Wahnsinn, diese Stimme! Man kann eigentlich gar nicht glauben, was da in die Schorndorfer Manufaktur gekommen ist. Dabei habe ich Anna Calvi schon Monate vorher auf der Fahrt zu Swans nach München kennengelernt – die Musik meine ich, nicht die Frau. Es hat nur zwei Songs gedauert, bevor ich mich entschlossen habe, auf jeden Fall mit aufs Konzert zu gehen. Obwohl ich einräumen muss, dass mich die Platte nicht auf das vorbereiten konnte, was ich dann zu hören bekomme.

Als Vorprogramm gab es allerdings zunächst Jim Kroft, einen in Berlin ansässigen schottischen Singer/Songwriter, der nach seinen Banderfahrungen mit Myriad Creatures nun auf Solopfaden wandelt. Im Gepäck hat er sein zweites Album „The Hermit And The Hedonist“. Leider kann er schon ohne den direkten Vergleich mit Anna Calvi nicht wirklich überzeugen, denn zu sehr verlässt er sich beim Komponieren auf vielgeschrittene musikalische Gangarten und Klischees, die langweilen.

Sympathisch wirkt er mit seinem beständigen Wechsel zwischen Deutsch und Englisch ja schon. Die häufig mehrstimmigen Gesangspassagen sind durchaus nicht einfach und umsomehr gekonnt wiedergegeben. Und ich möchte Jim Kroft auch abnehmen, dass er mit seinen Stücken jene tatsächlich empfundene Emotionalität ausdrücken möchte, die es im Pop so selten gibt. Wenn man einen Mangel an Inhalt mit zu hochtrabenden Mitteln ausdrückt, läuft man ja Gefahr, in Schwulst abzudriften. Mein Eindruck bei Jim Kroft dagegen war, dass er ein großes Maß an Inhalt mit ausgelutschten Mitteln rüberbringen möchte, was schade ist, aber immerhin nicht so fade, wie einen Mangel an Inhalt mit einem Mangel an musikalischen Mitteln zu paaren, wie das viele tun. Empfehlenswert ist es da, sich die chronisch unterbewerteten Anathema mal genauer anzuhören – für das Publikum wegen der großartigen Musik, die es zu entdecken gilt, und für Jim Kroft wegen der musikalischen Ketten, die er abzuschütteln lernen könnte. Naja, oder man wartet einfach ein paar Minuten, bis Anna Calvi auf die Bühne kommt.

Da geht zwischen den Songs so ein Raunen durch das Publikum: „großartig“, höre ich da, „hammermäßig“ oder „unglaublich“. Ja, genau. Auf so etwas konnte uns selbst das Album oder der Arte-Bericht nicht vorbereiten. Wie es dort heißt, höre sie nur Musiker, deren Musik sie wirklich bewegte und die von sich beim Singen alles gaben. So wollte sie selbst auch werden – und nun scheint genau das eingetreten zu sein: Das tendenziell grau-melierte Publikum in der fast vollständig ausverkauften Manufaktur ist schon nach dem ersten Song sichtlich berührt und der Sängerin schlichtweg ausgeliefert. Dass diese zierliche, kleine Frau indes alles in Ihre Musik legt, kann man einfach hören. Wie sonst sollte sich eine solche Stimme entfalten können?

Sie ist so warm, dass man erzittert, bestechend zart, erotisch hingehaucht oder so voll, dass jeder andere Gedanke aus dem Saal verdrängt wird. Diese Stimme macht Anna Calvi zu einer Lola Lola, die jeden Professor Rath ins Unglück stürzen könnte. Wenn sie ins Mikrophon haucht, sieht man sie als Femme Fatale in verrauchten Clubs der Vierzigern, wie sie in keinem Chandler-Roman fehlen dürfte. Daneben aber stehen diese druckvollen Passagen, die eher an Sinéad O’Connors Big-Band-Album „Am I not Your Girl“ oder an Anna Calvis Vorbild Édith Piaf erinnern.

Gepaart ist diese Stimme jedoch keineswegs mit irgendwelcher gewöhnlicher, abgenudelter Musik, wie sie uns Jim Kroft geboten hatte. Diese nämlich enthält gerade noch so viele eingängige Passagen, um den großen Erfolg des selbstbetitelten Debütalbums mit elf Top-Hundert-Platzierungen in europäischen Album-Charts – davon sieben in der Top-Vierzig, einer in der Top-Ten – zu erklären. Immerhin wird Anna Calvi 2012 mit dem European Border Breakers Award geehrt werden, wie ihre Website verrät.

Zwischen diesen eingängigen Passagen ist die Musik völlig eigenständig und spielt mit musikalischen Vorbildern jeder Couleur. Man meint die Pop-Geschichte des 20. Jahrhunderts an sich vorbei rauschen zu hören, und kann doch kaum jemals konkrete Referenzen benennen, am deutlichsten vielleicht David Bowie in „Desire“. Im Gitarrenspiel hört man vage Einflüsse von Jimi Hendrix oder Mark Knopfler, findet Strukturen wie in Neil Youngs „Dead Man“-Soundtrack oder Melodien wie in spanischer Folklore oder Blues. Man hört ein bisschen Nick Cave und ein bisschen Swans. Dabei kitzeln Anna Calvi, ihr Schlagzeuger Daniel Maiden-Wood und ihre Keyboarderin und Percussionistin Mally Harpaz alles an Varianzen aus den Instrumenten heraus, ohne jemals in klischeehafte Bahnen zu geraten. Live wird einem das noch bewusster, während die Musik zugleich emotional unmittelbarer und eindruckvoller wird. Die einzige Singer/Songwriterin, die derzeit ähnlich Originelles, wenngleich musikalisch noch Druckvolleres bietet, ist die Britin Rose Kemp, an welche ich mich wiederholt erinnert fühle, wobei deren Gesang anders als Anna Calvis gekünstelter und weit weniger natürlich wirkt.

Vor der Musikerin werden wir zu Getriebenen durch die Melodien des live fast bedrohlich wirkenden Refrains von „Blackout“, das doch nie die Pfade hochwertigen Pops verlässt. Wir werden gehetzt durch „I‘ll Be Your Man“, das sicherlich im Soundtrack des nächsten Quentin Tarantino-Filmes Verwendung finden wird, bevor sie einen bei „First We Kiss“ oder den Melodiebögen von „The Devil“, das ein wenig an Jex Thoths Side-Project Sabbath Assembly erinnert, von einer Gänsehaut zur nächsten jagt. Bei „Morning Light“ und meinem persönlichen Favoriten „Love Won’t Be Leaving“ zeigt Anna Calvi die komplette Spannbreite ihrer Musik komprimiert: Von vollständiger Reduzierung mit Flüstern zu einzelnen Beckenklängen oder atmosphärischen Einzeltönen mit scharfen metallischen Geräuschen bis zum – anders kann man es nicht ausdrücken – musikalischen Donnerschlag, bei dem uns der Refrain mit voller Wucht trifft, hat Sie das Publikum fest in der Hand.

Als eine Frau lauthals nach „Jezebel“ ruft, flüstert die Sängerin nur „It’s coming“. Und tatsächlich findet der Abend mit diesem nach Elvis Presleys „Surrender“ und TV On The Radios „Wolf Like Me“ dritten großartigen Cover – hier eines Songs von Wayne Shanklin – zu einem monumentalen Abschluss, bei dem uns Anna Calvis Stimme um mehr bereichert verlässt, als ich das zu hoffen gewagt hätte.

Rette sich, wer kann.

Irgendwie findet fast jeder gerade Kitty, Daisy & Lewis gut. Eine eigentlich rationale Dame meinte neulich sogar, sie würde das Rhythm’n'Blues-Trio aus London lieben. Sie sagte das mit einer Selbstverständlichkeit, als würde so was einfach vom Himmel fallen. Tut’s zwar tatsächlich, aber halt sehr, sehr selten. Und bevor es sich als Illusion entpuppt,  Katze lieber mal nicht im Sack gekauft und hingegangen ins LKA, zusammen mit 900 anderen Schaulustigen. Wenn’s nix wird, bleiben wenigstens Nutella und Slayer. Klingt nach einem guten Deal.

Eine Rechnung, habe ich mit den musizierenden Geschwistern aus England eh noch offen, denn Kitty, Daisy & Lewis haben mich kürzlich verarscht: 10″ EP gesehen, blind gekauft, aufgelegt und dann erst festgestellt: Das verdammte Ding läuft auf 78 Umdrehungen. Nur sehr alte Plattenspieler können so ein Tempo mitgehen. Ich bin zu langsam, mein Plattenspieler noch viel mehr. Jetzt steht die Platte in der Ecke und sieht nicht mal sonderlich gut aus.

Kitty & Daisy schon. Zwei hinreissende Damen, mit sehr dunklen Haaren, vorbildlich gekleidet, mit Lippen so rot wie der Brustring auf dem VfB-Trikot und mit so viel Anmut, dass ich es nicht wagen würde, sie dusselig von der Seite anzuquatschen. Auseinanderhalten kann man die Damen allerdings nur, weil Kitty eine Zahnlücke hat. So groß, dass man Schokoriegel durchwerfen könnte. Man müsste halt saugut zielen, sonst wird die wahrscheinlich stinksauer. Niemand lässt sich gerne ungegrüßt mit Lebensmitteln bewerfen. Zum Grüßen ist derweil kaum Platz, Hunderte stehen dichtgedrängt vor der Bühne.

Achso: Lewis sieht natürlich auch super aus, wenn man Jungs mag. Ich habe gehört, Frauen tun das manchmal. Neben mir steht eine von denen, sie schaut etwas entrückt und jauchzt verzückt als der schneidige Kerl auf die Bühne kommt. Jungs gucken derweil, welche nun die mit der Zahnlücke ist. Hier werden noch echte Traditionen gepflegt – abgesehen davon, dass ein paar Meter vor uns ein Kerl im Metallica-Tourshirt mitwippt.

“Mean Son Of A Gun” – von Johnny Horton ist aber auch ein aufdringlich guter Start: schachmäßig eine spitzen Eröffnung. Damit schaffen Kitty, Daisy & Lewis gleich mal Vertrauen, gerade bei den skeptischen Rockabilly-Boys und -Girls, die sich zu Recht fragen, ob hier schon wieder Schindluder mit ihrer Musik getrieben wird. Doch Rockabilly ist das nur, wenn’s außer Frisuren nix geben würde. Das Trio aus London hat auch allerhand R’n'B, Hillbilly, Ska und Jazz anzubieten. Unterstützt werden sie von einem Gitarristen und einer sehr kleinen Dame am großen Kontrabass. Ich glaube, sie heißt Ingrid.

Kitty (vielleicht auch Daisy) bläst eine unanständig gute Mundharmonika, während Daisy (eventuell auch Kitty) am Schlagzeug rumhoppelt, als würde sie auf einer Luftmatratze sitzen, auf der mindestens drei Kinder zeitgleich Trampolin springen. Lewis versinkt zusammen mit seiner Gitarre.

“Authentisch” sagt einer an der Bar, als ob das eine wirkliche Auszeichnung wäre. Dick Brave ist authentisch – der will nur sauberen Pro7-Spaß. Gut ist trotzdem was anderes. The Cure wiederum sind nicht authentisch, schließlich lebt Robert Smith noch. Ganz zu schweigen von Slayer. Wären die authentisch, müssten wir alle längst tot sein. Drehen wir einen Kettcar beziehungsweise Diedrich Diedrichsen draus: “Lieber peinlich als authentisch. Authentisch war schon Hitler”.

Peinlich ist hier allerdings gar nix, außer dem Trompeter aus Jamaica vielleicht, den sich das Trio auf die Bühne bestellt. Wahrscheinlich ein sehr vergnüglicher Kerl, bläst aber volle Kanne daneben. Auch sehr gut: eine Frau vor mir mit ausladender Frisur, die offensichtlich nicht zum Rhythmus, sondern eher zum Text oder eventuell auch zur Getränkekarte tanzt. Sauber.

“I’m Sorry” ist deshalb, trotz Ska und dem schiefen Gebläse ein schmissiger und guter Zeitvertreib. Nix für die Ewigkeit, aber super für die Zeit dazwischen. Den Rest erledigt die Dame an der Bar, die frohen Mutes und manchmal sogar mit einem Lächeln reihenweise Gäste anschnauzt: “Was willst du?!”.

Lewis singt derweil “Don’t Make A Fool Out Of Me”. Passt auch, muss sich trotzdem keine Sorgen machen. Wer Dinge vom Herzen tut, kann sich schließlich kaum dabei blamieren. Kitty, Daisy & Lewis nimmt man wiederum ab, was sie da tun. Das ist kein Kasperletheater und auch kein Karneval. “I’m Going Back”, vorgetragen von Kitty (eventuell auch Daisy) klingt auch mehr wie eine Drohung als eine Feststellung. Irgendwie toll. Da wird keine alberne Nummernrevue à la Boss Hoss oder Dick Brave aufgefahren, sondern den alten Helden der nötige Respekt gezollt. Kitty, Daisy & Lewis tragen sowohl Herz als auch den Arsch am rechten Fleck.

Manchmal ist das trotzdem sehr langweilig. Kurz auf die Bar geklettert und die Dame mal gescheit ins Gebet genommen: “Kitty, äh, Daisy, äh egal, verflixt nochmal”, hab’ gesagt. “Auch wenn Du mich noch tausend Mal fragst ‘Why are you messing with my life?’ – ich weiß es auch nicht.” Und trotzdem: Nur zum Bossen, singt sie’s gleich nochmal: “Why are you messing with my life?”. Wobei sie “life” irgendwie wie “loif” ausspricht. Ich kenne Männer, die das sehr sexy finden.

Aber sexy ist halt nicht alles. In den Liedern des Trios passiert manchmal trotzdem zu wenig – gemessen daran, wie lange sie dauern. Da wiederholen sich Kitty, Daisy & Lewis wie Leute, die halt weniger zu sagen haben, den einen Satz aber ständig wiederholen. Irgendwo zwischen Mantra, Wiederkäuer, Vehemenz und halt auch etwas Langeweile. Ab und an beschleicht einen auch der Verdacht, es könnte wahnsinnig mehr Spaß machen, diese Lieder selbst zu spielen, als sie anzuhören. “What Quid?” zum Beispiel. Da bewegen sich die Zeiger auf der Uhr nur, damit sie nicht einschlafen.

Etwaige Spannungsdürre, lässt sich aber trotzdem super bewässern. Mit Fragen wie beispielsweise: “Hat Daisy etwas mit ihren Zähnen gemacht?”.  Denn alle drei sind Geschwister, aber nur Daisy hat halt keine Zahnlücke. Ich denke, ich bin da etwas großem auf der Spur.

Die drei schippern sich derweil vergnüglich und fast keimfrei durch “Smoking in Heaven”, ihr kleine Hitplatte. Gut ist das allemal, aber halt nicht so bemerkenswert, dass man eine sms an die Stuttgarter Nachrichten fehlleiten möchte oder gar eine Postkarte heimschicken würde. Lieber nochmal kurz an der Bar anschnauzen lassen: “Was?!! Schorle?!”, “Äh, ja Verzeihung”.

Nix schlimmer, als wenn man denkt, ich könnte locker mal kurz rausgehen und eine rauchen. Leidenschaft sieht anders aus. Niemand rennt auf den Balkon und zündet sich eine Zigarette an, wenn’s drinnen richtig saugut wird. Gasoline sagt: “Ich ruf’ Dich an wenn was passiert”. Das ist das Kreuz mit dem Blues: ohne Arme keine Kekse. Und wahrscheinlich wäre all das hier im Zwölfzehn oder zuzüglich etwas Leidenschaft wesentlich mehr zu Hause. Ob das Kitty, Daisy & Lewis künftig in die Porsche Arena oder in die Röhre führen wird – keine Ahnung.

Das Irre: den ab und an fast frenetischen Jubel haben sich die Geschwister trotzdem verdient. Denn die Rockabilly-R’n'B-Nummer ironiefrei ins Dudelradio zu führen ist eine Leistung, die man ihnen gar nicht hoch genug anrechnen möchte.

Ach komm … liebe sich, wer kann.

Seit Mitte der 1990er brodelt es im schwedischen Örebro. Wie mir Magnus Pelander mal bei irgendeiner Gelegenheit erzählt hat, war es ein Einzelner aus dem Freundeskreis, der damals plötzlich diese Rock-Platten aus den 1970ern anschleppte und mit dieser Entdeckung eine Welle von Örebro-Doom anstieß, die mit bis heute zunehmender Höhe über die westliche Hemisphäre rollt. 1995 gründeten sich dann Norrsken als erster Psychedelic Rock-Offspring, mit drei Demos an Veröffentlichung noch relativ arm. Aus deren Auflösung 2000 gingen neben den von Magnus gegründeten Witchcraft eben auch Graveyard hervor, die uns heute endlich im Zwölfzehn beehren. Vor zwei Jahren waren die beiden Bands sogar gemeinsam auf Tour, machten aber einen Bogen um Stuttgart.

An Bandgründungen aus diesem Umfeld gibt es aber noch mehr zu verzeichnen: Norrsken-Schlagzeuger Kristoffer Sjödahl machte nach dem Ende von Norrsken mit Dead Man weiter, familiär verbunden ist Norrsken- und Graveyard-Sänger Joakim Nilsson mit Asteroid, aus Witchcraft ergaben sich unterdessen Troubled Horse und die herrlichen, wenn auch musikalisch etwas anders orientierten The Winchester Widowmakers. Alles Örebro. Wobei man, wenn man schon diese illustren Namen aufzählt, die musikalisch verwandten Schweden Horisont und Sienna Root nicht unerwähnt lassen sollte.

So, das sollte mal reichen, um jedem Suchenden einen ersten aktuellen Psychedelic Rock-Overkill zu verpassen, es sei denn man wollte sich noch mit Spirit of the Dead beschäftigen, die für Graveyard als zweite eröffnen. Die erste Band des Abends, die Stuttgarter King Chrome, orientieren sich ja mehr am Südstaaten oder Stoner Rock. Der Vierer aus Oslo allerdings mischt eine ganze Reihe verschiedener musikalischer Einflüsse aus dem klassischen Psychedelic Rock mit einigen aus dem Stoner-Bereich, ohne sich einzelnen Vorbildern zu sehr anzubiedern. Freilich kommt hier dieses Feeling noch nicht so richtig auf, das den späteren Abend kennzeichnet. Die vielteiligen Stücke wechseln das Tempo fortwährend und schwanken zwischen ruhigen Passagen mit getragenen Solomelodien der Gitarre oder ganz leisen Klängen, die an Colour Haze erinnern, und heftigen aber immer nur kurz auftretenden Riffs. Als Anspieltipp möchte ich auf den selbstbetitelten Song verweisen. Bei ihrem kurzen Auftritt lassen die Jungs nichts anbrennen, so springt Sänger Ragnar Vikse beispielsweise auf die Bar, um das Publikum anzuheizen. Die Band ist kein schlechter Einstieg, kann aber mit dem Löwenanteil des oben genannten leider irgendwie nicht so ganz mithalten.

Dass Graveyard heute alles an die Wand spielen, war jedoch ohnehin klar. Über die Publikumszahlen können sich Radio Clash und das Zwölfzehn nicht beschweren, auch wenn die zahlreichen Vertreter von Graveyards neuer Plattenfirma Nuclear Blast nur die Getränke mit Geld bezahlen, den Eintritt aber einfach mit ihrem guten Namen. Der Getränke-Fluss ist nicht unerheblich, auch gehen der Bar schon bald die Biergläser aus. Da ja Freitag und nicht Donnerstag Feiertag ist, halte auch ich mich ans Bier, wenngleich ich feststellen muss, dass der Sound der Schweden auf etwas ganz anderes Lust macht: Ähnlicher Farbbereich, etwas dunkler, schärfer, rauchiger – und ohne Kohlensäure.

Nicht schwer zu sagen, woran das liegt. Vintage Sound. Psychedelischer Blues Rock mit phantastischer Stimme à la Led Zeppelin. Eingängige kraftvolle Gesangsmelodien mit griffigem Text. Etwa bei „Hisingen Blues“: „Nothing lasts forever“. Das kann der Örebro-Doom ohnehin gut. Wenn auch hier ganz ungewöhnlich schnell. Der ganze Sound ist rauchig. Vor allem die Stimme. „Uncomfortably Numb“ dann ist freilich nur beim Titel an diesem anderen Song angelehnt. Es ist der ruhigste und langsamste Song. Schöner Blues. Tut weh. „We both know we drift apart“, singt Joakim. Sie treffen einfach den Ton. Und man bekommt Durst – um dieses zuschnürende, kratzige Gefühl im Hals loszuwerden. Da bleibt man nicht distanziert. Kann ich auch beim Schreiben nicht, zumal nebenher wieder das neue Graveyard-Album läuft.

„When was the last time that you felt alive“, heißt es in “Bying Truth”, bei dem sich – schon einige Songs später – die zwei Gitarrenmelodien gegenseitig voran treiben, gehetzt vom Schlagzeug. Das hat schon deutlich zugenommen seit dem ersten selbstbetitelten Album, von dem wir neben einer ganze Anzahl anderer Songs auch „Thin Line“ zu hören bekommen, das ganz deutlich zeigt, in welchem Punkt Witchcraft, Graveyard und Asteroid zusammen hängen. Und das ist ja auch gut so, bei dem musikalischen Turkey, auf dem uns Witchcraft zurück gelassen haben, muss man doch stündlich mit deren Auflösung rechnen. Zum Schluss bekommen wir noch eine Zugabe. „Very nice to be here“, sagt einer der Musiker, nicht Joakim, ich kann aber nicht sehen, wer. Das ist mehr eine Aussage über das eigene Empfinden als Publikumslob und damit sehr sympathisch. Auch weil man sich direkt anschließen kann. Doch bald schon ist das Konzert vorbei. Noch auf dem Nachhauseweg geht mir immer wieder der Aufschrei des Publikums durch den Kopf: „We want more, more, more“. Graveyard sind und bleiben eben „Satan’s Finest“.

Er sieht so ein bisschen aus wie eine Offiziersmesse, dieser verrauchte Raum im Untergeschoss des Kap Tormentoso, in welchem seit vier Jahren immer wieder Konzerte kleiner, vor allem lokaler Bands stattfinden. Die Wände sind rot gestrichen, dominierend in der Mitte steht der Niedergang aus der darüber liegenden Bar. Auf der einen Seite des Raumes stehen einige Tische, auf der anderen die gerne voll besetzte zweite Bar. Seestücke zieren die Wände. An der Längswand, zwei Stufen hoch, befindet sich Stuttgarts möglicherweise kleinste Bühne, gerade tief genug für ein Schlagzeug und mit den vier Instrumentalisten von Zippo schon so überfüllt, dass Sänger Davide, genannt Dave, vor den Stufen sozusagen im Publikumsraum stehen muss.

Nun, da wir hier sind, lässt uns die Band mit Heimathafen in Pescara, Italien, nicht mehr von Bord. Sie steuern ihr Heavy Psych-Schiff durch einen zähen sandigen Ozean, dessen hohe Wogen beständig in unser Gehör branden. Heavy Psych ist ein überwiegend in Italien gebrauchter Begriff zur Bezeichnung stark vom Psychedelic Rock beeinflusster Stoner Rock-, Stoner Metal- oder Doom Metal-Bands. Langsam spricht er sich aber herum, der Begriff, denn auch die US-amerikanische – na ja – Heavy Psych-Band Nebular verwendete ihn unlängst zur Betitelung einer EP. In Italien ist diese Musik, wie gesagt, in der Metal-Szene sehr populär, was vielleicht mit an der goldenen Ära liegen kann, welche der Psychedelic Rock in den 1960er und ’70er Jahren dort erlebte.

Von diesen Einflüssen bringen die Jung auch eine ganze Menge mit: Ihre Musik ist selbst an den Stellen, an welchen sie von einzelnen Riffs dominiert wird, wesentlich komplexer, als was man sonst so an Stoner Zeug zu hören bekommt. Dennoch sind das gar nicht die Stellen, an denen sich die Band voll entfaltet. Man muss eher sagen: je psychedelischer, desto besser. Obwohl sie immer einfach erfassbar bleiben und sich nicht in größerem Gefrickel ergehen und somit sicherlich auch für den klassischen Indie-Fan interessant sind, bleiben sie stets originell und überraschend. Wenn man die Trademarks auf drei einfache Nenner bringen will, könnte das so klingen: Die beiden Gitarren spielen über weite Strecken verschiedene, gegeneinander laufende klare, gelegentlich sogar bluesige Melodien; dazwischen fügen sich immer wieder interessante Rhythmuswechsel oder knirschende Sandriffstürme ein; schließlich reichern sie ihren Sound mittels Effektgeräten mit den seltsamsten Tönen an, die man einer Gitarre entlocken kann. Oben drüber liegt der Gesang, meist von Dave, aber auch die beiden Gitarristen – Sergente und Franz, so die Künstlernamen – sowie der Bassist dürfen mal ans Mikro. Dieser Gesang hat nicht immer Text, sondern wird auch auf Vokale oder Einzelsilben beschränkt als zusätzliches Melodieinstrument eingesetzt.

Einige Stücke sind, wie Dave uns wissen lässt, ungewöhnlich ruhig. „Simum“ vom neuen Album etwa beginnt ganz leise, mit einzelnen seltsamen Gitarrentönen und steigert sich dann immer weiter gen Ende hin, so wie man das auch von vielen Postrock-Bands kennt. Über die schönen Melodien kann man gedanklich wegdriften, bis man wirklich die Wüstensonne auf den Kopf brennen und das Deck des virtuellen Schiffes über die Dünung rollen spürt. Das scheint freilich dann auch der Band Probleme zu machen, denn das Schlagzeug von Ferico rutscht während des Gigs stetig näher zum Bühnenrand, sodass Bassist Stonino (ital. „Stonerle“) sich während der Songs dagegen stemmen muss.

Das Publikum findet an den Italienern so viel Gefallen, dass anhaltend nach einer Zugabe verlangt und mit zwei weiteren Songs auch gegeben wird. Nach „El Enyerbado“ folgt „Mitote“, das wechselweise von treibenden Rhythmen oder – endgültig durchgeknallt – einer äußerst seltsamen Gitarrenmelodie getragen wird, die klingt wie ein schizoider Delphin auf Acid.

Zwei Eindrücke nehme ich schließlich mit, als ich dieses Wüstenschiff wieder verlasse: Erstens freue ich mich jetzt noch mehr auf die anstehenden Konzerte der Stoner Rocker Acid King (6.4., Kellerklub) und der Psychedelic Rocker The Flying Eyes (13.4., Zwölfzehn). Und Zweitens sollte ich unbedingt Paulo Coelhos Roman „Der Alchimist“ – eine Art psychedelische Schatzsuche – lesen, der einen so zentralen Einfluss auf die Musik von Zippo hat, dass sogar das neue Album „Maktub“ (arab. „es steht geschrieben“ oder „Schicksal“) mit einem Begriff betitelt ist, der in dem Roman eine Schlüsselrolle zu spielen scheint. Die psychedelische Schatzsuche im Kap Tormentoso war aber schon mal in jeder Hinsicht bereichernd.

Meine Güte, auch schon wieder drei Jahre her, als ich extra in die große Stadt (Hamburg) gefahren bin, um u.a. BRMC live zu sehen. Dass diese jetzt nach Stuttgart kommen, nimmt der Erinnerung etwas die glamouröse Exklusivität.
…Rummaulen, wenn nix kommt, und wenn was kommt, dann ist es auch nicht Recht, jaja.
Ernsthaft, gespannt bin ich wirklich darauf, ob sie es auch diesmal schaffen werden, ein solch monströs überzeugendes Konzert wie damals abzuliefern. Ihr aktuelles Album hat mich ja seltsamerweise etwas unbeteiligt gelassen, obwohl es eigentlich auch nicht viel schlechter klingt als die sehr tollen Vorgängeralben.

Das LKA ist gut gefüllt, und Punkt Neun geht es ohne Vorband gleich los. Und gleich die erste Parallele zum damaligen Konzert: man braucht etwas, um in den Konzertabend reinzufinden. Von wenigen Ausnahmen abgesehen, bevorzugt das Trio ein gemäßigtes Tempo. Man fragt sich ob das gut gehen kann, das ist doch zu lahm, wo bleibt der Kick?! Aber Geduld, spätestens ab dem dritten Song Red Eyes And Tears bekommt man eine Ahnung wie das hier funktioniert.
Das ist ein langsam anziehender Sog, ein Strudel aus meist verschleppten Beats und Wänden aus verbluesten Fuzzgitarren, der nach und nach seine unwiderstehliche Wirkung entfaltet.
Genial, wie sie am Ende des Songs das Tempo plötzlich halbieren, und damit dem Song noch mal einen unglaublichen Pusch geben.

Bad Blood und der Titelsong des neuesten Albums Beat The Devil’s Tattoo sind die nächsten Songs, die zeigen, dass die Rezeptur aus bluesigem, whiskey-getränktem Voodoo-Psychedelicrock bestens funktioniert. Die Songs sind simpel, man glaubt das schon zig mal gehört zu haben, und doch gibt es nicht viele Bands, die Rockmusik so lebendig, so gut klingen lassen.
Die Band kam ja Anfang der Nuller mit den ganzen anderen The-Bands hoch, dabei kommen sie aus einer ganz anderen musikalischen Ecke, als der schnelllebige Krempel die anderen Indie-Disco Tanzflächenfeger. The Brian Jonestown Massacre, The Raveonettes und The Dandy Warhols sind hier die klanglichen Verwandten.

Gitarrist Peter Hayes, von weitem inoffizielles Syd Barrett lookalike, spielt ab und an mal Mundharmonika, und wechselt sich beim Gesang mit Basser und Gelegenheitsorganist und -pianist Robert Levon Been ab.
Langeweile kommt so gut wie gar nie auf. Dafür sind die Songs zu gut, die Band weiß wie man Dynamik buchstabiert, und außerdem wechseln sich reine Akustiksongs wieder mit lautem Rock ab.

Ain’t No Easy Way Out ist ein fast schon fröhlicher Bluessong, während der fantastische Doppelschlag 666 Conducer und Rifles neue Weltrekorde an psychedelischem Gitarrenhall aufbietet.
Schnell geht auch, was Berlin und Weapon Of Choice bezeugen. Bei letzterem wird mal wieder klar wie unendlich geil Rockmusik doch sein kann. Haare im Gesicht, Gitarre baumelt in der Lendengegend, und die Textzeile besagt “I won’t waste my love on a nation”. Danke schön, volle Punktzahl, alles richtig gemacht. Falls ich mich jemals tätowieren lassen sollte, wird das diese Textzeile sein.
Nach einem solo am Piano vorgetragenem Stück von Mister Been, folgt der Hit Whatever Happened To My Rock’n Roll. Der erfreut sich bester Gesundheit möchte man antworten.

Und wieder ein Solopart, diesmal trägt besagter Been Dirty Old Town und das wunderbare Weight Of The World an der Gitarre vor.  Entzückend, bewegend!
Irgendwann lass ich das Mitschreiben der Songtitel bleiben, und lass mich einfach nur noch von der Musik tragen. Klappt wunderbar, bis das letzte Stück des Hauptsets einen wieder auf den Boden zurückholt. BRMC haben auch ihr eigenes Smoke On The Water, das gespielt werden muss. Spread Your Love heißt es, ist ein Riesenhit, und die Crowd surft dazu.

Wir kratzen mittlerweile an der Zwei Stunden Grenze und dennoch gibt es noch massig Zugaben. Zuerst gibt Herr Hayes mit tollem Fingerpicking auf der Akustikgitarre und schöner Mundharmonika einen Song zum Besten, dessen Titel mir partout nicht einfallen will. Complicated Situation hingegen fällt mir wieder ein.
Beim nachfolgenden Shuffle Your Feet wird er von Beene am Schellenkranz begleitet, während Schlagzeugerin Leah Shapiro rhythmisch mitklatscht. Sehr, sehr tolles Stück, sehr toll dargeboten.

Nach 135 Minuten wird man noch mit einem Lullaby Duett der beiden Jungs in die feuchtkalte Nacht entlassen. Sehr super war’s mal wieder, es war vielleicht nicht dieses Ausnahmekonzert wie in Hamburg, aber in Sachen Rockmusik eines der Highlights meines Konzertjahres.

Und da ja jetzt die Grippesaison bevorsteht, hier noch der aktuelle BRMC Gesundheitstipp: Spread Your Love Like A Fever!

Wanderer kommst Du nach Stuttgart, Du musst wissen, wir haben hier alle den Blues. Die Füchse und Feldhasen sind schlecht gelaunt. Im Stadtpark schläft keiner mehr gut, seit Robin Wood in den besetzten Platanenwipfeln schnarcht und tagsüber die Bagger toben. Dem Landesfürst singen sie am Tag der offenen Tür in der Villa Reitzenstein „ol’ man river“ auf Schwäbisch und der Stadtvater ist nachts davon geritten. Er saß zitternd auf dem Rücken seines treuen Gauls und sang dabei leise „Ich bin ein armer einsamer Kuhjunge“.

Doch im Hafen liegt Hoffnung vor Anker. Ein alter Schaufelraddampfer „The Mississippi Song-O“ liegt am Kai, „C. W. Stoneking and the Primitive Horns“ haben Landgang und werden mit uns im 1210 unsere Wunden lecken und haben das neue Album „Jungle blues“ im Seesack. An Deck hält Steamboat Willie solange die Stellung. Der illegitime australische Sohn von Popeye und der Boogeyfrau weiß genau, was zu tun ist und wird dabei keine Miene verziehen. Zwei Bläser, ein Bassist mit Tuba und ein Schlagzeuger stehen ihm zur Seite. Stoneking spielt Banjo und Stahlsaitengitarre und singt von den Härten und der Pein des Lebens als Weltreisender Bluesman. Er hat ordentlich Reissnägel gefressen wie Tom Waits, jodelt wie Hank Williams, dem die Luft ausgeht und pfeift wie Ilse Werner. Robert Johnson hat ihm die Kreuzung gezeigt, wo der Teufel Dir Deine Seele abkauft und Big Bad Smitty gab seinen Segen dazu.

Es gibt Songs vom neuen Album und vom Vorgänger „King Hokum“. Das Banjo wird ordentlich gedengelt und die Bläser lassen ihre Instrumente jaulen, kein Solo darf zu lange dauern, Jazz wird woanders gespielt. Der Tubist mit Bass legt zusammen mit dem Schlagzeuger den Teppich und Stoneking lächelt nie im Rotlicht. Solo und gemeinsam, der Chef ist immer der Mann mit der kleinen roten Fliege und sonst keiner. Straßen- und Kneipenszene aus New Orleans gibt’s als kleine Talking-Blues-Einlagen, dann klingt die Truppe wie der Beerdigungszug aus „Live and let die“ und Stoneking schaut finster wie Mr. Big. Calypso- und Exotica-Elemente bekommen wir gratis dazu. Aber bei Harry Belafonte klang das niemals so verzweifelt. Das schwäbische Publikum ist begeistert. Seit Äffle und Pferdle vom Funk den Blues hier eingeführt haben, wissen wir den gepflegten Weltschmerz immer zu schätzen. Einzelne Damen winden sich in Schlangentänzen, die Herren mit und ohne Hut wippen zustimmend mit dem großen Zeh und nicken mit dem Kopf, aber bitte nicht zuviel bewegen.

Es gibt einen Frage-Antwort-Song für’s Publikum und da hat Stoneface Stoneking vielleicht doch ein wenig, ein klitzekleines bisschen gelächelt. Fotograf Andreas hat’s aber nicht erwischt und somit fehlt der Beweis.

Nach dem etwa einstündigen Set, gibt’s noch eine Zugabenrunde und dann ist Schluss. Obwohl das Publikum sich alle Mühe mit dem Applaus gibt, pfeift, jubelt und schreit (es ruft sogar einer „oben bleiben“!!!), weiss Stoneking, dass man immer aufhören muss, wenn’s am schönsten ist und das war es wirklich. Sein Mojo war mit ihm und er weiß, im Hafen heizt Steamboat Willie bereits den Kessel für die Weiterfahrt nach Berlin. Wenn er in der Hängematte in der Kajüte sanft in den Schlaf geschaukelt wird, könnte man sehen, dass ein Lächeln auf seinem Gesicht liegt. Aber wer schaut schon einem einsamen Bluesman beim Schlafen zu?

Hier gibt’s noch mehr Fotos.

Wie hatte ich mich letztes Jahr darüber gefreut, dass die einzigartige One-Man-Band-Maschine Bob Log III aus Tucson, Arizona, nach fast 10 Jahren wieder in die Manufaktur hätte kommen sollen. Die Show, besser die gesamte Tour wurde jedoch aus guten Gründen abgesagt: Bob Log habe sich beim Sturz aus einem Schlauchboot während eines Konzerts in Australien den Hals gebrochen, war auf seiner Myspace-Seite zu lesen. Jetzt, was hat der Typ während einer Show in einem Schlauchboot verloren, könnte man sich fragen. Wer die aktuelle Scheibe mit dem sehr guten Titel “My Shit Is Perfect” in den Händen hält, kann im Innenleben die Erklärung finden – die Schlauchbootnummer ist, oder besser war ein Teil der Show, Crowdsurfing deluxe, nämlich aufrecht sitzend und noch Gitarre spielend, hat sich Bob Log auch an diesem Abend in Australien über das Publikum tragen lassen, dann kam der unfreiwillige Ausstieg – den Rest übernehme ich von Myspace: “As he was falling he tried to protect his guitar like all real guitar players do. The guitar is fine but at the expense of a neck and a back.” Nach der Show bei einer Tasse Bier hat er uns gegenüber das Ganze etwas relativiert, er fände es aber gut, wenn das Gerücht vom gebrochenen Hals sich festsetzen würde.

Abgesehen davon, dass die Boot-Nummer aus dem Showeinlagen-Katalog gestrichen sein dürfte – es wäre heute nicht ganz einfach gewesen, vor 10 Jahren hätte es gar nicht funktioniert – wegen viel zu wenig Wasser in der Wanne, sprich Publikum. Immerhin, gut dreimal mehr Leute sind anwesend, es hätte aber gerne noch mehr sein dürfen.

Bob Log ist mir schon von seiner früheren Band, dem Duo Doo Rag bekannt. Echten Eindruck hat damals bei mir das Gerücht hinterlassen, dass Doo Rag die favorisierte Band von Drew Barrymore gewesen sei. Ein heute anwesender Kumpel, der die Band persönlich kennt, legt noch einen drauf: So habe der Doo Rag Drummer Thermos Malling ihm gegenüber behauptet, Beck habe ein komplettes Doo Rag Album geklaut, lediglich die Vocals habe der Slacker natürlich geändert, damit es nach Beck klingt. Sehr sympathisch, wer mit solchen Geschichten hausieren geht. “Die Lieblingsband von Drew Barrymore” – ich haben diesen Scheiß tatsächlich geglaubt.

Geschichtenerzähler und Drummer extraordinaire Thermos Malling, der übrigens eine Besigheimerin geheiratet und sich auf dem Ludwigsburger Marktplatz respektabel verewigt hat, wurde von Bob Log durch eine Bassdrum und ein Hi-Hat ersetzt. Der Sound ist nicht mehr so arg arg Low-Fi wie Doo Rag und hat jetzt bereits das vierte oben erwähnte Album überlebt, diesmal nicht mehr wie zuvor auf Fat Possum erschienen, sondern auf dem Schweizer Vodoo Rhythm – beides top Labels!

Los geht’s: Bob Log kommt im Anzug natürlich mit spezial Helm (integrierter Alt-Telefonhörer als Mikro), Gitarre spielend auf die Bühne gelatscht. Nach dem ersten Midtempo-Stück schält er sich aus dem Anzug, und sein weiteres Trademark, der enge Overall, kommt zum Vorschein. Soweit alles ungefähr so wie vor 10 Jahren. Aber Bob ist heute noch besser drauf. Der Sound ist super, das findet auch der Mann mit dem Helm und fordert dem Ton-Mann einen Tequilla auszugeben, für sich selbst fordert er 2 Scotch “On The Rocks”, die auch prompt eintreffen, und bei einem kurzen “Bandmeeting”, wie er es nennt (er und seine Gitarre), in den Schlund gekippt werden. Scotch scheint sein Drink zu sein, hat er diesem doch ein Stück “Boob Scotch” gewidmet, das natürlich gespielt wird. Wie er spielt, muss man echt gesehen haben, die Saiten werden irgendwie mit allen Fingern angeschlagen und gezupft, und das in Höchstgeschwindigkeit. Wie schwer es sein muss gleichzeitig auch noch beide Füße im Einsatz zu haben, zu Singen, zwischendurch witzige Sprüche zu klopfen und obendrauf auch noch ganz ordentlich zu Picheln – es muss sauschwer sein, das ist nur was für einen Profi. Ihm macht die Show offensichtlich auch mächtig Spaß, so viel, dass er verkündet heute nur die Sachen zu spielen, die er wirklich mag – was aber er aber bei jeder Show macht – lässt er uns wissen. Ich bin auch die ganze Zeit am grinsen, die Kombination aus Überschall-Gitarre, gelegentliche Claps vom Drumcomputer, und amtlichen Rock n’ Roll Posen muss einfach gefallen. Und alle Hits kommen: “String Around A Stick” vom Debüt, ein Stück, das er als “fastest goddamn Song” beschreibt, gefolgt vom “happiest goddamn Song”. Vom aktuellen Album natürlich auch die Single “Bump Pow! Bump Bump Bump Pow!(x4)”. Was leider nicht gelingen will, ist die Nummer mit den zwei Frauen, die eigentlich zu “I want your shit on my leg” (wieder grandioser Titel) auf die Bühne kommen sollen, und die gute alte Hoppe-Hoppe-Reiter-Nummer auf seinen Oberschenkeln absolvieren sollten. Es sind nur leider zu wenig (angetrunkene) potenielle Reiterinnen anwesend, wahrscheinlich gar keine. Auf dem Cover seines meiner Meinung nach stärkstem Album “Log Bomb” kann man sich den Spaß anschauen. Auch das hat er im Griff, hat er doch eine Tour-Freundin in Form einer Tassen-Puppe dabei – Duplikate lassen sich am Merch für 15 € erwerben, er erzählt uns nach der Show von seiner echten Frau in Australien (neue Heimat) schon Ärger wegen der Tour-Fräuleins (Tassen!) bekommen zu haben. Genau, seine Frau Nicole Kidman oder Dings, Drew Blanchett…

Vom Log-Bomb-Album kommt auch noch “Rattler”, ein Killer, im wahrsten Sinne des Wortes, er kündigt die Nummer als Stück über ein Tier an, kann eigentlich nur eine Klapperschlange sein.

Grandiose Show – Your Shit IS perfect!

Hier gibt’s noch mehr Fotos.

Emanzipiert. Wenn wir mal ehrlich sind: Die ersten paar Lieder brachten die Eagles Of Death Metal nur an den Mann und die Frau, weil Josh Homme von den Queens Of The Stone Age am Schlagzeug sitzt. Das macht er mittlerweile nicht mehr sehr oft. Doch seinen Freund Jesse Hughes hat er ganz geschickt in die erste Reihe gerückt.

Da steht der nun, tänzelt rum wie Paul Stanley 1978, bolzt Charme, zupft sich den stattlichen Schnauzbart, schiebt sich die Sonnenbrille ins Haar wie das nur Mini Cooper-Fahrerinnen, Grafikdesigner oder Geschäftsführer im Toskana-Urlaub  können. Dann singt er herzerwärmend solch dusselige Zeilen wie “I can be your daddy, be your rock n’ rolla’ / You can be my sugar, be my cherry cola”. Der Typ neben mir trinkt keine Cola. Eigentlich trinkt er gar nicht. Er wirft seinen halb vollen Bierbecher nach vorne. Einfach so. Dann wackelt er mit dem Hintern wie nur Männer das tun, die noch nie James Brown haben tanzen sehen.

Am Schlagzeug wiederum sitzt jetzt Joey Castillo, hauptamtliche Queen of The Stone Age und früher mal bei Danzig, Wasted Youth und weißderteufelwonoch, der nicht nur trommelt, sondern auch mit Bravour circa vier Kilogramm Kaugummi kaut und Blasen macht wie ein Profi. Brian O’Connor spielt Bass, und das sieht manchmal sehr witzig aus, weil der Mann die Statur eines imposanten Bahnhofskneipiers hat und das Instrument da klein wie eine Ukulele aussieht, Dave Catching spielt Gitarre – wenn er sie nicht gerade in die Luft hält  – und keiner überarbeitet sich am Instrument.

Wozu auch? Das hier ist organisierter Spaß. Nicht so rustikal wie Fürze anzünden, Melodienrülpsen, Cannstatter Wasen oder Rorschach-Tests mit Erbrochenem – aber nix worüber man aufgeregt eine Postkarte nach Hause schreiben würde. Nicht mal die verdächtig vielen Träger von Turbojugend-Jacken im LKA werden das tun. Die haben schließlich schon Feuerwerksraketen gesehen, die zwischen Pobacken gezündet wurden.

So was machen die Eagles natürlich nicht. Sie machen Späßchen, spielen ab und an Lieder für die man die Rockband von Nebenan mit Bierflaschen, Autoreifen oder Bauzäunen bewerfen würde und verteilen ihre Hits wie “Cherry Cola”, “Wannabe in L.A.”, “I Only Want You” und “I Want You So Hard (Boy’s Bad News)” berechnend gut über die manchmal sehr zähen 70 Minuten. Zwischendrin schinden sie derart unverschämt Zeit, dass sie in der Bundesliga schon mehrmals vom Platz geflogen wären.

Hier im LKA nicht, da darf Hughes unbehelligt alleine auf der Bühne stehen und ein paar Gassenhauer zum Besten geben – während sich der Rest seiner Band ausruht. Ist aber auch schwer, dem Typ etwas Übel zu nehmen. Er grinst kurz und dann ist alles irgendwie in Ordnung. Wenn Hughes nicht lacht, dann sprüht er anderweitig Charme und reicht Komplimente an Lidl-Verkäuferinnen, Frauen im Allgemeinen, die anwesenden Jungs und bringt das Ranschmeissmannöver Nr. 1:  Er klärt über seine frisch erworbenen Deutschkenntnisse auf. “Ich bin stinksauer auf dich” und irgendwas mit “Muschikatze”. Wer übrigens jemanden kennt, der das Wort “Muschikatze”  ab und an wirklich sagt – bitte melden.  Nur so.

Aber wie jeden guten Tresenwitz, sollte man auch den hier nicht zu ernst nehmen. Lachen, Abputzen und weiter. Anders machen’s die Eagles auch nicht. Hier eine Pointe für die größtenteils sehr freundlich gesonnen 500 Leute, da ein bisschen Altherrenrock, ein paar abgehangene KISS-Riffs und weiter geht’s zum nächsten BoogieWoogie-Spaßrock Liedchen.

Troy Van Leeuwen, ebenfalls Queen Of The Stone Age, spielte mit seiner Band Sweethead auch mit. Viel mitbekommen habe ich nicht. Rock und eine blonde Frau, die auf den Knien rumrutschte und irgendwie sprechsang und ächzte wie Kim Gordon back in the day.  Auch eine gute Ausgangslage für Spaß. This City, die andere Band vorneweg eher nicht: EmoSportPopcore mit Gesang, der ein bisschen so klingt wie das was man hört, wenn einer sagt “Du sorry hey, ich hab gerade ganz schlechten Empfang, ich fahr in einen Tunnel”. Egal, Abputzen und weiter.

Mehr Fotos von EoDM gibt’s hier.

The Wombats sind pussierliche Tierchen, drei Buben mit Liverpudlian Akzent, die mit nur einem Album jede Menge Hits für Kids abgeliefert haben. Natürlich spielen sie sie alle: „Kill The Director“ und auch „Let‘s Dance To Joy Divison“ – und die Jungen und Mädchen tanzen dazu Ringelreihen.

Auch das britische Duo The Ting Tings bietet Hits für Kids. „Great DJ“, „Shut Up And Let Me Go“ und „That‘s Not My Name“ heißen die. Die Ein-Album-Bands haben es nicht leicht an diesem Tag gegen die großen Namen wie Pixies, Kraftwerk und Faith No More anzustinken. Die Seitenscheitel-Jungs tanzen trotzdem tapfer im Regen weiter.

Die Welt der Katy Perry ist rosarot: Flamingos, Männer in Apricot-Sakkos und aufblasbare Erdbeeren. Die Kommentare der Gäste reichen von „Barbiepuppe“ über „die kann ja Gitarre spielen“ bis „geile Schnitte“. Es ist durchaus mutig, einen Act wie Katy Perry für das Southside-Festival zu buchen. Aber dann: erwischt – alle singen sie mit bei „Hot & Cold“ oder „I Kissed A Girl“.

Aus dem Retrotöpfchen kommt Duffy, die wie eine cleane Version von Amy Winehouse scheint. Das walisische Mädchen ist sehr adrett angezogen, hat eine wunderbare Soulstimme, aber klingt, nun ja, etwas langweilig eben.

Dritter Tag = Legendentag. Die Pixies schlurfen auf die Bühne, allein Bassistin Kim Deal sagt mal „Guten Tag“ und immer wieder „Dankeschön“. Der launige Frank Black muss auch nicht viel sprechen bei diesen tollen, lärmenden Liedern. Es hagelt kurz, dann ein Regenbogen. Das sind eben die Pixies.

Man kann es kaum glauben, aber Moby ist ein guter Entertainer. Der Wirbelwind auf der Bühne erzählt, wie stolz er sei, auf derselben Bühne wie Kraftwerk aufzutreten und auf dem gleichen Festival wie die Pixies zu spielen.

Und während Moby seine Party-Techno-Lieder mit Instrumenten in Szene setzt, weht der Wind „Ring Of Fire“ von Social Distortion herüber. Zu denen wurde hier von Michael Setzer schon alles gesagt.

Es scheint alles beim Alten. Der Beat wabert, die Visuals beeindrucken mit pulsierenden Strichen und Brausetabletten im Wasserglas, die Computerstimme singt von „Computerliebe“, und „Radio-Aktivität“ erklingt. Man sieht die Umrisse vier regungsloser Männer an Stehpulten, die manchmal grün wie Außerirdische beleuchtet sind. Und ja: Es ist ein Auftritt wie von einem anderen Stern. Ein Konzert der Mensch-Maschine Kraftwerk, die leider fast zeitgleich wie Faith No More auftreten.

Deshalb gibt es bald an dieser Stelle noch viel mehr über das wilde Bühnentier Mike Patton zu lesen.

Hier gibt’s mehr Fotos von The Wombats, The Ting Tings, Katy Perry, Duffy, The Pixies, Moby, Social Distortion und Faith No More

Alte Männer, Folge 2.

AC/DC ist wohl eher so ein Männerding. Von 90 000 Fans auf dem Hockenheimring ist der Großteil männlich und trinkt viel Bier. Selten so eine lange Schlange vor der Männertoilette gesehen, selten so ein Fantum erlebt. Denn hier trägt wirklich jeder ein AC/DC-T-Shirt.

Das muss ihnen erst einmal einer nachmachen. Dieses Fantum. In zwölf Minuten essen manche zu Mittag, andere rauchen zwei Zigaretten. AC/DC verkaufen in dieser kurzen Zeit über 300 000 Karten für ihre Stadiontournee in Deutschland. Weltrekord!

Wirtschaftsminister Karl-Theodor zu Guttenberg schaute sich das Spektakel in München an, in Hockenheim am Freitag Abend ist Klaus Meine von den Scorpions zu sehen. Ein Konzert von AC/DC ist ein Männerding. Das Publikum ist vor allem männlich und laut. Wenn AC/DC live spielen, haben erwachsene Männer glasige Augen vor Freude, halten ihren Plastikbecher fest in der Hand oder spielen in aller Öffentlichkeit auch mal Luftgitarre. Ach ja, die gute alte Zeit. Und ja: Let There Be Rock. Auf dem Hockenheimring ist der Teufel los. Wortwörtlich. An jeder Ecke gibt es Haarreifen mit Teufelshörnern zu kaufen, die später im dunklen Rund so lustig leuchten.

AC/DC gibt es seit 1973. Die Band steht keineswegs für Innovation. An diesem Abend gibt es mal wieder einen Sound in diversen Variationen. Und Angus Young trägt natürlich wieder seine Schuluniform mit Krawatte und kurzen Hosen, beherrscht das Gitarrenspiel nach wie vor und auch noch seinen bekannten Scherenschritt. AC/DC sind die Traditionalisten des Hardrocks, auch wenn Brian Johnson ständig „Rock‘n‘Roll“ sagt. Testosteron liegt in der Luft.

Mit einem Knall geht es los. Die Leinwände zeigen einen Zug, der dann aus dem Virtuellen ins Reale tritt und eine Riesenlok türmt sich auf dem Monstrum, das sich Bühne nennt, auf. Sie dampft aus allen Ecken und hoch droben da leuchten zwei rote Teufelshörner. Natürlich folgt „Rock‘n‘Roll Train“, einer der vielen Klassiker, die es auf dem Hockenheimring zu hören gibt an diesem Abend. AC/DC spielen ein zwei Stunden Set, in dem sie auch „Highway To Hell“ und „TNT“ unterbringen, ein paar Lieder ihres aktuellen Albums „Black Ice“ und ein ellenlanges Gitarrensoli von Angus Young, zu dem es glitzernde Konfettis regnet.

Die Männer an meiner Seite sagen Sachen wie „voll geil“, was man ihnen im normalen Leben nie zugetraut hätte.

Hier gibts mehr Fotos vom Konzert und von den Fans