beine. Auch das Wetter zeigt mittlerweile ein etwas freundlicheres Gesicht. Es regnet nur noch ab und an. Ändert zwar nichts am Schlamm, hebt aber trotzdem die Stimmung. Gut gelaunt geht es also zu Portugal. The Man. Spitzentypen aus Alaska sind das mit tollen Texten und melancholischem Gesang. Macht mir nicht mal was aus, dass sie dabei immer ein wenig hippieesk klingen. Und das ist eigentlich gar nicht meine Musik. Nach einer kleinen Stärkung am Zelt geht es dann zu einem weiteren echten Highlight – den Schotten von Glasvegas.

Die sind schon ein Original. Sänger James Allan sieht in seinen weißen Prollklamotten aus, als wolle er in einem kleinen schottischen Kaff Drogen verticken. Passend dazu macht er sich auch mal über den ein oder anderen Fan lustig oder fragt nach,  ob es Hitlerfans im Publikum gibt. Das aber immer mit einem Augenzwinkern und diesem sausympathischen schottischen Akzent. Wenn Allan dann mit großer Stimme und noch größeren Gesten in Songs “It’s my own cheating heart” oder “Daddy’s gone” die Schattenseiten des Lebens besingt, merkt man, dass er nicht nur Prolet sondern auch Poet ist. Tolle Sache, nur leider viel zu schnell vorbei.

Jetzt wird sich am Asia-Stand erst mal wieder mit rotem Thai-Curry versorgt, dem meiner Meinung nach besten Essen, das man hier für Geld kaufen kann. Zu viert haben wir es in 3 Tagen auf gut und gerne 13 Portionen geschafft. Frisch gestärkt schauen wir uns Portishead an und genießen nach so viel Rock die großartigen leisen Momente. Einfach nur bewegend wie Sängerin Beth Gibbons mit geschlossenen Augen am Mikro steht und nicht nur von Weltschmerz singt, sondern ihn auch verkörpert.

Mit Eels wird es leider nix auf der roten Zeltbühne. Rappelvoll ist es und schon im Eingangsbereich wird gedrängelt und gedrückt. Nichts für mich. Also führt uns der Weg erst mal zurück zum Zelt vorbei an allerlei unzurechnungsfähigen Gestalten. Besonders herzig: ein Mädel, das sich den Weg aufs Dixi-Klo sparen will. Hinter einem Zaun auf der anderen Seite eines Hauptweges ist sie in Stellung gegangen, weil sie wohl dachte, dass der komplett mit Plakaten abgedeckt ist. Zielsicher findet sie aber die einzige Lücke zwischen den Plakaten und lässt ihren blanken Hintern im Scheinwerferlicht leuchten, sehr zur Belustigung einiger männlicher Zeitgenossen.

Den Rest des Abends schaffen wir es nicht mehr vor, obwohl ich die Chemical Brothers eigentlich gern gesehen hätte. Stattdessen sitzen wir im Trockenen vor dem Zelt und geben uns alle Mühe, den Pegel zu halten. Ist ja auch wichtig. Die Nacht wird kurz, da unsere Zeltnachbarn bestens gelaunt  und mit einer Inbrunst, die ihresgleichen sucht, stundenlang den gleichen Song, oder genauer, immer nur den Refrain eines Songs singen. “My hero” von den Foo Fighters. Das und der hämmernde Elektro von was weiß ich woher schaffen es, dass ich erst am frühen Morgen wirklich Schlaf finde. Am nächsten Tag gibt’s zum Frühstück noch eine Zugabe unserer Zeltnachbarn. Trotz allem ganz nette Typen übrigens.

19.06.2011

Den musikalischen Sonntag beginnen wir mit einem Kurzaufenthalt bei den Metallern von Kvelertak. Rockig geht es dann auch weiter und zwar mit Monster Magnet, einer echten Legende. Wundert mich, dass die schon um  15.30 Uhr spielen müssen. Frontmann Dave Wyndorf ist in die Jahre gekommen. Nichtsdestotrotz rockt er immer noch recht dreckig und ist so von sich überzeugt, dass wir es einfach auch sein müssen. Coole Sau.

Die nächste coole Sau lässt nicht lange auf sich warten. Maja Ivarsson ist mal wieder mit ihrer Band The Sounds da. Ich sehe sie zum gefühlten tausendsten Mal und bin tatsächlich schon wieder begeistert. Erstens weil der Poppunkrock der Schweden die Füße locker macht, zweitens weil Maja Ivarsson immer die besten Bühnenoutfits trägt und drittens weil der Auftritt einfach Spaß macht. Maja raucht, trinkt Bier, flucht und zieht ihren doch schon recht schlampigen Style gekonnt selbstironisch durch. Einen Gefallen sollen wir ihr beispielsweise tun: “If I say “jump”, I want you to say “How high, Bitch?”. Ja, Humor hat sie. The Sounds bringen die Masse und auch uns mit Hits wie “No one sleeps while I’m awake” und “We’re not living in America” zum tanzen. Maja und auch ich erinnern uns an ihren ersten Southside-Auftritt. Der war mittags und es waren nicht gerade viele da, um sich den Auftritt anzuschauen. Das sieht mittlerweile ganz anders aus, sauvoll ist es hier.

Im Anschluss schauen wir auf den Tipp einer meiner Begleiterinnen Two Door Cinema Club an, von denen ich dachte, dass ich sie gar nicht kenne. Irrtum, werden sie doch des Öfteren auf Motor FM gespielt  und auch beim FIFA 2011 wird gern damit untermalt. Recht cooler Indierock, da kann man nicht maulen. Die gute Laune geht also weiter.

Auch bei Gogol Bordello, die der Menge mit ihrer Mischung aus traditioneller Sinti- und Romamusik, Punk, Dub und Ska ordentlich einheizen. Mittlerweile ist es sogar warm und die Sonne lässt sich blicken. Lustig, während der Schlamm unten noch matschig an den Füßen klebt fliegt er einem oben in anderem Aggregatszustand schon wieder um die Ohren und brennt wie Sand in den Augen.

Die letzte Band meines Southside 2011 werden die Briten von Kasabian. Kannte ich vorher auch nicht wirklich, begeistern mich aber. Sick Of It All hätte ich ganz gern gesehen, ich bin aber viel zu kaputt. Und außerdem haben sie ja erst neulich in Stuttgart gespielt. Wir wollen jetzt nur noch nach Hause, wo eine Dusche, ein warmes Bett und saubere Klamotten warten. Das Southside hat sich wie die Jahre zuvor wirklich gelohnt. Viele gute Bands, nette Leute und ordentlich was zu lachen. Diesmal ist uns außer einem Campingstuhl auch nichts geklaut worden, toll. Nächstes Jahr sind wir aller Voraussicht nach wieder dabei. Aber dann bitte bitte bitte mal wieder mit Sonne und ohne Gummistiefel.

Manchmal laufen die Dinge einfach genau so, wie sie laufen müssen. Seit ein paar Wochen habe ich einen neuen Lieblingssong im Radiosender meines Vertrauens. Als der Moderator endlich mal verriet, dass es sich dabei um „My Name is Mathias“ der kanadischen Band The Burning Hell handelt, war das natürlich schnell in die Suchmaschine eingetippt. Dort stand zu lesen, dass die Herrschaften schon zwei Wochen später im Hallschlag spielen. Wo die Nachbar genau liegt, wusste das Netz auch noch, jetzt waren nur noch die Tage zu zählen.

Dass die Gruppe gerade mitten in einer Rieseneuropatour steckt (61 Auftritte in 63 Tagen oder so ähnlich, auf jeden Fall gestern Tübingen und morgen Crailsheim), merkt man den Sechs auf der Bühne nicht im mindesten an. Gut, das kanadische Kollektiv besteht zum Teil aus bis zu 14 Musikern, vielleicht sind einige ja schon auf der Strecke geblieben, haben sich in Österreich verliebt oder in Polen Haus und Hof verspielt,… akustisch fehlen sie an keiner Stelle. Frontmann Mathias Kom schlägt frohgemut die Ukulele und singt mit tiefer Bassstimme von seiner harten Kindheit als er sich in den vorgelesenen Geschichten immer mit den Drachen, Hexen und Trollen identifizierte und nie auf der Seite der Guten war. Wenn Du den Todesstern schöner fandest als den Wald der knuddeligen Ewoks, dann warst Du sicher sehr einsam auf dem Grundschulhof. Im nächsten Song gibt er ganz genaue Anweisungen, wie er beerdigt werden möchte (nackt mit der Ukule im Arm). Es folgt eine Ballade über die eifersüchtige Zombiefrau, welche ihren unmutierten Ehemann in die ewigen Jagdgründe schickte, weil er fremdging (was hätte der arme Kerl denn sonst machen sollen?). Kranke Haustiere, das harte Leben auf Tour sind weitere Themen des exzellenten Songschreibers.

Dass literarisch hochwertige hinterfotzige Texte noch besser klingen, wenn sie von hervorragenden Musikern interpretiert werden, diese Regel bestätigt sich heute mal wieder. Zur klassischen Gittarre-Bass-Schlagzeug-Besetzung und der Ukulele des Bandleaders kommen noch eine Geigerin und eine Klarinettistin. Hier spielen fröhliche Menschen zusammen, die sich mögen. Keiner drängelt nach vorne, jeder bekommt sein Solo und das ganze macht allen im Laden einen Riesenspaß. Musikalisch haben wir es mit großstädtischem Indie-Folk zu tun, bei dem aber keiner auf seine Füße stiert, sondern alles swingt. Ein Song über die große Sinnkrise darf durchaus als Walzer verpackt werden und als nächstes kommt eine Piratenpolka. Mitten im Konzert hat der Gitarrist Geburtstag und bekommt natürlich eine Torte zum Ausblasen, und der ganze Laden singt ihm ein Ständchen. Mein großer Zeh hat am Ende des Abends eine Blase vom Mitwippen und eigentlich ist nur Eines falsch gelaufen: Nächstes Mal komme ich ungegessen und früher, denn die Schnitzel, die der Nachbartisch vor dem Konzert verputzt hat, sahen sehr gut aus und gerochen haben die, ich sag’s Euch! Fast hätte ich mir was einpacken lassen, Gottseidank gab’s wenigstens die Musik in Tonkonserven zum Mitnehmen zu Erstehen!