Hinterher bleiben mehr Fragen als Antworten: Meint er das ernst? Wenn nicht, wieso macht er das dann schon so lange? Wenn doch, was will er uns damit sagen? Egal, unterhaltsam ist das allemal, was der, und das glaube ich nun sicher sagen zu können, wahnsinnige Andreas Dorau mit der quäkenden Mickey-Mouse-Stimme und seine beiden nicht minder, aber anders verballerten Musiker Matthias Strzoda (Schlagzeug und, äh, Gesang?) und Tim Lorenz (Laptops und, äh, Gesang) da am Samstagabend produzieren.

Inkonsequent, so auch der Titel des ersten Songs, sind sie jedenfalls nicht: Hart an der zu ertragenden Schiefheits- und Lautstärkegrenze intonieren Dorau und Co. äußerst konsequent und mit viel Körpereinsatz viele neue Hits vom aktuellen Album Todesmelodien, aber zum Beispiel auch die pralle Eurodance-Nummer Girls in Love von anno dazumal.

Vielleicht ist das das Dorau-Rezept: Er orientiert sich immer an den aktuellen Poptrends, so gab’s in den 80er den New Wave-Hit Fred vom Jupiter, in den 90ern die Girls in Love, und jetzt clevere, zeitgemäße Elektro-Beats. Diese Trends reproduziert er aber nicht einfach, sondern dreht sie durch seine sektgetränken Synthies und textet dazu Strophen und Refrains, bei denen man sich fragt (wieder eine ungeklärte Frage), ob die jetzt entweder total profan oder doch verschmitzt philosophisch sein sollen.

Zum Beispiel die witzige Shuffle-Nummer Stimmen in der Nacht, hier der komplette Text, der dann endlos wiederholt wird:

Ein halbdunkles Zimmer, braunes Gebälk,
an der Wand die Tapete, die dir so gefällt.
Die Lichter der Straße stolpern herein
Ich hör deine Stimme, das kann doch nicht sein.
Stimmen in der Nacht, ich bin aufgewacht
Stimmen in der Nacht, haben mir was mitgebracht

„Der Sänger ist nicht alles“, erklärt er zwischendurch mal seinem Schlagzeuger. Da könnte man denken, dass er sich selber nicht so ganz ernst nimmt, aber in der Vehemenz, mit der er seine Texte schmettert und die Bühne im Griff hat, erkennt man eher große Ernsthaftigkeit und Überzeugung als spaßigen Ulk. Das spiegelt sich bei ihrer scheinbaren Profanität auch in den Texten wieder, Todesmelodien heißt das Album ja auch nicht umsonst. Irre übrigens, dass diese Stimme auch live tatsächlich so klingt wie auf Platte, der singt einfach so wie ein zehnjähriger Junge und sieht auch ein bisschen so aus, zumindest sehr jung für seine 48 Jahre.

Probiertipp: Nach den schweißtreibenden Performances, etwa vom Opener Größenwahn vom aktuellen Album, erfrischt sich Dorau mit einer durchaus inspirierende Getränkeauswahl, Sekt aus dem Weizenglas mit Eiswürfeln, dazu ab und an einen Underberg. Kann man mal ausprobieren. Das prima kuratierte Pop Freaks Festival im Merlin erlebt jedenfalls hier seinen Freak-Peak, verschrobener wird’s nicht mehr.

Zurück zu den ganzen Anfangsfragen: Was das alles bedeuten soll? Immer noch keine rechte Ahnung, aber das ist so eigen, dass das ziemlich Kunst ist. Und bevor man anfängt zu arg zu grübeln, kann man zu Dorau auch prima wippen, einen Underberg stürzen und an nichts denken.

Dominique Dillon de Byington staunt. Mit charmanter, mädchenhafter Schüchternheit steht sie im Halbdunkel der Bühne und staunt mit großen Kulleraugen in die Runde. Vermutlich wundert sie sich. Wie kann es sein, dass derart viele Menschen sie sehen wollen, an diesem nasskalten Dezemberabend im komplett ausverkauften Rocker 33? Genau wie die Tage davor in Frankfurt, Köln, Hamburg.

Haben alle ihr hochgelobtes Debütalbum “This Silence Kills” im Schrank? Liegt es daran, dass alle erleben wollen, wie ein kommender Star zum letzten Mal in kleinen Clubs spielt? Jetzt, wo sich die Musikkritiker angesichts ihres Albums darin überbieten, sie mit berühmten und noch berühmteren Kolleginnen zu vergleichen, wo die Versuche, ihre Musik zu kategorisieren, zu erstaunlichen Wortschöpfungen wie “Indie-Operette” führen?

Oder liegt es nur daran, dass alle ein letztes Mal einem der besten Stuttgarter Clubs ihre Aufwartung machen wollen, bevor er dank Stuttgart 21 geschlossen wird. Da wäre ein düster-melancholisches Konzert doch die ideale Einstimmung auf den kommenden Abriss.

Bereits um Dreiviertelacht ist die Eingangshalle jedenfalls rammelvoll. Im gnadenlosen Neonlicht kann man das Publikum studieren: relativ jung ist es, schick, urban, hohe Hornbrillen-Dichte. Es dauert geschlagene eineinhalb Stunden, bis die Rocker-Crew den Andrang bewältigt und viele nach Hause geschickt hat. Und als dann auch die Konzertbeobachter der großen Stuttgarter Tageszeitungen eingelassen sind, kann der Abend beginnen.

Ganz unprätentiös beginnt das Konzert. Ein wenig Nebel, ganz wenig blaues Licht und eine Bühne, die in der Mitte leer ist. Am rechten Rand steht Dillon mit Ihrem Piano, am linken ihr musikalischer Begleiter mit zwei MacBooks und weiterem elektronischen Equipment. Mit wummernden Elektrobeats wird eröffnet, zwei Titel später kommt leise Begeisterung im Publikum auf, als sie ihren Hit “Thirteen Thirtyfive” anstimmt. Aber auch bei diesem Konzert gehen große Teile der musikalischen Darbietung im lautstarken Getratsche derer unter, denen es zwar wichtig war, bei diesem Hipster-Event dabei zu sein, sich aber herzlich wenig für die Musik interessieren.

Und diese Musik ist, mit Verlaub, lange nicht so einzigartig, wie uns die Lobhudeleien glauben machen wollen. Das ist bestenfalls eine zeitgemäße Mischung aus Triphop, ein wenig zuviel Elektronik und zugegebenermaßen griffigen Melodien. Nichts jedenfalls, was den Hype um diese Musikerin erklären könnte. Es ist Dillons Gesang, die Stimme, die zwischen Kleinmädchen-Gesang und großer Geste changiert, das kaum wahrnehmbare, aber sehr sympathische Lispeln. Nur leider kann sich an diesem Abend nicht der Zauber entfalten, den dies auf der Platte hat. Und das liegt nicht nur an den Labertaschen, die jegliche Atmosphäre totquatschen sondern auch an den allzu lauten und irgendwie deplatzierten Elektronik-Effekten. Die Leere auf der Bühne findet sich auch in der Musik wieder, Dillon und ihr Piano und die Loops und Samples vom linken Bühnenrand finden einfach nicht zusammen.

Höhepunkt des Konzerts ist “Tip Tapping”. Dillon wagt sich ins Scheinwerferlicht am Bühnenrand und animiert die “Ladies und Gentlemen” zum Singen des Refrains, während sie die Melodie darüber singt.

Manche halten es dann auch für einen schlechten Scherz, als Dillon nach einer knappen Dreiviertelstunde erklärt, dass dies nun alles gewesen sei, sie nun von der Bühne gehen und diese wieder betreten könne und stattdessen nun gleich die Zugabe spiele. Drei Songs später ist auch diese vorbei und das kürzeste Konzert des Jahres endet so plötzlich wie es begonnen hat. Das ist frech. Die bis hierhin lautstark labernden Gäste im hinteren Teil des Saals vermissen die Geräuschkulisse, haben den kleinen Scherz wohl verpasst, und verlangen nach einer Zugabe. Zu spät.

Ich stelle mir vor, wie dieses Konzert wohl gewesen wäre, wenn es ohne all den Szene-Stress nur mit Dillon und ihrem Piano im kleinen, persönlichen Rahmen, z.B. im Café Galao, stattgefunden hätte. Ich glaube, es wäre zum Heulen schön gewesen. Und vielleicht irgendwann, wenn sich die ganze Aufregung wieder gelegt hat, wird es ein solches Konzert auch wirklich mal geben. Ich freu mich drauf.

Pop. NotPop, die Zweite. Was Hannes Steim und Pese Puscher im vergangenen Jahr zum ersten Mal veranstalteten, ging nun in die zweite Runde. Wir waren überall und nirgends. Haben uns die Beine in den Bauch gestanden, über den Stromausfall im Schocken gelacht, getanzt und verdammt viel Musik gehört. Leider kann man ja nicht überall sein. Betramprimus (Touchy Mob, Laing, I Heart Sharks, Stullenheimer, Shit Robot) und Carsten Weirich (Intergalactic Lovers, Retro Stefson) sind die Berichterstatter, Andreas Meinhardt der Fotograf.

Intergalactic Lovers, Schocken

Auf geht’s in Schocken zu den Intergalactic Lovers. Eigentlich noch nie was gehört von den Belgiern. Aber so als Vorbereitung fürs Pop.NotPop-Festival hört man sich ja gern mal ein paar Songs an, um zu wissen, was sich außer den Bands, die man eh schon auf dem Schirm hat, noch lohnen könnte. Bin wohl nicht der Einzige, der sie sehen will. Das Schocken wird nämlich zusehends voller und ist dann um 21 Uhr auch gut gepackt. Könnte eigentlich losgehen, wären da nicht die technischen Probleme, die Frontfrau Lara Chedraoui und ihre Bandkollegen wieder von der Bühne treiben. Genug Zeit um neue Drinks zu ordern oder sich Wurfgeschosse in Tomatenform zu besorgen, witzelt die Sängerin der Belgier. Könnte ja sein, dass jemand seinem der Wartezeit geschuldeten Unmut kund tun will. Ich entscheide für mich einen Drink. Da ist das Geld besser investiert.

Irgendwann sind die Probleme dann scheinbar beseitigt und es kann losgehen. Und gleich zu Beginn merkt man, dass der Indierock der Belgier, die sich erst vor zwei Jahren formiert haben, beim Publikum bestens ankommt. Das Schocken tanzt zur wunderschön melancholischen Stimme von Lara Chedraoui. Erkältet sei sie und ihre Stimme ein wenig in Mitleidenschaft gezogen. Klingt trotzdem toll. Ungemein charismatisch ist sie auch noch. Steffi, eine Freundin aus München, höre ich sogar sagen: „Ich hasse sie. Die sieht verdammt gut aus und ist auch noch charmant.“ Recht hat sie. Im schwarzen Schlabberpulli und mit ihren roten Chucks tanzt sie, in die eigene oft sphärische Musik versunken und völlig unprätentiös, über die Bühne. Eine tolle Frau, keine Frage. Das Publikum kommt auch besser in Fahrt, unschwer an der Menge der wippenden und tanzenden Menschen zu erkennen. Auch als das Licht im Schocken ausfällt, tut das der Stimmung keinen Abbruch. Die Intergalactic Lovers spielen einfach im Dunkeln weiter. Nach einer knappen Stunde ist ihr Auftritt dann vorbei. Runde Sache würde ich sagen.

Retro Stefson, Schocken

Jetzt freuen wir uns alle auf Retro Stefson aus Island. Im Oktober wollten wir sie eigentlich beim Iceland Airwaves Festival in Reykjavik sehen. Da sie dort aber weitaus bekannter sind als hier und dazu noch saubeliebt, wurde daraus nichts. Wir sind nicht mehr reingekommen in den proppenvollen Club. Umso schöner, dass sie jetzt in Stuttgart spielen. Und nach allem, was ich über ihre Liveauftritte gehört hatte, bin ich zuversichtlich, dass sie vielleicht in die großen Fußstapfen von FM Belfast treten könnten, die das Schocken beim Pop.NotPop letztes Jahr aber sowas von gerockt hatten.

Dumm nur, dass die technischen Probleme immer noch nicht so ganz behoben sind. Man wartet auf den Elektriker. Um die Zeit sinnvoll zu nutzen, hole ich mir eben nochmal in Ruhe einen Drink an der Bar und habe Zeit mir Gedanken über die isländische Musikszene zu machen. Keine Ahnung was man denen ins Wasser mischt. Normal ist es jedenfalls nicht, dass bei gerade mal 320.000 Einwohnern (etwa halb so viele wie Stuttgart) derart viele richtig gute Bands von dieser wunderschönen, aber halt schon recht abgelegenen Insel kommen. Sigur Rós, FM Belfast, Bloodgroup, Dikta… um mal ein paar zu nennen. Wahrscheinlich hat man da sonst nicht viel zu tun. Mein Rat an dieser Stelle: hört mehr isländische Musik! Echt, es lohnt sich.

Mit einer Dreiviertelstunde Verspätung und noch einen Drink später geht es dann endlich los. Die sieben blutjungen Musiker von Retro Stefson entern die Bühne. Mein erster Gedanke: die sind doch völlig bescheuert, herrlich bescheuert und kacksympathisch. Allein schon der tamburinspielende Einheizer Haraldur muss jedem normalen Menschen sofort ein Lächeln ins Gesicht zaubern. Gelber Pullunder mit V-Ausschnitt, knallenge abgeschnittene Jeans und dazu Turnschuhe mit Tennissocken. Hammer. Die sieben Bandmitglieder um Sänger Unnstein Manuel Stefánsson geben sofort Vollgas und packen das ob der Wartezeit schon etwas dezimierte Publikum direkt bei den Hörnern.

Mal springt das Publikum im Kollektiv von links nach rechts, dann wieder zurück. „Follow Haraldur“ kommt immer wieder die Anweisung von der Bühne. Denn der ist sich für nichts zu schade und stiftet das Publikum zu einer Albernheit nach der anderen an. Als es gilt Tierlaute nachzumachen, kreischt, bellt und miaut es aus allen Ecken. Auch als er mit den Worten „Is it possible to be sexy in Stuttgart?“ einen Exkurs in Sachen bescheuerte Discomoves eröffnet, zieht alles mit. Ein besonders albernes Bild gibt das Schocken von der Empore aus ab, als das Publikum einfach nur verrückt und durchgeknallt rumhüpfen und sich schütteln soll. Herrlich. Aber Retro Stefson kann nicht nur albern – die können auch noch richtig gute Musik machen. Das Septett aus Reykjavik mischt Afrobeat, Rock, Elektro und was weiß ich noch alles zu einer Musik, die einem ein Grinsen ins Gesicht und Hummeln in den Hintern zaubert. Denn das Schocken geht ab. All meine Freunde hüpfen, wippen und lachen. Vor allem Cathrin hat daher ständig Tränen in den Augen, hat sich wohl ein wenig in den Haraldur verliebt.

Auch toll anzusehen ist die Wall Of Death und eine Art Pogopolonaise. Ich hab jedenfalls nicht zu viel erwartet, Retro Stefson stehen FM Belfast in Sachen Stimmung und Albernheit in nichts nach. Das macht einfach nur Spaß, denen auf der Bühne scheinbar genauso wie denen vor der Bühne. Auch den bislang eher schüchternen Bassisten Logi Pedro Stefánsson hält es irgendwann nicht mehr auf seinem Platz. Er erklimmt klettenderweise mal eben die Empore und spielt einfach oben weiter. Dickes Ding, ehrlich. Nach etwa 75 Minuten nur leider viel zu früh vorbei. Wer es verpasst hat, sollte unbedingt die Augen offen halten. Vielleicht ergibt sich ja bald mal wieder die Gelegenheit die Isländer live zu sehen. Mir wird jedenfalls noch am Tag drauf immer mal wieder völlig unerwartet „Kimba“ durch den Kopf hallen. Und auch während ich das hier schreibe, höre ich es auch aus dem Wohnzimmer, wo meine Frau gerade fern sieht, öfter einfach mal so „Kimba Kimba Kimba“ rufen.

Touchy Mob, Speak Easy

In einem akustikgitarrenfreien Universum wäre Touchy Mob vielleicht ein typischer Singer/Songwriter, der mit seinem typischen Instrument, einem elektronischen Schräubchenbrett, sich selbst zu seinen verschrobenen Songs begleitet. Unser Universum ist aber nicht akustikgitarrenfrei, und so bedient sich Touchy Mob alias Ludwig Rath wie selbstverständlich beiden Instrumenten. Stotternde, tanzbare Beats, Gesang, Vollbart und Topfschnitt, eisenhart allein auf der Bühne im Speak Easy um 9 Uhr abends, Leute unterhalten – ganz schön cool. Sein letzter Song heißt passenderweise “I Don´t Know” und er verabschiedet sich mit den Worten “Viel Spaß noch”. Spaß hatten wir, den möchte ich mal einen ganzen Abend sehen.

Laing, Kellerklub

Laing aus Berlin bieten eine echte Show im Kellerklub um halb elf. Von den vier Damen in den roten, kurzen Kleidern mit der Aufschrift “Laing” singen drei, Nummer 5 lebt 4 tanzt. Begleitet vom hartarbeitenden Drummer und Sequenzenabrufer perlt deutscher, dreistimmiger Soul-Elektropop von der Bühne, durchgängig durchchoreografiert, frisch und unerschrocken. Schwankt zwischen “wir sind so cool, wir machen das einfach” und DIY-naiv. Die letzten Konzerte mit Choreografien, die ich miterleben durfte, waren Deichkind und DJ Bobo. Räusper. Weiter mit Laing. Da wird ganz relaxt “Alles Nur Geklaut” von den Prinzen gecovert, oder zumindest der Refrain, so genau kenne ich das Jahrhundertwerk der Deutschpopgeschichte nicht. Zum Instrumental breakdancet Nummer 4. Die Songs haben hübsche Übergänge: die Ansage von “Sehnsucht”, vorgetragen von der blonden Grazie, werden zeitverzögert von den vorderasiatischen und afrostämmigen Sirenen wiederholt. Klingt cool. Zum Abschluss wird Laings Hit “Morgens Bin Ich Müde” geschmettert. “Ich Bin So Verliebt” (Zugabe) besticht durch einen lockeren Upbeat-Rhythmus und einem tollen, stimmlichen Arrangement. Alles sehr launig.

I Heart Sharks, Kellerklub

Um 23.30 Uhr werden im Kellerklub Haie geherzt. I Heart Sharks präsentieren tanzbaren, vom Sound her britischen Club-Rave. Die aus New York, London und Bayern stammenden Bandmitglieder haben sich in Berlin gefunden, wo sonst. Die Schlagzeugerin, der Gitarrist, der auch die zweite Stimme beisteuert und sicherheitshalber auch ohne Mikro alle Gesangsparts des Sängers mitsingt, und der Sänger und Korg-Synthie-Bediener selbst tragen graue, kurzärmelige Hemden. Einfache Melodien, aufgebaut auf Grundton-Terz-Quinte-Bassläufen herschen vor, aber das tut dem Pop- und Dance-Appeal keinen Abbruch. Viele Refrains gehen auf ooh-oh-oooh. Klingt ein bisschen wie Friendly Fires oder wie die längst vergessene Elektro-Wave-Formation Pink Turns Blue, die hiermit auch ihre Erwähnung auf dem Gig-Blog feiern darf. Der Kelleklub tanzt, was will man mehr.

Stullenheimer, Speak Easy

Stullenheimer treten kurz nach 12 im Speak Easy mit weiblicher Vollblut-Soulstimme, E-Gitarre, einem langhaarigen Schräubchendreher (Loops und Regie) und einer kurzhaarigen Schräubchendreherin (Second Unit) an. Bratzige Riffs werden bis ins Nirvana geloopt und mit einem satten Housebeat unterlegt. Keine Ahnung, von was die Dame inhaltlich zu so einer Musik singt oder singen sollte, aber sie tut es mit einer Nonchalance, die den sehr fetten Sound augenzwinkernd kontrastiert. Bei Stullenheimer sind alle Mittedreisigheimer, eine angenehme Abgeklärtheit weht von der Bühne. Die riesige, formatfüllende Speak Easy eigene Leuchtwand strahlt mit der Band um die Wette.

Das Intro zum dritten Track kommt so daher: Eine einfach gezupfte, warme Gitarrenmelodie, Gesang dazu und dann knallt der Elektromann nach gut Dünken vereinzelt Beats zwischen das beschauliche Duo. Alle grinsen, bis er und seine Sekundantin vollends das Heft in die Hand nehmen und knüppelhart mit ihrem Sound über Gitarre und Stimme drüberbügeln. Am Schluss ist das dann Techno, und leider auch ein wenig breiig im Sound. So, und jetzt lese ich die Q&A, die uns Stullenheimer am 10. März 2010 beantworteten.

Shit Robot, Kellerklub

Auch um halb drei ist im Kellerklub noch viel los, Marcus Lambkin alias Shit Robot legt auf. Sein auf dem Plattenlabel DFA im Jahre 2010 veröffentlichtes Debütalbum hört auf den hübschen Namen “From The Cradle To The Rave”. Der untersetzte Ire spielt einen einladenden Mid-Tempo-Techno, dreht unaufgeregt, ja fast gemächlichen an den Hoch- und Tieftönern, sucht den nächsten Übergang, während er minutenlang eine unangezündete Zigarette zwischen seinen Lippen hin- und herrollt. Der Übergang ist gefunden, der nächste Track treibt die Herde weiter, Zeit für eine verdiente Zigarettenpause. Angenehm unhippelig, keine aufgesetzte Coolness, ein zuverlässiger Roboter, der seine Arbeit tut. Wahrscheinlich so lange, bis ihm der Treibstoff, die Zigaretten ausgehen. Das bekomme ich allerdings nicht mehr mit.

Nach sieben Stunden PopNot.Pop ist für mich Schluss. Schön war´s, schön urban, in Stuttgart.

Und hier noch ein paar Fotos:

Hundreds:

Retro Stefson:

RTR

Glückliches Ende

Glücklich, ja geradezu euphorisiert steht Sascha Ring alias Apparat nach dem Konzert am Merchandisingstand im Foyer der Wagenhallen und plaudert mit uns, den Besuchern seines ersten Konzerts in Stuttgart: “Wenn man zum ersten Mal in einer neuen Stadt spielt, weiß man ja eigentlich nie, ob da auch wirklich Leute auflaufen…” 600 kamen. Und gehen genauso euphorisiert nach Hause. Zumindest ich.

Grundsteinlegung

Klangwandmaurer Warren Suicide schalen das Fundament für Apparat. Das Künstlerduo Cherie (Gesang) und Nackt (Keyboard) aus Luxemburg und Dänemark – oder andersrum – leben in Berlin und betreiben dort das Studio und Atelier Chez Cherie. Ihr neues Album nennt sich “World Warren III”. Live sind zu viert am Start, mit Violine und Cello und produzieren dichten, repetetiven Sound, der mich aber nicht so wirklich erreicht. Ich frage die nächste Person rechts von mir, was sie davon hält. Volltreffer, eine aussagefreudige Expertin: Tina, Indiepop-Konzert-Queen und Grundschullehrerin meint lakonisch zu Warren Suicide: “Ich bin ja musikalisch breit aufgestellt, aber das geht mir am Arsch vorbei. Die haben ihre Melodien gut versteckt… in all dem Stressgewirr“. Wow, schnörkellose Worte, klar in der Aussage, mehr davon in Kultur, Politik und Wirtschaft.

Vom Synthesizer zum Analyzer

Apparat, der in Berlin lebende Elektronik-Musiker und DJ Sascha Ring, beginnt Anfang der Nullerjahre stimmungsvolle Clicks & Cuts (= Frickelelektro) zu produzieren. Sein erstes Album heisst “Multifunktionsebene” und erscheint 2001. Zum ersten Mal traut er sich 2006 bei einem Song auf der Ellen-Allien-Platte “Orchestra of Bubbles” zum Gesangsmikro zu greifen, und es funktioniert. Mit Modeselektor wird überaus erfolgreich die gemeinsame Formation Moderat projektiert. Alles rein synthetische Musik. Mit “The Devil´s Walk” entwickelt sich Apparat vor allem live weiter. Apparat hat die synthetische Musik für die konzertale Umsetzung zerlegt – analysiert - und in natürliche Instrumente überführt. Das stimmt zwar nicht so ganz, live werden auch Synthies eingesetzt, aber lassen wir das mal so stehen, weil sich daraus für die musikalische Einordnung spannende  Effekte ergeben…

Live

Um kurz nach zehn betritt Apparat die Bühne. Aus Apparat/Sascha Ring ist eine Band geworden. Er steht als Bandleader mit seiner Gitarre und zwei Gesangsmikrofone ganz vorne, die zwei Keyboarder/Synthesizerbediener und der Schlagzeuger sitzen. Genug Haze und blauweiße Strahler von hinten sorgen für die angemessen-reduzierte Visualisierung. Songs vom neuen Album “The Devil´s Walk” dominieren. Auf Platte ist das ruhiger, sphärischer Elektropop. Für die Live-Umsetzung lässt Sascha Ring seine Gitarre flirren, er konstruiert auf Warren Suicides Fundament Gitarrenwände, das erinnert an Shoegaze, die aufgebrochenen Songstrukturen wirken fast schon postrockig in einer Spielart, wie sie Mono aus Japan darbringt (auch wenn Monos E-Gitarren ungleich heftiger durchbrechen, keine Frage). Auch gesanglich beeindruckt Rings Mittel- und Kopfstimme, nicht unbedingt erwartbar bei einem (ehemaligen) Soundtüftler. Auch der hochverehrte Szene-Hit “Rusty Nails” vom letzten Moderat-Album wird gespielt, der im Kontext mit den live umgesetzten “Devil”-Songs meines Erachtens aber nicht so gut funktioniert, das Ausgangsmaterial lebt vielleicht zu sehr vom synthetischen Sound.

Setzt man elektronische, sequentielle Musik mit klassischen Instrumenten um, kommt man bei  Minimal Music wieder heraus. Ein paar Songs werden von den Streichern, die bei Warren Suicide schon strichen, aufgewertet und erzeugen im Spiel mit der Band beispielsweise bei “The Soft Voices Die” Musik, die von Minimal-Music-Komponist Michael Nyman stammen könnten. Nyman wurde bekannt für seine Soundtracks zu den Peter-Greenaway-Filmen und dem Film “Das Piano”. Der instrumentale Apparat-Track “A Bang In The Void” erscheint als Weiterführung Steve Reichs “Music For 18 Musicians”, ein Meilenstein der Musikgeschichte von 1974. Für die Zugabenrunde wird ein schnellerer, monotoner Bass und Beat angeschlagen – und wir landen im Can-artigen Krautrock (an dieser Stelle zitiere ich aus Tox´ letzten Mogwai-Blog: “Leute, hört (mehr) Krautrock” – recht hat er). Eine perfekte, geradezu logische Weiterführung. Das alles klingt nicht so, als hätte Apparat das so intendiert, sondern vielmehr als wäre das Ergebnis zufällig bis zwangsläufig so. Letztlich ist das aber auch egal, weil:

Was nicht egal ist

Diese dynamische und zugleich sphärische, in sich selbst ruhende und sich selbst genügende Musik klingt ganz wundervoll, man möchte gar nicht, dass es aufhört… Glücklich, ja geradezu euphorisiert verlassen die Besucher nach eindreiviertel Stunden die Wagenhallen und treffen im Foyer auf einen glücklichen, ja geradezu euphorisieren Sascha Ring alias Apparat…

Ruhig fließt das Gletscherwasser des Jökulsá á Fjöllum über das isländische Hochland. Und stürzt jäh in die Tiefe. Am Selfoss, dem ersten der drei Wasserfälle auf dem Weg in den arktischen Ozean. Der folgende, gewaltige Dettifoss wartet schon…

“Selfoss” heißt der instrumentale Opener des neuen Albums “Arabian Horse”, und mit diesem Track reißen uns GusGus heute Abend genauso unvermittelt in die Gefühlsfluten ihrer Show: um viertel vor neun wird das Licht gedimmt, geschätzte 300 Gesichter verdutzen (im Aktiv habe das noch nie benutzt) und los geht´s. Reichlich ungewöhnlich, wo anders würde vor zwei Uhr nachts und drei einpeitschenden LaptopJockeys kein Technoact starten. Aber woanders ist nicht im Zapata und GusGus vielmehr als eine gewöhnliche Elektroformation.

GusGus‘ Geschichte wurde so oft erzählt wie die altisländische Göttersaga Edda. Mitte der neunziger Jahre wurde mit elf Mitgliedern begonnen. Zeitweise war sogar Emiliana Torini mit dabei, die immerhin den schönsten und düstersten der drei Herr-der-Ringe-Songs singen durfte, “Gollum´s Song“. Nach Umbesetzungen, Stilbrüchen und Labelwechsel sind sie 2009 mit dem vorletzten Album “24-7″ auf Kompakt gelandet. Ein Statement, wissen heute Abend anwesende Technoexperten.

Die Bühne ist vernebelt, bewegtes Licht von hinten streift eher zufällig die beiden zentral stehenden Schräubchendreher Stephan Stephensen aka President Bongo und Birgir Biggi Veira Þórarinsson, die linke und rechte Hälfte des elektronischen Gehirns der Isländer. Schmelzwasserkalte Synthie-Flächen und dezenter Beat. Aber frieren muss heute Abend niemand. Nach und nach schleichen sich die Sänger, Daníel Ágúst Haraldsson (Gründungsmitglied und seit Kompakt wieder fest dabei), Urður “Earth” Hákonardóttir und ein blonder Langhaar-Vollbart-Wikinger auf die Bühne und bringen mit ihrem Soul Wärme in den Gletscherfluss. Mit “Within Me” vom neuen Album setzen GusGus gleich am Anfang einen Höhepunkt, oder – um im Bild zu bleiben – der Wasserfall Dettifoss reißt das Publikum mit… GusGus’ Kunstgriff: vollsynthetischer Sound und drei Stimmen. Sie bringen Techno und Gesang so gut zusammen wie kein anderer Act. Pathetisch gesagt: GusGus geben Techno Seele. Zu Hause auf Platte klingt das manchmal nah an Großraumdiscomusik, live ist es überwältigend.

Die  spärliche Inszenierung tut ihr übriges: Stephan Stephensen erzeugt auf seinen Döpfner-Synthesizer einen eiskristallklaren Sound. Modulationen, Frequenzverschiebungen und Resonanzfilterveränderungen werden so präzise geschraubt, als würden Instrumente eines mikrochirurgischen Eingriffs bedient werden. Absolute Sicherheit. “Changes Come” werden getragen von kaskadenartigen Acid-Sounds in Zeitlupe. Von hinten in schneeweißes Licht getaucht, erscheint Stephensen, auch mit blondem Bart und langem Haar, wie ein Kriegergeist im Mondlicht. Walhalla im Zapata.

Gegen alle Regeln der Clubmusik wird hier ein echtes Konzert veranstaltet. Die einzelnen Songs gehen nicht ineinander über, es wird live gespielt. Mal singt Earth einen Song, mal der blonde Wikinger, mal Daníel, mal alle zusammen. Daníel bedient dabei ein am Bühnenrand stehendes Controllpad, um seine Lautstärke, seinen Hall und sein Echo selbst auf jeden Track einstellen zu können. Übrigens vertrat er 1989 Island beim Eurovision Song Contest , er landete mit Null Punkten auf dem 22. und damit letzten Platz. Aber das nur nebenbei.

Mit “Moss”, “Over” und dem Dancefloor-Track “David” spülen uns die Isländer nach knapp 90 Minuten in den Nordatlantik, und es ist uns ganz warm ums Herz. GusGus verstehen sich als Band: sie verabschieden sich zusammen in Reihe stehend mit einer großen Verbeugung, wie im Theater. Yndislegt!

Für Neugierige: hier der GusGus-Auftritt zur Eröffnung Reykjaviks neuer Konzerthalle Harpa, in welcher in ein paar Tagen Björk ihr neues Projekt Biophilia vorstellen wird. Kulturangebot einer 120.000-Einwohnerstadt.

Das Klinke-Festival im Merlin ist inzwischen eine Institution. Immerhin findet es dieses Jahr bereits zum zweiundzwanzigsten Mal statt und erfreut sich immer größerer Beliebtheit. Und obwohl zeitgleich auf dem Schlossplatz ein Open-Air-Gottesdienst mit 40.000 Teilnehmern zelebriert wird, finden sich immer noch genug Zuschauer, um das Merlin gut zu füllen.

Kein Wunder: die heute Abend auftretenden Elektro-Jazzer Netzer haben sich über die Jahre eine solide Fan-Base erspielt und treten mit schöner Regelmäßigkeit beim Klinke-Festival auf. Angekündigt werden Sie mit einem Zitat aus der Stuttgarter Zeitung, die sie als “beste Band Stuttgarts” bezeichnet haben soll.

Das Trio nimmt solche Lobhudeleien zwinkernd zur Kenntnis und macht sich an die Arbeit. Am liebsten würde man, so Bassmann Markus Bodenseh in einer der raren Zwischenansagen, ein Konzert wie ein DJ-Set spielen. Keine Pausen, ein Titel soll in den nächsten übergehen. Und dies gelingt an diesem Abend auch fast: bis auf drei kleinere Unterbrechungen fließen die Sound-Patterns ungebremst.

Für mich ist die große Kunst Netzers, dass Sie dem Genre Jazz jegliche Oberstudienrätigkeit nehmen und nicht nur auf das Hirn, sondern immer auch ganz direkt auf den Bauch zielen. Drummer Oli Rubow haut einmal packende Dance-Grooves raus, produziert mit verblüffender Leichtigkeit vertrackte Rhythmen und frickelt dann aus seinem Elektronik-Equipment spacige Dub-Loops heraus.

Markus Bodenseh liebt seinen Kontrabass: er wird gezupft, geklopft, gestreichelt und geschlagen – hier wird mit Leidenschaft musiziert. Markus Birkles Gitarrenspiel, von raffiniert sparsam und akzentuiert bis hin zu massiven Verezerrer-Gejaule, findet immer wieder zurück zu simplen und eingängigen Melodien.

Überhaupt: was so scheinbar einfach aussieht – Gitarre, Bass und Schlagzeug – bekommt erst durch den massiven Einsatz von Elektronik den typischen Netzer-Sound. So stehen zu Füßen des Gitarristen sage und schreibe 26 mit den Füßen zu bedienende Tasten diverser Effektgeräte zur Verfügung. Schade nur, dass die Herren den Moog mit seinem bösartigen Tiefbass-Geknarze diesmal nicht mitgebracht haben.

Und während die Band nach den Zugaben längst von der Bühne ist, wabern die Loops noch eine ganze Weile durch den Raum…

Foto: Holger Vogt

Beim Augsburger Modular Festival wurde auf verschiedensten Bühnen der Fuggerstadt ein ebenso buntes wie anspruchsvolles Programm geboten. Apparat, Anajo, Ghost of Tom Joad, Puppet on a String oder Die Vögel, um nur einige der Künstler zu nennen. Der Fußballweltmeisterschaft der Frauen mit Austragungsort Augsburg war es zu verdanken, dass im Herzen der schwäbisch-bayerischen Stadt ein kleines Fußballstadion aufgebaut wurde – inklusive grünem Kunstrasen für Soccer-Turniere im Miniformat. Aber eben auch mit einer Bühne, und auf dieser Stand als Höhepunkt der Festival-Tage die Weilheimer Band The Notwist.

Gott und der Beharrlichkeit der modularen Veranstalter war das wohl zu verdanken, denn die Acher-Brüder und Co hatten sich mehrfach bitten lassen und letztendlich hatte sie die Stadion-Situation auf dem Augsburger Rathausplatz wohl doch so begeistert, dass kurz nach ihrer „13 & God“-Tournee und Auftritten mit dem „Tied & Tickled Trio“ dieses Konzert stattfinden konnte. Und das war alles andere als ein Light-Erlebnis, denn die Musiker hatten zum einen eine Setlist mit mehr als 2 Stunden Programm aufgeschrieben und zudem noch einen dreiköpfigen Bläsersatz mit an Bord. Irgendwie stimmte alles, denn selbst auf den silberfarbenen Bändeln, die zum Eintritt ins Kulturstadion berechtigten, stand eine Textzeile des Notwist-Songs „Good Lies“: „Let’s just imitate the real until we find a better one.“

Nachdem im Vorprogramm die Augsburger Bands „A-B Repeat“ mit psychedelischem Krautrock und „King the Fu“ mit hörenswertem Indie für den Auftakt gesorgt hatten, bauten die Notwister ihr Instrumentarium selbst auf, stöpselten Effekte zusammen und stimmten die Gitarren, um wenig später mit „Boneless“ vom daueraktuellen Album „The Devil, You & Me“ – seit mehr als einem Jahr im CD-Wechsler meines PKW – zu starten. Und wie: Mit melodiöser Leichtigkeit, fließenden und irgendwie doch treibenden Beats, mit grandios vollem und exzellent abgemischtem Sound, der niemals üppig war und natürlich mit der stets zerbrechlich wirkenden Stimme Markus Achers. Eingängig ging’s mit dem dezent jazzig gefärbten „Pick up the Phone“ weiter, und es wurde zudem die Richtung vorgegeben. Neben den Stücken der jüngsten Scheibe sollten vor allem die Songs vom Notwist’schen Klassiker „Neon Golden“ einen wichtigen Teil des Programms ausmachen.

The Notwist haben sich ja längst jeder musikalischen Schubladisierung entzogen, wagen sich ins Niemandsland zwischen schüchternem Pop, elektronisch angereichertem Indie, gedämpften Jazz und wild ausuferndem Experiment mit derb treibenden Beats. Und all das gab’s in Augsburg zu hören, geradezu meisterhaft und verehrungswürdig dargeboten, im Großformat mit neun Musikern und einer Verve, die selbst für diese Ausnahme-Band eine Ausnahme zu sein schien. So ließ sich Markus Acher in „Gloomy Planets“, einem der zentralen Songs dieser Nacht, mit stechend verzerrten Riffs der Gitarre nicht nur über die Bühne treiben, als werde er von den Sounds zerrissen, er sprang geradezu in den Song hinein. Und diese finsteren Planeten auf Kollisionskurs formten sich zu einem dynamischen Feuerball. Immer dichter und intensiver klang das, angetrieben vom peitschenden Drummer und elektronisch bearbeiteten Beats, gefüllt von warmen Vibraphon-Klängen, oftmals mit dem Bogen gestrichen, und einem mit Effekten aufgeladenen Fender Rhodes. Dazu die elektronischen Zutaten des Frickelmeisters Martin Gretschmann, der pumpende Bass von Micha Acher, dem Grundierer im Hintergrund und der Bläsersatz. Wow. Da war alles drin.

The Notwist ernteten Ovationen der knapp 2000 Besucher im ausverkauften Kulturstadion, und selten haben sie ihre Songs wohl als so lauten Chor gehört. Fast ein richtiges Popkonzert, obwohl die Musiker eher für den Gegenentwurf stehen. Markus Acher, der inzwischen bärtige Frontmann, der eher in sich gekehrte Intellektuelle, der in den Ansagen wie oft auch in den Songtexten zur Wortkargheit neigt, dankte mit einem freundlichen „Tausend Dank“. Das war’s. Die klare Ansage: Wir lassen unsere Musik sprechen. „Neon Golden“, nahe an der Tanzbarkeit, ein pulsierender goldener Fluss, der in einer grandios aufgeschichteten Klangkakophonie münden sollte, um dann zum Notwist-Hit „Pilot“ geformt zu werden, der auch mit Dub-Druck funktionierte. Zwischenzeitlich holte Gretschmann aus einer kleinen, die Hand füllenden, nervös blinkenden Zauberbox analog anmutende Synthie-Sounds heraus, zählte den Drummer und die Bläser ein – ein Dirigent im uniquen Sturmgebraus.

Mit „Off the rails“ wurde das vorläufige Ende des Konzerts herbeigerockt. Alles in Bewegung. Das Publikum, die Band, das vibrierende Stadion, als optischer Rahmen das festlich beleuchtete Rathaus der „City of Peace“. Klare Sache. Die Fans wollten mehr hören, und „The Notwist“ waren definitiv in Spiellaune. Markus Acher schien gar ein wenig die freudige Nostalgie überrumpelt zu haben. Er erinnerte an das erste Auswärtskonzert der Band, in Augsburg und einem Laden namens „Bootleg“ anno 1990. Emotional klang das, wie sonst nur die Songs. „Gravity“, das mit Krautrock versetzte „Day 7“ oder „Chemicals“ mit zufallsgeneriertem Synth-Solo vom „Shrink“-Album, die fast schon majestätische Ballade „Consequence“ und der rührende Shorty „Gone, Gone, Gone“. Drei Zugabenblöcke zum kompletten Glück, mehr als zwei Stunden feinster, zeitlos guter Musik. The Notwist sind noch immer mit der beste Pop-Export, den wir aufzuweisen haben. Und das Modular Festival an diesem Platz auch ohne Frauenfußball zu etablieren, das wäre ein Pfund für Augsburg, um das es andere Städte beneiden könnten.

Wie Zombies in ihrer Gier nach lebendem Fleisch rückt die tanzende Meute im Calwer-Eck-Bräu dem Alien hinter dem behirschhornten DJ-Pult Stück für Stück näher: zuerst tanzen sie vor den fest eingebauten Tischen, dann auf den Bänken, den Tischen, den Geländern, den Lautsprechern, auf der Bühne und schließlich um den Star des Abends herum, als wäre Peaches das goldene Kalb…

Richtig, Peaches im Calwer-Eck-Bräu. Die Marketingstrategen des Kräuterlikörherstellers Jägermeister, die bereits seit 2004 die Jägermeister Rock:Liga veranstalten, haben sich etwas Neues ausgedacht, um in der Post-Loveparade-Ära in der Electroszene hip zu bleiben: die Jägermeister Wirtshaustour. Peaches (heute als DJ) und die Electro-Newcomer Bag Raiders, unterstützt vom Lokalhelden aUtodiDakt, rocken das rustikale Calwer-Eck-Bräu, veranstaltet und gesponsert von Jägermeister. Das Konzept ist klar: die kommerz-unbefleckte Empfängnis Independence soll dem mit Likör verkleckertem Kittel der Industrie die Reinheit der Credibility verschaffen. Der Gegensatz zwischen dem deftigen Ambiente der Kneipe (angereichert durch Musikantenstadl-Malerei mit Jägermeistermotiven) und der Stuttgart-Kaputtraven-Atmospäre möchte sein übriges tun. Mache ich mich also zum Erfüllungsgehilfen, erwähne mehrfach Jägermeister, preise die Veranstaltung und schreibe über die Acts – diese sind nämlich ziemlich cool:

Jack Glass und Chris Stracey a.k.a. Bag Raiders kommen aus Australien und legen in diesen Tagen ihr erstes gleichnamiges Album vor. Dancefloor aus Down Under? Da war doch mal was… The Avalanches aus dem Jahr 2000, die mit ihrem Hit “Since I Left You” damals immerhin den MTV-Award fürs beste Video gewannen. Das war ein guter Song. Die Sample-Spezialisten The Avanlanches haben mit den Bag Raiders nur wenig gemein, doch fällt auf, dass beide Projekte trotz Dancefloor etwas Basis-Entspanntes im Sound haben. Das muss an der Herkunft liegen…

Bag Raiders jedenfalls plündern den Partypopbeutel der letzten Jahrzehnte. Hinter einem Synthie-, Keybord- und Drumpad-Regal stehend, singen sie in diesem Electro-Soul-Stil, den bespielsweise International Pony ironisierend zum Besten gaben (Nuller Jahre). Um den Showfaktor zu erhöhen, wird zwischen durch wild auf den Pads getrommelt, Safri-Duo lässt grüßen (späte Neunziger Jahre – faktisch 2000). Es herrscht Spielfreude, es wird sehr viel gelächelt auf der Bühne. Peaches tänzelt derweil hinterm DJ-Pult. Ein weiteres Stück bedient sich aberwitzig komplexen Klavierfiguretten wie damals der Italian-House-Klassiker “Grand Piano” von The Mixmasters, der bei Bernie Berntalers Hithouse Radio 107,7 gefühlt in der Dauerschleife lief (frühe Neunziger Jahre – faktisch 1989).

Bag Raider Chris sieht übrigens aus wie Motorbike Rider Gareth, coolest Kiwi on Earth, der vor vier Jahren mit seiner Frau von Stuttgart nach Kapstadt mit dem Motorad fuhr. Das schreibe ich allerdings nur für mich selbst.

Das instrumentale Slow-Beat-Stück “Prelude” klingt wie ein C-64-Dystopie-Ballerspiel-Soundtrack (tiefe Achtziger Jahre). Leute, die so was gespielt haben, wissen was ich meine. Jack und Chris verlieren sich geradezu im Schräubchendreh-Geblubber… an dieser Stelle erkennt man, wo sie eigentlich herkommen, gefällt mir natürlich wahnsinnig gut. Zum Schluss wird noch mal richtig aufgedreht, die Jungs schnappen sich wieder ihre Mikros und liefern in ihren beiden abschließenden Stücken tanzbaren und ungemein groovigen Dancefloor-Pop ab, wirklich tolle Songs. Ob man allerdings den Track „Sunlight“ wie im Pressetext formuliert als zukünftigen Live- und Festival-Klassiker bezeichnen muss, weiss ich nicht.

Endlich, gegen halb eins geht Merrill Beth Nisker, also Peaches, an den Start und übernimmt von InterimsDJ aUtodiDakt, dessen eklektizistischer New Break Beat viel Spaß macht. Miss Electro Clash, grellbunt geschminkt und kostümiert wie ein Sternenkriger in einem Si-Fi-LARP, präsentiert dem angeheizten Publikum brettharte Electrotracks, man könnte Techno Clash sagen. Thomas Wir nennen es Party Geyer nennt so etwas Elektrogeboller, stimmt genauso. Manch einer wünscht sich, dass Frau Nisker etwas von ihrem Material zum Besten gibt, macht sie aber nicht, kreischt dafür immer wieder begeistert Stuttgart ins Mikro. Man möchte es ihr abnehmen. Wer wissen will, was auf einem Peaches-Konzert passiert und wie das aussieht, möge hier nachlesen.

Langsam, wie Zombies in ihrer Gier nach lebendem Fleisch kriecht die tanzende Meute im Calwer-Eck-Bräu dem Alien hinter dem behirschhornten DJ-Pult Stück für Stück näher…

Goose rocken das Haus. Mit der klassischen Viererbesetzung: Keyboard, Keyboard, Keyboard und Schlagzeug. Und noch ein Extra-Keyboard, sicherheitshalber. Und das geht so:

Die vier Belgier aus Kortrijk im belgischen Flandern, Mickael Karkousse (Gesang, Keyboards), Dave Martijn (Gitarre, Keyboards), Tom Coghe (Bass, Keyboards) und Bert Libeert (Drums), betreten um kurz vor zehn die Bühne im gut gefüllten Schocken, werfen die Maschinen an, viervierteln den Hi-Hat und spielen ihren instrumentalen Opener „Synrise“ – atmosphärisch, sich steigernd… treffender Titel. Das Publikum ist ordentlich angefixt, Goose lösen die Handbremse und Sänger Mickael jagt mit „Can´t Stop Me Now“ (treffender Titel, übrigens) so richtig los. Das ist Rock mit Synthis, Dancefloor mit dem Druck einer Liveband, SynthRock wie Gänse auf Speed, g-r-o-ß-a-r-t-ig. Selbst beim Autor des Artikels ist mehr als Kopfnicken zu beobachten.

Jetzt machen wir das so: um das Gefühl nachzuempfinden zu können, wie sich das mit dem Konzertstart anfühlt, schaue man/frau sich das folgende Neunzigsekundenvideo von Kingda Ka an [hier klicken]. Kingda Ka ist eine Katapult-Achterbahn, die in 3,5 Sekunden auf 206 km/h beschleunigt. So. Angeschaut? Abgefahren, gell. Langes, spannungsaufbauendes Intro, und dann geht die Gans ab. So in etwa ist das heute Abend auch.

Warum rockt das so? Goose haben als AC/DC-Coverband (!) angefangen, dann ihre eigenen Rocksongs geschrieben und nach und nach die Gitarren durch Synthies ausgetauscht, um einen noch wuchtigeren Sound als die E-Gitarre hinzubekommen. 2006 erschien dann ihr erstes Album „Bring It On“, da war die Band aber schon Jahre live unterwegs. Mit anderen Worten: es wurde viel vor Publikum experimentiert und ein Haufen Liveerfahrung gesammelt. Dave Martijn spielte sogar zeitweise Gitarre bei Soulwax, ebenfalls Belgier. 2011, Die Wildgänse Goose fliegen wieder, sind auf Tour mit dem im Herbst 2010 veröffentlichten zweiten Album “Synrise”. War „Bring It On“ noch ziemlich rockig, auch teilweise mit E-Gitarren eingespielt, ist “Synrise” dann doch sehr viel elektronischer.

Zurück zum Konzert. „Everybody“ ist der letzte Song vor der Zugabenrunde. Das elektronische Arrangement, der Up-Beat und das vom Sänger Karkousse gepeitschte „Everybody“ hat schon etwas ElectronicBodyMusic-artiges. Ob das Goose auch so sehen, weiss ich nicht, aber es stimmt mich natürlich glücklich, weil ich dadurch berechtigterweise auf meine Lieblingsbelgier Front 242 und The Neon Judgement verweisen darf.

Zum Abschluss darf das Publikum noch Zeuge eines Kunstgriffs werden. Zum Technopop-Spektakel „Words“ packt Dave Martijn die E-Gitarre aus, wabert Soundflächen zu den Beats und bereitet den schlussendlichen Take-Over vor: auch Sänger Mickael und Tastendrücker Tom greifen zu den Stromgitarren und der Song kulminiert vom Techno zum Drei-E-Gitarrengipfel – dreckiger Rockabschluss eines tollen Konzertes. Hingehen, wenn die noch mal da sind!

Man kann ja schlecht nicht auf ein Konzert hingehen, wenn einem der große Hamburger Connaisseur Carsten Friedrichs von Superpunk per Jahrescharts mitteilt, dass The Go! Team live eine Hammerband sein sollen. Zudem hat es auf dem neuen Album „Rolling Blackouts“ ein paar richtig schöne, melodische Popperlen drauf, die mich mir gut gefallen tun.

Vorabeindruck als wir ins Schocken einlaufen: Dieser Ort erlebt heute wohl einen seiner verdichtetsten Konzertabende überhaupt. Also nicht nur rappelvoll mit Publikum, auch die Bühne ist mit Instrumentarium (u.a. Steeldrum und Schreibmaschine) und zwei Schlagzeugen komplett zugestellt. Und als Support tritt nicht irgendein Solokünstler samt Wandergitarre auf, sondern natürlich auch eine siebenköpfige Band.

Die Isländer Retro Stefson sind unseren Iceland Airwaves-Besuchern schon bestens ein Begriff und zeigen auch fernab der Heimat, was für ein ungewöhnlich guter Act sie sind.
Außer Deathmetal und Schlager wird wohl fast jeder Musikstil in ihren Songs verwurstet, dabei extrem gut arrangiert, hochmusikalisch und mit einer lockeren Präzision gespielt, dass man nur staunen kann. Umso mehr, da die Jungen und das Mädchen so aussehen, als müssten sie morgen früh schon wieder zur Schule. Vor allem der Schlagzeuger dürfte die Pubertät noch vor sich haben.

Allen Songs gemein ist, dass sie in die Beine gehen. Eigentlich bräuchte es die sympathischen Animationsansagen der Band gar nicht, aber die machen das so nett – man will es nicht missen. Süß auch die Headbanging-Einlage der Keyboarderin, welche mit ihrer fragilen Erscheinung komplett kontrastiert.
Die 30 mit 80ies-Discopop-Progrock-House-Afrofunk-Calypso angefüllten Minuten gehen extrem kurzweilig vorbei. Selten, dass eine Vorband so viel Applaus bekommt. Verdient!

Gegen halb elf kommen die Brightoner The Go! Team aufs Parkett. „Nur“ sechs Leute, aber eine Energie im Hintern wie ein zugekokstes Rugbyteam. Der Abend hat fast nur eine Maxime und die lautet: „immer am Anschlag“. Die meisten Songs werden von der sehr sportiven Ninja mehr gerappt als gesungen und klingen, als würde eine Band Eigenkompositionen im Fatboy Slim-Style spielen. Subtil ist das nicht und zu Hause auf der eigenen Stereoanlage auf Dauer vielleicht etwas eintönig, aber live funktioniert das Prinzip „immer voll auf die Nuss“ bestens.

Auch das Auge wird bestens bedient. Zwei Schlagzeugern beim Spielen zuzuschauen, fand ich schon immer faszinierend. Ninja nutzt den Auftritt als Aerobicstunde, während die anderen Bandmitglieder alles andere als stillstehen. Instrumente werden untereinander getauscht, plötzlich taucht ein Banjo auf und eine Mundharmonika ist das Leadinstrument im Song „Yosemite Theme“. Von der Musik bis zu den Musikern selbst – alles ist von einer großen Unruhe und Lebhaftigkeit gekennzeichnet. ADHS als künstlerische Ausdrucksform.

Meine persönlichen Highlights von der musikalischen Seite her sind die poppigen Songs wie „Secretary Song“ oder das von der Schlagzeugerin Chi Fukami Taylor gesungene „Ready To Go Steady“. Von der optischen Seite her hingegen der Style von Basser Jamie Bell, der irgendwie aussieht wie eine Kreuzung aus britischem Fußballer und Popstar Anfang der 70er. Könnte problemlos in der BBC Serie „Life On Mars“ mitspielen.

„The Power Is On“ markiert vielleicht den energetischen Höhepunkt des Abends. Mehr geht beim besten Willen nicht. Drei Zugaben bekommen wir noch geboten und werden mit „Keys To The City“ um viertel vor zwölf wie eine ausgequetschte Zitrone in die Nacht entlassen. Beeindruckender Abend, muss man erst mal in Kur danach gehen.

Retro Stefson

The Go! Team